Henrique Marinhos 

Em seu álbum de estreia, Isolation, lançado em 2018 pela Universal Music, a talentosa Kali Uchis se consolidou como uma das vozes mais interessantes e inovadoras do pop alternativo. Apesar da colaboração com artistas renomados, como Thundercat, Damon Albarn, Kevin Parker, Steve Lacy e Badbadnotgood, Uchis manteve sua identidade e brilho em destaque, recebendo elogios da crítica e do público. Não por menos, o trabalho foi indicado ao Grammy de Melhor Álbum de Música Alternativa em 2019 e certificado como ouro pela Recording Industry Association of America em 2020.

A ascendência de Uchis é uma das características mais marcantes em suas músicas. Ela nasceu nos Estados Unidos, mas é filha de imigrantes colombianos. Crescendo entre os dois países, suas inspirações se baseiam majoritariamente nas raízes latinas. Alternando entre o inglês e o espanhol, a cantora explora diferentes ritmos e influências musicais como o reggaetón, a cumbia e a salsa e, através de latinidades sensuais e apaixonadas, cria em Isolation um universo próprio onde pode viver seu amor sem interferências ou julgamentos.

Celebrando seus cinco anos de existência, a obra apresenta uma estética que mistura o vintage com o moderno e evoca a nostalgia e o romantismo de artistas à la Lana Del Rey e Amy Winehouse. A cantora também aborda questões sociais e políticas nas letras, como a exploração dos imigrantes e a luta pela igualdade e justiça. Em Isolation, Kali Uchis demonstra sua versatilidade e habilidade para transitar entre diferentes gêneros musicais, criando um som coeso e envolvente desde Body Language (Intro), que abre o álbum com uma atmosfera sensual e misteriosa, até Killer, que o encerra com um gosto de quero mais.

A faixa de abertura foi produzida por Thundercat e tem influências de funk e jazz. Ela serve magistralmente como uma introdução para o universo sonoro e temático do disco, explorando as diferentes formas de comunicação entre as pessoas através da linguagem corporal, verbal ou telepática – seu próximo álbum, Sin Miedo (del Amor y Otros Demonios) ∞, que o diga. O debut é constituído por letras inteligentes e reflexivas ao abordar questões pessoais e universais, mas, sobretudo, sua visão de mundo como uma mulher latina no país mais explorador e racista da América do Norte. 

De modo geral, a artista aborda temas muito íntimos: a vida de imigrantes e o amor como forma de dominação e submissão, em colaboração com BIA e Jorja Smith, respectivamente nas faixas Miami e Tyrant. A primeira é uma de suas composições mais famosas, na qual recebemos uma crítica à sociedade estadunidense que valoriza o dinheiro e o status acima de tudo, marginalizando e explorando os imigrantes. A música também é um retrato dessas mulheres em busca por uma vida melhor nos Estados Unidos, em contrapartida à violência, ao preconceito e à solidão.

Sem esforço, a musicalidade de Uchis é uma expressão de sua personalidade e experiências de vida, com sua voz sendo um instrumento de contar histórias e transmitir emoções de maneira orgânica. A artista incorpora a paixão e a expressividade do espanhol com maestria, o que consequentemente resulta em uma obra que é ao mesmo tempo pessoal e universal, sabendo se conectar com seu público e criando uma experiência única. 

Em Just a Stranger, com Steve Lacy, encontramos um relacionamento superficial com um homem que só quer usá-la, em uma sátira ao estilo de vida materialista e vazio dos ricos e famosos, que se aproveitam das pessoas mais pobres e vulneráveis. A faixa também é uma forma de Kali Uchis afirmar sua independência e autoestima, dizendo que ela não precisa do dinheiro ou da atenção desse homem, pois ela sabe o seu valor. 

Seu desejo de fugir com seu amante para um lugar paradisíaco é contagiante. A cantora expressa uma fantasia romântica ao escapar da realidade cruel e encontrar a felicidade. A faixa Flight 22 é, principalmente, sobre se envolver em um relacionamento e não se importar onde isso vai acabar, se permitir fazer isso sendo quem é. O final sombrio, em alusão ao Boeing 727, para os passageiros do voo 22 é usado como uma metáfora para o destino do romance, sobre o qual ela insinua ao final: “Pelo menos eu estou indo para baixo com você / Nossa bagagem pode estar muito cheia no voo 22”.

É impressionante o que a cantora realizou em seu álbum de estreia: a qualidade e originalidade se juntam às reivindicações pelo direito de ser dona de sua própria arte, e ela é vitoriosa em não se submeter aos interesses alheios ou precisar de eras para fazê-lo. Sem medo de expor suas vulnerabilidades e conflitos, há 5 anos Kali Uchis falou sobre amor, mas não de uma forma clichê ou romântica. 

Em Isolation, ela explorou as diferentes facetas e as consequências do sentimento, dualista entre a liberdade ou opressão, doce ou amargo, sonhador ou realista, fiel ou traiçoeiro. Mas, sobretudo, pontua o amor-próprio, essencial para se sentir bem consigo mesmo e com os outros. Ouvir o disco é um convite ao seu mundo, isolado e conectado, triste e alegre, simples e complexo.

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Ana Laura Ferreira e Júlia Paes de Arruda

Encarar o passado não é tarefa fácil. Entretanto, faz parte da construção e amadurecimento de qualquer pessoa. Pensando em tudo para o que virou as costas, Luke Hemmings abre caminho para uma narrativa transcendental que fala muito mais sobre os seres humanos como um todo do que sobre si mesmo. Em When Facing the Things We Turn Away From, o que enxergamos não é apenas mais um membro de boyband em seu debut solo, mas um artista completo que deseja expor suas feridas para curar as nossas.

Seu progresso começou no final do mês de junho, com a chegada do single Starting Line. De cara, nosso primeiro contato com seu trabalho autoral possui uma energia muito sinestésica, partindo de ritmos mais lentos até ganhar compassos mais animados. A sensação é de que as angústias vão se progredindo com o passar da música, como se originasse de um despertar do eu-lírico até ele se dar conta do que está realmente acontecendo para pedir ajuda.

  Quebrando a cadência da abertura do álbum, nos deparamos com Saigon, uma aposta muito mais diversa e de possíveis contragostos. Melodias mais industriais e mecânicas constroem uma atmosfera noventista e, de certa forma, mais dançante. Tendo a frase que intitula o trabalho de Hemmings, Saigon faz referência ao nome da extinta antiga capital do Vietnã do Sul, atualmente chamada de Ho Chi Minh. 

A cidade foi palco de uma vergonha estadunidense durante a Guerra do Vietnã, expulsando a intervenção militar de duas décadas daquela região. Porém, em 30 de abril de 1975, o poder bélico do Vietnã do Norte, apoiado pelos Estados Unidos, culminou na extinção da cidade e de cenas de horror, semelhantes ao caos instaurado no Afeganistão nos dias de hoje. Coincidentemente ou não, a canção diz muito sobre enfrentar as coisas das quais nos afastamos e resistir “até que não haja mais nada de nós para continuar”. 

Entretanto, por mais que o passado seja tema recorrente e fortificador do álbum de Hemmings, outro ponto que merece sua dose de debate são as referências astrais que o cantor utiliza em todo o compilado. E aqui falamos especificamente de astronomia. Isso porque as estrelas, planetas e galáxias compõem toda a narrativa de When Facing the Things We Turn Away From, se tornando o fio condutor que integra desde a estética até a energia das faixas. Exemplo disso é Mum, que mesmo trazendo uma perspectiva terrena, nos transporta para um lugar um tanto intergaláctico e abstrato. É tudo sobre sensações, e não sobre os sentidos sólidos.

Na verdade, essa poderia ser uma definição quase perfeita para o disco já que é difícil explicá-lo sem usar metáforas e sinestesias, sendo ele próprio uma figura de linguagem. É construindo uma ambiente ambíguo entre conforto e aspereza que Luke consegue nos acolher, ao mesmo tempo em que nos leva a refletir sobre questões um tanto filosóficas. Para além do onde vim e para onde vou, nos perdemos em entender os porquês humanos de Place in Me enquanto estamos “apenas dançando no escuro”.

Assim, é por toda sua subjetividade que o álbum consegue escapar de clichês e entregar uma sonoridade e musicalidade que, por vezes, sentimos falta em meio a tantas cópias genéricas no pop. Sem se prender em padrões e expectativas, o disco se constrói dentro de sua própria verdade e definição de qualidade, desenvolvendo um conto sensitivo que poderia ser comparado com grandes obras da Cultura, como o icônico 2001: Uma Odisseia no Espaço. Isso não apenas pela temática espacial em comum, mas por se desprender de parâmetros fabricados da indústria.

When Facing the Things We Turn Away From não se deixa levar pelo pop mainstream, mas se ergue como um pop com um quê de alternativo que pode vir a se tornar mainstream. A linha é tênue, mas pode ser sentida quando escutamos a coletânea. Sem se importar com aprovações, a preocupação real é com a progressão dessa narrativa de forma que o disco se constrói ponderando o equilíbrio, tanto na passagem das faixas quanto dentro delas. Desse modo, canções como Baby Blue e Bloodline conseguem se complementar e coexistir harmonicamente apesar de suas turbulentas diferenças que, ao se anularem, podem ser traduzidas como pacíficas.

E em meio a tantas fugas do pop comercial, nos perguntamos sobre a carreira de Luke até então, como vocalista da banda australiana 5 Seconds of Summer. Apesar de trilhar um caminho gritantemente oposto ao que escutamos até então vindo dele, podemos dizer que ainda assim vemos verdade em suas duas versões. Como grupo, 5SOS começou a trazer narrativas mais maduras desde Youngblood, consolidando sua nova fase em 2020 com Calm, mas ainda assim, nada se compara ao álbum solo de Hemmings.

É impressionante ver a evolução de Luke Hemmings, bem como escutar essa separação de seus trabalhos grupais. Enquanto alcances mais agudos são utilizados para potencializar sua voz em 5SOS, em When Facing the Things We Turn Away From nos deparamos com uma singularidade vocal muito mais serena, quase sussurrante. Essas diferentes explorações só aludem para uma versatilidade completa do cantor e, nesse caso, o australiano consegue entregar de forma espetacular e sem medir esforços. 

Para além de arranjos vocais, todo o álbum é construído numa aura de suavidade. Enquanto as canções de 5 Seconds of Summer exploram acordes de guitarra, baixo e de percussão bem presentes, a musicalidade do projeto de Luke se resume primordialmente em cordas de violão e teclas, tanto de piano quanto de teclado. Talvez a faixa mais destoante de toda a coletânea é Motion, que abrange, ao mesmo tempo,  o Hemmings da banda e o da carreira solo. Versos mais aglutinantes e um clipe psicótico marcam uma faceta ainda desconhecida do australiano, como se estivesse à mercê de uma ressaca moral. A diferença é nítida, mas conseguimos enxergar quão poderosas as personalidades podem ser, trabalhando sozinhas e em grupo. 

Contudo, há um único detalhe que pode fazer do álbum um sucesso agridoce entre o público e a crítica: a sua pitada de alternatividade. Encarando um público que se deliciou com os vocais amargos de Olivia Rodrigo em SOUR recentemente, enfrentar toda a melancolia existencialista de Luke pode ser uma tarefa complicada. Mesmo contemplando um mesmo gênero e um público muito próximos, podemos ver o choque entre duas gerações do pop que convivem em uma simetria discordante. De um lado, estamos de frente com a prole da era TikTok – tentando encontrar ritmos que se encaixam em danças coreografadas. Do outro, os descendentes da década de 2010 – buscando maneiras de não serem afetados pelo looping de músicas em challenges do aplicativo vizinho que ressignificam o sentimento original das canções. 

Por mais doloroso e difícil que possa ser, encarar o que deixamos para trás é necessário e um caminho pelo qual todos deveriam passar. Essa é a mensagem que When Facing the Things We Turn Away From nos passa e imprime em seus sentimentos. Sem medo de ser rechaçado como fraco, Hemmings nos ensina que pedir desculpas e fazer as pazes com o passado é um ato de coragem para poucos, e que aqueles que se propõem a se aventurar nas turbulentas águas das emoções não costumam  se arrepender. No final da história, seus eu do passado, do presente e do futuro continuam ali, em frente ao espelho. 

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Laís David e Mariana Chagas 

Uma marca dos anos 2000 foi a introdução do YouTube na  indústria da música. Além do grande consumo de videoclipes, a plataforma foi palco para a descoberta do que viriam a se tornar grandes nomes da música, como Justin Bieber e Shawn Mendes. E foi este o berço de Madison Beer, que lança em 2021 seu álbum de estreia, Life Support.

Originalmente de Nova Iorque, Madison ganhou destaque em 2012 ao divulgar covers de músicas soul na internet. Assim, ela conseguiu rápida ascensão e, em menos de um ano, foi contratada pelo empresário Scooter Braun e lançou seu single de estreia, Melodies. O bubblegum pop não alcançou bons números nos charts e levou à demissão de Beer. Apesar do ocorrido, Madison não desistiu e lançou seu EP As She Pleases de forma independente. 

Com seu terceiro single, Home With You, a cantora ficou no top 20 das rádios americanas de pop, se transformando na primeira artista mulher e independente a atingir tal feito. Ela conseguiu atingir bons números e uma nova equipe. 3 anos depois, com muito mais maturidade, mas mantendo sua originalidade e talento, a jovem entrega aos fãs o tão esperado Life Support.

A era teve início conturbado. Contratada agora pela Epic Records, Beer lançou Dear Society em 2019, na esperança de poder divulgar a obra completa ainda em 2020. No entanto, a pandemia atrasou o calendário original de lançamento e, para Madison, o plano era esperar uma época mais oportuna para o lançamento ser seguido por uma turnê. Os meses passaram e, sem expectativas do fim do isolamento social, pareceu ser mais honesto divulgar seu material ainda em 2021. Sem dúvidas, ela fez a escolha correta. Life Support é um dos melhores debuts dos últimos tempos.

O grande nome por trás da produção detalhista do disco é Leroy James Clampitt, conhecido no meio artístico como Big Taste. O neozelandês produziu todo o álbum junto de Madison, que também assina como co-compositora e co-produtora das 17 faixas. Para uma artista de sua idade e alcance, é difícil exercer tanto controle criativo a ponto de produzir suas próprias canções. É talvez esse toque que deixa a obra tão introspectiva – muita das vezes, Life Support parece mais uma porta para o diário das angústias triviais de Madison do que apenas músicas pop mainstream. 

Diagnosticada com transtorno borderline em 2019, Beer sempre foi muito aberta sobre sua saúde mental e não teve medo de introduzir a temática no álbum – e é por isso que a canção Effortlessly soa tão angustiante. A letra detalha a primeira experiência de Madison com medicamentos psicotrópicos – o sentimento de impotência ao perceber que ações cotidianas exigem de você mais do que você pode oferecer é assustador. Longe de vocabulários complexos ou alegorias confusas, é na simplicidade que Beer conquista seu martírio: “me machuque para que eu sinta/eu costumava fazer essas coisas tão facilmente, de alguma forma”.

O mesmo tema é discutido em Stay Numb and Carry On. Reiterando o título da música como um mantra, ela aborda seu transtorno de personalidade borderline seguido dos momentos de anedonia que a seguem.  Com uma das produções mais agitadas, Beer parece desistir de encontrar meios saudáveis de lidar com seu próprio vazio. Em um álbum recheado de sentimentos, a faixa foge da curva ao discutir a falta deles: “eu me tornei insensível/meu coração não pode evitar, mas me pergunto onde está o sentimento/então só fico entorpecida e sigo em frente’’.

Sour Times soa como uma versão madura de Home With You. Se a primeira foi uma tentativa juvenil de se afastar de um pretendente incômodo, a última interpola esse conceito em uma carta franca de incapacidade emocional. Com o sample perceptível de Tame Impala, a canção se distancia de uma balada comum e utiliza de percussões sintéticas para demonstrar o peso de não estar preparada para se envolver emocionalmente com alguém. 

Durante toda a sua carreira, Madison foi alvo de escândalos em torno de sua imagem pública. As controvérsias – de cirurgias plásticas até uma possível similaridade com Ariana Grande – a acompanham desde sua adolescência e, como detalhado em todo disco, formaram seu caráter. E ela não hesita em mostrar sua insegurança na obra: Stained Glass, primeiro single promocional do álbum, é o auge lírico de Madison. É emocionante escutá-la se comparando com um vitral, que em toda sua ternura, não mostra profundidade entre suas cores.  É uma mensagem de promoção de empatia, e, de longe, uma ótica sobre a cultura do cancelamento que tanto a perseguiu. 

Uma das sonoridades notáveis do álbum é a grande influência retrô dos anos cinquenta. Emotional Bruises é uma balada doo-wop, similar a suas contemporâneas mainstream Love on the Brain de Rihanna e This Love de Camila Cabello. Madison disserta sobre um amor abusivo de forma inventiva, como uma contagem regressiva anunciando o fim do relacionamento. A narrativa transforma a canção em um take cinematográfico onde não se vê a hora do fim: “porque esta é a quinta vez que eu te aceito de volta/é a quarta vez que temos uma recaída/é a terceira segunda chance que eu dei a você’’. 

Uma das partes interessantes da produção das músicas é que Madison utiliza de diversos artifícios sonoros em suas composições. Iniciando com um som de papel rasgando, o primeiro verso de Emotional Bruises ecoa o som de uma carta sendo escrita e desfeita, em resposta à letra sobre ela não saber como pôr seus turbulentos sentimentos em palavras. E quando ela cita o nome do álbum, Life Support, é a sirene do monitor cardíaco que carrega o fim do verso. 

Além da sonoridade do álbum, é fácil de perceber que os vocais de Madison são vigorosamente inspirados em artistas como Lana Del Rey e Ariana Grande. O maior exemplo é em Blue, produção à la Jack Antonoff. Usufruindo de metáforas com maquiagem e cores, ela traça linhas entre os objetos e relacionamentos que estão fadados a acabar. Já Default é tão curta que soa como um interlude que permeia o álbum, remetendo aos tons angelicais que marcaram o início da discografia de Del Rey, além de uma pitada da escuridão adolescente do universo de Lorde em Pure Heroine.

Uma das táticas artísticas que Beer introduziu em seu álbum é a ideia de que compor uma música é muito mais que escrever sobre relacionamentos falhos, amores incondicionais ou uma briga inconsequente. É também viajar por histórias e percorrer caminhos distintos, o que a artista faz muito bem em Homesick. Substituindo-se por um eu-lírico alienígena adotado por pais humanos, ela mostra muito bem o sentimento de não se encaixar bem em um ambiente e, em êxtase, partilhar desse sentimento com alguém. São temas corriqueiros, mas que fogem do senso comum com as alegorias descritas pela cantora.

Madison também é uma ávida consumidora de cultura pop – suas citações transbordam em sua obra, como foi com a referência certeira de Clube da Luta sob o violão sereno de Tyler Durden. Em Life Support, Madison não deixou escapar a chance de encaixar uma homenagem ao seu desenho favorito, Rick e Morty – fã assumida, é com um trecho da série que ela finaliza Homesick. Ela também referencia Matrix em Follow the White Rabbit, canção menos interessante da obra. O baixo repetitivo e os vocais dos versos que antecedem o refrão soam ásperos demais comparados às outras faixas de Life Support e poderiam ser melhor trabalhados com uma produção diferente.

E carregando o lugar de maior hit do álbum graças ao TikTok, Selfish é o diálogo mais sincero da artista. Nada fica de fora quando Madison confessa que passou quase dois anos ao lado de seu parceiro, mesmo sempre sabendo, no fundo, que não deveria estar ali. “Eu não deveria te amar, mas não pude evitar”. O momento mais interessante é, ironicamente, quando a canção acaba. Madison a finaliza com um grande suspiro – o ouvinte parece sentir o alívio que foi trazido por esse desabafo.

Além da parte mais sentimental, três faixas abastecem o lado alegre do álbum. Good in Goodbye, Baby e Boyshit são os hits radiofônicos da obra. Good in Goodbye, primeiro single de Life Support, exibe grande personalidade, apesar de parecer uma mistura de Ellise e Melanie Martinez. Baby é a canção que carrega menos autenticidade – as harpas e harmonias não compensam a letra clichê e destoam das outras composições mais inteligentes. Boyshit é a mais sagaz entre as três e o destaque pop: “você pode ter um jeito com as palavras/mas eu sou uma mulher /eu não consigo te entender/porque não falo essa linguagem merda de moleque”. Foi uma grande escolha para single e poderia até substituir Good in Goodbye como carro-chefe do CD.

Everything Happens for a Reason finaliza o disco em um grande tom de melancolia: a produção simplista e quase country mostra seu verdadeiro potencial vocal, muitas vezes escondido entre superproduções, synths e vocoders. Com uma pegada de despedida, Beer parece aceitar que tudo ocorre por um motivo. Em geral, Life Support é um ótimo começo para a carreira de Madison e tem tudo que um debut precisa: hits radiofônicos, baladas comoventes e composições originais. 

Life Support é uma jornada entre a adolescência e a maioridade, o amor e a indiferença, a dor e a autoestima. A dicotomia de Beer ajuda a construir uma obra que expõe com tanta veracidade o que é estar vivo. Para uma artista que sempre sofreu com a exposição digital, Madison consegue provar sua individualidade sem exageros e toma partido em suas próprias narrativas. Não é perfeito – e nem tenta ser. É apenas a exposição de sua própria vulnerabilidade e um grito por socorro que, ao fim, parece ser ouvido.

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