Aryadne Xavier

Quando surgiu na mídia em 2015, Billie Eilish ainda caminhava a passos tímidos ao lado de seu irmão e parceiro mais íntimo na Música, Finneas O’Connell. Juntos, eles criaram uma das canções mais tocantes do ano, Ocean Eyes, e deixaram como marca registrada esse jeito único de gerar uma composição: sincero, sentimental e com um ar de caseiro, que aproxima o ouvinte do autor com  uma verdade quase universal. Em todos seus trabalhos, essas características ficam marcadas, mas em Hit Me Hard and Soft, Eilish escancara todos os seus sentimentos e se expõe de ponta a ponta em cada uma das canções. Muito mais madura e consciente do que faz, a artista eleva o nível técnico de suas produções e sua poesia emociona ainda mais. Nesse ponto, já nem faz sentido não assumir a estrela musical que ela é.

Mesmo tendo começado jovem, sua carreira soma números expressivos. Indicada às quatro categorias principais do Grammy aos 17 anos e vencedora destas aos 18, Billie Eilish comprovou que criar Música não é uma ciência exata, entretanto, tudo que ela toca pode, sim, virar ouro. Em seu álbum de estreia, WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO? (2019), a cantora apresentou um pop gótico e refletiu sobre pesadelos e traumas em uma musicalidade que prendeu a atenção de todos, fruto da parceria com O’Connell. No sucessor, Happier Than Ever (2021), trouxe um ar mais maduro, de quem superou as questões anteriores e se deparou com as dúvidas que a vida adulta traz. Já em seu novo trabalho, Eilish nos leva a passear por pensamentos e emoções ao longo de dez novas músicas. 

A expectativa sobre o terceiro trabalho da cantora de 22 anos era altíssima. Depois de surpreender o mundo com uma estreia marcante e acumular prêmios, incluindo duas estatuetas do Oscar e um retorno de alta qualidade, não se esperava nada menos que o fenomenal, de novo. Billie Eilish é certeira ao abrir o trabalho com SKINNY, em que expõe seus pensamentos de maneira visceral. Ao dizer que “os vinte e um demoraram uma vida inteira”, a intérprete demonstra uma ponta do peso que é ter se tornado uma superestrela global antes mesmo de ser considerada uma adulta no próprio país, e fica mais claro que, a partir de então, só veremos o que há de mais genuíno da artista.

E essa autenticidade segue até a faixa de encerramento, BLUE, amarra o tópico de forma sensível. Começando com o instrumental de uma música nunca lançada oficialmente, True Blue, mas que deixava um ‘gostinho’ de querer mais nos fãs desde 2016, Eilish retorna ao início de sua carreira, reconstrói passagens do que há de mais recente em seu trabalho, finaliza e, subitamente, quebra o ritmo. A inventividade sonora da parceria com seu irmão se tornou marca registrada ao cativar todos com Happier Than Ever, porém, aqui se abre com um ar de dúvida e divagações. Ao terminar com a simples frase “Mas quando posso ouvir o próximo?”, a cantora traz o ouvinte para terra firme novamente, quase como um aviso de que o mundo não poderia parar – e desacelera nossos pensamentos ao nos presentear com uma viagem sonora nos pouco mais de quarenta minutos do álbum.

O passeio por diferentes sonoridades talvez seja um dos maiores trunfos. O medo de não se encaixar não passa nem em pensamento: a musicista se joga por inteiro e passeia desde o soft-funk de LUNCH até a propositalmente quebrada ao meio L’AMOUR DE MA VIE, que sai de um conjunto de vocal e guitarra até um electro-synth como o puxar de um band-aid da pele. E a troca dos ritmos não se limita apenas às faixas, sendo um universo fluido dentro de uma própria canção. Em um momento no qual o mercado musical se adapta ao formato propagado pelas mídias sociais e trends, a performer nos entrega músicas de quatro a cinco minutos, produzidas tão primorosamente que nem percebemos o tempo passar.

A estrondosa CHIHIRO, canção inspirada na animação japonesa A Viagem de Chihiro, produzida em 2001 pelo Studio Ghibli, carrega diversas referências à jornada da protagonista do filme, que se mistura com a trajetória da própria intérprete. No videoclipe lançado posteriormente, fica ainda mais clara a relação e o respeito a obra de Hayao Miyazaki, ponto que reforça aquilo que aproxima os dois, porém também demonstra a singularidade de cada um dos trabalhos.

O passeio é sombrio em alguns momentos e florido em outros. Em BIRDS OF A FEATHER, o sunshine pop faz até esquecer que a letra inicia com uma pitada de humor sádico: “Eu quero que você fique até que eu esteja no túmulo, até que eu apodreça”. Em letras que passeiam por desilusões e paixões, e traumas e alegrias, a cantora se redescobre e se reapresenta à sua legião de fãs, sem a pretensão de criar um produto apenas para manter o público atualizado ou para viralizar. 

Ela está em todos os detalhes, do videoclipe à produção, da performance ao pensamento de cada frase. Em uma era de discos mornos no mundo pop, que se prende em um único gênero e exploram sempre os mesmos tópicos, um álbum sentimental que passeia com maestria por novos estilos sonoros se destaca e chama o público a uma imersão única. Aos 22 anos, Billie Eilish comprova, novamente, que sabe o que está fazendo e que, felizmente, esse é apenas o começo.

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Guilherme Barbosa

Billie Eilish entrou para a história em 2020, na 62ª edição do Grammy Awards, quando seu álbum de estreia aclamado, WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?, ganhou o prêmio de Álbum do Ano, o que a tornou a garota mais jovem a conquistar essa categoria. Ao longo das 14 faixas que compõem o disco, a artista navegou por diferentes sentimentos, desde os melancólicos até os mais obscuros.

O trabalho da cantora começou a gerar notoriedade em 2016, quando ela lançou a doce ocean eyes. Desde o início de sua carreira até seus trabalhos mais recentes, ela sempre abordou emoções profundas em suas músicas. Em idontwannabeyouanymore, a insegurança e autocrítica são exploradas por um viés de vulnerabilidade e honestidade. Já em seu álbum de estreia, ela se questionou para onde vai quando dorme e devaneia (ou será que não?) por pesadelos e sonhos.

O conjunto da obra, produzido juntamente de seu irmão, Finneas O’Connell, é uma jornada que se aprofunda pelo inconsciente do eu lírico. Utilizando elementos do pop, eletrônico e Música alternativa, os terrores noturnos surgem em faixas como a eletrizante bury a friend. Esse mergulho nas profundezas da psique humana é uma característica de seu trabalho, que entrega aos fãs uma narrativa emocionante e sonoridade única.

É perceptível que as composições de Eilish permitem inúmeras interpretações, afinal, o inconsciente muitas vezes é  subjetivo. A canção em destaque – no verso onde menciona o título do disco, “Quando todos dormimos, para onde vamos?” –, as reflexões podem ser acerca do desconhecido, a morte ou o subconsciente. Essa perspectiva mostra como suas letras trazem profundidade e complexidade em suas narrativas.

Grande fã do Terror, Eilish encontrou inspiração em um de seus filmes favoritos, O Babadook (2014), para criação de seu álbum, incluindo a arte da capa que, de forma emblemática, consegue retratar excelentemente todos os elementos trabalhados em WWAFA,WDWG?. Os adjetivos demoníaca e sombria talvez sejam os mais adequados para descrever o que é a belíssima Fotografia. Sob a direção de Kenneth Cappello, todos os desejos da cantora foram habilidosamente reunidos, produzindo o material impecável.

Não havia dúvidas de que uma obra tão bem produzida seria um sucesso estrondoso. Aos 18 anos, Billie Eilish lançou seu primeiro álbum em Março de 2019 e, imediatamente, mostrou o que viria a ser na indústria musical. Tornou-se a cantora mais jovem a ser indicada às principais categorias do Grammy, teve o álbum mais reproduzido no Spotify e também o mais vendido daquele ano. 

E quanto vale entrar para a história? Com seu sucessor, o melódico Happier Than Ever (2021), a artista tinha o desafio de atender a expectativas devido aos feitos do antecessor e inovar com seu novo álbum. O sucesso não foi diferente, e a obra estreou no topo da parada musical Billboard 200. Cinco anos depois, seu primogênito ainda é memorável e ficará marcado com seus feitos. A artista mostra para o que veio com sua criatividade e autenticidade, e se estabelece no cenário musical como um ícone global.

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Thuani Barbosa

Se você está procurando algo fofo e divertido, mas que tenha sua pitada de realidade e lição de vida, Red: Crescer é uma Fera é o filme certo. Mantendo uma estética focada nos anos 2000, a era dos tamagotchis e boy bands, a animação esbanja fofura, musicalidade e tradição. Lançado em março de 2022, o longa animado faz parte do conjunto de produções da Pixar com a Disney, assim como Luca, Soul e Viva: A Vida é uma Festa. 

O filme, originalmente chamado de Turning Red, é comandado pela diretora e roteirista Domee Shi, responsável pelo curta-metragem Bao, que lhe rendeu um Oscar na categoria Melhor Curta-Metragem de Animação, em 2019. Já Red é sua estreia em longas na Pixar, cujo lançamento deveria acontecer nos cinemas, mas, devido à pandemia e ao crescimento dos catálogos de streaming, chegou diretamente no Disney+. A produção também foi o primeiro longa-metragem do estúdio a ser dirigido unicamente por uma mulher.

A trama se inicia apresentando a protagonista Meilin Lee (voz original de Rosalie Chiang e dublada por Nina Medeiros na versão brasileira), uma pré-adolescente canadense com descendência chinesa, espontânea, animada e extremamente amável. Mei tem fortes laços com sua família, principalmente sua mãe (voz original de Sandra Oh e dublada por Flávia Alessandra), e ambas cuidam do templo da família, dedicado aos ancestrais e aos pandas vermelhos, em Toronto. Ming se mostra uma mãe controladora e extremamente preocupada com o futuro de sua filha, deixando-a pressionada à perfeição, limitando o tempo de Mei-Mei às tarefas e filtrando as amizades da garota.

Entretanto, suas amigas Miriam (Ava Morse), Priya (Maitreyi Ramakrishnan) e Abby (Hyein Park) são parte fundamental da história. Simpáticas, excêntricas e fofas, elas possuem suas próprias paixões e estilos, como toda adolescente comum, mas são unidas pelo amor Philia. Após sua primeira transformação em panda vermelho, frustrada com a fera que a habita, Mei-Mei se descontrola e encontra no amor pelas amigas seu lugar de paz e tranquilidade. Contudo, o grupo das meninas se mantém firme não somente pelo poder da amizade, mas também pela boy band 4*TOWN.

As letras da banda 4*TOWN foram compostas pelos ícones do pop atual Billie Eilish e Finneas O’Connell, recém ganhadores do Oscar de Melhor Canção Original pela música No Time To Die. Os irmãos escreveram canções especialmente para o filme: Nobody Like U, o hit de maior sucesso, U Know What’s Up, uma canção de empoderamento, e 1 True Love, com uma letra mais romântica e melodiosa. Todas são cantadas pelos rapazes talentosíssimos: Robaire (Jordan Fisher), Aaron Z. (Josh Levi), Aaron T. (Topher Ngo), Jesse (o próprio Finneas O’Connell) e Tae Young (Grayson Villanueva). O papel do quinteto na trama está diretamente ligado ao amadurecimento das garotas, sua liberdade de expressar os sentimentos e admiração por seus ídolos, mesmo que questionados pelos pais. 

Outro ponto de destaque para a animação é a diversidade facilmente encontrada em várias cenas e personagens, como no zelador muçulmano da escola, ou em Priya, que possui descendência indiana e recebe, por parte da direção, importância para com sua cultura e ancestralidade, atitude demonstrada em outras produções, como a já citada Viva, em que a atenção aos detalhes foi vista com a montagem dos altares e representações culturais. Tais qualidades foram colocadas a prova com a dublagem nacional, e com certeza reprovaram, pois a atenção que os produtores tiveram ao escolher dubladores que contemplassem a nacionalidade de seus personagens não tiveram qualquer consideração na versão brasileira.

Os gráficos utilizados também foram muito criticados pelos internautas, uma vez que a postura anterior da Pixar foi produzir filmes mais clássicos e com traços mais robustos, como a franquia Toy Story. Já a Disney, parceira nas criações, tem um lado mais versátil, focando em momentos diferentes.  Portanto, a crítica dos fãs veio da fofurização do desenho, julgando que o estilo Pixar se aproxima mais de gráficos como os de Raya e o Último Dragão, que são menos caricatos, corroborando a ideia de inversão dos papéis entre as produtoras. Mas, a reclamação do público não está totalmente  correta, uma vez que ela ignora a versatilidade da produtora.

Ao fim, a história mergulha em vulnerabilidade, mostrando o quanto cada pessoa tem suas feridas e como elas podem afetar gerações, reafirmando a frase dita no início: “Honrar os seus pais parece ótimo, mas se não tomar cuidado pode acabar não honrando a si mesmo”. Red: Crescer é uma Fera apresenta um diálogo atual sobre o amadurecimento e pressão social e familiar, e ainda assim consegue manter a graciosidade de uma menininha de 13 anos, com toda a sua espontaneidade e paixões. O longa animado deixa uma mensagem de liberdade, pois Meilin libertou sua fera interior e a deixou guiá-la. E você, vai abraçar a sua fera?

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Guilherme Veiga

Sem tempo para morrer, e com menos tempo ainda para estrear. Inicialmente planejado para vir ao mundo no longínquo último ano normal da terra, 2019, pelas mãos de Danny Boyle (Trainspotting, Quem Quer Ser um Milionário?), o último capítulo da era Craig sofreu de inúmeros adiamentos. Primeiro, Boyle abandonou o projeto por diferenças criativas e Cary Joji Fukunaga (Beasts of No Nation, True Detective) assumiu o longa, fazendo com que ele fosse jogado para 2020, e azaradamente fosse o primeiro a puxar a fila de adiamentos por conta da pandemia de covid-19. Isso fez com que o filme só conhecesse as salas de cinema em setembro de 2021, 6 anos depois do capítulo anterior, maior intervalo de tempo entre filmes do agente desde 007 contra GoldenEye.

Naturalmente em Hollywood, muitos adiamentos são um sinal de mal presságio, um exemplo recente é o terror (literalmente) que a Fox — em seu último projeto pré-venda — fez com Os Novos Mutantes. Sem Tempo Para Morrer felizmente não sofre dessa maldição, e isso se dá pela própria natureza da franquia Bond ao longo das décadas. Sinônimo de realeza, os filmes são recheados de pragmatismo e distinção, sem pressas ou sem correr riscos, assim como a corte britânica. E isso, com perdão do trocadilho, garantiu um comportamento espectral entre as obras, e nos longas de Daniel Craig isso fica bem mais nítido, onde os altos e baixos são visíveis e intercalados. E seguindo a ordem natural dessa curva, após o excelente 007 – Operação Skyfall e o nem tão excelente 007 – Contra Spectre, nada mais justo que se despedir de Daniel Craig em alta.

Se provando a Meryl Streep da categoria — além das já esperadas indicações ao BAFTA — Sem Tempo Para Morrer conseguiu sua cadeira cativa no Oscar mais uma vez com a indicação em Melhor Canção Original por No Time to Die, performada por outra queridinha das premiações, Billie Eilish (e composta, como sempre, em parceria com o irmão Finneas O’Connell). A faixa talvez seja uma das melhores dessa safra, perdendo somente para Skyfall na voz de Adele, e, se seguir o mesmo caminho dos títulos anteriores, certamente levará o careca dourado para casa. O longa também foi indicado na categoria Melhor Som e na de Melhores Efeitos Visuais, na qual o páreo é um pouco mais duro, e, se a tão pedida categoria de dublês saísse do papel, certamente seria o franco favorito.

Os 163 minutos de duração podem assustar no começo, porém, o longa entrega uma típica aventura episódica de James Bond e as mais de 2 horas e quarenta passam despercebidas em um filme que te prende do começo ao fim com sequências impecáveis de ação. A obra é uma ode ao legado tanto de Bond quanto de Craig, lotado de piadas internas para fãs e referências, como por exemplo, Bond se aposentar e ir para a Jamaica, local onde Ian Fleming escreveu os primeiros contos do agente. Porém, filmes de longa duração naturalmente evocam a reclamação de que se poderia tirar “uns 30 minutos” sem comprometer a obra, e nesse caso, tal protesto é válido. Fica nítido as barrigadas que o roteiro dá para preencher a obra e adiar a despedida.

Aliás, a despedida e a quase certa renovação da franquia se mostram necessárias aqui, pois é onde o desgaste da marca em seu processo de produção começa a ficar mais evidente. Os roteiristas, à frente das histórias desde 1999, mostram que não têm o mesmo tato para conduzir a narrativa, razão pela qual Phoebe Waller-Bridge (Fleabag) foi escalada, pelo próprio Craig, para revisar o texto. Sem conseguir arrumar a bagunça que eles mesmos fizeram em Spectre, a escrita se perde ao explicar a organização e suas consequências nesse filme, uma prova é o descaso que o texto tem com Blofeld (Christopher Waltz), praticamente jogando o personagem no lixo.

Outro exemplo é o vilão principal Safin, vendido como um dos mais inteligentes do universo Bond, e até tem uma construção interessante com a cena inicial de tirar o fôlego, mas no fim, é só um lunático que parece ser fã do Dr. No, ficando muito abaixo do excelente Silva de Javier Bardem em Skyfall e até mesmo de Blofeld, que também tinha sido maltratado pelo roteiro. A única coisa boa que esse vilão traz é a prova de que a estatueta para Rami Malek (Mr. Robot, Bohemian Rhapsody) em 2019 foi um dos maiores devaneios recentes da Academia. Aqui, entre suas forçadas de sotaque, ele constrói um antagonista extremamente caricato que não combina com esse Bond. Mais uma que deixa a desejar é a Madeleine Swann de Léa Seydoux, que desenvolve uma performance muito sem sal. Para efeito de comparação, em A Crônica Francesa, lançado no mesmo ano, ela se entrega muito mais, mesmo tendo menos espaço e fala, porém apoiada pela força do texto e da direção. Curiosamente, os dois piores personagens são os que mais o roteiro explora.

Porém, a escrita tem seus méritos e eles precisam ser lembrados. Alguns personagens são bem inseridos e funcionam bem na história, começando pelo próprio Bond. Aqui, o texto enfoca o lado humano do agente e o constrói através de bastante sentimentalismo, fazendo com que nesse filme ele esteja menos Bond e mais Craig, decepcionando alguns e conquistando outros. A nova 007, Lashana Lynch (que venceu a categoria popular de Estrela em Ascenção no BAFTA), mostrou lidar bem com o papel e desenvolveu uma ótima química com Bond, preenchendo em alguns momentos — e de forma diferente da convencional — a lacuna de uma bond girl não estabelecida na obra. Se não fosse pela pressão injusta que sofreu, Lashana seria uma 007 muito promissora. Por último e não menos importante, é válido o destaque para Ana de Armas, que aqui repete o trabalho ao lado de Daniel Craig depois de Entre Facas e Segredos. Mesmo com pouco tempo de tela comparado com a duração (um verdadeiro pecado) sua personagem Paloma rouba a cena.

E Daniel Craig é a personificação dessa mudança de ares. “Controverso”, “rústico”, “covarde”, “insosso”, “baixinho” e até mesmo “loiro”; esses foram os adjetivos usados para desqualificar a escalação de Craig em 2006. O próprio ator tinha desconfiança quanto ao papel, muito por não achar que a personalidade de Sean Connery e companhia poderiam ser replicadas atualmente, muito menos por ele. Para sorte de Craig, era intenção da dupla de roteiristas Neal Purvis e Robert Wade renovar a história antes mesmo do anúncio da mudança de ator. E essa decisão conjunta foi muito significativa pois atribuía a Bond agora um status de personagem do imaginário, e não mais um modelo de masculinidade ultrapassado.

Muito além de um smoking sob medida, um martíni, um sex appeal de falastrão e uma licença para matar, o Bond da era Craig consegue ser mais do que isso. A redoma de vidro que separava personagem do público foi quebrada e os cacos criaram feridas no agente secreto como questões com o luto, traumas de família, problemas com álcool e até mesmo frustrações amorosas, até então inimaginadas para a máquina de sedução criada por Fleming e representada pelos cinco atores anteriores. Mesmo estando mais realista do que nunca, outra renovação da franquia é iminente, e se, tanto esse último filme como todos os outros vão ficar à sombra de Skyfall, o próximo ator a vestir o manto vai permanecer na sombra do maior James Bond da história.

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