Lara Fagundes

Como é amar alguém sabendo que essa pessoa vai partir antes do planejado? E como continuar vivendo com os dias contados? Embaixo da Luz de Neon, indicado na categoria de Melhor Documentário do Oscar e dirigido por Ryan White, acompanha os poetas: Andrea Gibson, artista não binário com diagnóstico de câncer terminal no ovário, e Megan Falley, sua esposa e companheira. Muito mais do que uma história sobre lidar com mortalidade, o longa fala da importância de colocar sentimentos em palavras e celebrar a vida com leveza enquanto ainda a tem.

Andrea e Megan se conheceram por meio de espaços para declamação de poemas e essa profissão se mantém como um local de conforto mútuo, fazendo parte da narrativa como guia. Com o diagnóstico, os shows de recitação precisam ser cancelados e a rotina fica parada entre consultas médicas e sessões de quimioterapia, mas nenhuma delas permite que os versos saiam de seus dias. Andrea continuou se expressando com palavras pelas redes sociais e Megan decidiu escrever um livro contando sua vivência. Esses sentimentos escritos levam para um caminho íntimo, indo mais a fundo na reflexão sobre vida e morte.

O objetivo do longa é, não apenas documentar a vivência e a arte de uma das protagonistas, mas também acompanhar sua tentativa de fazer um último show de recitação, o que quase não é possível por conta de medicamentos que poderiam acabar com sua voz. Como um tipo de celebridade para os poetas, a arte é essencial e, ao escolher sua voz ao invés dos remédios, se pergunta qual o propósito de uma vida sem poesia. Aqui, a identidade é uma parte importante da narrativa, tanto pelo fator queer, quanto pelos poemas que trazem uma perspectiva mais profunda dos sentimentos abordados.

Outro destaque é a maneira como a câmera constrói intimidade com o público, registrando de perto e conversando com Andrea como se fosse um amigo acompanhando o processo, sem afetar a honestidade emocional de cada momento. Essa escolha, em conjunto com a direção delicada de Ryan, permite que o espectador faça parte da realidade delas com proximidade. Assim, cada cena transmite a sensação de acompanhar não apenas a história, mas todo o processo vivido por elas em tempo real.

Ao contrário do que se pensa quando o tema surge de uma doença terminal, a história é contada de forma bem humorada por Andrea, o que se torna o maior diferencial da obra. Tudo fica mais comovente com a recusa do tom angustiado e o foco no tempo que se torna menos abstrato ao saber que vai partir, com esse sentimento fazendo parte do cotidiano como uma forma de resistência. Assim, é mostrado um casal passando por momentos corriqueiros, piadas internas, sentimentos intensos e conversas difíceis, marcados pela vulnerabilidade que cria uma relação mais forte.

A visão de Megan também aparece, com o lado de quem se torna uma cuidadora, além de parceira, e continua com seus objetivos e uma vida própria, enquanto luta para ser forte e apoiar quem ama independente do quão difícil seja. Ela conta a partir de uma perspectiva de quem observa a situação de perto e reforça como esse companheirismo ajuda a lidar com a doença. Juntas, mostram que compartilhar fases difíceis ultrapassa o medo e se torna um motivo para aproveitar mais o tempo que tem uma com a outra. 

O amor é parte central da rotina, tanto dentro do romance entre elas, quanto com amigos, familiares, animais de estimação e até ex-namoradas, que acompanham tudo desde o diagnóstico. A obra conseguiu trazer para a tela muito mais do que um filme sobre uma pessoa doente, trouxe a mensagem de como transformar dor com risos e muita poesia. Além de ressaltar como amar é a causa de outros sentimentos em relação a alguém, principalmente a tristeza, o luto e a saudade.

Embaixo da Luz de Neon foi aclamado em festivais como os de Sundance, Seattle e São Francisco, além de já ter ganho as categorias de Melhor Documentário e Melhor Trilha Sonora (Blake Neely) na premiação Cinema Eye Honors e recebido uma indicação ao prêmio Satellite. Agora, é um forte candidato para o Oscar com uma história que aborda o relacionamento humano com a morte e o luto iminente, enquanto homenageia Andrea como artista e poeta. Ryan White fez um ótimo trabalho com a direção, garantindo ao projeto a delicadeza e profundidade das palavras recitadas, transformando o documentário em poesia visual.

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Eduardo Dragoneti

Assistido na 49ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, Nova ’78 é uma viagem fragmentada ao coração da contracultura dos anos 1970. Dirigido por Aaron Brookner e Rodrigo Areias, o documentário parte de imagens até então inéditas, gravadas pelo tio de Aaron, Howard Brookner, da Nova Convention (1978), evento que celebrou o retorno do multiartista William S. Burroughs (1914-1997) aos Estados Unidos e reuniu nomes de diferentes vertentes da Arte, como Patti Smith, Frank Zappa, Laurie Anderson, Allen Ginsberg e Philip Glass. O resultado é uma cápsula de tempo que tenta reconstituir um encontro histórico, mas que – ao emergir mais de quarenta anos depois – carrega o peso de chegar tarde demais.

Burroughs, o objeto de estudo do documentário e um espírito inquieto da beat generation, é mostrado aqui como alguém que inspira e, ao mesmo tempo, escapa. O filme o observa de perto, cercado de amigos e admiradores, mas raramente o alcança por completo. É como se a câmera de Brookner o reverenciasse demais para interrogá-lo. Há uma clara admiração, em certos momentos excessiva, que dilui a espontaneidade do encontro. Burroughs está disposto a falar, porém discorre com certas reservas. O escritor sem filtros parece sempre um pouco deslocado, como se faltasse a intimidade necessária para se abrir por inteiro. Ainda assim, é impossível não sentir o magnetismo que o cercava. Sua homossexualidade assumida, sua ironia afiada e sua presença poderosa fascinam o espectador.

O que se desenrola nas imagens da Nova Convention é um retrato de artistas tentando entender um mundo à beira do colapso. Falava-se sobre preconceito, liberdade criativa, tecnologia e política internacional com uma lucidez que impressiona. Enquanto alguns ironizavam a exploração espacial como símbolo do avanço humano quando a própria Terra continuava ruindo, havia aqueles que alertavam contra o fundamentalismo religioso, a perseguição a minorias e a censura moral. Essas pautas, todas alarmadas por Burroughs, permanecem desconfortavelmente atuais e, paradoxalmente, é esse mesmo anacronismo que enfraquece o impacto da produção. O que seria revolucionário em 1978 soa, em 2025, como um eco tardio de uma rebeldia já absorvida pela história.

Brookner e Areias partem de um material monumental, tendo mais de quarenta horas de gravações 16mm, entre bastidores e performances nas mãos. A restauração dessas imagens, feita entre 2012 e 2024, é um feito técnico, mas também afetivo, notável, para aqueles que conviveram com Burroughs. Entretanto, na tentativa de preservar o espírito da época, os diretores se prendem demais à forma bruta. A montagem é caótica e propositalmente livre, refletindo o improviso da própria convenção. Essa escolha, porém, acaba sacrificando a emoção em nome da fidelidade estética. A dupla optou por uma experiência mais arqueológica do que cinematográfica, em que o registro vale bem mais do que o gesto criativo.

Mesmo assim, há momentos em que Nova ’78 encontra força na imperfeição. Quando Patti Smith surge em cena ou Ginsberg fala sobre sexualidade e política, há uma energia viva entoada nos gritos da platéia que parece rasgar o tempo. São fragmentos que lembram por que aquela geração acreditava tanto no poder transformador da arte. Ao mesmo tempo, é impossível não sentir uma certa melancolia, pois a esperança que havia em 1978, de um mundo mais livre, mais consciente e menos hipócrita, foi se diluindo no cinismo dos anos seguintes, refletindo hoje muitos dos mesmo problemas que os Baby Boomers costumavam denunciar.

A força simbólica de Nova ’78 está justamente em revelar esse fracasso. O filme não oferece respostas, porque a ele nada foi perguntado, entretanto algumas questões surgem naturalmente ao final do documentário: “O que significa ser livre em um mundo que continua a punir a diferença?” Com seu olhar tão sereno que chega a  transparecer descrença, Burroughs parece sugerir que a verdadeira revolução talvez nunca tenha acontecido. Sua própria vida, marcada por vícios, amores e exílios, é um testemunho de que liberdade e autodestruição caminham lado a lado.

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Nathalia Tetzner

Não há algo tão agridoce quanto relembrar os tempos da adolescência e, definitivamente, nada é intenso e suave quanto Red Velvet – não estamos falando de sabores de bolo, mas sim de cinco meninas que definiram a terceira geração do K-pop. Irene, Seulgi, Wendy, Joy e Yeri dividem uma trajetória marcada por hits e visuais impecáveis, porém, também muita incerteza; fator comum de uma indústria musical que busca renovação a todo momento, conhecida por levar seus idols à exaustão.

Completando dez anos desde o debut com Happiness, as garotas, agora mulheres independentes que se consagraram em suas próprias carreiras solo, abrem as portas para as memórias de um passado recente, que já deixam muita saudade. Red Velvet Happiness Diary: My Dear, ReVe1uv utiliza gravações da turnê mais recente do grupo para montar um documentário que prova: “Se você precisa de paz em seu coração e quer sentir alegria, volte quando quiser. Estamos sempre aqui”.

A estrela do longa acaba sendo Kim Ye-rim. É extremamente emocionante, tanto para as membros mais experientes, quanto para qualquer ‘ReVeluv’ – nome do fandom de Red Velvet – assistir como a maknae amadureceu. Na turnê 2024 Red Velvet FANCON TOUR <HAPPINESS : My Dear, ReVe1uv>, é recriado o momento em que ela se junta às meninas antes do lançamento do mini-álbum icônico Ice Cream Cake. Nesse instante, é quase impossível segurar as lágrimas.

De fato, o diretor Oh Yoon-dong, acostumado a gravar eventos de K-pop, consegue trazer um diferencial para a película: aqui, há bastante espaço para a expressão dos sentimentos conflitantes de Irene, Seulgi, Wendy, Joy e Yeri; o que acaba, por vezes, sufocando o espetáculo. Contudo, o que é Red Velvet senão “uma mistura de conto de fadas e elementos assustadores?”. Ainda que algumas declarações sejam como um cupcake amargo decorado com glitter, as cinco continuam iluminando por onde passam.

Muito desse lado difícil de engolir surge das próprias ações da SM Entertainment. A empresa que detém os direitos de Red Velvet sempre esteve envolvida em incontáveis polêmicas e processos a respeito da forma maquiavélica que cria e desenvolve grupos de K-pop. Isso fica nítido em uma declaração de Yeri: “Me disseram que eu era como a cor vermelho vibrante, porque eu pensei que tudo iria melhorar depois da estreia. Depois que eu estreei, eu fiquei mais opaca. Talvez, até deixado de lado meu autoconhecimento”.

Embora se trate de um filme que deixa uma certa nostalgia no ar, Red Velvet Happiness Diary: My Dear, ReVe1uv alcança o objetivo de celebrar dez anos de uma explosão de cores inesquecível: o debut de um dos grupos sul-coreanos mais distinguíveis de todos. Assim como Irene, quando menciona a canção Candy (사탕) no documentário, ficamos com a sensação de que “Se eu não te conhecesse, como eu teria rido desse sentimento sombrio?”.

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Davi Marcelgo

Há pelo menos uma década, o Oscar se empenha em indicar e prestigiar filmes que tenham como temas o racismo, a sexualidade e o protagonismo feminino, ainda que, por muitas vezes, a premiação vá para caminho habitual, a exemplos de apenas uma mulher indicada em Melhor Direção ou a entrega do prêmio para Green Book: O Guia (2018). Em 2025, Trilha Sonora para um Golpe de Estado entra na lista dos concorrentes a Melhor Documentário. Narrando a luta de Patrice Lumumba para tornar a República Democrática do Congo um país independente, o longa de Johan Grimonprez aposta em imagens de arquivo para costurar a história.

Antes de qualquer consideração direta sobre o documentário, é admirável a presença dele no Oscar 2025, sobretudo, por se posicionar não apenas sobre um acontecimento histórico, mas também contra bilionários de extrema-direita, como Elon Musk e seu(s) interesse(s) em minérios que, coincidentemente (o filme é de 2024), marcaram presença na posse do presidente Donald Trump. A premiação é uma catapulta para a visibilidade de muitas obras, sem ela, provavelmente, a fita e as ideias de Grimonprez passariam despercebidas pelos cinemas brasileiros. Ironicamente, o imperialismo ainda decide quem é visto. 

Acontece que Trilha Sonora para um Golpe de Estado necessita de muito fôlego para encarar 150 minutos de muita informação, enfoques, imagens e áudios que se devoram. A sensação provocada é de confusão, uma trama política complexa demais para querer mirar no jazz, na Guerra Fria, no imperialismo e em outras tramoias, mesmo que elas estejam interligadas. O documentário pode ser encaixado no que seria um filme de solicitação, conceito apresentado pelo crítico Paulo Emílio Sales Gomes. Ou seja, há mais perguntas sendo feitas do que respostas ao espectador.

É a partir de vivências, aproximações e outras estruturas que alguém gosta ou não de uma obra. Por exemplo, o grau de conhecimento sobre o gênero de Terror vai definir a apreciação de Todo Mundo em Pânico (2000) para além das piadas nonsenses. Esse fator é fundamental nesse documentário, que, como em um anúncio do YouTube que nem sentimos chegar, interrompe sua narrativa para transmitir uma propaganda do carro Tesla ou do Iphone, sem os relacionar por meio de narrações com os fatos ali mostrados. É necessário, de quem vê, o conhecimento prévio sobre Elon Musk e fabricação de baterias, mas também de exploração de recursos e de que o jazz é um gênero de improvisos.  

Tal fator está longe de ser um problema, é sua característica, inclusive para temas que não devem ser mastigados. A introdução das peças publicitárias de forma abrupta é um ótimo acerto para transmitir a ideia de que o imperialismo ainda faz presença, de modo que tira e repõe você da história em uma fração de segundo. Mas e a trilha sonora que dá o título para o filme? Infelizmente, é o elemento que está mais desconectado, sendo usado de forma eficiente em raras ocasiões.

Tendo como início as opiniões de figuras políticas sobre o jazz, muitas delas negativas, a Música é compreendida como ruído. Um dos personagens diz que desliga o rádio quando o gênero começa a tocar. Já em determinado trecho do filme, um dos narradores diz que os trâmites para conquistar a liberdade na República Democrática do Congo são conduzidos por músicas diferentes: a ONU não ouve jazz, portanto, não escuta a voz do povo. Outras tomadas conseguem extrair sentimento, como a cena em que Louis Armstrong canta Black And Blue.

Felizmente, Trilha Sonora para um Golpe de Estado toma posição e revela lados e figuras da história que tendem a ser apagados da equação imperialista – o que é fundamental em um filme que interpreta fatos, ao invés de apenas os narrar. Entretanto, sua forma não linear e o excesso de enfoque tornam a experiência enfadonha: o quanto você absorveu do que viu é a pergunta que fica ao sair da sessão.

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Vinicius Magalhães

Difícil assistir o documentário Pra Sempre Paquitas, lançado pelo Globoplay em Setembro de 2024, sem fazer comparações com outro produto de 2023 da plataforma de streaming da Globo: Xuxa, o Documentário. Apesar de não ser vendida como um spin off – mesmo com todas as características de um –, a série sobre o grupo de assistentes de palco da apresentadora Xuxa entrega um material muito mais polêmico, interessante, honesto e divertido comparado ao que inspirou a sua criação. 

Em cinco episódios de cerca de 50 minutos, a série documental não tem uma proposta inovadora; assim como inúmeros outros documentários nostálgicos, a ideia é revisitar a cultura pop das décadas  de 1980 e 1990 e explorar as polêmicas e memórias do período. No entanto, mesmo sem prometer originalidade, a obra se torna diferente das outras em diversos sentidos. O primeiro destaque é, sem dúvida, o resgate de imagens de acervo. O seriado entrega um deleite de gravações  caseiras de bastidores de shows e programas de televisão que, até então, nunca tinham sido exibidas. 

O segundo destaque é não ser mais uma obra chapa-branca. Os recentes documentários biográficos lançados pelo Globoplay possuem a característica em comum de fugir das polêmicas e incoerências dos personagens centrais. Aqui, o confronto acontece desde o início, seja pelas desavenças entre as paquitas ou pela omissão da apresentadora Xuxa diante inúmeros casos de abuso sofridos pelas garotas.

Cada episódio se concentra em apresentar a história das paquitas de forma cronológica, passando desde a primeira geração de 1986 até a última de 2000.  No início, vemos a construção do sonho que pairou no imaginário de garotas por quase vinte anos: ser uma assistente de palco da maior popstar do Brasil. Mas, a partir do terceiro episódio, Do mundo a gente toma conta, sutilmente, o público vai sendo levado a questionar se esse sonho não esconde uma realidade nem um pouco cor-de-rosa, seguindo assim até o final. Daí em diante, a série torna-se um purgatório de traumas vividos pelas diferentes gerações de paquitas e coloca, no centro do palco, a coadjuvante de toda narrativa: Marlene Mattos.

A empresária e diretora de TV, Marlene Mattos, foi responsável por gerenciar a vida, carreira e negócios de Xuxa por mais de 20 anos. Conhecida pelo seu temperamento rude e explosivo, Mattos é a pessoa mais citada em todo o seriado, justamente por ser a gestora das paquitas. Fica evidente ao longo da história como o sucesso e o poder rompeu com os limites profissionais da empresária. Infelizmente, não é oferecida ao público a oportunidade de ouvir a outra versão da história, pois a coadjuvante não aceitou nenhum dos convites para participar da produção. Assim, ela é retratada como uma típica vilã maniqueista, repleta de defeitos e isenta de qualidades.

O clímax da série é a divulgação de fitas de áudio com confissões de casos de agressão verbal e psicológica sofridos pelas paquitas. O material, até então inédito, foi gravado por um produtor do programa Xou da Xuxa que estava interessado em produzir um livro sobre os bastidores do grupo. Esse episódio envolvendo o livro desemboca em uma sequência de punições que culminam na dissolução da formação de assistentes de palco e a seleção de um novo grupo de meninas. Outro ponto alto é a escolha do diretor, Ivo Filho, e da diretora artística, Ana Paula Guimarães, de quebrar a quarta parede em diversos momentos. Mesmo com uma montagem convencional, esses momentos de ruptura  entre público e produção trouxe, não somente uma estética mais criativa, como também acrescentou veracidade para os depoimentos. 

A obra patina em pontos onde tenta criar polêmicas para histórias que já possuem esclarecimentos, como por exemplo, a saída repentina de uma paquita que já possui explicação, mas que a produção preferiu ocultar e tratar como um assunto sem resposta. Outro ponto que poderia ter sido tratado com mais profundidade é a polêmica sobre a ausência de diversidade e, como a decadência do grupo está relacionada com esse problema. Apesar de selecionar importantes pensadoras negras para comentar o tema, a pauta poderia ser melhor tratada sob diferentes prismas, entre eles, um dos mais instigantes: o fato de Marlene Mattos ser uma mulher negra e ainda assim cometer racismo.

Criada por Ana Paula Guimarães e Tatiana Maranhão – duas paquitas da considerada geração de ouro –, a série documental é um entretenimento que merece ser visto, justamente por ter sido idealizado pelas pessoas que viveram na pele todas as histórias contadas. Dessa maneira, cada cena e relato torna-se mais honesto e interessante e, de quebra, leva o público a resgatar a infância e fazer as pazes com o passado.

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Para morrer, basta estar vivo. Essa é, até então, a única certeza que temos. Entre cientistas, céticos e religiosos, a experiência de quase-morte é o mais próximo que estamos da noção do pós-vida, cenário em que qualquer metodologia que aproxima a maior dúvida da humanidade de uma resposta é válida. Depois da Morte procura explicitar de um jeito simples, acessível e dinâmico várias experiências em um documentário com uma ótima abordagem, no entanto, nada característica ao gênero e enviesada em sua construção.

Dirigido por Stephen Gray e Chris Radtke, a obra é composta por tantos elementos representativos e atuações independentes do caráter informativo que seu lançamento nos cinemas quebra expectativas e se distancia de seu caráter documental. Os longos 108 minutos intercalam relatos falados, experiências visuais abstratas e historicidade em cortes precisos e transições tão suaves que se misturam em uma só composição especulativa sobre o que há no além.

Flutuar e observar sua própria reanimação, vislumbrar uma luz intensa e sentir uma paz e amor indescritíveis são algumas das experiências relatadas que, há 45 anos, eram desconsideradas, compartilhadas isoladamente e não recebiam validação. No entanto, essa e outras obras trouxeram reconhecimento e aceitação para esses fenômenos, como a série da Netflix Vida Após a Morte e o mais famoso livro Life After Life (1975) do cientista e pai moderno do movimento EQM, Raymond Moody.

Partindo de um contexto geral, o tema do documentário é sobreposto pelas experiências específicas de cada relato e de maneira alguma isso é ruim. Testemunhamos o além-otimismo na mudança de visões de mundo, no despertar de um senso de paz interior e na reconciliação com a finitude da vida. Antes tarde do que nunca, na imensidão de relatos felizes, poucos deles estão agrupados em uma ínfima, bem-vinda e perturbadora etapa do longa, antes de voltarem ao paraíso.

No entanto, essas experiências infernais são um tanto quanto enviesadas por sua superficialidade e falta de contexto em contraste ao predominante otimismo bem desenvolvido e pautado em questões religiosas, sendo descrito até como um filme cristão por alguns veículos de comunicação. Uma das experiências de um usuário de drogas destacou-se por ser uma queda livre agoniante em que justificar-se como uma boa pessoa só o fez cair mais rápido, um momento pertinente em que poderiam questionar: até que ponto uma virtude realmente é genuína quando guiada pelo medo do pós-vida?

A construção primorosa do filme e o caminho divergente em relação a documentários convencionais enriquece muito a experiência, mas também é essencial reconhecer que o foco recai, principalmente, nos relatos pessoais e espirituais, com acompanhamento científico até certo ponto. O que torna pertinente a questão da falta de diversidade e a recorrência de certos relatos que evidenciam a necessidade de uma abordagem mais ampla e inclusiva no estudo das experiências de quase-morte para próximas produções.

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Vitória Borges

Desde o início da carreira, Beyoncé elevou não apenas o padrão da música pop, mas também redefiniu os limites de versatilidade e transição entre os gêneros musicais. Dito isso, é inegável dizer que a artista não é uma das cantoras mais bem consolidadas no mundo da Música. Em seu mais recente trabalho, o documentário Renaissance: A Film by Beyoncé, a performer mergulha nas profundezas da criatividade e da expressão artística, e revela uma jornada única conduzida por ela mesma. O longa acompanha o trajeto da Renaissance World Tour desde o primeiro show em Estocolmo (Suécia), até o último ato em Kansas City (Estados Unidos), expondo os altos e baixos dos bastidores da produção de uma das turnês femininas mais lucrativas da história.

Beyoncé Giselle Knowles-Carter é a grande cabeça por trás de todo o espetáculo. A dedicação integral em cada aspecto da produção, sua mente criativa e convicção inabalável em forjar seu legado dominam seu compromisso com o público. Renaissance é meticulosamente dirigido e coreografado pela cantora, que mostra habilidade como diretora e brilha em cada cena do longa, demonstrando um domínio impressionante da linguagem cinematográfica. Assim, ela se solidifica como uma artista que vai muito além dos limites do palco.

Imersa em cada faceta da criação, Knowles-Carter expõe sua visão artística pulsante e determinação incansável por trás das câmeras. Através de uma combinação habilidosa de imagens deslumbrantes, coreografias elaboradas e narrativa poética, a cantora convida o público a testemunhar sua jornada de autodescoberta e empoderamento, dando abertura mais uma vez para sua grande influência cultural. 

Do glamour presente no palco às reflexões íntimas nos bastidores, o filme oferece uma visão abrangente da complexidade de persona pública e privada de Beyoncé. As abordagens cinematográficas não convencionais presentes na produção criam alusões que levam a obra a um patamar diferenciado, guiando o espectador a uma imersão criativa dentro da brilhante mente da cantora. Ela não tem medo de explorar a feminilidade e o poder, e o faz com uma honestidade e vulnerabilidade cativantes.

Entre os closes de looks majestosos e as narrações diante das cenas do documentário, vemos a artista em sua mais pura simplicidade. É nítido perceber que a presença de sua família desempenha um grande papel em meio a isso tudo, já que a todo momento da produção é possível ver os familiares presentes nos bastidores, seja dando ideias ou até mesmo compartilhando grandes e chamativos momentos nos shows.

A inclusão de imagens e momentos compartilhados com seu marido, Jay-Z, e filhos, Blue Ivy, Rumi e Sir, adicionam uma dimensão muito humana e tocante à experiência cinematográfica. Ao mostrar esses momentos de conexão e afeto, Bey revela não apenas sua faceta como um grande ícone global, mas também o seu lado mãe e parceira. A dinâmica familiar retratada em Renaissance: A Film by Beyoncé transmite uma mensagem poderosa sobre a importância do apoio e da união na jornada pessoal e profissional, contribuindo para a autenticidade e a profundidade emocional da obra.

Ao invés de criar um filme direto e que fosse apenas focado em mostrar um show qualquer da Renaissance World Tour, Beyoncé se preocupou em mostrar como o espetáculo foi feito e como cada pequeno detalhe importa. A exploração de temas como identidade, empoderamento e autenticidade adicionam camadas de complexidade à obra, elevando-a para além de um simples registro de performances. 

Uma das características mais marcantes de Renaissance é sua abordagem inovadora à narrativa visual. Beyoncé não mentiu quando disse a famosa frase “You are the visual baby!”, já que seus fãs realmente se fazem muito presentes em diversas cenas do documentário. O apelo visual é verdadeiramente deslumbrante. Cada frame é arrebatador e concebido para ser transmitido de maneira tão sentimental e majestosa que está claro que a cantora criou um santuário de liberdade e alegria para os membros da BeyHive – sua comunidade de fãs. As filmagens dos bastidores e do material de entrevista expõem seu processo de produção e convidam o espectador a mergulhar profundamente na mente e na alma da artista.

O documentário não é somente uma obra visual: a trilha sonora é também uma experiência transcendental. Bey preocupou-se em expandir sua expressão artística em uma mistura vibrante de ritmos, juntamente com letras poderosas que revelam a profundidade e dão significado à história do álbum homônimo, o que contribui para a criação de uma experiência sensorial completa. Assim como numa sinfonia, cada música completa perfeitamente a estética visual do longa e mantém a autenticidade da produção.

É palpável dizer que Beyoncé está vivendo o auge de sua carreira. É possível notar isso em diversas cenas do longa, sendo ela mesma natural e mostrando um pouco de sua originalidade e de jornada pessoal. Em Renaissance, ela conecta elementos tão complexos da própria vida e personalidade que nos fazem lembrar sempre do nosso poder de moldar nosso próprio destino e narrativa. A cantora prova por A + B que toda a sua espera vale a pena.

Ao desafiar todas as normas estabelecidas e abraçar a sua verdadeira voz, Renaissance: A Film by Beyoncé é, sem dúvida, uma celebração de sua extraordinária carreira. É impossível não pensar em como a famosa Queen B poderá superar a si mesma depois desse trabalho. O triunfo do documentário eleva todos os padrões do que é possível ser feito na arte e na expressão criativa e prova mais uma vez que a cantora é uma das artistas mais influentes de sua geração.

Por fim, o que torna Renaissance: A Film by Beyoncé uma obra cinematográfica envolvente e magnética é a forma como não somente trata Beyoncé como a estrela da produção, mas como a artista também preza pela dedicação e preocupação com os bastidores e controle criativo da turnê. O filme por si só busca transcender as fronteiras do convencional e convida o espectador a uma experiência visual e emocional muito intimista, sendo considerado como uma conquista monumental no mundo do Cinema e da cultura pop.

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Nathan Nunes

Em Agente Duplo (2020), a diretora Maite Alberdi deixou clara a sua metodologia: partir de um objeto de estudo do cotidiano para refletir sobre temas mais profundos. Indicado ao Oscar de Melhor Documentário naquele ano, em que perdeu para o inferior Professor Polvo, o longa acompanhava Sérgio, um senhor viúvo que era incumbido da missão de se infiltrar em um lar de idosos para investigar uma denúncia de maus tratos. No desenrolar dos acontecimentos, observamos ele se afeiçoar progressivamente aos hóspedes do local, ao compartilhar com eles seus sentimentos de solidão. 

Agora, Alberdi retorna ao Oscar com A Memória Infinita, também indicado na categoria de Melhor Documentário. O método continua o mesmo, mas o objeto de estudo é bem menos pitoresco que o anterior. Trata-se do casal chileno Augusto Góngora e Paulina Urrutia. Ele foi jornalista, cineasta e apresentador da Televisão Nacional do Chile, a única rede televisiva estatal do país. Ela é uma atriz de renome, cuja influência a levou ao cargo de ministra da cultura da ex-presidente Michelle Bachelet, durante o seu primeiro mandato, entre 2006 e 2010. Ainda que tivessem enorme reconhecimento popular, ambos enfrentaram, em sua vida privada, um triste dilema: o mal de Alzheimer, com o qual Augusto foi diagnosticado em 2014. 

Para Alberdi, a escolha de filmar a rotina de um casal em uma situação tão delicada torna-se uma oportunidade para refletir sobre a importância da memória, em um contexto de amor e política. Por isso, a diretora não a desperdiça, mantendo-se longe da espetacularização e fixando seu olhar em uma posição observadora e passiva, mas não necessariamente distante. Através do close, sua câmera valoriza a intimidade entre os dois, como em pequenos gestos de cuidado. Um dos exemplos mais marcantes é ver Paulina dando banho no marido e acariciando seu rosto, uma imagem belíssima que estampa um dos principais pôsteres de divulgação do documentário.

Na mesma linha, temos as conversas particulares entre eles, que emocionam desde os minutos iniciais, quando vemos Augusto acordar levemente esquecido de sua identidade e Paulina explicando-a para ele, com paciência e empatia. Curiosamente, é o marido quem recorda o passado para a esposa mais à frente na rodagem, quando relembra o dia em que se conheceram, de forma feliz, mas também melancólica. Nessa situação, fica evidente a necessidade de se verbalizar todos os sentimentos, dúvidas, questionamentos e, claro, memórias, enquanto ainda há tempo.  

Essa necessidade, por sua vez, reverbera nas imagens de arquivo que Alberdi aproveita em sua narrativa, construída em conjunto com a montagem de Carolina Siraqyan. Dos registros caseiros em VHS das viagens e festas do casal aos trechos extraídos de entrevistas e reportagens de Augusto, o longa articula uma visão da memória como um elemento fundamental para todas as pessoas e, por consequência, também para o Chile, pois, nas palavras do jornalista, “sem memória, não há identidade”. 

A frase pertence ao livro Chile: La Memoria Prohibida (1989), escrito pelo próprio, em colaboração com outros autores, e que é lido por Paulina para ele em um ponto-chave da rodagem. Tendo vivido os anos de repressão e ditadura militar de Augusto Pinochet e, nesse meio tempo, reunido relatos para a obra, é notável que Augusto guarda cicatrizes desse período, assim como seu país. Em uma das cenas mais tocantes do documentário, vemos ele chorar ao se lembrar dos assassinatos da época, em especial o do sociólogo José Manuel Parada, cuja cabeça degolada foi exposta publicamente para aterrorizar a população. 

Em geral, a memória aqui acaba exercendo diferentes funções. Na política, impede um país de se esquecer dos horrores que viveu na mão do totalitarismo. No amor, mantêm acesa a chama de relacionamentos como o de Augusto e Paulina, com anos de cumplicidade e afeto. Em um campo da subjetividade, como o da autoafirmação, nos lembra das nossas identidades. E, no contexto específico do lançamento do documentário, serviu infelizmente como uma despedida, pois Augusto faleceu no ano passado, aos 71 anos de idade. 

Na forma de A Memória Infinita, os últimos registros de sua vida tornaram-se, portanto, um ato de memória por si só. É provável que Maite Alberdi não via tamanha ironia do destino, desde que filmou um homem se afeiçoando a um lugar que se infiltrou para desmascarar, como em seu trabalho anterior. No entanto, é certo de que ela estava segura em capturar uma história de lembranças, seja dos esforços de uma esposa em fazer o marido lembrar-se de quem é, ou de um jornalista disposto a lembrar seu país de fazer o mesmo. 

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Isabella Lima

“Sinceridade não pode ser fabricada; a sinceridade de cada integrante do BTS é sedimento de suas provações, tribulações, tristezas, medos e esperanças a partir de suas próprias experiências vividas”, afirmou Jiyoung Lee em seu livro BTS Art Revolution, sobre o grupo de K-pop que conquistou, e ainda conquista, fãs leais ao redor do mundo. O legado de RM, Jin, SUGA, J-hope, Jimin, V e Jungkook é incontestável; sete rapazes de um pequeno país asiático que foram capazes de quebrar diversas barreiras linguísticas dentro da indústria da Música. O septeto, que iniciou a carreira em 2013, pode até ter anunciado uma pausa na carreira como grupo, mas seus trabalhos solos estão proporcionando aos fãs do BTS, conhecidos como ARMYs, verdadeiras obras musicais. Entre elas, encontramos os projetos de Min Yoongi, que se denomina como SUGA dentro do grupo, porém, quando em carreira solo, é conhecido por Agust D.

Apesar de ser a mesma pessoa, o cantor utilizou os nomes fictícios para explorar todo o seu potencial artístico, seja em equipe ou sozinho. O pseudônimo Agust D não é estreante no cenário musical: suas letras combativas, carregadas de rap e críticas são a marca registrada do artista desde 2016, quando lançou o seu primeiro projeto solo intitulado Agust D. Em 2020, a segunda parte da sua jornada chegou com o nome D-2, e agora, em 2023, conhecemos o capítulo mais recente dessa história: o álbum D-DAY, que além de dois videoclipes inéditos, também ganhou um documentário no Disney+, SUGA: Road to the D-DAY. 

O filme explora o processo de produção do projeto mais recente do cantor, além de abordar suas principais questões criativas. Yoongi sempre foi conhecido por ser um dos membros mais introvertidos do BTS, algo que o ajuda a expor com sinceridade a carga emocional das letras que escreve. Porém, logo no início do documentário, um ponto essencial é trazido pelo próprio artista: a despedida dos seus 20 anos e a chegada dos 30. Isso é algo que faz com ele se pergunte o que ainda pode retratar em suas canções. “Minhas histórias acabaram, mas preciso contar uma”, revela durante a filmagem, mostrando a dificuldade de entender a fase adulta quando se é alguém que atingiu tantos sonhos ainda tão jovem. Em meio a esse contexto, o artista oferece reflexões valiosas misturadas com momentos musicais em um estilo grunge e rock star. 

Aprendemos, ou melhor, relembramos com Min Yoongi que o processo criativo não é uma linha reta. A autocobrança está presente na vida de muitas pessoas e para ele não é diferente. O rapper comenta com muita sinceridade sobre suas preocupações e medos para seu novo disco. Da mesma forma que atualmente as informações chegam extremamente rápido, os produtos musicais também são consumidos de maneira acelerada, o que gera uma ansiedade e pressão nos artistas para atingir a hiperprodução. Apesar dessa espiral de pensamentos, Suga mostra que o caminho para a criatividade não é, e nem precisa ser, linear. Algumas músicas do D-DAY, como Haegeum e AMYGDALA, por exemplo, tiveram suas primeiras versões criadas em 2020, mas só foram efetivamente lançadas agora. 

Além disso, quem nunca teve um bloqueio criativo? Eles existem e está tudo bem pedir ajuda, isso não descredibiliza todo nosso esforço. Em Junho de 2022, Agust D viu a composição do seu novo álbum chegar a um beco sem saída. A maneira como ele decidiu passar por essa situação foi, justamente, saindo da rotina e, o mais importante, pedindo ajuda. Para isso, ele reuniu um time de compositores em PyeongChang, interior da Coreia do Sul, onde foi gravada a segunda temporada de BTS In The Soop. Neste momento, o documentário acompanha a reunião da equipe, mostrando que um processo difícil para apenas uma pessoa se tornou um momento de descontração e trabalho na medida certa quando feito em grupo. Suga ainda comenta que, quando se junta com outras pessoas, pode passar 12 ou 13 horas trabalhando, mas sempre acaba sendo uma construção mais divertida e menos solitária. 

Aqui também percebemos a importância de sempre se lembrar das nossas motivações pessoais. Uma das partes mais emocionantes de SUGA: Road to the D-DAY se passa no Japão, quando Suga tem a oportunidade de conhecer um dos seus ídolos de infância, o produtor, compositor e vencedor do Oscar Ryuichi Sakamoto. Quando pequeno, Yoongi assistiu ao filme O Último Imperador e desde então as composições de Sakamoto o inspiraram a ser músico. As reflexões que leva para essa conversa são focadas em entender como se manter motivado dentro da sua profissão, uma vez que ele já faz música há 17 anos e muitas vezes se sente cansado e até cogita parar. Para Ryuichi, com seus 70 anos de experiência, a composição deve ser interpretada como uma escada infinita, uma vez que, quando um artista fica 100% satisfeito com a sua obra, é o fim do seu propósito.

No fim, Agust D e seu documentário cumprem com o propósito de transmitir um valor muito importante: a vulnerabilidade. É admirável como enxergar e sentir os momentos difíceis de uma celebridade pode a aproximar do seu público prioritário, os seus fãs. Suga expõe suas dores, dificuldades e ansiedades na esperança de que isso possa acalentar outras pessoas. Todos esses fatores fazem SUGA: Road to D-DAY ser equivalente a um daqueles abraços que buscam dizer que tudo vai ficar bem. O artista, que iniciou a jornada do seu novo álbum sem saber qual narrativa explorar, finaliza revelando: “Quais você acha que são as chances da chegada de um futuro totalmente controlável? Há uma grande chance do futuro que você teme nunca acontecer. Essa é a história que eu queria compartilhar com vocês (…) Quero compartilhar histórias que tenham foco no presente”.

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Laura Hirata-Vale

O toque pode ser áspero, macio, quente ou gelado. Pode ter uma sensação seca ou hidratada. O maior órgão do corpo humano é a pele e é por meio dela que é possível não só sentir a dor e a temperatura, mas também as conexões se formarem, os pelos eriçarem e os sentimentos se aflorarem. É na pele que escrevemos lembretes, tatuamos frases, desenhos e lembranças. Os muros e as paredes das cidades também passam por um processo parecido: por meio de escritos, desenhos e lambe-lambes, as superfícies das florestas de concreto se colorem, e são aquecidas e resfriadas com o passar do dia. No documentário Pele (2021) – dirigido por Marcos Pimentel, produzido pela Tempero Filmes e distribuído pela Embaúba Filmes – a relação entre o meio urbano, a arte e a manifestação de ideias é explorada de forma simples, musical, cotidiana e cheia de denúncias. 

Presente no 27º Festival É Tudo Verdade – na Competição Brasileira de Longas e Médias-Metragens –, Pele só chegou às salas de cinema em 2023. Extremamente urbano, o filme mostra sem rodeios imagens das paredes e dos muros de Belo Horizonte, São Paulo e do Rio de Janeiro, e funciona como um retrato das cidades e metrópoles brasileiras. As construções, além de guardarem seu valor histórico por causa de sua arquitetura e engenharia, são responsáveis por manter a expressão humana viva. Por meio de seus desenhos, grafites e palavras de protesto, os prédios, casas e edificações contam o que aconteceu na história, e documentam – de forma criativa e cheia de força – o presente momento. 

Repleto de imagens estáticas e planas, com poucos movimentos, o documentário de 75 minutos envolve o espectador, de uma forma que lembra uma exposição de arte em um museu. As gravações, quando adicionadas à trilha sonora – feita por Vitor Coroa, responsável pela mixagem de som de diversos episódios do podcast Rádio Escafandro – proporcionam uma imersão no mundo de linhas, cores e tons dos centros urbanos. Além disso, a mistura dos sons, cenas e músicas são fiéis à experiência de andar a pé ou de carro nas cidades – ouvimos música, vemos os registros nas paredes, mas nem sempre prestamos atenção neles. E é esse o propósito de Pele: mostrar os escritos e desenhos, e nos fazer cientes deles. 

Eu sempre gostei de caminhar pelas cidades prestando atenção no que está presente nos muros, paredes e estruturas de concreto. – Marcos Pimentel

Sem depoimentos e composto somente dos barulhos e das imagens da cidade, o documentário assume uma forma única e singela de contar a história dos muros. Com ‘sons’ de arquivo – como gritos de manifestações, como “Fora Temer!”, “Ele não!”, “Lula Livre!” e muitos “Fora Bolsonaro!”– combinando com os seus respectivos protestos escritos, Pele faz um recorte da história recente do Brasil, principalmente ao mostrar o que ocorreu na política brasileira entre 2016 e 2019. Assistir esse panorama é ainda mais emocionante quando se pensa nas eleições de 2022, após as dores e medos que as de 2018 trouxeram para a Arte e para o Cinema.

Durante o documentário, conseguimos ver camadas de uma cidade. A tinta, as construções e o som são os personagens principais da obra, assim como seus momentos peculiares. Uma mulher fazendo ioga na calçada de uma avenida movimentada; um garoto sambando em frente aos grafites; um homem praticando parkour em meio ao concreto mostram como a urbanidade é formada de instantes, e como o conjunto de todos esses movimentos constituem as metrópoles. 

As camadas de Pele também mostram – de forma muito explícita – como as paredes e muros pintados são o cenário de muita desigualdade social. Na frente das cores, há moradores de rua, pobreza e destruição; e, em um contraponto, existem muitos ensaios fotográficos e selfies. Porém, ao mesmo tempo, os edifícios também possuem palavras de denúncia, além de pinturas e desenhos fotografados como belos feitos. “Chega de higienização social”, “polícia assassina” e “VENDE-SE CARNE NEGRA TEL: 190” são algumas das frases que chocam e impactam, por mostrarem a violência nas ruas brasileiras.

Em meio a todas as denúncias e protestos, há também a manifestação do amor e da paixão. Como um paralelo às cantigas de amor do Trovadorismo e a todos os sentimentos do Romantismo, é possível perceber como o romance ainda persiste nas paredes e nos muros. Indo de frases emotivas como “essa eu fiz pra ela!!” e “procura-se aluguel em um coração vazio” até frases cheias de luxúria e erotismo, como “é preciso (m)amar” e “faça amor hoje”, vemos como o amor existe e resiste, mesmo em centros urbanos tão rápidos e corridos.

Durante o documentário, chegamos à camada da hipoderme, a mais profunda do maior órgão do corpo. Nossa casca defensora, que nos protege de possíveis infecções, dores e doenças, também é a responsável por identificar toques, sentimentos e sensações. Percebemos como os centros urbanos são a casa da arte, da manifestação e do protesto, e como eles são importantes para a vida. Vemos como as cidades refletem o que vivenciamos – por meio dos desenhos, escritos e lambe-lambes nos muros e paredes, é possível perceber tudo o que sentimos na Pele. 

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