Flávia Ferracini

Em 2004, a Disney Channel já buscava sua próxima grande aposta para o público adolescente: uma série capaz de unir identificação e fantasia, dois pilares fundamentais da cultura jovem. A proposta parecia simples, mas carregava um potencial narrativo poderoso: contar a história de uma garota que vivia entre dois mundos, equilibrando a vida comum com o estrelato. O piloto foi gravado em 2006, porém a equipe criativa ainda não se sentia completamente convencida. Faltava algo que conectasse verdadeiramente a personagem ao público. Foi nesse momento que o acaso, ou talvez o timing perfeito, entrou em cena.

Miley Cyrus já havia tentado o papel dois anos antes da estreia da obra, enviando fitas de audição quando ainda era considerada jovem demais para o perfil buscado. Em 2006, recebeu um novo chamado, desta vez para um teste presencial. Há algo quase mítico nesse momento: Miley chega vestindo uma camiseta com a frase “eu deveria ter meu próprio programa de TV”. O gesto, que poderia parecer apenas ousadia adolescente, hoje soa como prenúncio. Sua performance não apenas garantiu o papel, como também redefiniu o projeto. A personagem, inicialmente chamada Zoe Stewart, foi renomeada como Miley – um reflexo direto da impossibilidade de separar intérprete e criador.

No dia 24 de março de 2006, estreou Hannah Montana. Mais do que o lançamento de uma nova série, aquele momento marcou o início de um dos maiores fenômenos culturais da televisão infanto juvenil dos anos 2000. A premissa da vida dupla – Miley Stewart, adolescente comum, e Hannah Montana, pop star mundialmente famosa – capturava um desejo coletivo: o de viver simultaneamente o extraordinário e o cotidiano, sem abrir mão de quem se é. A icônica peruca loira não era apenas um elemento de figurino, mas um símbolo visual dessa divisão identitária que, ao longo dos anos, se tornaria ainda mais significativa. 

A lógica da peruca tinha uma força assim como os óculos de Clark Kent, a máscara de Peter Parker ou a dualidade entre Bruce Wayne e seu alter ego.  Essa transformação de Miley em Hannah operava a partir de um código simples, quase ingênuo, mas profundamente simbólico. Bastava um acessório para criar outra versão de si e, com ela, uma nova forma de existir no mundo. No caso de Hannah Montana, essa lógica ganhava ainda mais força por não estar associada a superpoderes, mas a algo mais próximo da realidade.

Dentro da narrativa, o segredo da protagonista era protegido por um círculo restrito, composto por seu pai, interpretado por Billy Ray Cyrus, e seu irmão Jackson, vivido por Jason Earles. Com o tempo, seus melhores amigos, Lily (Emily Osment) e Oliver (Mitchel Musso), descobrem a verdade e passam a compartilhar não apenas o segredo, mas as consequências emocionais de mantê-lo. Essa dinâmica constrói uma rede de apoio que humaniza a narrativa, mostrando que, por trás do glamour, existe sempre uma tentativa constante de pertencimento.

Exibida entre 2006 e 2011, a série se consolidou como uma das franquias mais bem-sucedidas da história do canal. Com episódios que chegaram a ultrapassar 10 milhões de espectadores nos Estados Unidos, Hannah Montana não apenas dominou a audiência, mas expandiu sua presença para além da televisão, criando um ecossistema de trilhas sonoras, produtos licenciados, turnês internacionais e um longa-metragem. Esse modelo ajudou a redefinir a forma como o entretenimento juvenil era produzido e consumido, borrando as fronteiras entre ficção e realidade e transformando Miley Cyrus em uma estrela global.

O impacto cultural também se manifesta na forma como ela antecipou discussões contemporâneas sobre identidade e performance. A ideia de viver entre duas versões de si mesma ecoa diretamente na lógica atual das redes sociais, onde a construção de persona se tornou parte essencial da experiência digital. Muito antes dos influenciadores e da curadoria de imagem online, a pop star já apresentava, de forma acessível, o conflito entre quem somos e quem mostramos ser.

No campo estético, o legado também é evidente. O closet secreto, as roupas com glitter, os figurinos exagerados e a peruca loira se tornaram símbolos de uma era. Essa estética, muitas vezes associada ao exagero do pop dos anos 2000, retorna hoje como referência nostálgica, influenciando tendências de moda e comportamento. Mais do que isso, representa um momento em que a expressão individual podia ser, ao mesmo tempo, lúdica e aspiracional. Musicalmente, a série também ultrapassou as expectativas de um produto voltado ao público teen. Canções como Nobody’s Perfect, I’ll Always Remember You e Ordinary Girl carregam, sob uma camada pop acessível, temas como crescimento, imperfeição e busca por identidade. Esse equilíbrio entre leveza e profundidade contribuiu para que a trilha sonora da série se mantivesse relevante ao longo dos anos, atravessando gerações.

Assistir a Hannah Montana nunca foi uma experiência passiva. Havia um pacto silencioso entre a personagem e o público. Ao longo dos episódios, sentíamos que também éramos guardiões daquele segredo. Admirávamos a loira, com todo o brilho e reconhecimento que a fama trazia, mas nos víamos em Miley, nas suas inseguranças, nas escolhas difíceis e na tentativa constante de equilibrar expectativas externas e desejos internos.

Essa dualidade se estendia também às relações afetivas da personagem. Ao longo da série, o público acompanhou seus envolvimentos amorosos, especialmente com Jake Ryan (Cody Linley) e Jesse (Drew Roy), criando torcidas que refletiam não apenas preferências românticas, mas interpretações diferentes sobre quem Miley realmente era, ou quem deveria ser. Esses relacionamentos funcionavam como extensões do conflito central da série: qual versão de si mesma deveria prevalecer?

Em 2009, esse conflito ganhou novos contornos com Hannah Montana: O Filme, que leva a personagem de volta às suas raízes e aprofunda a discussão sobre pertencimento e autenticidade. Paralelamente, o fenômeno se consolidava nos palcos como com a Best of Both Worlds Tour, eternizada no filme-concerto Hannah Montana & Miley Cyrus: Best of Both Worlds Concert, que capturou a dimensão global da franquia e a conexão intensa com o público.

Enquanto isso, fora da ficção, Miley Cyrus começava a afirmar sua própria identidade artística. O lançamento de Can’t Be Tamed, em 2010, marcou uma ruptura significativa com a imagem construída ao longo dos anos. A recepção foi polarizada, evidenciando a dificuldade do público e da indústria em aceitar a transição de uma artista que crescia diante das câmeras e buscava redefinir sua narrativa. O encerramento da série, em 2011, cristaliza esse processo. Ao retirar a peruca e revelar sua identidade em rede nacional, Miley Stewart encerra simbolicamente a divisão entre suas duas vidas. A cena, profundamente emotiva, representa não apenas o fim da série, mas o fechamento de um ciclo para milhões de espectadores que cresceram acompanhando essa jornada.

Nos anos seguintes, Miley Cyrus se distanciou da imagem de Hannah Montana, e a própria Disney também buscou reforçar essa separação. Durante um período, parecia necessário romper completamente com o passado para que uma nova identidade pudesse emergir. A artista chegou a revelar que, após deixar o canal, sequer tinha permissão para cantar as músicas da personagem e que, naquele momento, isso já não fazia sentido dentro da identidade que tentava construir. Mais do que rejeitar Hannah, Miley parecia precisar existir fora dela.

Ainda assim, mesmo no auge desse distanciamento, a relação nunca foi completamente rompida. Em 2021, no aniversário de 15 anos da série, Miley publica uma carta aberta diretamente para Hannah Montana, e o tom já não é de rejeição, mas de confronto e reconhecimento. Ao escrever que, embora Hannah fosse vista como um alter ego, houve um tempo em que ela “tinha mais identidade em sua luva” do que a própria Miley, a artista explicita o desequilíbrio entre persona e indivíduo. A metáfora se aprofunda quando descreve essa relação como uma troca: Hannah ofereceu fama, enquanto ela cedia anonimato. E talvez o trecho mais simbólico venha na imagem do foguete, uma força que a impulsionou até a lua, mas nunca a trouxe completamente de volta, revelando o impacto irreversível dessa personagem em sua trajetória.

Com o tempo, essa relação passou por um processo de ressignificação. O que antes era afastamento se transformou em reconhecimento. Em 2024, aos 31 anos, Miley Cyrus se tornou a artista mais jovem a receber o título de “Lenda da Disney”. Em seu discurso, reconheceu publicamente a importância de Hannah Montana em sua trajetória e afirmou que continua orgulhosa de ter sido a personagem, não mais como algo a ser superado e sim como parte essencial de quem se tornou. O momento simbolizou uma reconciliação e um reencontro entre passado e presente.

Esse movimento se projeta diretamente no presente. Ao comentar sobre a celebração dos 20 anos da série, Miley expressa o desejo de que os fãs “se sintam vistos”, como se, ao olhar para Hannah Montana, cada pessoa pudesse reconhecer uma parte de si: ser visto é existir plenamente, o reencontro com essa história deixa de ser apenas nostalgia e se transforma em validação, não só da personagem, mas de toda uma geração que cresceu entre versões de si mesma.

Duas décadas após sua estreia, Hannah Montana permanece como um marco cultural, não apenas pelo sucesso que alcançou, porém pelo impacto duradouro que deixou. E, como toda história que se recusa a terminar, esse ciclo encontra agora uma nova continuidade com o especial de 20 anos que será lançado no Disney+, no dia 24 de março de 2026, revisitando memórias, personagens e significados que atravessaram o tempo.

Talvez esse seja o verdadeiro legado de Hannah Montana: nos ensinar, ainda muito jovens, que não precisamos escolher entre versões de nós mesmos. Que é possível existir nas contradições, nos excessos e nas transformações. E que, no fim, o melhor dos dois mundos sempre foi, e continua sendo, simplesmente ser quem somos. E talvez isso vá além da ficção: a própria Miley Cyrus, não a personagem, mas a artista, também passou por esse processo diante do público, se reinventando, rompendo expectativas e construindo uma identidade única e muito forte. No fim, Hannah ensinou, mas Miley viveu e isso torna esse legado ainda mais real e potente.

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Guilherme Machado Leal

O verão nunca foi tão divertido como acontecia no mundo de Teen Beach Movie. O primeiro filme, lançado em 2013, trazia a rivalidade entre surfistas e motoqueiros em uma paródia proposital de Amor Sublime Amor – clássico dos anos 1960. Durante o verão, Brady (Ross Lynch) e Mack (Maia Mitchell) se teletransportaram à produção cinematográfica e tiveram férias bem diferentes daquelas que estamos acostumados a ter. Agora, na sequência de 2015, os protagonistas encaram o mundo real e o pesadelo dos estudantes: a volta às aulas.

Enquanto o loiro leva o carpe diem à risca, a jovem se preocupa com o futuro estudantil. As ocupações, as rotinas e demandas distintas são provas de que a vida é muito mais do que apenas tempo ocioso da época em que se conheceram. Criados para serem personagens carismáticos, Lela (Grace Phipps) e Tanner (Garrett Clayton) continuam reprisando seus papéis. No entanto, há algo que mudou na garota. Após a vinda dos amigos humanos, ela deseja ser mais do que um conceito criado.

A emancipação da boneca Barbie enquanto uma mulher com suas convicções e vontades no filme homônimo de 2023 é semelhante à narrativa da protagonista do longa-metragem fictício. Dessa vez, é a motoqueira quem vai até os colegas em busca da identidade e o namorado confiante a acompanha – sem concordar – com a ideia. No primeiro contato com a ‘Terra’, os choques da distância temporal os impressionam, a exemplo dos dispositivos móveis dos anos 2010. Como não existem, quando entram em chuveiros, os cabelos falsos não molham e os dentes sempre são brancos. 

Mas a vida não é assim: talvez a prática até leve a perfeição. A partir de suas interações com os signos e concepções que caracterizam um ser humano enquanto alguém que vive em sociedade, a dupla perde a própria ‘magia’, ou melhor, é como se os roteiros que continham suas histórias fossem apagados. Por outro lado, eles possuem sentimentos: preocupação, ânimo, dúvida e tristeza. Algo que, para Mack e Brady, é só mais uma segunda-feira. Assim como ocorreu em Teen Beach Movie, se algo está fora do lugar, tudo desaparece.

No número musical Silver Screen, os reais tentam convencer por meio das melodias e rimas a delícia que é ser um personagem. Nada de inquietações ou problemas a serem resolvidos, é tudo apenas uma grande encenação. E nesse jogo, Lela e Tanner são mestres, pois servem para repetir os mesmos papéis a cada vez que um novo espectador assiste a “Onda, Sublime Onda”. Então, o que a faz querer se desvencilhar de sua origem? 

À frente de seu tempo para uma obra do Disney Channel, o sonho de Mack nunca se pautou na opinião de um garoto. Ter um futuro profissional é a meta dela e isso é uma questão inegociável para o relacionamento com Brady. Por isso, quando a motoqueira reconhece na amiga a possibilidade de ser, ela encontra um refúgio. Ali, ambições são possíveis, aprendizados ocorrem e o melhor: a sensação de pertencer a algum lugar ou a um grupo. É claro que, do lado de cá, é muito mais excitante interpretar um personagem no seu filme favorito, nem que seja por um dia. Porém, o que nos distingue dentre todos é a nossa humanidade. E isso, seres fictícios não têm o poder de nos entregar.

O trabalho coreográfico na duologia é um aspecto que não envelheceu com o tempo. Depois de 10 anos do lançamento, as sincronias entre o elenco e a habilidade ímpar de Ross Lynch em imprimir em tela os passos criados por Christopher Scott – coreógrafo da sequência que substituiu o diretor Jeffrey Hornaday na função também ocupada no longa de 2013. Em Gotta Be Me, a garota centrada e o namorado descompromissado se entendem a partir do duelo que realizam na quadra do ginásio. Aqui, há a compreensão de que ela pode ser quem é e ele também. Não importa o fato de serem de mundos distintos, o laço criado durante o verão permanece em todas as estações do ano. 

Teen Beach 2 tem, provavelmente, um dos desfechos mais surpreendentes para um filme infantojuvenil. Lela e Tanner decidem retornar ao conto de fadas após descobrirem que a fuga para o mundo real pode levar ao desaparecimento de seus colegas fictícios. Na despedida com Mack, ela entende que, embora volte ao filme, dessa vez, há chances de trilhar a própria jornada. Para qualquer um que era adolescente na época da estreia parecia ser impossível um mundo em que os acontecimentos do longa original não ocorressem. 

Entretanto, o roteiro de Robert Horn e Vince Marcello segue esse caminho. O agridoce não é convidativo a todos, seja na vida ou nas telas, o mais palatável é o final feliz. Aqui, as conclusões saídas de uma fantasia não obtêm êxito – o que deixa a experiência, no mínimo, curiosa. Na adolescência, temos os primeiros contatos com as decepções e os imprevistos. Aos que cresceram com essas narrativas do canal, a sequência da obra de 2013 adota um tom muito mais reflexivo do que as outras produções da mesma era. 

O retorno dos personagens à Onda Sublime Onda e a mudança na construção de Lela enquanto personagem realizaram alterações no mundo real: como a história fictícia teve o rumo alterado, Teen Beach Movie não ocorreu e, por isso, Mack e Brady nunca se conheceram. Na nova realidade, a garota participa da organização de uma sessão de um longa-metragem antigo: Lela, Rainha da Praia. Enquanto isso, o loiro está por perto e após interagir com ela, se interessa e fica para conferir a atração.

That’s How We Do, número de encerramento do musical, sintetiza o maior acerto da narrativa: entender que podemos ser quem quisermos, desde que tenhamos o controle total de nossas histórias. “Eu faço o meu próprio destino”, frase proferida pela dupla feminina durante a performance, soa como uma inspiração àqueles jovens que amavam se entreter por 90 e poucos minutos com uma produção do canal. Mais arriscado do que o primeiro longa, Teen Beach 2 recalcula a rota e avança em direção à vida real. Se uma personagem conseguiu encontrar o próprio rumo, você também pode.

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Júlia Paes de Arruda

São seis horas da tarde. O Zapping Zone começa com aquele gosto de comida de vó no jantar. Os olhos estão compenetrados na TV, aguardando o primeiro episódio da nova série do Disney Channel. A sinestesia é tão grande que quase posso me imaginar no sofá, com o olhar vidrado na vinheta promocional. Infelizmente, já não é 2011 e não tenho mais 11 anos. Porém, a lembrança permanece tão fresca na memória que nem parece que uma década se passou desde a estreia de Austin & Ally.

O novo crush já está garantido ao entrar pelas portas da Sonic Boom, na figura de Ross Lynch (Teen Beach Movie e O Mundo Sombrio de Sabrina). Aqui, ele interpreta Austin Moon, um artista recheado de talentos, com exceção de um dom para as composições. Ally Dawson (Laura Marano, de O Date Perfeito) é uma compositora nata com alcances vocais lindíssimos, mas com um medo de palco incontrolável. Tocando bateria com palitos de salsichas, ele se surpreende com os assobios reprovados da garota. Imprevisivelmente ou não, é ali que uma parceria brilhante entre dois surge, com direito a diversos altos e imensos baixos na vida um do outro. 

Sendo uma das últimas produções Disney Channel que realmente valem a pena, a série de Kevin Kopelow e Heath Seifert (Sunny entre Estrelas e JONAS) foi responsável por demolir as paredes de uma fase da vida de muitos adolescentes que acompanharam o auge do canal televisivo. O equilíbrio entre o público infantil e juvenil foi essencial para estabelecer um relacionamento mais próximo com o quarteto principal. Assim como sua plateia, os atores foram amadurecendo com os episódios e aprimorando as características de seus personagens. Além do carisma do casal que nomeia o seriado, as personalidades de Dez (Calum Worthy) e Trish (Raini Rodriguez) são as mais engraçadas e, possivelmente, as mais identificáveis. Entre dar um cochilinho em horários (ou não) de almoço e vestir roupas coloridas e diferentes, os dois sempre davam um jeitinho de ganhar a cena e soltar um riso do espectador. 

Falar de Austin & Ally sem citar sua trilha sonora é um completo descaso, ainda mais por ter dado origem a dois álbuns especiais. Não é nenhuma ilusão que nada disso seria um sucesso sem a destreza, a versatilidade e a autenticidade de Ross Lynch com suas incríveis performances musicais. Mesmo que Laura Marano esteja marcando presença em músicas icônicas, o mérito do trabalho artístico das duas primeiras temporadas é de Ross. Double Take pode ter apresentado Austin Moon para o mundo, mas foi com A Billion Hits que seu talento chegou até o público, antes mesmo da série ser estreada, abrindo espaço para que mais canções maravilhosas pudessem ser ouvidas no rádio.

As composições cada vez mais intimistas e descontraídas pintam aquele clima que todo o fã queria desde o encontro do casal na Sonic Boom. Afinal, ninguém caiu no papo de Not a Love Song principalmente porque, uma temporada depois, lá estava Austin com um violão cantando I Think About You na loja de músicas. Já sabíamos desde o princípio suas tentativas de roubar o coração de Ally e mostrar o quanto eles são melhores juntos. A atuação de Ross e Laura é tão fidedigna que em cada troca de olhar, cada abraço e cada performance juntos, conseguimos sentir o que seus personagens sentem. Clichê? Sim, mas era tudo o que eu queria para minha vida naquele momento.  

O ápice de todas as temporadas fica nas duas primeiras, especialmente na segunda. Nela, Austin e Ally saem do limite de parceiros musicais para estabelecer um relacionamento amoroso. Os episódios 7 ao 10 são os mais especiais, daqueles que fazem o coração bater mais forte. Contudo, a produção falha miseravelmente em dar continuidade aos eventos. Dá a impressão que os capítulos foram gravados numa ordem cronológica entendível, mas disponibilizados como pipocas estourando na panela. Quando tudo parece desenrolar, novos personagens surgem para complementar o arcos do casal (que não é um casal) e dois envolvimentos amorosos acabam se estabelecendo. Porém, tudo vem e vai com o decorrer das histórias como se eles não existissem. Até parece um enredo criado pelo Dez, com a falta de zalienígenas e cangurus saltitantes.

Na terceira temporada, o episódio sobre cyberbullying é o que merece destaque. Mesmo sendo um tema bastante pertinente nos dias de hoje, acaba passando despercebido com o decorrer do seriado. Trazendo depoimentos de comentários reais, o quarteto alerta sobre o aconselhamento e a busca de ajuda para casos de assédio. Entretanto, essa passagem rápida no assunto acaba prejudicando a transmissão da mensagem, como se a solução para tal problema fosse simples. Essa facilidade de desenvolvimento se deu, talvez, porque no período em que a série estava em exibição, o sucesso das redes sociais ainda estava em hibernação, sem pretensões de virar o fenômeno que é hoje.  

O pontapé para a quarta temporada é de Austin tomar uma decisão importante que afeta sua carreira. Sendo um fenômeno na internet desde sua primeira aparição, o personagem chamava a atenção por onde passava por suas danças bem coreografadas e melodias incríveis. Ao assinar com a Star Records, Austin conseguiu elevar ainda mais seu patamar ao mesmo tempo que o obrigava a seguir ordens que não concordava. Infelizmente, os contratos lucrativos acabam prejudicando jovens cantores com muitos sonhos até mesmo na ficção. É nítido a diferença de tratamento entre as gravadoras de Ally e de Austin, tanto no quesito de funcionalidade quanto no respeito ao artista.

Terminar a última temporada parece fazer seu coração se quebrar, como se um ciclo da sua vida tivesse sido fechado para sempre, num cofre a sete chaves. Quando aberto, desabrocha os melhores sentimentos que você pode lembrar, um mix de saudade, alegria, tristeza e nostalgia. Recordar é viver, já diria aquele ditado. E Austin & Ally, não há maneira alguma de eu fazer isso sem você. Va-leu! 

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Larissa Vieira

Janeiro de 2021, drivers license, Olivia Rodrigo e Joshua Bassett. Os nomes até podem ter soado novos para o mundo da Música, mas, para os fãs de High School Musical ou para os nostálgicos do Disney Channel, eles já tinham marcado presença muito antes. Em 2019, o Disney+, ainda nem lançado no Brasil, começou a era dos reboots e revivals trazendo de volta sua clássica trilogia, com rostos novos. 

E claro que, logo de cara, esses rostos – não só os protagonistas – agradaram aqueles que ainda tem um apego emocional à trama, e souberam deixar para trás as histórias do passado (e Zac Efron). Quem lidou com isso, e aproveitou o draminha romântico da primeira temporada, criou ainda mais expectativas quando o casal principal, Nini (Olivia Rodrigo) e Ricky (Joshua Bassett), saiu da tela do streaming para viver uma montanha-russa de emoções aqui fora.

Dessa forma, e com a chegada do Disney+ em mais países pelo mundo e a agoniante espera por SOUR, em 14 de maio foi lançada a 2ª temporada de High School Musical: The Musical: The Series. Na ideia de não mais recriar a trama que deu nome a série, mas sim produzir um novo musical, o East High embarcou em uma aventura que, no futuro (alerta spoiler), se tornaria nossa maior decepção. 

Na nova temporada, em uma disputa criada pela Senhorita Jenn (Kate Reinders) e seu antigo inimigo de teatro, Zack (Derek Hough), os jovens do East High se propõem ao desafio de não só interpretar o clássico A Bela e a Fera, mas também ir à batalha em uma competição contra a turma do North High. A temporada, então, caminha por seus 12 (ou podemos dizer 11) episódios ao redor das dificuldades do mundo teatral, principiante para criar tremenda obra. Em paralelo, somos apresentados, claro, ao drama do relacionamento de Nini e Ricky, que, inicialmente, estão juntos mas à distância, e por isso funciona.

O drama, de fato, começa quando Nini retorna à escola e, agora efetivamente, mais uma vez, eles entendem que não dão certo como um casal, independente do amor que sentem. O destaque da temporada, para os protagonistas, são as composições, que, apesar de Ricky não gostar, encantam e provam, por mais um ano, o motivo do sucesso de Olivia e Joshua. The Rose Song, composição que daria o papel no musical para Nini, traz a filosófica metáfora da Rosa encapsulada pelo vidro da Fera, que serviu para ambos perceberem (talvez até fora das câmeras) o porquê não deviam estar juntos. 

O mesmo vale para a letra de Let You Go, que mostra o valentão libertando a rosa que aprisionou por anos. Não só bem composta, a interpretação é o destaque do cantor de Lie Lie Lie na temporada, que, na maioria das vezes, – com ênfase no episódio do Spring Break, em que ele dá a vida à composição – se tornou chato e incompreensível, traços que ele já demonstrava na primeira, mas floresceram neste ano. De resto, o personagem foi irrelevante, principalmente durante seus momentos de destaque no teatro como o protagonista, e deixou a desejar ao mostrar o espírito de equipe que reina na trama e no grupo de alunos.

Falando no grupo de alunos, é para eles que devemos dar visibilidade. Em um universo que o drama dos protagonistas reinava aqui fora, os “coadjuvantes” – Gina (Sofia Wylie), Ashlyn (Julia Lester), Carlos (Frankie Rodriguez), Big Red (Larry Saperstein), Seb (Joe Serafini) e até mesmo E.J. (Matt Cornett) – foram os que verdadeiramente tornaram a trama interessante e mostraram que não só Troy e Gabriella fizeram High School Musical. O maior realce é para o primeiro casal gay da história da Disney, que protagonizou não só seu primeiro beijo, mas fez história com a primeira música LGBTQIA+ da emissora. In A Heartbeat é uma das canções mais emocionantes da temporada e, brilhantemente, finalizou o ciclo do casal (que também levou não o drama, mas sim o amor para fora das câmeras). 

Além de Carlos e Seb, o outro casal destaque é a intérprete de Wondering e Big Red, que pode até receber o selo de romance cômico da história, mas entre os pares, eles podem ser considerados os mais saudáveis. A química dos dois é imbatível e torna gostoso assistir um namoro adolescente real e sem muitos clichês e grandiosidades de casais de filmes. Além disso, com sua voz brilhante, Ashlyn ainda garantiu o papel de Bela no musical da produção, e, mais uma vez, provou que sua trama coadjuvante é o que a torna única e especial para a narrativa. 

Por fim, tivemos os personagens que mais surpreenderam no quesito desenvolvimento. Com uma temporada arrastada e mal finalizada, Gina e E.J. foram os únicos que pudemos ver um crescimento de fato. Não por conta da desconstrução de antagonistas, mas por seus dramas pessoais, muito bem executados pelos atores. Os dois, de longe, trilharam o melhor caminho desse novo ano e, de maneira totalmente errada do roteiro, tiveram um final cru e desnecessário para uma produção de 2021.

Mas, não só pela falta de protagonismo de Nini e Ricky e de espaço para os coadjuvantes, HSMTMTS pecou, ainda mais, pela quantidade de laços inacabados ou até mesmo mal criados durante a temporada. São vários aspectos a considerar, como o relacionamento entre Courtney (Dara Reneé) e seu namorado antagonista, Howie (Roman Banks), mas, principalmente, o papel de Nini como garfo na peça e não como a Rosa.

Uma das maiores expectativas, e a melhor trama da temporada, simplesmente não foram explicadas, fazendo com que a grande canção, 2 episódios de drama depois, fosse deixada de lado, perdendo toda sua representatividade. Isso sem comentar a desistência, nos últimos 3 minutos corridos, da grande competição que criou toda a narrativa, abrindo o buraco para o final aberto e mal feito que foi entregue.

Nesse ano, então, culpe a pandemia ou quem seja, mas o roteiro de Tim Federle, que fez um ótimo trabalho na primeira temporada, deixou a desejar. Tudo já estava indo de mal a pior, até o último episódio, Segundas Chances, que se tornou ainda mais frustrante. Podemos dizer que a ‘fama’ subiu a cabeça da produção, mas a verdade é que parece que não souberam criar uma história sem a base High School Musical. 

O final aberto deixa claro que o futuro da agora estrela mundial Olivia Rodrigo é incerto na série, como dito pelo showrunner, que não sabe sobre a existência de uma terceira temporada. Além disso, é ainda mais decepcionante pensar que eles possivelmente desistam de um futuro caminho para a produção pelo não retorno dos protagonistas, enquanto os coadjuvantes que fizeram a série neste ano e mereciam cada vez mais reconhecimento. 

A segunda temporada de High School Musical: The Musical: The Series, então, frustra, em todos os sentidos. Os espectadores se divertiram mais ao caçar algum tipo de farpa entre Olivia e Joshua durante os episódios e surtar quando o personagem cita ‘deja vu’, e não, de fato, aproveitar o tão esperado desenvolvimento do casal depois do final romântico da primeira parte. E, para aqueles realmente fãs, por mais um ano apreciaram, como a Disney não faz, o talento do elenco encantador que preenche o coração dos nostálgicos do Disney Channel. 

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Vinícius Santos

Here we go everybody! Quem nunca se divertiu cantando a música de abertura e se imaginando vivendo o melhor dos dois mundos? Não é novidade que Hannah Montana foi um sucesso fenomenal. A franquia, que completa 15 anos em 2021, foi criada por Michael Poryes, Rich Correll e Barry O’Brien e conseguiu render ao canal de TV Disney Channel onze DVDs, dezessete discos, dois filmes, vinte e quatro livros e seis jogos eletrônicos oficiais, além de ser indicada a 4 prêmios Emmy. 

A série foi lançada no dia 24 de março de 2006 e se baseia em uma história ficcional sobre uma garota comum que, em segredo, vive uma vida dupla como super estrela do pop. Como qualquer outro sitcom da emissora, Hannah Montana se constrói através da vida cômica da protagonista, amigos e família e envolve uma situação-problema para cada episódio – mesmo assim, há uma narrativa prolongada que permeia toda a série, construindo um arco com começo, meio e fim. 

É exatamente essa trama principal que consegue prender o público e justifica o sucesso extraordinário que a protagonista Miley Stewart, interpretada por Miley Cyrus, conseguiu conquistar pelos 4 anos de exibição. Os personagens são cativantes e te prendem a uma atenção inexplicável, sem contar as músicas que não saem da nossa cabeça, como a faixa de abertura, The Best Of Both Worlds, e, quando o fazem, vão e tocam direto o nosso coração, a exemplo de Wherever I Go ou I Will Always Remember You.

Na série, Miley, com apenas 13 anos na época, vive com seu irmão, Jackson Stewart e seu pai, Robby Ray Stewart, interpretados por Jason Earles e Billy Ray Cyrus, respectivamente – inclusive Billy também é o pai de Miley na vida real. Já na trama, a jovem é uma estudante comum, com problemas comuns, relacionamentos que não funcionam, que tem que lidar com as notas da escola e enfrenta problemas básicos dos adolescentes estadunidenses, junto de seus melhores amigos Lilly (Emily Osment) e Oliver (Mitchel Musso). Ao mesmo tempo, Miley também precisa lidar com um grande segredo: ser uma estrela do pop com o codinome de Hannah Montana.

O enredo consegue usar e abusar de todo o crescimento e mudança da vida de Miley e em como ela começa aprender a conciliar e equilibrar seu dia a dia dividido. Entretanto, é importante ressaltar o salto de maturidade que a série sofreu entre as três primeiras e a quarta temporada, intitulada Hannah Montana Forever. Enquanto nos três primeiros anos o foco é mostrar o desenvolvimento da personagem durante sua vida dupla através de situações diferentes e engraçadas como Miley e Hannah a cada episódio, no último a coisa é um pouco diferente. 

No quarto ano do seriado, nós já podemos ver uma Miley mais focada na nova fase de sua vida, se formando na escola e iniciando um novo relacionamento. Esse, inclusive, passa a arriscar a identidade dupla da personagem, e acaba fazendo com que ela comece a repensar e se desprender um pouco de sua segunda face, resultando, enfim, na revelação de seu segredo. A história, porém, não acaba por aí, porque nos últimos episódios da série o enredo gira em torno da dificuldade da protagonista em levar sua vida depois da convergência de ambas suas personalidades.

A série durou entre os anos de 2006 a 2010, e assim como na vida real, a história era contemporânea à realidade. Com isso, nós podemos notar ao longo do enredo a introdução de elementos da modernidade à medida que o tempo passa, além de algumas mudanças nos visuais das personagens, como, por exemplo, os aparelhos telefônicos e os cabelos e roupas marcantes de Hannah.

E a Disney soube bem se aproveitar disso. O universo criado pelo canal começou a sair da televisão e procurar outros novos meios de se expandir. A primeira grande jogada foi o lançamento das trilhas sonoras da série. Isso fez com que Hannah Montana se tornasse uma artista real, como todas as outras, com álbuns e músicas consolidadas. O feito ajudou a aumentar o apreço dos telespectadores. Agora as crianças não a viam mais como um sonho inalcançável e tentavam ter a vida que ela tinha, e os produtos lhes ajudavam a saciar essa vontade.

Logo depois, a carinha de Miley Cyrus com peruca não saia das nossas cabeças. Qualquer empresa que se prezasse lançava linhas da marca de Hannah Montana, fazendo com que a estrela se transformasse em umas das produções transmidiáticas de maior influência entre as crianças e adolescentes do mundo. 

Falando sobre as expansões de conteúdo da série, temos aqui, talvez o que mais fez sucesso e foi o mais conhecido pelo público: Hannah Montana: O Filme. A obra traz novos rumos à história de Miley e mostra suas raízes, que, inclusive, já haviam sido citadas na série, mas nunca aprofundadas. 

No longa,  dirigido por Peter Chelsom e escrito por Dan Berendsen, a protagonista volta para o estado em que nasceu, Tennessee, e encontra novas dificuldades para manter sua identidade como superestrela em sigilo. Aqui podemos nos aproximar mais das origens dos Stewart e da relação de Miley com seus familiares, mostrando como sua vida dupla pode afetar diretamente seus comportamentos e costumes. O filme resultou em uma das músicas mais populares e emocionantes da franquia, The Climb.  

No final, a identidade de Hannah Montana acaba sendo revelada em meio a todos os moradores da cidadezinha, mas, em uma reviravolta surpreendente, todos ali – isso mesmo, TODOS – decidem manter isso em segredo. Entretanto, parece que os telespectadores não se incomodaram muito com esse show de irrealidade, porque o sucesso do filme foi tão grande que o CD com a trilha sonora alcançou o primeiro lugar na Billboard 200.

Antes disso, a “carreira” de Hannah já estava nas alturas. O primeiro disco com músicas da série totalizou 281 mil cópias vendidas na semana de estreia. O álbum se tornou o primeiro proveniente da TV a alcançar o topo das listas de tendências dos EUA. Em junho de 2007, o segundo CD chegou ao primeiro lugar da Billboard 200 e ganhou o certificado Platinum pela RIAA após 3 milhões de cópias vendidas.

Depois, foi a vez da turnê Best of Both Worlds. Considerada um marco, talvez a transmidiação que a gravadora mais investiu, a turnê contou com uma apresentação de Miley sozinha e uma de Miley e Hannah Montana juntas, tudo isso com o uso de projeções no palco. Os ingressos se esgotaram em minutos e mais shows tiveram de ser agendados. Finalmente a Disney conseguiu o que tanto queria: a turnê acabava de lançar, oficialmente, a atriz como cantora pop e influência entre os jovens. 

Não é por menos que Hannah Montana conquistou a todos e todas e se tornou o sucesso que foi. Os gêneros de comédia, musical e drama acentuaram ainda mais a narrativa e logo influenciaram muitas séries infanto-juvenis que viriam depois dela, como Austin e Ally, por exemplo. O interessante é que, mesmo depois de 15 anos, Hannah Montana ainda é uma referência do pop e um grande marco para a história dos sitcoms. Mas só mesmo Miley Stewart soube como viver o melhor dos dois mundos!

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Marcela Zogheib

O ano é 2001 e você liga sua TV às 18h no Disney Channel para assistir Zapping Zone. Quem nasceu neste século talvez tenha chegado um pouco atrasado pra festa e lembre mais de Hannah Montana, Os Feiticeiros de Waverly Place e Sunny Entre Estrelas, mas pra quem, assim como eu, faz parte do grupo chato de pessoas que se orgulha em ter nascido no fim dos anos 90, precisamos comemorar os 20 anos de uma das obras precursoras do Disney Channel: Lizzie McGuire.

Lizzie McGuire estreou no dia 12 de janeiro de 2001 nos Estados Unidos e ganhou o coração de toda uma geração junto com outras séries da Disney, como As Visões da Raven e Mano a Mana. Na época, o canal era mais conhecido por produzir filmes, mas suas séries existem desde o começo dos anos 80 e Lizzie fez parte de uma fase nova do canal em que as sitcoms teen estavam em alta.

A atriz Hilary Duff interpreta Lizzie, uma garota de 13 com todas as questões que uma adolescente da sua época passaria, conflitos na amizade, pensamentos sobre a aparência, rivalidade, bullying, primeiras paixões, rejeição, pressão estética e problemas escolares. Com isso tudo retratado de uma forma diferente do que era mostrado nas outras séries até então. A personagem título também conta com uma versão animada que expressa muito do que Lizzie quer falar e não sabe como, especialmente no começo da série em que a garota é muito fechada,  com problemas para enfrentar suas inseguranças e se abrir com pessoas que não sejam seus fiéis amigos Miranda e Gordo.

Ao longo da série, Lizzie enfrenta muitas questões ao tentar se encontrar e bancar quem realmente é sem se importar com a opinião dos outros, ou tentar se encaixar em um grupo da sua escola. Então, durante as duas temporadas, vemos ela entrar em conflito com suas vontades e com quem ela realmente é e, por fim, crescer cada vez mais, entendendo seu estilo e seus interesses.

Esse contraste fica muito claro observando o primeiro e o último episódio. Nos dois, Lizzie é confrontada com situações que a deixam desconfortável e fazem seus colegas rirem dela, mas a forma como ela lida é bastante diferente. No começo ela não consegue falar nada e só se apoia atrás de seus amigos mas, no final, ela já está muito mais confortável para se impor e lidar com a situação. A série sempre passa um ar de muita naturalidade, apesar de querer transmitir mensagens em cada um de seus capítulos, a evolução dos personagens é gradual e falha, assim como na mudança da infância para a adolescência de qualquer um.

Um ponto muito importante da série são as relações de Lizzie com os outros personagens, especialmente as mulheres. Sua amizade com Miranda (Lalaine), a rivalidade com Kate (Ashlie Brillault) e os conselhos de sua mãe são partes vitais de Lizzie McGuire. Isso foi muito importante tanto para criação de outras séries que amamos, quanto para os espectadores propriamente ditos que cresceram vendo Lizzie entrando em conflitos com Kate, a típica líder de torcida popular de comédias americanas, e mesmo assim as duas se tornando amigas e se entendendo no final das contas, ou vendo Lizzie e Miranda entrarem em conflito por um menino e depois colocando sua amizade acima de tudo.

A época em que a série foi lançada era quando girl groups como Spice Girls e Destiny’s Child estavam com tudo e muito se falava, da forma que dava nos anos 2000, sobre amizade entre meninas, e eu vejo em mim, e na geração que cresceu comigo, a importância dessas pautas serem apresentadas tão cedo. Algo que, com o tempo, eu senti falta em novas séries e filmes originais do Disney Channel.

Ainda sobre as relações de Lizzie, outro ponto muito característico da série é a originalidade de cada personagem. Gordo (Adam Lamberg), melhor amigo da protagonista, é um tanto diferente dela e de Miranda. Apesar de bastante fechado em relação aos seus sentimentos por Lizzie, ele é muito seguro de quem é e está sempre à procura de algo que o diferencia dos seus colegas. Miranda, mesmo sendo grudada em Lizzie desde criança, é muito diferente dela, sendo mais destemida tanto na forma de agir como na de se expressar, tem seu estilo próprio e ajuda seus amigos a se soltarem.

A série é repleta de referências da cultura pop da época, falando de Star Wars, Britney Spears, Bruce Lee e trazendo até personalidades famosas dos anos 2000 em alguns de seus episódios, como Steven Tyler, vocalista da banda de rock Aerosmith. Ele aceitou interpretar o Papai Noel em um Especial de Natal depois de conhecer a série através de suas filhas, e se encantar com o programa.

Mas nem tudo envelheceu bem na série, talvez pré-adolescentes que assistirem a série pela primeira vez agora não irão se identificar tanto com as questões abordadas, apesar de alguns temas serem atemporais como bullying e encontrar seu grupo de amigos. Acredito que problemas como o MSN travando e alguém ouvir seus problemas na linha do telefone não sejam tão relevantes em 2021. Mas algo que ainda pode ser aproveitado da série são as inspirações de estilo.

A moda é cíclica, tudo se torna brega antes de voltar a ser estiloso, e os anos 2000 com certeza já deram essa volta. Presilhas de borboleta, chunky shoes, blusas com transparência, camisetas com logo de carros, cinco anos atrás a gente ria dessas peças e agora elas estão de volta e tudo isso é mostrado só nos primeiros 10 minutos de Lizzie Mcguire.

A série foi, inegavelmente, um marco de sua geração, ainda contando com um filme lançado em 2003, Lizzie McGuire: Um Sonho Popstar. No longa, Lizzie e seus colegas de sala fazem uma viagem de formatura para Roma e lá ela, além de ser confundida com uma famosa cantora chamada Isabella, é chamada por Paolo, cantor que faz par com a personagem, para se passar por ela.

No ano de 2020 foi confirmado que a série voltaria com um reboot sobre a vida adulta de Lizzie. Todos os atores já estavam confirmados, mas a Disney cancelou a série em dezembro e Hillary Duff contou em suas redes que houveram diferenças criativas, com ela querendo que a série fosse mais realista com a rotina e as dificuldades de uma mulher adulta e a produtora não concordando com suas condições. Hoje, 20 anos depois do lançamento, as duas temporadas originais e o filme de Lizzie McGuire estão disponíveis no Disney+.

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