Fábio Gabriel Souza

A Arte precisa sempre ser inovadora? Essa pergunta guiou a discussão de muitos fãs, especialistas e entusiastas de cultura pop ao escutarem Something To Give Each Other. Troye Sivan, em seu terceiro álbum de estúdio lançado em Outubro de 2023, nos leva a uma viagem dançante, eletrizante e intimista, que celebra a liberdade de expressão queer. Longe de ser inovador e revolucionário, o álbum é o que se propõe a ser: pop. 

Em uma melancólica estreia de 2015, com Blue Neighbourhood, Sivan cantou sobre descobertas e emocionou milhares de ouvintes com uma profunda identificação da comunidade LGBTQIA+. Depois, em Bloom (2018), o australiano, já um pouco mais maduro, versou sobre a vida adulta e suas primeiras experiências amorosas sexuais. Enquanto, nesses álbuns, ele procura seu lugar no mundo com inúmeras descobertas e ‘primeiras vezes’, no atual projeto, o cantor desenvolve uma persona madura e vivida, cantando sobre a sua independência e liberdade, embalado por ritmos que remontam ao pop disco e à Música eletrônica da década de 1980.

“Este álbum é o meu presente para você – um beijo na pista de dança, um encontro que se transformou em um fim de semana, uma paixão, um inverno, um verão. Festa após festa, após festa, após festa. Desilusão, liberdade. Comunidade, irmandade, amizade. Tudo isso <3” 

– Troye Sivan via X

Em Rush, música escolhida como lead single, somos levados a uma noite de ‘curtição’. Com batidas eletrizantes e dançantes, a canção indicada ao Grammy de 2024 canta sobre a cultura LGBTQIA+. Partindo de um estilo sensual e homoerótico, vemos um artista seguro de si e da sua sexualidade, livre para, enfim, celebrar a sua liberdade. Tudo isso é notável em versos como “Tão bom quando desaceleramos a gravidade, tão bom/É tão bom, é tão bom/Respire uma, duas, três vezes, pegue tudo de mim, tão bom”, em que a sexualidade é celebrada. Com um ritmo enérgico, Troye Sivan ainda canta sobre a falta que sente de um amor que está distante e como ele próprio está se sentindo. Segundo o website Pitchfork, o músico trata as festas e o sexo como um ato quase religioso.

Começando tão agitado, o álbum logo entra em um segundo ato e sofre uma queda de ritmo. Ao diminuir o flow em One of Your Girls, Sivan conta um segredo com um vocal sussurrado; a música é sobre a atração do eu lírico por um homem hétero. A canção constrói uma atmosfera sexy em volta de uma narrativa do proibido ser mais gostoso. Sendo fiel aos seus vocais, a composição propõe leveza e sensualidade. Em um videoclipe ainda mais polêmico, o artista performa vestido de drag queen e denuncia a submissão imposta com grande frequência aos homens gays. Refletindo seus pensamentos e dando continuidade, ele traz um desabafo em um ritmo desacelerado, com uma batida expansiva e taciturna, que transforma em beat e poesia caótica os sentimentos de uma pessoa apaixonada e obcecada.

Ao compor sobre sentimentos, é impossível não tratar da saudade e Troye Sivan sabe disso. Em alguns momentos, o artista retrata momentos perdidos e a falta de um amor do passado que ele não pode voltar a ter com um lirismo triste e profundo. É nítida a dificuldade de seguir em frente, mas com uma certa maturidade, o eu lírico entende que é um processo necessário, porém, dolorido, como o amor pode ser. O final da faixa entrega batidas distorcidas que provocam confusão, como um curto-circuito de tanto pensar. Com a mesma calmaria, Can’t Go Back, Baby é embalada por uma sonoridade com batidas constantes, que não traz surpresas, característica que reflete monotonia. Com referências do pop alternativo, Sivan se força a seguir em frente mesmo sentido dor e tenta se convencer sobre como é impossível voltar atrás ao cantar “Eu queria, mas não posso voltar (não posso voltar no tempo, querido)/Para os dias em que eu achava que te conhecia”.

Retratando os altos e baixos da vida, o australiano traz um sopro de animação para o disco com músicas sensuais e envolventes, de sonoridade pulsante, cantadas de uma forma sexy. Got Me Started, por exemplo, é uma mistura de pop e R&B contemporâneo, tendo um sample de Shooting Star (2009) da dupla Bag Raiders. A faixa reflete uma intensa noite de paixão e culmina em uma catarse vibrante sobre honestidade sexual: um grito queer sobre amar e querer quem quiser. Essa narrativa é muito bem representada em um videoclipe que exalta diferentes corpos e sexualidades, enquanto as luzes da cidade de Bangkok, onde foi gravado, leva o artista em uma dança agitada e divertida  – bem diferente do cenário de Rush, que sofreu críticas pela falta de diversidade no elenco.

Em uma balada dançante, Silly retrata Troye Sivan perdido. O próprio ritmo da música demonstra a confusão na cabeça do eu lírico e a constante vontade de esquecer um amor do passado. Ao cantar que “Eu ainda te amo mais do que eu deveria dizer/Só estou tentando colocar toda essa porra de lado/Não preciso de ninguém aqui pra me consolar/Só estou tentando sair disso”, entendemos que a composição é sobre uma noite de festa para esquecer.

O albúm mostra que a Música é para além de letras e, muitas vezes, sobre o conjunto da obra, afinal, somos surpreendidos a todo momento por uma experiência sinestésica. Honey, por exemplo, é toda sobre excessos, muitos sons, instrumentos e toques distintos que provocam um jogo de emoções inexplicáveis. E a Música é isso, um êxtase provocado por um misto de desejos e sensações. A repetição de versos como “ao longo do tempo” e “em minha mente” demonstra a urgência sentida pelo artista que, em entrevista à revista Rolling Stone Austrália, revelou que a canção foi inspirada em um ‘caso de uma noite’ em West Hollywood e representa seu despertar emocional, que também culminou no desenvolvimento do disco.

A confusão se faz presente quando Sivan sente coisas lindas, mas vive um momento em que não sabe se existe possibilidade para dar continuidade. O saxofone, presente em vários minutos da canção final, por exemplo, adiciona uma melancolia na aura, que também está marcada em sua própria letra: “Querido, volte, me dê mais um beijo/Estou um pouco perdido sobre como ficar com você”. Além disso, a falta de intimidade que ele sente atualmente na relação também é motivo desse sentimento, como retratado em “Não tenho flores, mas o que vale é a intenção/Queria que você morasse um pouco mais perto”; retratando a desesperança no amor, diferentemente de outros trabalhos, como Angel Baby (2021), que retrata uma idealização amorosa.

Em resposta aos questionamentos que podem ser feitos quanto a qualidade artística do álbum, conclui-se que a Arte nem sempre precisa ser inovadora, mas sim, ser uma expressão do ‘ser’ e claro, deve ser boa, o que Troye Sivan entrega com maestria ao trazer uma sonoridade que se encaixa perfeitamente durante todo o disco – inclusive em momentos que o ritmo cai, mas não perde a identidade musical –, com letras envolventes e sinceras, que emanam emoções cruas, e visuais que representam, definitivamente, uma era. No auge da sua proposta artística, o australiano nos leva a um ‘rush’ no universo construído milimetricamente por ele, cheio de tesão, ternura, noites de boate e, até mesmo, glory holes.

Com uma nota sólida no contador de críticas Metacritic e ótimas avaliações da crítica especializada, Something To Give Each Other é sobre vivências queer, amores que deram certo e errado, e ser honesto consigo mesmo e com a confusão de se entender. Aos 28 anos (na época), Sivan finalmente canta sobre suas experiências LGBTQIA+’s abertamente, sem camuflá-las em metáforas. Claramente, é uma odisséia sobre os altos e baixos do coração, mas não só isso, é sobre vivê-los com intensidade. O álbum é uma jornada de autoconhecimento e uma ode a liberdade sexual, amorosa e queer, além de um lembrete de que nunca paramos de procurar algo para dar ao outro.

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Guilherme Barbosa

Billie Eilish entrou para a história em 2020, na 62ª edição do Grammy Awards, quando seu álbum de estreia aclamado, WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?, ganhou o prêmio de Álbum do Ano, o que a tornou a garota mais jovem a conquistar essa categoria. Ao longo das 14 faixas que compõem o disco, a artista navegou por diferentes sentimentos, desde os melancólicos até os mais obscuros.

O trabalho da cantora começou a gerar notoriedade em 2016, quando ela lançou a doce ocean eyes. Desde o início de sua carreira até seus trabalhos mais recentes, ela sempre abordou emoções profundas em suas músicas. Em idontwannabeyouanymore, a insegurança e autocrítica são exploradas por um viés de vulnerabilidade e honestidade. Já em seu álbum de estreia, ela se questionou para onde vai quando dorme e devaneia (ou será que não?) por pesadelos e sonhos.

O conjunto da obra, produzido juntamente de seu irmão, Finneas O’Connell, é uma jornada que se aprofunda pelo inconsciente do eu lírico. Utilizando elementos do pop, eletrônico e Música alternativa, os terrores noturnos surgem em faixas como a eletrizante bury a friend. Esse mergulho nas profundezas da psique humana é uma característica de seu trabalho, que entrega aos fãs uma narrativa emocionante e sonoridade única.

É perceptível que as composições de Eilish permitem inúmeras interpretações, afinal, o inconsciente muitas vezes é  subjetivo. A canção em destaque – no verso onde menciona o título do disco, “Quando todos dormimos, para onde vamos?” –, as reflexões podem ser acerca do desconhecido, a morte ou o subconsciente. Essa perspectiva mostra como suas letras trazem profundidade e complexidade em suas narrativas.

Grande fã do Terror, Eilish encontrou inspiração em um de seus filmes favoritos, O Babadook (2014), para criação de seu álbum, incluindo a arte da capa que, de forma emblemática, consegue retratar excelentemente todos os elementos trabalhados em WWAFA,WDWG?. Os adjetivos demoníaca e sombria talvez sejam os mais adequados para descrever o que é a belíssima Fotografia. Sob a direção de Kenneth Cappello, todos os desejos da cantora foram habilidosamente reunidos, produzindo o material impecável.

Não havia dúvidas de que uma obra tão bem produzida seria um sucesso estrondoso. Aos 18 anos, Billie Eilish lançou seu primeiro álbum em Março de 2019 e, imediatamente, mostrou o que viria a ser na indústria musical. Tornou-se a cantora mais jovem a ser indicada às principais categorias do Grammy, teve o álbum mais reproduzido no Spotify e também o mais vendido daquele ano. 

E quanto vale entrar para a história? Com seu sucessor, o melódico Happier Than Ever (2021), a artista tinha o desafio de atender a expectativas devido aos feitos do antecessor e inovar com seu novo álbum. O sucesso não foi diferente, e a obra estreou no topo da parada musical Billboard 200. Cinco anos depois, seu primogênito ainda é memorável e ficará marcado com seus feitos. A artista mostra para o que veio com sua criatividade e autenticidade, e se estabelece no cenário musical como um ícone global.

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Vitória Silva

No dia 8 de julho de 2011, chegava ao mundo o álbum Regional at Best, do duo Twenty One Pilots. Considerado também o primeiro trabalho da banda, pelo menos na formação que conhecemos hoje, com Tyler Joseph e Josh Dun. O disco lançado anteriormente, em 2009, que carrega o mesmo nome do grupo, ainda tinha Chris Salih como baterista e Nick Thomas no baixo. A entrada de Josh assumindo as baquetas se deu quase que juntamente à saída do baixista, iniciando, assim, a dupla imbatível entre ele e Tyler. 

O caráter especial da produção não se deve apenas por esse marco, mas também por ela já não existir mais como cópia física ou mesmo estar disponível na maioria das plataformas digitais. Em 2012, a banda assinou com a gravadora Fueled by Ramen e, como parte do contrato, os direitos do LP foram transferidos. Dessa forma, com o lançamento do Vessel, o Regional at Best teve que ser descontinuado. 

Na obra autointitulada, o trio formado por Tyler, Nick e Chris, apostou em faixas que iam desde o pop até o rock oitentista. Com um som bem orgânico, dando um enfoque maior para os toques de Tyler ao piano, e até genérico, se formos considerar tudo que Twenty One Pilots já foi capaz de criar até aqui. Algumas tendências foram se mantendo para os trabalhos desse início, como os constantes versos de rap e letras que fazem menção a questões familiares e às inseguranças do vocalista. 

Nesse primeiro disco, o cantor parece, inclusive, bem otimista e autoconfiante para lidar com seus problemas psicológicos. Algo que vai se tornando perceptível ao longo das faixas, que se iniciam com tons mais alegres e esperançosos até evoluírem para músicas melancólicas e lentas, em que ele se mostra relutante ao lidar com seus pensamentos suicidas. O álbum se encerra com Isle of Flightless Birds, em que Tyler menciona ser o clímax da história, como se sua depressão tivesse atingido o ápice. O desenrolar dessa afirmação ficaria para o trabalho seguinte, e, assim, se inicia o Regional at Best.

Este que não poderia ser definido por outra coisa se não uma fusão de todos os sentimentos e pensamentos conturbados da mente do vocalista. Deslanchando com Guns For Hands, Tyler canta sobre a necessidade de pedir ajuda ao enfrentar problemas psicológicos e como a ideia de saber que outras pessoas têm pensamentos suicidas é perturbadora para ele mesmo. “Estou tentando dormir, mas não posso quando todos vocês têm armas nas mãos”. 

Essa intenção de ajudar e salvar o próximo repercute em diversas faixas. Ao mesmo tempo, Joseph parece tentar mascarar a sua dor com isso, em que não se mostra capaz de enfrentar nem seus próprios problemas. Em Glowing Eyes, ele clama diversas vezes não ter a certeza de querer abandonar os demônios internos (os tais olhos brilhantes), enquanto em Slowtown deseja fortemente poder fugir das dificuldades da vida adulta. 

A técnica de narrativa é utilizada ao longo das músicas, em que até mesmo a mudança brusca na sonoridade causa o sentido de virada na história que está sendo contada. É difícil concluir se o papel de Tyler estaria sempre no eu lírico de suas composições, por ele se contradizer diversas vezes. Esse dualismo é retratado em Anathema, na separação de duas partes conflitantes de si mesmo. E, mais tarde, também seria materializado na criação da persona do Blurryface.

Regional at Best é uma erupção caótica de autotunes e sintetizadores desconcertados. Não é nem de longe o melhor trabalho do grupo, afinal estamos falando da mesma banda que deu origem a obras como Blurryface e Trench. Mas é, sem dúvidas, um de seus passos mais importantes, por ser o início da construção de sua identidade. Foi a partir dele que as máscaras passaram a ser vestidas e os devaneios ecoados da mente de Tyler foram se consolidando no que daria origem ao universo de DEMA.

O disco torna nítida a evolução do grupo ao longo de suas produções, em que aprenderam a domar a explosão sonora em batidas harmoniosas, sem perder sua liberdade artística e autenticidade, criando quase que o seu próprio estilo musical pop-rock-metal-eletrônico-rap-e seja lá mais o que for. As regravações que foram feitas para o Vessel escancaram esse desenvolvimento, em que a incômoda Trees, por exemplo, se transformou em uma das faixas mais dignas de encerrar praticamente todos os seus shows, e assim o fez.

Sem contar que Regional at Best também registrou o nascimento de uma de suas canções mais importantes, e um verdadeiro hino para os fãs assíduos da banda. Entre todas as letras que expressam a genialidade de Tyler, Car Radio é, com toda certeza, a mais sincera. Ao narrar uma situação em que o rádio do seu carro foi roubado e a dificuldade em distrair seus pensamentos por conta disso, ele acaba mostrando, um tanto metalinguísticamente, a sua relação e dependência com a música como uma forma de alívio. Encerrando a letra, ele interpola uma série de pensamentos reflexivos e existenciais, para exemplificar o estado da mente vazia: “às vezes o silêncio é violento”. 

Ao longo do álbum, Tyler torna ainda mais evidente essa relação com a Arte e como isso é uma fonte de energia para ele. Como ressoado em Ode to Sleep, “Pegue esta arma, forjada na escuridão. Alguns veem uma caneta, eu vejo um arpão”. Em Kitchen Sink, ele reafirma a necessidade de encontrar um propósito na vida, e realizá-lo independente do que os outros vão pensar ou entender sobre isso, porque “uma pia de cozinha para você não é uma pia de cozinha para mim” (quase uma releitura moderna e bizarra do quadro de René Magritte). 

Mesmo que passe um pouco batido, a espiritualidade e fé do vocalista são uns dos temas mais presentes ao longo da produção. Holding On To You expressa a sua crença em Deus também como uma forma de salvação, e Clear encerra o disco com ele se assumindo um impostor e não merecedor de ser seu filho. Como sempre, as entrelinhas permitem uma variedade de interpretações que vão além das questões religiosas, já que sua capacidade em articular versos que assumam outros sentidos também não é de agora. 

A banda também lançou uma websérie sobre Regional at Best, disponibilizada no YouTube, que acompanha a produção e a turnê do mesmo. No primeiro episódio, é apresentada a saída de Nick Thomas, quando Josh já estava presente na formação, e Tyler se mostra inseguro em conseguir sustentar um show apenas em duas pessoas. Essa mesma insegurança se reflete no próprio nome do disco, que significa “regional na melhor das hipóteses”, como se a expectativa máxima do duo fosse conseguir atingir a região da cidade de Columbus.

O que os dois esquisitões de Ohio não sabiam é que eles não iriam apenas ganhar todo o globo terrestre com a sua musicalidade única, como também teriam como marca registrada proporcionar uma experiência inesquecível ao subirem em qualquer palco, alcançando níveis extasiantes para quem os assiste. Regional at Best foi apenas o início da caminhada para Twenty One Pilots se tornar muito maior do que um dia sonhou em ser. 

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