Nathalia Tetzner

O ano era 2017 e Katy Perry dava início ao seu tão ansiado quarto álbum de estúdio com o seguinte questionamento: “se eu perdesse tudo hoje, você ficaria?”. E, não é que ela perdeu tudo mesmo? Autêntico, inovador e coeso; todos esses adjetivos são o que Perry e a sua equipe esperavam que o seu mais novo projeto fosse. A realidade é que a artista e a sua obra passaram a coexistir em um só estado de espírito e, naturalmente, seus conflitos foram refletidos em suas composições. Vicioso, genérico e confuso: Witness é o registro da catarse pessoal e artística de uma das maiores hitmakers do século que, depois de tamanho sucesso, ainda não havia experimentado o gosto traumático e amargo da quebra de expectativa.

Katheryn Elizabeth Hudson nasceu em meio ao dogmático ambiente conservador estadunidense dos anos 80. Filha de pastores, a alma pura e inocente que não tinha permissão para escutar Madonna ou assistir Os Smurfs lançou o seu primeiro e último disco em 2001. Katy Hudson, o autointitulado álbum cristão vendeu menos de 200 cópias, o suficiente para Katheryn ser assassinada e substituída por uma diva pop sem escrúpulos. Livre de qualquer estereótipo, Katy Perry ganhou vida e as principais paradas de Música mundiais ao cantar sobre beijar garotas e acordar na Cidade do Pecado. Uma década depois de sua ascensão, a homogeneidade consolidada de Perry encontraria o seu fim.

Witness, ou testemunha em português, chegou ao ouvido dos fãs após uma espera de quatro anos desde o lançamento de PRISM, seu estrondoso antecessor. Mas até esse momento chegar, centenas de globos espelhados foram avistados ao redor de todo o planeta, inclusive um no Rio de Janeiro. Ao encontrá-los, o público escutava através de um fone de ouvido a faixa Chained To The Rhythm. Se dava início a nova Era musical da garota californiana mais querida pelo Brasil. A divulgação em grande estilo não foi novidade, já que o retorno comercial dos últimos três álbuns provava que não importava o tamanho da expectativa, pois ela definitivamente seria ultrapassada. Entretanto, não foi isso o que aconteceu.

Para os amantes da Arte, arrecadação de lucros não é tudo. Na época, nem Katy Perry, nem seus fãs sabiam disso. Afinal, a Física demonstra que quanto mais alto se sobe, maior é a queda e ninguém quer sentir a dor da gravidade ao cair das nuvens de um sonho e acordar no concreto. Cidadã ativa politicamente, o desencanto se originou durante o período eleitoral estadunidense em 2016. A rainha da selva vividamente apoiou a campanha de Hillary Clinton e, com a posse de Donald Trump, ela decidiu que não iria deixar o ativismo de lado. A artista lançou dois vídeos para o primeiro single do Witness: um roedor correndo em círculos e um passeio por um parque de diversões distópico, sátiras nítidas e perspicazes ao Sonho Americano.

“Este é o meu desejo/Derrubar os muros para conectar, inspirar/Ei, aí em cima, no seu lugar alto, mentirosos/O tempo está contado para o império/A verdade que eles alimentam é fraca/Como muitas outras vezes antes/Eles são gananciosos sobre o povo/Eles estão tropeçando e sendo descuidados/E nós estamos prestes a nos revoltar/Eles acordaram, eles acordaram os leões”

Os versos de Skip Marley, neto de Bob Marley, arrepiam e provocam um sentimento de pertencimento. É como se o ouvinte estivesse ali, ao lado de Marley, lutando a mesma luta dele e de Perry, em luto pelos mesmos ideais suprimidos. Se Chained To The Rhythm acorrenta quem escuta ao seu ritmo e pode ser considerada um primor, por que o público não comprou? Logo ele, que sempre reclamava da subjetividade e do duplo-sentido nas letras da lenda do Egito, agora estava rejeitando o amadurecimento e suplicando pelo retorno daquela que sempre escondeu tópicos sérios através de analogias bobas. Em uma mistura conturbada, a sua mais nova persona se juntou ao seu passado para compor outras 16 faixas.

Flutuando na inconsistência do seu ser, Witness cumpre em parte o que prometeu. Apelidado pela sua criadora de purposeful pop (pop com propósito), o disco varia entre o público e o privado. Enquanto em alguns minutos ele narra o poder da mulher de forma polida, em outros, ele desiste do tom amargo e trata o feminino com três sílabas simples, Hey Hey Hey, feitas para grudar na mente como um chiclete. Em meio ao amadurecimento, a Katy Perry do passado que sempre precisou de um pouquinho de Peter Pan ainda estava lá. Faltava a sua larga audiência que, assustada, correu para longe quando a cantora abraçou o seu pixie cut depois de um corte químico, drasticamente alterando a sua identidade visual.

É impossível escrever sobre o quarto álbum de estúdio de Perry sem abranger a queda do número de admiradores e o aumento do ódio gratuito que ela sofreu. O senso comum gerado em torno do disco é a causa e efeito dele mesmo. Não há como mudar a percepção tão estritamente estabelecida: todos os adjetivos negativos remetem ao projeto. Contudo, 5 anos depois, nunca foi tão perceptível o fato de que escutá-lo também pode ser benéfico. Como um remédio ruim de engolir, ele é amargo no gosto e anestesiante nas consequências. Para a extraterrestre e os seus fãs que continuaram segurando a sua mão, o fruto seria colhido apenas no término do tratamento.

Catarse é um substantivo feminino. Para a religião, medicina e filosofia da Antiguidade grega, ela significa a libertação do que é estranho à essência e que, por isso, corrompe. Já para a estética e o teatro, ela simboliza a purificação do espectador por meio da purgação dos seus sentimentos. Se Witness age como um medicamento, o diagnóstico de catarse é o que permite o seu uso. Tal porque, Katy Perry, acostumada a agir como um antídoto para a tristeza, embarcou pela primeira e única vez em uma jornada profunda pelo autoconhecimento. Expurgando tudo o que ela conhecia de si mesma, todos que entram em contato com a sua catarse são afetados, não há como continuar o mesmo.

Em busca de uma testemunha e vulnerável como nunca, Perry tornou o mundo o seu maior observador. Witness World Wide entrou ao ar na madrugada do lançamento do álbum e permaneceu ao vivo na plataforma do YouTube durante 4 dias. Com milhares de câmeras supervisionando cada passo, a cantora nunca antes esteve tão exposta. E ela não se escondeu, pelo contrário, florescendo como nunca. Entrevistas engraçadas, sessões de terapia emocionantes e cochilos ao lado de sua cachorra Nugget, a livestream significou tudo que ela havia colocado em versos na última balada do disco: a jogada com a pronúncia parecida de Into Me You See (Em mim você vê), título da faixa, e intimacy (intimidade) resume com maestria a vontade de quebrar todas as paredes altas que ela construiu para se proteger.

Produzido por Max Martin, Oscar Holter e Ali Payami, Witness embarca no labirinto mental de Katy Perry sem deixar o pop para trás do experimental. O projeto soa distinto ao ser comparado com a discografia de sua dona, ainda que tenha sido assinado pelos mesmos parceiros musicais. O time acerta ao retomar a euforia e a excitação em Roulette, favorita unânime dos fãs, enquanto comete um deslize com Bigger Than Me, uma letra notável que se torna vazia e superficial com o arranjo nada inspirado. Oscilando de um lado para o outro como um pêndulo, o álbum se movimenta constantemente, gerando para os aventureiros, a adrenalina e para os conservadores, o enjoo. 

Indo na contramão da proposta do disco, Bon Appétit é a apologia a culinária mais controversa dentre todas as infinitas músicas já lançadas com o mesmo tema por Perry. Sensual, vibrante e provocadora, a torta de cereja surpreendeu e incomodou com o seu refrão açucarado. Porém, nada chocou tanto quanto a experiência visual do videoclipe dirigido por Dent De Cuir e regado de uma visão pitoresca do canibalismo. Especialista no uso do duplo sentido, ela infelizmente se juntou ao grupo de rap Migos para uma colaboração no segundo single. 5 anos atrás, o trio já colecionava acusações de homofobia e a parceria gerou uma revolta racional entre os fãs.

Toda a problemática do momento alcançou o seu ápice durante uma performance promocional no Saturday Night Live, tradicional programa humorístico dos Estados Unidos. Desconfortável e nitidamente sendo a única com vontade de trabalhar no palco, a oficial da marinha foi ridicularizada por meses. A verdade é que Quavo, Offset e Takeoff se recusaram a cantar ao lado de drag queens e, de última hora, a diva pop teve que improvisar uma encenação que, no mínimo, prendesse a atenção. Recheado de polêmicas, a parceria era completamente desnecessária. O desejo de bom apetite não adiantou, a má digestão tomou conta. Mais uma vez na Era Witness, Katy Perry dançou com o diabo.

“Eu escrevo, apago, repito/Mas que bem fará reabrir a ferida?”, Save As Draft é a maior contribuição de Perry para o seu quarto álbum de estúdio. Brutalmente sentimental, os vocais e os acordes transportam qualquer um para a Sunset Boulevard, rua de Los Angeles onde um SUV atrai os olhares da compositora e dos ouvintes. Ela pode até ter salvo como rascunho as indiretas para um ex-namorado, contudo, não teve medo ou recuou ao deixar todos os seus sentimentos explícitos e se entregar para a sua catarse na faixa. Nos segundos finais, ela não está sozinha quando olha para uma bifurcação no meio da estrada, pelo contrário, todos estão prontos para escolher a melhor direção ao seu lado.

Outro destaque é Déjà Vu, a sensação menos condizente com o que Witness transmite é a representação do desejo inicial de não repetir as mesmas fórmulas dos seus projetos anteriores. Cansada de correr em loop e definindo a insanidade como o ato de viver todos os dias da mesma maneira, a artista faz uma hipnose por meio das ondas sonoras. Igualmente espetacular, a turnê de divulgação, Witness: The Tour, carregou visuais deslumbrantes que contavam com um olho gigantesco como telão e uma passarela em formato de lágrima. Com uma estrutura de outro mundo e figurinos esplêndidos, a nerd ainda está devendo o documentário para os fãs que querem reviver o show.

Um dos cenários mais aleatórios que Katy Perry já criou foi a participação da cantora brasileira e meme internacional Gretchen, no Lyric Video de Swish Swish, o terceiro single do disco, com a rapper Nicki Minaj. A atração nacional trouxe exatamente o que faltava para a música, o carisma, tanto é que o videoclipe oficial falha em ser tão dinâmico e marcante. Durante a passagem da Witness: The Tour pelo Brasil, Perry fez questão de enaltecer a rainha do rebolado em São Paulo. Já no Rio, ela homenageou Marielle Franco, vereadora carioca assassinada no mesmo mês. Com o fim da turnê, a cantora humildemente encerrou a Era que se tornou um divisor de águas na sua história.

Vicioso, genérico e confuso, há quem diga que Witness foi um completo fracasso. Primeiro lugar da Billboard 200, principal parada musical estadunidense, em sua semana de estreia, videoclipes com bilhões de visualizações e plateias lotadas por onde passou, o projeto foi uma decepção apenas para os parâmetros altíssimos conquistados pela estrela do pop. Para ela, a catarse experimentada foi necessária e concluir o trabalho significou uma vitória pessoal: “Sou grata pela dor porque me empurrou para o crescimento. E agora, sinto que não sou como uma estrela pop sedenta e desesperada que está apenas tentando acertar um número”, afirmou ao ser entrevistada por Zane Lowe para a Apple Music em 2020.

“Eles disseram que eu não ia a lugar nenhum, tentaram me deixar de fora/Peguei aqueles paus e pedras, mostrei que eu poderia construir uma casa/Eles me dizem que sou louca, mas nunca vou deixar que eles me mudem/Até que eles me cubram em margaridas, margaridas, margaridas”

5 anos desde o seu lançamento, nunca houve tantos motivos para celebrar Witness. Depois de se libertar do que a corrompia e purificar os seus espectadores, Katy Perry voltou para a cena pop com o seu quinto álbum de estúdio, Smile. O título do projeto diz muito sobre o que o final de sua catarse a aguardava: o sorriso. Após todos os encontros e desencontros, Perry conhece e ama ela mesma. Mas, não somente, Daisy Dove Bloom veio ao mundo no mesmo dia que o projeto chegou às plataformas de streaming, a filha é tudo o que ela mais desejou e a prova maior de sua resiliência. Agora, com o sorriso recuperado, todos enxergam o brilho dela a uma milha de distância.

Há males que vêm para o bem e Witness é um deles. Dentro de sua intimidade, todo o mundo pôde testemunhar a sua artisticidade e vulnerabilidade. O álbum pode até ser lembrado pela sua quebra de expectativa e lacunas técnicas, porém, o que o torna memorável é a coexistência entre artista e obra que permitiu uma catarse inesquecível. Se, há 5 anos, Katy Perry incansávelmente andava à procura de alguém que a testemunhasse, hoje ela somente se preocupa em amar a vida. A dona de tantos hinos de superação e motivação enfim encontrou a sua felicidade. Witness completa mais uma volta ao redor do Sol sem deixar de ter uma testemunha para comemorá-lo.

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Isabella Lima

A maneira como lidamos com os sentimentos desencadeados pelo fim de um relacionamento diz muito sobre a nossa capacidade de adaptação. Muitas vezes, temos de lutar contra o desejo constante de voltar desesperadamente para alguém que não faz mais sentido manter ao redor. Mesmo estando cientes disso, ainda amamos aquela perigosa ideia de estar perto de algo familiar. Agora junte isso com momentos de epifania, com uma vontade de gritar para o mundo ‘quando esses sentimentos vão acabar?’, riffs de guitarra e o melhor do indie rock. Dessa combinação, temos  os elementos principais do álbum Tell Me That It’s Over, o novo trabalho da banda californiana Wallows. 

Formada por Dylan Minnette (sim, o protagonista da série 13 Reasons Why), Braeden Lemasters e Cole Preston, a banda lançou o seu segundo álbum de estúdio, composto por 10 faixas inéditas. Para este disco, o trio intérprete de Scrawny conta com a produção de Ariel Rechtshaid, um nome de peso na indústria: ele possui 3 Grammys em seu currículo e, anteriormente, já trabalhou com outros representantes da música indie, como Vampire Weekend e HAIM. Além disso, o fato dos três amigos já se conhecerem desde o início da adolescência traz muita familiaridade, leveza e facilidade ao trabalharem juntos no processo criativo de todas as músicas.

Wallows não decepciona ao transparecer a evolução musical, cultivada desde 2018 com o lançamento do Spring EP, seu primeiro EP assinado com a Atlantic Records. Logo depois, em 2019, veio o primeiro álbum de estúdio, Nothing Happens. Em 2020, os integrantes também não ficaram parados: durante a quarentena, o trio trabalhou no projeto mais experimental da carreira até então, o Remote EP. Agora, com o lançamento de Tell Me That It’s Over, observamos um retorno triunfal à essência da banda, que, mesmo incorporando novos elementos, consegue manter a originalidade e entregar composições muito além do hit viral do TikTok Are You Bored Yet?.

A jornada proposta pela Wallows no disco leva o ouvinte a refletir sobre a pressão que colocamos nos relacionamentos modernos, o medo de estarmos sozinhos e as inseguranças decorrentes de uma separação repentina. Nesse caminho, somos guiados através da perspectiva de uma pessoa que se sente deslocada na relação, e se perde em várias versões dela mesma para salvar  o romance. A partir disso, a história se inicia com a faixa Hard to Believe, passando por todos os estágios de um rompimento conturbado, até culminar no encerramento, com Guitar Romantic Search Adventure. 

Apesar das letras tratarem de assuntos românticos, a sonoridade é expressivamente enérgica, na maioria das músicas. Os arranjos remetem ao conceito nostálgico dos anos 80, que ganham tons mais modernos e característicos da Wallows. O primeiro single, I Don’t Want to Talk, marcou o retorno da banda com uma vibe retrô e tecnicolor, acompanhada de reflexões pertinentes sobre a juventude e vulnerabilidade, temas muito recorrentes em toda a discografia do grupo. “Percebi que quanto mais velho fico, fico mais inseguro/Se eu não tiver você ao meu lado, então não posso ter certeza”, o vocalista canta.

No processo de divulgação do álbum, a faixa escolhida para ser o segundo single foi Especially You. Aqui, a ênfase está na letra, que mira em retratar a mente de uma pessoa ansiosa, em um relacionamento no qual as incertezas e a falta de comunicação são persistentes: “Minha cabeça não pode compreender/Vivendo em segundo plano, imaginando o que você quis dizer”, os meninos cantam. Apesar de ter recebido uma divulgação expressiva e até um videoclipe, a canção é bem razoável, se comparada com as demais. Porém, é preciso admitir que o trio acertou no ponto e representou muitos de nós com o seguinte trecho: “Não consigo parar um humor que oscila/Vou ler qualquer coisa/Eu sei que não é isso que você quis dizer/Eu tenho o sentimento errado”.

Outra menção honrosa na nova fase da Wallows é a estética visual, repleta de imagens analógicas, luzes e um estilo que remete aos anos 90. As características estão presentes em todo o projeto, em especial no terceiro single, At the End of the Day, uma balada romântica que ganha traços melancólicos na voz suave de Braeden Lemasters. Na abertura da canção, já somos instigados a saber até onde vai a nostalgia despertada pela composição: “Por favor, deite sua cabeça aqui no meu ombro/A noite é jovem, mas ainda estamos envelhecendo/Você pode nos ver apaixonados assim para sempre?/Ou você tem medo de que seja muita pressão?”, o baixista canta. O clipe em si possui aspectos típicos de um curta-metragem indie, no qual viajamos em uma road trip, através da beleza do deserto até a cidade de Las Vegas.

Mas não é só de lamentos que a Wallows vive. A partir da metade de Tell Me That It’s Over, um momento de epifania nos faz entender, junto com a banda, algo muito importante: para superarmos, primeiro precisamos aceitar. A narrativa percebe que a energia gasta para tentar recuperar um amor perdido não vale a pena, se trata de um preço muito alto, que pagamos com o nosso tempo e até mesmo com a saúde mental. Esse tema está presente nas canções Permanent Price, Missing Out e  Hurts Me. Dentre essas três, a última merece um lugar especial. A melodia contagiante e o jogo de palavras estabelece um diálogo entre os intérpretes, que, juntos, concordam não precisarem estar nessa relação problemática. “Eu não me importo/(Eu vou ter que aceitar que eu)/Eu não preciso disso porque me machuca”, diz a letra.

Um fato curioso, também comentado pela banda em seu canal no YouTube, é em relação ao título do álbum: a frase “Tell me that it’s over” é repetida diversas vezes ao longo do disco. Por isso, Breaden sugeriu que esse fosse o nome do álbum, ao invés de escolherem uma música-título. Tanto no primeiro single quanto no encerramento, a sentença está presente, o que dá uma sensação de fechamento de ciclo: “Gostaria que pudéssemos cancelar o tempo/Ou deixe tudo voar/Apenas me diga que acabou agora”, canta o trio em Guitar Romantic Search Adventure, última faixa do CD.

Tell Me That It’s Over é um retrato do amadurecimento desses artistas, que possuem uma essência capaz de proporcionar um futuro promissor. Enquanto isso, continuam a retratar as inquietudes da juventude e estabelecem conexões com pessoas que, assim como eles, estão adentrando os conflitos da vida adulta. Dentre os dilemas dessa fase, a questão amorosa é apenas uma das ramificações. Porém, com maestria e sinceridade, a banda de Los Angeles mostra que está tudo bem em sentir – é preciso sentir. Para alguns, o álbum pode ser um conforto ou até mesmo um jeito de perceber que não estão sozinhos nessa situação. Ao final, uma coisa que a Wallows apresenta neste novo trabalho é certa: o caminho para superar ensina mais sobre nós mesmos do que o fim.

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Jho Brunhara

Lorde é imprevisível. Após o Pure Heroine, era difícil imaginar que ela cantaria sobre festas e um coração partido, mas contrariou as expectativas e fez nascer o precioso Melodrama. Quatro anos depois, um casulo na maritimidade da Nova Zelândia e uma viagem para a Antártida, Solar Power está entre nós. Vamos ser sinceros: Ella Yelich-O’Connor se colocou numa posição difícil. Como superar o antecessor? Como manter o posto de voz da geração? A resposta vem através de um álbum que não quer ser nada disso. “Se você está procurando por uma salvadora, bom, não sou eu”.

A pressão constante de ser uma celebridade-deusa desde os 16 anos, aqui, persevera na mente da neozelandesa. Lorde revisita temas que já tinha refletido no Pure Heroine, mas, dessa vez, sendo parte central da realeza. E, no melhor jeito Hannah Montana de ser, implora pela chance de poder conciliar sua vida como artista mundialmente famosa e apenas uma garota comum, que quer aproveitar sua vida mundana e familiar em praias paradisíacas do Pacífico. 

O que chega primeiro aos ouvidos é a produção de Jack Antonoff. O vocalista de Bleachers é um gênio, vide Melodrama, mas, aqui, não parece alcançar o máximo de seu potencial. Ou será que estamos saturados dos dedinhos mágicos de Antonoff? Desde 2019, já ouvimos suas guitarras acústicas em Lover, e em Norman Fucking Rockwell!, e em folklore, e em evermore, e em Chemtrails Over The Country Club, e em Daddy’s Home, e em Sling, e em Take the Sadness Out of Saturday Night, e, agora, em Solar Power.

É inconcebível imaginar que, depois de ser jogado como peteca de um disco para outro nos últimos três anos, o produtor não ia misturar as bolas aqui e ali, repetir epifanias e não ser capaz de estabelecer fronteiras. Até a pessoa mais criativa do mundo tem seus limites. Apesar da insolação, a instrumentação ainda funciona, e homenageia o folk psicodélico e pop dos anos 2000 embalado por violões.

Se enjoamos de ler e ouvir sobre o ex-membro do fun., o caso de Lorde é o completo oposto. Ativamente longe de qualquer rede social desde a metade de 2018, todo o contato com o mundo exterior passou a ser através de raros e longos e-mails aos inscritos de sua newsletter, hoje, batizada de Boletim do Instituto Solar Power. Aproveitando do privilégio de se manter offline – sonho de todos aqueles que não aguentam mais o mundo digital mas não podem se dar ao luxo de se desconectar totalmente –, teve a oportunidade de ficar imersa em seu pequeno paraíso oceânico. 

Protegida por uma natureza exuberante, ruas seguras e um país que controlou rapidamente e de forma eficaz a pandemia do covid-19, Lorde pôde florescer debaixo do sol. Até a sua passadinha na Antártida deixou claro para ela que realmente odeia o inverno e não suporta o frio. O álbum se divide entre momentos triviais, como pegar uma praia com os amigos e amar seu cachorro, até a apreensão com o planeta pelas mudanças climáticas e dúvidas sobre seu próprio futuro.

Quando a inspiração se enche de questionamentos do que fazer e de quem ser, Ella não parece se importar muito em ter a resposta. Ainda que os comentários sociais sejam inevitáveis nas suas canetadas – Mood Ring é uma sátira à la The Fear sobre a cultura good vibes gratiluz –, a pretensiosidade de ter a última palavra, aqui, dá lugar para alguém que cresceu e aprendeu a apenas viver. O poder dos elementos naturais também deixou sua poesia mais sóbria e introspectiva, e humilde para admitir suas agonias internas mais vulneráveis. “Eu achei que era uma gênia, mas […] está começando a parecer que tudo que eu sei fazer é colocar uma roupa e subir num palco”.

Por mais que Lorde não queira o peso nos ombros de ser a salvadora de seu culto, ela parece não conseguir se desvencilhar totalmente da própria maldição. A faixa-título deixa escapar que, mesmo ainda tentando se encontrar, ela tem ideia de onde quer estar e nos convida para acompanhá-la. No fundo, Ella sempre vai precisar conviver com seu poder influenciador. Ela brinca sobre ser um “Jesus mais bonito”, mas, sinceramente, a iconoclastia nunca esteve tão fora de moda, e as celebridades são os santos do século 21. 

Enquanto Pure Heroine se apresentou como revelador e Melodrama visceral, Solar Power abre espaço para ser descontraído e menos mágico. Ainda assim, bom. Porém, em momentos soando brando demais, algo que faz sentido em seu universo de um dia preguiçoso de verão, mas que contrasta com a intensidade que já vimos Lorde alcançar, mesmo em canções sutis. 

Se agora sair de casa e aproveitar a vida ainda parece uma sugestão desconcertante, ao caminho que a pandemia perder força e finalmente a normalidade se aproximar – sendo otimista em relação às variantes –, o álbum tenderá a fazer mais sentido no pensamento coletivo. No momento, pode ser um pouco difícil aceitar a felicidade alheia das regalias de se ter tempo livre, um governo bom ou uma população vacinada, e não parece justo culpar aqueles que acharem a mensagem do disco gratuita demais ou no timing errado. Afinal, experiências individuais naturalmente afetam a percepção subjetiva da arte, ainda mais em um momento histórico como esse, de desigualdade acentuada. 

Solar Power é um longo dia de verão, e transita entre a brisa amena da manhã, raios a pino do meio-dia, a melancolia do pôr do sol e o mormaço do anoitecer. Lorde usa o Astro como musa para contar uma história tão antiga quanto o tempo, e, principalmente, se permitir crescer para longe de seus traumas e refletir sobre seus anseios, enquanto aceita a felicidade das coisas simples, mesmo que custe o orgulho de seu passado como gênia irrevogável. Esse é um álbum que é menos sobre o transcendental e mais sobre o ordinário, como uma flor qualquer que desabrocha no mato à beira da praia, singela quando comparada à espécies raras e deslumbrantes, mas, ainda assim, uma flor.

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