Anna Clara Leandro Candido

“Minhas riquezas e tesouros? Se vocês quiserem, eu os deixo pegar. Procurem por ele, deixei tudo naquele lugar!“. Foi com essa icônica frase que uma jornada de mais de 25 anos começou. One Piece, série produzida pela Netflix, é a adaptação em live-action do mangá e do anime homônimos criados por Eiichiro Oda em 1997. Com oito episódios, a produção enfrentou grande resistência do público antes mesmo de seu lançamento em Agosto de 2023. No entanto, apesar dos cortes de conteúdo e da simplificação de algumas tramas, a adaptação do famoso pirata elástico não apenas agradou os fervorosos fãs de longa data, como também atraiu novos companheiros para essa jornada rumo à Grand Line.

One Piece conta a história de Monkey D. Luffy (Iñaki Godoy), um garoto que deixou sua vila com apenas um barco furado e um sonho: encontrar o tesouro do famoso Gold D. Roger e, assim, tornar-se o Rei dos Piratas. Seu carisma, espírito aventureiro e sua autoconfiança tocam o coração de vários personagens ao longo do caminho, reunindo amigos que se juntam à sua desafiadora aventura. Entre eles, estão:  o espadachim Roronoa Zoro (J.J. Jr. Mackenyu), a ladra astuta Nami (Emily Rudd), o contador de histórias Ussop (Jacob Gibson), e o habilidoso cozinheiro e mestre dos chutes Sanji (Taz Skylar). A trama mostra o início dessa aventura, ou seja, como cada um se conheceu e como decidiram buscar seus próprios sonhos e ambições juntos.

Não se pode falar de One Piece sem, primeiro, contextualizar algumas coisas. A mais importante é a magnitude e a relevância da trama. Com 26 anos de publicação na Weekly Shōnen Jump, o mangá superou até mesmo Batman em número de cópias vendidas em todo o mundo. O anime, com mais de 1000 episódios, foi produzido pela Toei Animation e possui uma legião de fãs. Apesar do histórico de sucesso, quando a Netflix anunciou em 2015 que estava produzindo um live-action, a recepção da notícia não foi das melhores por parte dos admiradores de longa data. Porém, após sua estreia, a série foi ovacionada tanto por aqueles que acompanham o título original quanto pelo público que desconhecia a obra.

Logo nos primeiros minutos da produção, podemos perceber que os produtores Marty Adelstein e Becky Clements, ao lado do autor Eiichiro Oda, conseguiram trazer com maestria o mundo de One Piece para a nossa realidade, aproveitando-se de uma linda direção de Fotografia, feita pelas mãos de Nicole Hirsch Whitaker, que só acrescenta à beleza desse universo. Outros desafios foram: tornar os oceanos repletos de enormes monstros marinhos, usar caracóis como telefones e, até mesmo, transformar as ilhas exóticas da história em algo que parecesse real. A equipe cenográfica não apenas realiza essas tarefas com sucesso, como também respeita o material original, ou seja, evitam criar um mundo realista que perca a cor e a vivacidade dos ambientes e personagens, como ocorreu em outras adaptações, a exemplo de Death Note (2017).

O live-action se destaca notavelmente pelo respeito e cuidado com os personagens, especialmente através de atuações marcantes. Iñaki Godoy brilha como Luffy, capturando com maestria a essência carismática do protagonista, enquanto Mackenyu Arata oferece uma interpretação precisa de Zoro, demonstrando seu conhecimento e experiência. Emily Rudd entrega uma interpretação cheia de carga dramática como Nami, transmitindo habilmente as nuances da personagem. Já Jacob Gibson encarna seu papel com Usopp com leveza e diversão, e Taz Skylar se destaca ao combinar charme e carisma como Sanji. Inclusive, o comprometimento de Skylar com o papel é evidente, especialmente ao realizar todas as cenas de luta sem dublês. Dessa forma, a diversidade de talentos e a profundidade das atuações contribuem significativamente para a riqueza da adaptação.

Por falar em lutas, as coreografias de One Piece não decepcionam. Desde as batalhas de espadas de Zoro até os socos de Luffy e os chutes de Sanji, os duelos são executados com maestria e dinamismo. Isso é essencial, já que, embora o personagem principal seja um pirata que estica, não se pode depender de caros efeitos especiais o tempo todo. Estes, aliás, estão muito bem feitos, considerando a complexidade de se adaptar poderes elásticos e habilidades como a capacidade de desmembramento. Embora o CGI tenha algumas falhas e ocasionalmente leve a cenas em ambientes totalmente escuros ou com pouca luz, isso não prejudica a experiência do espectador. Pelo contrário, é tão bem executado que torna crível a existência de um homem de borracha.

O roteiro, escrito por Matt Owens, um grande fã da série, e Steven Maeda, produtor de Lost, segue os principais eventos da história original de forma notável. Eles fazem um ótimo trabalho ao adaptar 45 episódios em oito, mantendo a essência da narrativa presente em cada quadro, ao mesmo tempo em que a ajustam à linguagem seriada. Os capítulos têm um ritmo dinâmico: alternam entre o presente e o passado dos personagens. Isso cria uma história envolvente que atrai aqueles que não estão familiarizados com a cadência narrativa dos animes.

No entanto, algumas mudanças na história do live-action ocasionaram a diluição de personagens e arcos que, na obra original, possuem um peso dramático considerável. As vilas visitadas pelos Chapéus de Palha e seus habitantes se tornaram um mero plano de fundo para o vilão da vez. Dessa forma, a história progride sem explorar o sofrimento dessas pessoas e o impacto que a tripulação causa ao passar por elas. O personagem mais prejudicado por essas alterações foi Usopp. Ele teve menos tempo de tela e relevância em seu próprio arco. Dessa forma, houve uma falta de desenvolvimento adequado de seu sonho e de sua motivação para explorar os mares.

Embora em menor escala, o mesmo acontece com os arcos de Sanji e Nami, que acabam sofrendo com a narrativa hollywoodiana de pensar que o público não é capaz de interpretar as nuances e o peso de uma história mais complexa e subjetiva. No original, o restaurante e a vila onde cada um vive desempenham papéis ativos em ambos os arcos narrativos, adicionando complexidade ao inserir os sentimentos e as expectativas de mais pessoas. Contudo, no live-action, essa participação é reduzida e os personagens secundários passam a ser muito mais parte da paisagem do que do enredo. Com o anúncio da segunda temporada, só nos resta esperar que os produtores levem em conta esses pontos e adaptem os próximos arcos em toda sua complexidade, principalmente porque os novos fãs serão apresentados à Alabasta, uma das sagas mais políticas e importantes da obra original.

A dublagem brasileira é outra joia da obra e acrescenta à experiência de assistir One Piece. Com o retorno de todos os dubladores do anime – com exceção de Luffy, dublado no anime 2D por Carol Valença e, no live-action, por Vyni Takahashi – as traduções das falas para o português ajudam a caracterizar e aproximar os personagens do público, além de arrancar algumas risadas. O elenco conta com nomes de peso como Wendel Bezerra (Sanji), Adrian Tatini (Ussop), Tatiane Keplmair (Nami) e Glauco Marques (Zoro), todos executando um ótimo trabalho a cada fala. 

Por fim, One Piece: A Série é o live-action que quebrou a maldição e, apesar de ter algumas áreas a serem aprimoradas, agradou tanto os fãs quanto aqueles que nunca imaginaram que uma história sobre um pirata de borracha pudesse ser tão envolvente. É uma narrativa que proporciona diversão e emoção para qualquer pessoa, seja ela criança ou adulto. One Piece é uma série de aventura que traz em seu coração as batidas e emoções da liberdade.

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Caroline Campos

Há quem diga que qualquer outra época é fichinha perto da década de 70. Com mais sexo, mais drogas e muito mais sangue, alguns dos clássicos indiscutíveis do terror saíram rastejando do inferno setentista – O Exorcista, Halloween, Suspiria, O Massacre da Serra Elétrica, Carrie – A Estranha podem encabeçar a lista. Para quem não superou Michael Myers e Leatherface, nada melhor para, em pleno 2021, reviver todo aquele bando de gente morrendo esfaqueada, desmembrada ou possuída do que com Rua do Medo: 1978, a segunda parte da trilogia lançada em três sextas-feiras pela Netflix.

Se Rua do Medo: 1994 já foi uma obra ambiciosa e divertida ao ambientar a cidadezinha amaldiçoada de Shadyside e seus moradores assassinos, a diretora Leigh Janiak garante que não está para brincadeira ao voltar no tempo e desenvolver uma história ainda mais frenética e sangrenta. Agora, Deena e Sam são deixadas de lado para conhecermos as irmãs Berman e entender aquele verão caótico de 78 no Acampamento Nightwing, quando o jovem monitor Tommy Slater “teve um surto psicótico” e assassinou a machadadas doze crianças durante a clássica Guerra das Cores de Sunnyvale contra Shadyside.

Apesar de se passar em 1978, é a obra de 1980, Sexta-Feira 13, e seu Acampamento Crystal Lake que dialogam explicitamente com a segunda parte de Rua do Medo. A máscara de hockey de Jason Vorhees dá lugar para um saco medonho que envolve a face do Assassino de Nightwing, um dos serial killers de Shadyside que aterrorizam a vida dos protagonistas do primeiro filme – Simon que o diga. O resultado são 110 minutos de homenagens e referências a slashers clássicos e Stephen King, mas sem perder a própria personalidade no meio de tanta reinvenção.

Por se tratar do filme do meio da trilogia, 1978 provocou menos expectativas do que 1994 e 1666, que se propuseram a iniciar e finalizar uma história de mais de três séculos. No entanto, o protagonismo das irmãs Berman, o clima mórbido e claustrofóbico tanto em cima quanto embaixo da terra e o desenrolar poético e violento da trama roubaram a cena na empreitada de Janiak. A imersão no flashback de C. Berman (Gillian Jacobs) é tão grande que fica fácil se esquecer de uma Sam possuída e amarrada no banheiro e consolida Rua do Medo: 1978 – Parte 2 quase como um filme solo e independente de suas amarras familiares. 

Dessa vez, o roteiro de Leigh Janiak mira e acerta em um melhor desenvolvimento das relações entre personagens, focando, especialmente, em Cindy e Ziggy (não o Stardust), interpretadas por Emily Rudd e Sadie Sink. O amor das irmãs, escondido atrás de xingamentos e frases cruéis, é o motor mais eficiente que um filme de terror como Rua do Medo poderia ter escolhido. Sem muitos paparicos românticos, o eixo da narrativa se volta para o papel das garotas nos últimos passos da única sobrevivente da maldição de Sarah Fier – C. Berman é, de longe, uma das final girls mais interessantes dos últimos tempos.

Enquanto isso, viver em uma cidade assombrada por uma bruxa ainda é algo que os moradores de Shadyside têm dificuldades para engolir. A inconformada da vez é Ziggy, a garota rebelde perseguida pelos companheiros de acampamento de Sunnyvale. Sadie Sink, completamente à vontade no meio do massacre, consegue manter o carisma mesmo enquanto é esfaqueada por um leiteiro-zumbi. Sua personagem é a heroína incompreendida pela qual vale a pena torcer, e nossa Mad Max carrega a coroa do protagonismo com elegância e descontração.

É em Ziggy, por sinal, que podemos perceber as referências mais divertidas do filme: para se vingar de Sheila, surge Carrie; perseguida por Tommy, as machadadas na porta retomam à O Iluminado; quando é xingada nas paredes, a frase “Ziggy chupa paus no inferno” é quase a mesma que sai da boca de uma jovem Regan possuída em O Exorcista. Janiak claramente se entretém ao esconder os detalhes para instigar os fãs de horror mais atentos. 

Bem mais assustador do que o assassino-estilo-Ghostface de 1994, o Nightwing de McCabe Slye eleva o padrão de brutalidade da trilogia ao esquartejar criancinhas vestidas com o azul de Shadyside. As cenas podem não ser 100% explícitas, mas os membros espalhados em poças de sangue e o barulho seco e repetitivo do machado adentrando a pele são suficientes para causar arrepios de agonia ou excitação, dependendo do tipo de espectador. Isso talvez se explique pelo fato de que Rua do Medo: 1978 foi o último dos três filmes a ser filmado, então, como disse em entrevista ao IndieWire, Janiak já estava tão cansada que apenas pediu para “jogar mais e mais sangue em tudo”.

Enquanto a trama da superfície fica responsável por desmembrar Shadysiders, o plot subterrâneo de Cindy e Alice (Ryan Simpkins) mergulha mais profundamente nas artimanhas de Sarah Fier. No segundo longa, a bruxa é retratada como uma verdadeira vilã, que quer, a todo custo, impedir que aqueles adolescentes quebrem sua maldição. Através de um labirinto de cavernas, Sarah ganha personalidade e contornos mais vívidos na história, dando palhinhas de suas falecidas vítimas e provocando o subconsciente das jovens. A mitologia ao redor da bruxa também ganhou uma grande e horrenda gosma para chamar de sua, que, aparentemente, só serve para gerar assassinos, fornecer o exército de moscas que assombram a trilogia e, bem, ser nojenta.

Como se não soubéssemos que tudo daria errado e voltaria a acontecer 16 anos depois, assistir a sequência final de Fear Street: 1978 espanta tanto pela beleza quanto pela violência da cena, como se A Criação de Adão tivesse sido pintada pelas garras sangrentas de Wes Craven. Sarah Fier definitivamente não estava para brincadeira com esse lance de vingança, e Leigh Janiak faz questão de deixar isso claro ao fechar seu filme.

Irreverente, astuto e espirituoso, Rua do Medo: 1978 – Parte 2 é aquilo que os apaixonados por slashers esperam ao dar play em uma obra que se propõe a revigorar o gênero. Apesar da necessidade gritante do roteiro de explicar tudo ao espectador como se fôssemos amebas, o magnetismo da segunda parte da trilogia contagia o suficiente para que o gancho final seja dado com eficiência. Agora, cabe ao passado desenterrar a ossada de Sarah Fier e questionar até que ponto Shadyside é responsável por suas próprias maldições.

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