Costanza Guerriero

30 é a idade do sucesso! Essa era a ideia que as páginas da revista Poise apresentavam para a jovem Jenna Rink (Christa B. Allen), em meio às cores, hits e looks da década de 1990. A imagem de mulheres magérrimas, elegantes, sensuais, e ainda, donas de suas próprias carreiras: a mulher de 30 anos faz tudo e de tudo, enquanto uma jovem de 13 anos pode apenas tirar péssimas fotos para o livro do ano e encher os sutiãs com papel higiênico. Vinte anos depois, as paredes da casa dos sonhos já estão um pouco desbotadas, mas será que ainda restam o glitter e pó do desejo nos quais De Repente 30 estava envolto em 2004? 

13 going on 30 (no original) chegou aos cinemas brasileiros em Agosto daquele ano e marcou uma geração que cresceu na era de ouro das comédias românticas de Hollywood, junto de seus contemporâneos: O Diário da Princesa e Como se Fosse a Primeira Vez. O longa-metragem, estrelado por Jennifer Garner e Mark Ruffalo, narra a história de Jenna (Christa B. Allen), que no seu desastroso décimo terceiro aniversário desejou tão fortemente ter 30 anos, que foi transportada para dezessete anos depois. Na badalada cidade de Nova York, ela tem tudo que sempre sonhou: um enorme apartamento, um closet recheado de grifes e o cargo de editora na revista que lia quando pré-adolescente. O que ela não esperava, é que a Jenna adulta (Garner) não é uma pessoa tão legal quanto ela imaginava e seu melhor amigo Matt (Ruffalo) não fala com ela há tempos. 

Distribuída pela Columbia Pictures, a produção apostou em um tom divertido, no qual a química entre Ruffalo e Garner acontece no plano futuro, como se fosse uma espécie de sonho da protagonista – o que parece ser insinuado no primeiro take do filme com um céu azul ensolarado envolto de purpurina cor-de-rosa. Uma das principais críticas feitas pelo espectador de 2024 é apontar que Matt teria se apaixonado por uma garota de 13 anos no corpo de uma mulher. Tal acontecimento não é ponderado quando se olha pela perspectiva de que tudo seria fruto da imaginação da menina. Contudo, enquanto parte do público atual busca problematizar a trama, a outra metade ainda continua completamente deslumbrada por um dos mais consagrados friends to lovers do Cinema. 

Enquanto o romance entre Jenna e Matty é trazido sem malícia, algumas outras cenas de Garner com o coadjuvante Samuel Ball, intérprete do namorado da Jenna de 30  anos, refletem o estranhamento que uma adolescente teria com um homem mais velho fazendo streaptease. Garner conta que, na época, o desconforto da personagem era o que ela de fato estava sentindo ao gravar a cena, mesmo tendo a mesma faixa etária do colega de elenco. A forma como Jenna rejeita o namorado que sua versão adulta havia escolhido, deixa claro o que seria inapropriado e pouco atraente para uma menina, e a inocência do amor sentido na adolescência floresce quando ela valida o carinho e a diversão que vive com seu melhor amigo, mesmo que tudo ocorra na sua imaginação. 

De Repente 30 carrega ainda outra problemática comum à época ao reforçar o estereótipo do corpo ideal magro e esbelto. O audiovisual da década de 2000 indubitavelmente foi um poderoso soldado da ditadura da beleza, que assombrou toda a geração millennial e que, hoje, é combatida com maior responsabilidade quando distúrbios de imagem e alimentares são retratados nas produções. Ainda que o filme reconheça o problema nesse discurso, mostrando como a substituição de mulheres reais por modelos causa a baixa autoestima de jovens mulheres e o que o bullying deve ser condenado, a mensagem fica pouco explícita, da mesma forma que ocorre em obras contemporâneas a ele como Mean Girls (Ano de lançamento) e Confissões de uma Adolescente em Crise (Ano de lançamento).

O bullying está bem representado no clichê das ‘Seis Gatinhas’, o ‘grupinho’ das meninas populares que Jenna tanto sonhava em fazer parte. A líder delas, Tom-tom (Alexandra Kyle) ou no salto temporal conhecida como Lucy (Judy Greer), acaba por ser aminimiga da protagonista, mas, apesar de quando criança ser um projeto de Regina George, na versão adulta, ganha a sagacidade de Greer, dando um toque cômico e irônico para a vilã. A qualidade do elenco é admirável, sobretudo quando se fala na escolha dos atores, crianças e adultos, não apenas pela incrível semelhança entre Greer e Kyle, mas também das próprias intérpretes de Jenna. A escolha foi tão certeira que Christina B. Allen chegou a interpretar, novamente, a versão mais jovem de Garner no filme Minhas Adoráveis Ex-Namoradas, de 2009. Vinte anos depois, Allen ainda é a cara de Garner, como mostra em seu Tik Tok.

Dirigido por Gary Winick e roteirizado por Josh Goldsmith e Cathy Yuspa, o longa-metragem bebeu da fonte de filmes como O Mágico de Oz (1939), A Felicidade não Se Compra (1946) e Quero ser Grande (1988), mas, apesar de se inspirar em renomados musicais, não se enquadra no gênero. O que ocorre é uma magnífica trilha sonora envolvente, assinada por Theodore Shapiro, trabalhando com a nostalgia de uma geração, que hoje são considerados clássicos do pop e também das comédias românticas. 

A dança ao som de Thriller, de Michael Jackson, que anima a todos na festa da revista Poise, já é consagrada como uma das melhores cenas da produção, mas antes de chegar lá, temos a icônica cena de Jenna descobrindo seu closet repleto de sapatos, vestidos e maquiagens ao som de I Wanna Dance with Somebody, na versão de Whitney Houston. Desse modo, o espectador é envolto por uma seleção musical que automaticamente o transporta para o final da década de 1990 e início de 2000, com Ice Ice Baby de Vanilla Ice e Love is a Battlefield de Pat Benatar.

Não podemos deixar de citar Rick Springfield, o maior ídolo de Jenna, aparecendo em vários momentos, como na televisão de tubo no seu aniversário de treze anos e, até mesmo, em miniatura dentro da casa dos sonhos, que Matty constrói para ela. Jessie’s Girl tem seu momento especial em um dos cortes derradeiros, quando a protagonista está na sua clichê cena de perseguição do amor verdadeiro antes que ele se case com outra, em meio ao trânsito de táxis amarelos em Nova York. 

O figurino da produção é algo que cintila até os anos atuais. Não deve-se passar um mês sem que as redes sociais façam referência ao vestido colorido Versace, cuja réplica foi utilizada por Ariana Grande em um episódio do The Voice (2021) e por Bruna Marquezine, em 2023. A estética Y2K carregada pela peça retomou atenção nos anos dois mil e vinte, de modo que não apenas o icônico vestido, mas também os acessórios coloridos, jóias extravagantes e enfeites de cabelo pontiagudos utilizados por Jenna sejam corriqueiramente lembrados. A extravagância das lantejoulas e a lucidez do colar de borboletas utilizados no início da trama, aos poucos, vão sendo substituídos por looks mais sutis, vestidos floridos e calças jeans, acompanhando o desenvolvimento e amadurecimento da personagem, que para de acreditar nas modelos estampadas na fictícia revista Poise e passa a se compreender como uma pessoa de verdade.

A figurinista Susie DeSantos, em uma entrevista a People Magazine, conta que não imaginava a tamanha referência da cultura pop que o vestido Versace seria, contudo, o making of do filme, Making of a Teen Dream, aponta o desejo do diretor Winick em trabalhar com grandes marcas que, por fim, marcaram a década com suas coleções. Dentre elas, podemos citar Dolce & Gabbana, Miu Miu e Marc Jacobs. Essas grifes não vestiram apenas Garner, como também Greer em suas sensuais calças de cintura baixa e regatas de renda, além de Ruffalo, mesmo em suas simples vestes, que puderam refletir a personalidade introspectiva do fotógrafo.

O desenvolvimento da protagonista é bem refletido pelas vestimentas ao longo do enredo com ajuda da trilha sonora. A música Vienna de Billy Joel é centro da trama, quando Jenna percebe que mesmo tendo tudo aquilo que ela sempre sonhou na infância, de nada adiantava se ela as havia conquistado com mau caráter e longe das pessoas que verdadeiramente a amam. É o maior momento de reflexão no filme, no qual todos os jovens adultos podem se identificar. Se lembram quando desejamos tanto sermos adultos? Pois bem, esse momento chegou e é muito mais difícil do que imaginávamos. Jenna se enfiando na cama para dormir com a mãe e comendo panquecas em formatos de ursinho, representa aquilo que todos desejamos no momento em que as coisas se complicam: voltar a ser criança por um instante, na segurança e no acolhimento dos pais. O arco de redenção da personagem ocorre no momento em que se destaca na apresentação da nova imagem da revista que trabalha.

O monólogo de Jenna torna toda a mensagem do filme bem explícita, de uma forma até muito simplista, o que faz sentido considerando que a trama foi desenvolvida para o público juvenil. A jovem mulher propõe que a revista represente pessoas reais, do cotidiano das leitoras: como suas vizinhas; primas; meninas do colegial;  irmãs; entre outras. Assim, para que as garotas cresçam com representações de beleza real em cada etapa da vida e sejam incentivadas a aproveitar o que é bom em cada fase. 

Duas décadas após sua estreia, De Repente 30 pode não ser mais a primeira escolha do público para qual foi originalmente desenvolvido; os conceitos e as relações mudaram e muitas das referências já não fazem mais sentido. Contudo, a produção ainda é um excelente entretenimento para aqueles que cresceram assistindo ao filme na Sessão da Tarde. Hoje, disponível na Netflix para sempre que precisarmos nos lembrar de desacelerar e celebrar quem um dia já fomos. 

O post Duas décadas depois, De Repente 30 é apenas para os nostálgicos apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Costanza Guerriero

“Eu não sou uma estilista. Eu uso as roupas para contar histórias”, disse a figurinista Jenny Beavan após ganhar o Oscar de Melhor Figurino pelo filme Cruella. Sua frase define bem o que a categoria representa, ou deveria representar, dentro da indústria cinematográfica. A Moda pela Moda deixa de existir em nome da Sétima Arte e se transforma em uma linguagem visual com um único objetivo final: contar uma história. Desde os primórdios da interpretação, do teatro ao começo do Cinema, o figurino está presente como um elemento essencial na construção de uma narrativa. Ainda assim, a categoria parece ser uma das menos prestigiadas, como ficou claro no Oscar de 2022, quando ficou entre as oito a serem premiadas fora da transmissão ao vivo.

Destaca-se que a Moda e o Cinema possuem muitos pontos em comum, sendo ambos linguagem multimidiáticas, que trabalham com a narração. No audiovisual, a comunicação se dá de maneira mais óbvia, contando histórias por meio dos sentidos a que remete, enquanto a primeira expressa narrativas de modo mais silencioso, por meio de modelos, tecidos, texturas e artefatos. A união dessas duas artes dá origem ao design de figurino, situação na qual a produção cinematográfica cresce, com as contribuições do estilismo. Apesar do papel essencial das vestimentas nas produções, o Oscar e seus telespectadores insistem em trazer pouca visibilidade para a categoria, o que pode se justificar por três fatores: a associação errônea da modalidade ao binarismo e ao preconceito de gênero, a pouca abertura para novos nomes no costume design, ou ainda a preferência por determinados gêneros cinematográficos, o que, para alguns, pode tornar a premiação previsível e repetitiva. 

Por meio de um entendimento de qual direção a Academia costuma tomar para premiar as melhores vestimentas, e uma análise dos indicados em 2023 é possível desprender algumas problemáticas, desde a criação da categoria, e levantar motivos plausíveis pelos quais esta deveria ser mais prestigiada. A premissa é que um bom filme está diretamente atrelado com um design de figurino notável. Assim, os indicados sempre são as obras que atingem boas avaliações em outras modalidades técnicas, em meio a raras exceções. Esse ano, os cinco indicados a Melhor Figurino também ganham destaque em mais categorias e premiações, o que reforça importância do costume design em meio a falta de interesse pelo departamento.

Começando pela indicação de Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo, o favorito da temporada, inclusive para Melhor Filme, também se destaca pelo figurino assinado por Shirley Kurata. Por outro lado, Elvis parece adotar um favoritismo com produções da veterana Catherine Martin, além de receber outras indicações, como a de Austin Butler para Melhor Ator. Babilônia foi reconhecido pelas criações de vestuário de Mary Zophres e também entrou na disputa para o prêmio de Melhor Trilha Sonora e Melhor Direção de Arte. Em seguida, Ruth Carter assina as vestes de Pantera Negra: Wakanda Forever, filme que ganhou notoriedade nas demais premiações da temporada, e no Oscar, recebe outras três indicações. Sra. Harris vai a Paris é o único que não recebeu menções em outras categorias, contudo os designs de Jeanny Beaven também foram destacados em eventos anteriores.

Como fica claro em todas as indicações desse ano, o figurino na produção cinematográfica é um elemento que auxilia na clareza e veracidade da narrativa. Toma-se como exemplo vencedores de edições anteriores, como O Gladiador, de Ridley Scott, o Melhor Filme do Oscar de 2001 que também levou o prêmio de Melhor Figurino, sendo as roupas umas das responsáveis pela construção da história concisa, que se passava em um império romano convincente. Já em 2004, O Senhor dos Anéis: O Retorno do Rei também levou as duas estatuetas, destacando o vestuário do mundo fantástico de Peter Jackson. 

Além de criar mundos e reviver o passado, as vestimentas por muitas vezes assumem papel central em um enredo, como por exemplo o mistério envolto no traje que oculta Darth Vader em Star Wars, e no próprio indicado deste ano, Sra. Harris vai a Paris, cuja história gira em torno das criações do estilista francês, Christian Dior. Portanto, o figuro serve para situar o tempo e espaço no qual a narrativa é contada, além criar situações, atribuir valores, designar a índole, sinalizar a evolução, o estado emocional e social das personagens.

Mesmo com todas as evidências apontando para a importância do figurino no Cinema, sempre foi dado pouco destaque para o departamento, começando por sua emergência tardia no Oscar. A categoria começou a fazer parte da premiação em 1948, 21 anos após a primeira edição. Nesse momento, a cor, elemento tão importante para Moda e para os filmes, fazia a divisão da modalidade em duas: melhor figurino em preto e branco e melhor figurino colorido. Dos vencedores em preto e branco são destacados os designers de La Dolce Vita de Federico Fellini, por saltar a memória à elegância de Anita Ekberg e Marcello Mastroianni, e os modelos vestidos por Marilyn Monroe em Quanto Mais Quente Melhor, vencedor em 1960. Da subvisão em colorido, Cleópatra, de 1963, é um destaque e o vestuário que dá vida a rainha marca o visual camp, que chegou junto com o cinemascope. Essa distinção foi abandonada em 1957, um marco na história do Cinema como um todo, pois é quando ocorre a consagração da técnica da película em cor. 

Em meio aos anos nos quais a categoria distribuía dois prêmios, foi criado o Sindicato dos Figurinistas, em 1953. Os costume designers sempre viveram perante a resistência do resto da Academia, mas, na época, a indústria cinematográfica urgia por uma reforma que visasse a valorização dos profissionais. Um dos motivos para tal pouco caso pode ser a falsa associação da mulher com a moda, no sentido de “moda é coisa de mulher”, e assim como tudo que é atribuído ao sexo feminino é levado ao desprestigio. Esse binarismo abre espaço para o desmerecimento da categoria, por acabar tendo mais nomes femininos do que masculinos. 

Diferentemente de outras categorias mais destacadas, como Melhor Direção e Melhor Roteiro, a de Melhor Figurino está repleta de mulheres e a falta de consideração para tal pode ser mais um sintoma do machismo incubado na indústria. Seguindo o mesmo raciocínio, uma das maneiras de desvalorizar o trabalho delas é associá-los à futilidade e à inutilidade, bem como aconteceu com a Moda. Esse viés distorcido é ainda mais problemático dentro do Cinema, já que, aqui, as vestimentas possuem uma função além de representar esteticamente os movimentos politicamente e sociais, pois assume papel central nas narrativas.

Dentre os indicados desse ano, nota-se mais um problema com a categoria: a falta de espaço para figurinistas emergentes. A Academia se repete ao nomear e premiar diversas vezes os mesmos designers, dando pouco espaço e incentivo para novos nomes. A pessoa mais indicada na história da modalidade foi Edith Head, figurinista dos anos 50 que vestiu tantas vezes a atriz Audrey Hepburn. Incluindo os prêmios por Princesa e o Plebeu, em 1953, e Sabrina, em 1956, ela venceu oito estatuetas, em um total de 35 indicações. Em 2023, a vantagem vai para Martin, que já venceu o Oscar duas vezes e, além de Bevan e Carter, que possuem uma vitória cada, Zophres já foi indicada quatro vezes. A única profissional que concorre pela primeira vez é Kurata, trazendo uma perspectiva diferente para a categoria.

Sabe-se bem que existem algumas preferências da Academia na entrega da estatueta de Melhor Figurino, o que pode se tornar repetitivo, gerando desinteresse. Porém, algumas dessas predileções se justificam, pois são nessas produções que o design de figurino tem maiores oportunidades para mostrar seu valor. Uma das escolhas preferidas são as obras de época, ainda que nesse ano não haja nenhum filme representante: na história do Oscar, oito já saíram vitoriosas. E não é à toa. Nesse gênero, o costume de design tem a chance de dizer, em claro e bom tom, o poder que possui de transportar para outro tempo. Ajudam a contribuir tanto para a interpretação, ao vestirem imperadores e imperatrizes com em Anna Karenina, vencedor do Oscar de 2013, quanto para a representação mais fiel possível de momentos clássicos, como visto em Maria Antonieta, vencedor em 2007. 

Outro gênero que possui a cara do vencedor de Melhor Figurino para o Oscar é o guarda roupa de mundos fantásticos. Dos clássicos vitoriosos Star Wars e Senhor dos Anéis, esse ano a indicação de Pantera Negra: Wakanda para Sempre representa as vestes de um mundo fictício e extraordinário. A indicação é importante para a designer Ruth Carter, que se consagrou a primeira mulher negra a vencer a categoria em 2018, pelo prequel do MCU. Em uma parceria com Adidas, Carter traz para o filme a junção da tecnologia do design 3D, com referências à mitologia africana e maia, além de elementos e artefatos de tribos africanas reais, como a Mursi e a Surma. Somam-se a isso elementos oceânicos, como conchas e algas, para vestir a civilização aquática, Taloqan. Portanto, a profissional possui o repertório e a propriedade necessários para trazer substância a uma produção na qual a estética do afrofuturismo é um dos focos.

O Oscar também sempre está de olho em produções cuja temática é a própria Moda. Nesses filmes, o costume design tem o seu momento de glória, como em Trama Fantasma, de Paul Thomas Anderson, e Coco Antes de Chanel, de Anne Fontaine. Dos indicados na categoria em 2023, Sra. Harris vai a Paris é o delegado da vez. Além de reafirmar o cenário nos anos 50, a produção da designer Jenny Beavan tinha incumbência de fazer os olhos brilharem com os modelos desfilados nas ruas de Paris e nas passarelas representadas no longa. 

Produções de musicais são uma outra preferência da premiação. Com Moulin Rouge, em 2002, e Chicago, em 2003, houveram obras do gênero vencendo a categoria por dois anos consecutivos. Neste ano, Elvis representa o musical indicado: com as criações de Catherine Martin, o design de figurino vê mais uma vez a chance de replicar vestimentas de figuras emblemáticas. O estilo icônico de Elvis Presley caiu em Butler como uma luva e Martin conseguiu recriar as jaquetas de couro e trajes decotados do músico de maneira que não parecem uma fantasia, mas sim, a própria pele do rei do rock n’ roll. A indicação também é mérito dos deslumbrantes conjuntos utilizados por Olivia Djonga, que interpreta Priscila. A história do artista jamais poderia ser contada sem a presença das roupas espalhafatosas e marcantes do artista. 

Uma indicação que parece estar em desvantagem comparada às demais é a de Shirley Kurata, por Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo. O gênero do filme parece não se encaixar em nenhuma das direções que o Oscar costuma tomar para a categoria de Melhor Figurino. Na realidade, a produção não tem a cara da premiação em nenhum aspecto, contudo, segue sendo a preferida nessa temporada, rendendo prêmios nas mais diversas modalidades. Kurata expressa a representatividade asiática por sua nacionalidade nipo-americana. Contudo, as indicações que costumavam aparecer com esse background remeteram a obras de época da China imperial, como na indicação de O Tigre e o Dragão, de Ang Lee, produção na qual a própria Michelle Yeoh fez parte. Aqui, as vestimentas criadas por Kurata, além de representarem o cotidiano, conquistaram menções graças às peças extravagantes vestidas por Stephanie Hsu e Yeoh nos múltiplos universos. A força do figurino é pela contribuição à estética megalomaníaca e de confusão perpétua, diante da possibilidade de diversas possibilidades que o filme oferece.

Para finalizar o panorama dos indicados ao Oscar de Melhor Figurino de 2023, deve-se sempre considerar a boa parceria entre a direção e o costume designer. Esse ano, destacam-se duas colaborações que funcionam bem em conjunto. A primeira delas já foi citada em Elvis, pois Luhrmann e Martim já trabalhavam juntos para retratar a comunidade artística parisiense de meados do século XIX, em Moulin Rouge!, e novamente em 2013 para conhecer os luxuosos nova-iorquinos da década de vinte em O Grande Gatsby. Porém, a indicação de Babilônia, de Damien Chazelle, reencarna outra dupla dinâmica. 

A figurinista Mary Zophres já trabalhou com Chazelle em La La Land, que, apesar de não ter vencido a estatueta, construiu um dos figurinos mais belos já vistos em narrativas sobre a contemporaneidade. Na produção mais recente, as roupagens estiveram encarregadas de trazer o âmago das personagens dos anos loucos de Hollywood. Uma extensa pesquisa foi feita a respeito das vestimentas dos anos 20 e do próprio estágio no qual o design de figurino se encontrava na época, já que a obra mostra como eram os sets de gravação durante a chegada dos filmes falados. Os trajes representam bem o estado de espírito de cada protagonista e vão acompanhando seus momentos de ascensão e queda. O vestido vermelho de Nellie LaRoy, interpretada por Margot Robbie, se movimentando ao som de majestosos trompetes não será esquecido.

Esse último atributo ajuda a pensar em um elemento que agrega valor à categoria de Melhor Figurino. Afinal, na criação de um longa, o figurinista atua em parceria com os demais profissionais da indústria. Trabalhando de igual para igual e alinhado ao que a direção deseja comunicar, as roupagens constituem um elemento vital para o desenrolar da história e a qualidade de uma produção. Não pode haver um bom filme sem um direcionamento do designer, da mesma maneira que não há função em ótimo figurino dentro de um filme raso. 

Diante do panorama, a excelência do Cinema não pode existir sem o costume design e a existência dessa categoria em grandes premiações serve para consolidar o valor dessa profissão. A Moda e a produção cinematográfica convergem de tal maneira, que na elaboração de trajes convincentes e marcantes, o conceito do estilismo é elevado para outro patamar. O designer de figurino é, acima de tudo, um profissional do audiovisual e deve ser reconhecido como tal. Os melhores figurinistas são aqueles que, antes de adentrar o mundo do estilismo, viviam imersos no mundo cinematográfico e os filmes mais completos são também aqueles que tiveram as vestimentas bem desenvolvidas, de mondo que perduram na memória do público.

O post Melhor Figurino: A importância do costume design no audiovisual vai além do Oscar apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.