Nathalia Tetzner

Todo ator é, no fundo, movido pela atenção. Acostumado a esconder a ambição por trás de performances gloriosas, seu maior pesadelo é transparecer pela pele do personagem. Essa situação terrífica acontece com Bradley Cooper que – pela segunda vez assumindo o cargo de diretor em um filme que também protagoniza –, orquestra o seu maestro interior em uma cinebiografia que parece dizer bem mais sobre ele do que o objeto de estudo, o lendário Leonard Bernstein. Ainda que tenha bons momentos, Cooper não consegue desaparecer por completo na pele do compositor do musical West Side Story, fato previsto quando acusações de antissemitismo surgiram por todos os lados pelo uso questionável de uma prótese de nariz.

Em entrevista a CBS Mornings, o artista revelado por Sex and the City chegou a afirmar ter cogitado interpretar sem maquiagem, mas que “nós tínhamos que fazer isso, caso contrário eu simplesmente não acreditaria que ele é um ser humano”. A prótese, também defendida pela família de Bernstein, foi desenvolvida pelo japonês Kazu Hiro, especialista em efeitos visuais já coroado pelas premiações de Cinema tradicionais, que se desculpou aos que ficaram ofendidos. Acontece que em Maestro, o nariz é, não ironicamente, o menor dos problemas. Depois de algumas cenas, o público se acostuma gradativamente. O longa sofre é com o ego de Bradley Cooper que, enquanto visualmente se despede de suas características, não se livra da atmosfera de Oscar bait.

Desde a compra dos direitos autorais em 2008, a história de vida do protagonista passou pelas mãos de Martin Scorsese e Steven Spielberg até chegar em Cooper. Mesmo diante de falhas, ele é um bom ator e diretor, além de ter alguns trabalhos sólidos na filmografia. O seu debut atrás das câmeras, Nasce Uma Estrela (2018), é um dos filmes sobre o universo da Música mais notáveis dos últimos anos e o traz como um ótimo protagonista. Embora esse feito não se repita em Maestro, algumas sequências do longa impressionam como os minutos iniciais, quando o jovem Lenny é agraciado com a chance de conduzir uma orquestra, com o seu entusiasmo genuíno ultrapassando os limites dos 35 milímetros utilizados nas filmagens em preto e branco.

O roteiro de Maestro, escrito por Bradley Cooper e Josh Singer, coloca em foco o casamento de Leonard Bernstein e Felicia Montealegre – atriz estadunidense de ascendência costarriquenha –, interpretada com muita delicadeza por Carey Mulligan que, quando em cena com qualquer outra peça do elenco, ‘dá um baile’. Essa narrativa em torno de um homem cujo maior defeito aparentemente foi amar demais tem seus percalços ao passo em que força os personagens em seu entorno a relembrá-lo de todos os seus feitos como uma forma simplista de não perder a atenção do espectador. Outro ponto no mínimo peculiar é o uso do cigarro como vírgula em quase todos os diálogos; honestamente, se eles não parassem para fumar a cada fala talvez o filme durasse meia hora a menos. 

Se o início do longa parece formar um ambiente sereno como as composições de Bernstein, os atos seguintes provam que, felizmente, essa não é a proposta. Ao som das mais belas harmonias, o relacionamento do casal desmorona apenas para se reerguer novamente, fazendo o público pagar um preço pela carga emocional elevada e justificando como, de fato, por trás de todo grande homem existe uma mulher muito otária. Mulligan cresce nos momentos mais dramáticos de sua personagem e, entre o amor e o ódio, tem um arco digno até a despedida de Montealegre. A sua trajetória é atravessada constantemente pelas decepções que tenta suportar para ver Lenny feliz, definhando conforme ele suga a energia por não conseguir ser um por inteiro.

As grandes angústias da esposa de Leonard Bernstein também envolvem os relacionamentos ‘paralelos’ dele com outros homens. Vale destacar como Maestro realiza uma representação fidedigna e natural da comunidade queer, introduzindo os amores anteriores e posteriores do protagonista com maestria, além de entregar uma cena entre pai e filha muito importante para o entendimento do cenário vivido na metade do século passado; somente não tão grandiosa pelo fato de Jamie Bernstein ser interpretada por Maya Hawke, há um bom tempo emulando ela mesma nas produções em que é escalada. No mais, frente a tantos embates, nem mesmo um Snoopy inflável gigante invadindo a paisagem é capaz de atenuar o clima de drama. 

Exatamente como todo Oscar bait que se preze, Maestro recebeu sete indicações ao Oscar 2024. Dentre as categorias de Melhor Filme, Melhor Atriz, Melhor Ator, Melhor Fotografia, Melhor Som, Melhor Roteiro Original e Melhor Cabelo e Maquiagem, a sua maior chance está na caracterização elaborada por Kazu Hiro, Kay Georgiou e Lori McCoy-Bell, que talvez tenha lhes custado a reputação nas redes sociais, mas já levou dois prêmios do Sindicato de Maquiagem e Cabelo de Hollywood para casa. Ao longo da divulgação do filme, Bradley Cooper tentou de tudo para atrair os holofotes sobre a sua atuação, até usou das mesmas táticas de sua ex-parceira de cena, Lady Gaga, ao relatar ter visto o espírito de Lenny vagando pelo set, porém, nada parece tirar o homem dourado das mãos de Cillian Murphy por Oppenheimer.

Ao fim, o filme trata de um cineasta tentando conduzir uma obra sobre uma lenda da Música, no entanto, que acaba orquestrando o seu próprio maestro interior. Com cosplays étnicos que variam desde ofender a população judaica até escalar uma atriz britânica para viver uma latinoamericana, Maestro parece preparar o terreno para que, em alguma chance futura, Cooper possa se gabar sobre esse divisor de águas na sua carreira em sua cinebiografia. Enfatizando o monólogo de John Mulaney durante o Governors Awards; foram supostos seis anos de treinamento para executar seis minutos de perfeita condução que a audiência dificilmente saberia distinguir de uma entrega fajuta. Resta a Leonard Bernstein os aplausos eternos e a Bradley Cooper o desejo de que pense melhor sobre o seu papel.

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Caroline Campos

“A culpa não é minha se ela bebeu demais. A mulher tem que se dar ao respeito, se garantir. Aí, se acontece alguma coisa, vem reclamar. Ela foi até para casa comigo, vai dizer que não queria? Se arrependeu? Assim é fácil… fazem de tudo para acabar com a vida de caras como eu. Eu sou um menino do bem. Um cara legal. Tenho mãe, sabe. Óbvio que respeito as mulheres. Ela queria, eu tô te falando. Aquele ‘para, por favor’ foi só para pagar de difícil”. Familiar, não é? Você sabe que já ouviu isso. 

A sensação é de impotência. É de ira. Um poço grande e fundo até a boca de solidão. Alguém aí para escutar nossa versão? Ficar do nosso lado? Bela Vingança sim. O primeiro filme dirigido pela britânica Emerald Fennell, também atriz (The Crown) e roteirista (Killing Eve), é uma resposta doce ao sexismo e a cultura do estupro, que abraçam e protegem a frágil figura masculina. Doce, sim, mas com ressalvas. A personagem de Carey Mulligan, a mais pop da temporada de premiações, está atolada até a cabeça de amargura e apatia, traumatizada pelos desdobramentos de um estupro, assistido e aplaudido, que sua amiga Nina sofreu.

O responsável foi Al Monroe. O competente, amigável e, agora, noivo, Dr. Alexander Monroe. Você teria coragem de arruinar a vida de um jovem promissor como ele? Bem, com base na carinha simpática de Chris Lowell, ninguém teve. Reitoria, polícia e amigos transformaram Nina em uma sombra, um fantasma sem rosto que aparece unicamente em fotos de quando era criança, ao lado de Cassie. A verdadeira Promising Young Woman, que intitula o filme no original, habita apenas as lembranças de sua melhor amiga, que adota um cotidiano vingativo como força-motriz. 

Toda semana, Cassandra vai a algum bar. Toda semana, Cassandra finge que está estupidamente bêbada. Toda semana, algum homem a leva para casa e tenta se aproveitar da situação. O foco, por sinal, está em tentar. Depois de várias investidas, em que o não é tão claro quanto a insistência do abusador da vez, Cassie os pega de surpresa – que pena, a mulher com quem eles tentavam transar estava plenamente consciente. Mulligan se entretém com o desafio que propõe em suas expressões, entregando uma performance revoltosa e inconformada, sempre alerta e com muita, muita raiva.

O destaque é, claro, o elenco feminino. Se Carey Mulligan encabeça o filme, Laverne Cox dá brilho à sua participação como Gail. A dona do café colorido e simpático é a única amiga de Cassie, demonstrando a importância e o peso emocional que uma rede de apoio contribui na recuperação de uma pessoa traumatizada. Cox não precisa de muito para mostrar o talento que já tínhamos visto em Orange is the New Black, e, para a atriz, o longa de Fennell só põe em tela a pressão que sobreviventes de abuso sexual sofrem, independente do gênero.

A palavra-chave de Bela Vingança é consentimento. Depois da explosão do movimento #MeToo em 2017, que culminou na exposição de predadores asquerosos como Harvey Weinstein, a atmosfera hollywoodiana pareceu sofrer um abalo calculado que resultou em um discutível aprofundamento de narrativas feitas por e sobre mulheres. Neste contexto, não é de se surpreender que a obra de Fennell tenha gerado tanta repercussão ao abordar com tamanha acidez o abismo que envolve a responsabilização masculina, disfarçada pelo discurso da imaturidade. Ai, ai, esses garotos!

No entanto, vale o alerta: Bela Vingança possui conteúdo sensível que pode perturbar espectadores com gatilhos prévios. Em especial, a cena satírica que envolve Christopher Mintz-Plasse como o esquerdomacho artista e delicado Neil, que, olha só, pelo menos fez questão de acordar Cassie antes de enfiar seus dedos nela. A conclusão é deliciosamente satisfatória, mas, ainda assim, o desconforto aterrorizante é palpável. Até a participação inicial de Adam Brody, a primeira “vítima” em tela, embrulha o estômago, seja pelos comentários com os amigos ou pela fé que ainda tínhamos.

E Bela Vingança definitivamente não é um filme sobre fé. Mesmo que, mais de uma vez, Emerald Fennell nos faça de bobos, a maior desilusão é com Ryan. O adorável e bobão pediatra de quase dois metros de altura interpretado pelo comediante Bo Burnham nos encanta, e, por um momento, acreditamos, assim como Cassie, que tudo pode ser superado. Obviamente ignoramos a placa gigante de NÃO CONFIE EM NENHUM DELES que Fennell insere em seu filme, e não demora muito para entendermos que essa não é uma comédia romântica onde os personagens cantam Paris Hilton em farmácias e enfrentam as adversidades juntos. Ryan é a adversidade. E, na narrativa de Cassie, o corte é direto na raiz.

Assim, afogada no luto, a justiceira de Mulligan caminha conscientemente para o seu final. Ela espera, ansiosa, pelo xeque-mate, independente das consequências que ele possa gerar. Traumatizar homens desconhecidos era só a parte minoritária do plano, o foco sempre foi os verdadeiros algozes de Nina. Assim, Cassie se construiu: inofensiva, com lindos cabelos loiros e unhas coloridas que gritavam doçura. Até os tons pastéis de rosa e azul da peruca icônica que Mulligan adota no desenrolar da trama passam o ar de mera barista de cafeteria. Mas, por trás, está tudo lá. A subversão e a insubordinação. Você só precisa olhar atentamente.

Não é à toa que a atriz de 35 anos esteja sendo aplaudida de pé pela crítica especializada. Cassie é o melhor papel de sua carreira, mas o território das premiações não é novidade para Carey. Em 2010, o filme Educação, da diretora Lone Scherfig, a rendeu uma indicação ao Oscar de Melhor Atriz e uma estatueta na mesma categoria pelos votantes do BAFTA. Por Bela Vingança, Carey Mulligan já levou para casa um Critics Choice Awards e integra as 5 indicações que o filme conquistou no Oscar 2021 – Melhor Filme, Atriz, Montagem, Direção e Roteiro Original; esta última sua categoria mais forte, pois Fennell recebeu o prêmio máximo do Sindicato de Roteiristas dos Estados Unidos. 

Num ano em que, pela primeira vez, duas mulheres concorrem pela estatueta de direção – poderiam ser três, mas aí é pedir demais da Academia, não é? -, Emerald Fennell começa a montar seu hall de condecorações com sua estreia contagiante. Saber que a ira feminina está sendo respeitada (estamos muito iradas faz muito tempo) deixa a temporada de prêmios mais animada, e, se houvesse uma categoria de Melhor Uso de uma Versão de Música em Cena Final, os passos de Cassie ao som de uma Toxic cheia de suspense não perderia para nenhum outro longa.

E, no clímax, as duas jovens promissoras com futuros arrebatados dão jus ao título do filme. A satisfação sombria de assistir o desmantelamento total da cerimônia ironicamente good vibes de Al só é superada pelas mensagens pré-agendadas de Cassie. Aproveite o casamento ou o que sobrou dele, no caso. A finalização da história de Bela Vingança é amarga, mas é isso que ela quer ser. A independência da narrativa é como Cassandra, que rejeita todas as idealizações de futuro com um emprego dos sonhos e lindos filhinhos, em consideração a todas as oportunidades que foram tiradas de Nina. Sua amiga não poderá nunca envelhecer, ter animais de estimação ou operar pacientes. Ela virou uma estatística e, agora, Al também virará. Para o inferno todos vocês. Com amor, Cassie & Nina.

Bela Vingança é o pior pesadelo dos “caras legais”. É a coragem que iniciou o #MeToo tomando forma pelas lentes de uma câmera e ao som de Charli XCX. Nós não queremos suas cantadas. Você não precisa sugerir que eu chupei todo o Detran para conseguir minha carta. E, para mim e para as milhões de mulheres do mundo todo, basta. Se não podemos ser justiceiras em bares, podemos votar, lutar pelos nossos direitos, ir às ruas, estudar e nunca baixar a cabeça. Mas, se por acaso quiser aterrorizar um babaca desrespeitoso em um bar, tome os devidos cuidados e vá em frente. ; )

Qualquer relação exige consentimento. Violência sexual é crime. Machismo mata. Não se cale, a culpa nunca é da vítima. Procure ajuda e denuncie.

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