Leticia Stradiotto

Cidade de Albuquerque, Novo México. To’hajiilee, uma reserva indigena em Navajo. Um trailer parado no meio do deserto. Um homem de meia idade vestindo apenas uma cueca branca, uma camisa verde e uma máscara de gás. Assim, há 15 anos, Breaking Bad nos apresentou ao primeiro laboratório de metanfetamina de Walter White, o falido professor de química do Ensino Médio, que acabou de ser diagnosticado com câncer terminal.

A droga que marca a produção era utilizada desde a Segunda Guerra Mundial. Ela era dada aos soldados para melhorar o desempenho e performance em campo. Sob efeito da substância, eles tinham o raciocínio acelerado e experimentavam uma intensa sensação de poder e de confiança. Por mais que Walt cozinhasse a metanfetamina com 92% de pureza, o protagonista interpretado por Bryan Cranston, jamais provou do seu produto – seu poder e confiança eram alimentados pela natureza da ambição em si mesmo.

No sul dos Estados Unidos existe uma expressão que significa o desvio dEl camino certo para o mau: Breaking Bad. Algo que pode ser apenas por um dia, ou pela vida inteira. Quando a mesmice dos dias cansa e jogar tudo pro alto lhe convém muito mais do que seguir a rotina. A transformação de um típico e comum cidadão americano no maior, mais assassino e ganancioso dono de um império no tráfico de cristal. 

15 anos atrás, Breaking Bad estreou na TV sob direção de Vince Gilligan como um drama cômico, e respondeu a pergunta que homens de meia idade com certeza fizeram durante sua vida: o que aconteceria se eu largasse meu emprego chato e começasse uma carreira de lucro ilegal? A solução envolvia drogas, explosões, gangues do tráfico, mortes impactantes e um pouco de frango frito.

A série foi um grande marco na história das produções televisivas, sendo responsável pela criação e mudança de um conceito cinematográfico. Seu papel foi tão grandioso que, durante suas cinco temporadas, colheu 230 indicações e um total de 118 prêmios em diferentes categorias. Em 2014, no Emmys Awards, a produção varreu as estatuetas, ganhando praticamente todas as indicações nomeadas- entre elas a de Melhor Série Dramática e também os prêmios individuais para o trio Aaron Paul, Anna Gunn e Cranston.

O impacto no modo de produção envolveu diversas características, desde a abordagem do roteiro até as técnicas de fotografia e ambientação do espaço. O cenário principal da história contempla paisagens áridas e desoladas do deserto de Albuquerque no Novo México, com tomadas amplas e panorâmicas que transmitem a vastidão e a impotência dos indivíduos em relação ao ambiente, contrastando diretamente com a vida suburbana de classe média do protagonista. A cidade se torna um personagem, com sentimentos de isolamento e opressão que atingem os conflitos internos dos próprios sujeitos envolvidos.

A equipe de direção de fotografia utiliza uma paleta de cores distinta para cada temporada, com um arco visual que acompanha a evolução do enredo. As cores saturadas e quentes dos primeiros episódios evocam a normalidade antes de tudo mudar para White, enquanto a paleta fria das últimas temporadas reflete uma crescente escuridão do declínio de Heisenberg.

Tecnicamente, a química é o estudo da matéria. Mas, prefiro encarar como o estudo da transformação. Pensem uma coisa. Elétrons, eles mudam seus níveis de energia. Moléculas, alteram suas ligações. Elementos, eles se combinam e se transformam em compostos. Isso faz parte da vida, certo? É uma constante, é um ciclo, é solução, dissolução, infinitamente. É crescimento, declínio e transformação.

Walter White

Além do mais, a escrita impressiona pela capacidade de transformação dos personagens durante a trama e o maior exemplo disso é Jesse Pinkman (Aaron Paul). O jovem era o contraponto de Walter White e sua trajetória dentro de Breaking Bad foi uma das mais emocionantes. No início, ele é visto como um usuário de drogas em busca de dinheiro fácil, porém, com o desenvolvimento da série, a personalidade de Pinkman se expande e revela uma vulnerabilidade extremamente emotiva. Jesse – independente de todos os erros e atrocidades cometidas – segue em busca de sua essência, que foi corrompida milhares de vezes. 

Enquanto o garoto se martirizava por ser um vilão, o maior traficante Heisenberg não olhava para si como um mau caráter. A ausência de reconhecimento e empatia corroeu cada vez mais a sua persona, e ao mesmo tempo, aumentou o tempo de seu legado como Rei das Drogas. 

Mr. White não media esforços para acabar com qualquer um que ameaçasse sua carreira no tráfico, independente se isso significasse enfrentar os mais psicóticos traficantes ou o seu próprio cunhado agente do DEA (Drug Enforcement Administration). Todos que ameaçam seu desenvolvimento são inimigos em potencial, e todos acabam com o mesmo fim – tiroteios, explosões, tentativas de envenenamento e overdoses.

Tuco Salamanca (Raymond Cruz): líder de uma gangue criminosa do sudoeste americano e um dos primeiros chefões do tráfico na série. Esse inimigo é caracterizado por sua personalidade imprevisível, explosiva e violenta. Uma das cenas mais famosas do personagem é quando ele tem uma reação extremamente intensa ao experimentar a metanfetamina azul de Walter. A reação de excitação frenética ganhou adaptações na internet. Com certeza ele é um, dos tantos, inimigos icônicos de Breaking Bad. 

Gus Fring (Giancarlo Esposito) foi de longe o antagonista com mais destaque da trama. Ele é dono de uma rede de fast food de frango frito, chamada Los Pollos Hermanos, que na realidade é local do seu império no tráfico de drogas. O personagem é calmo e controlado e, ao contrário de Tuco, é extremamente cuidadoso com a sua aparência pública de empresário bem sucedido. 

Em suas cenas finais, Gus é atraído para um encontro com seu antigo rival, Hector Salamanca (Mark Margolis), velho tio de Tuco. A morte de Fring foi uma das mais memoráveis: com ajuda dos maquiadores e especialistas em efeitos especiais de The Walking Dead, a produção investiu forte nos destroços do personagem, e sem dúvidas fez com que os espectadores ficassem boquiabertos.

Não só de mortes se constrói a série, pelo menos não por enquanto. Outra emblemática – e talvez uma das favoritas relações entre os personagens – é o romance conturbado de Jesse Pinkman e Jane Margolis (Krysten Ritter). Os jovens se conhecem quando a garota se torna sua vizinha e locatária, tendo o namoro marcado por altos e baixos, com momentos de pura paixão e profundo desespero. 

Jane é uma artista viciada em drogas, que está tentando se manter limpa. Ambos compartilham uma conexão quase imediata, uma vez que possuem histórias de vida difíceis e buscam sair dessa para encontrar um caminho melhor. Apesar do vício, ela é uma influência positiva em Jesse e o encoraja a lutar contra seus demônios. 

O curto relacionamento é um momento de alívio e felicidade para os dois, pois encontram conforto um no outro para lidar com a caótica realidade. A chegada da personagem na série foi importante para o desenvolvimento de temas complexos, como a dependência química. A história do casal tange momentos marcantes e contribui completamente para o rumo da trajetória de Jesse Pinkman.

Outros casais importantes são compostos por Walter White e Skyler (Anna Gunn), que juntos têm uma família com dois filhos, Walter Jr., um jovem com paralisia cerebral, e Holly, a filha mais nova e recém nascida. À medida que Walter mergulha no mundo das drogas e da violência, sua família se torna cada vez mais distante e ameaçada, mesmo que essa seja sua principal razão para lucrar com a produção de cristal. Skyler, inicialmente, é uma personagem secundária na trama e muitas vezes odiada pelos fãs, mas ela começa a ganhar um espaço significativo quando descobre sobre as atividades ilegais do marido.

A série construiu personagens tão intrínsecos e envolventes, como substâncias constituintes de uma reação, que apenas as cinco temporadas por si só não bastaram. Ganhando duas continuações no audiovisual, o filme El Camino e a série derivada Better Call Saul. Outro ponto que estimula o sucesso da produção, é a gigantesca possibilidade do espaço para outros personagens e não apenas os protagonistas. Por exemplo, El Camino trata da vida de Jesse Pinkman após Breaking Bad, enquanto Better Caul Saul conta a história do advogado da dupla responsável pelo toque de humor e sarcasmo na série debutante, Saul Goodman. 

Por mais que o fim da série tenha sido polarizador, entre os que amaram e os que odiaram, Breaking Bad tem a química. A história é um conto épico de apogeu e queda que, mesmo após seus 15 anos de lançamento, ainda instiga os telespectadores. Nos encontramos imersos nas substâncias constituintes, sendo elas simples ou compostas: a mistura ácida da obra resulta em uma explosão química inevitável. Assim como a metafísica, são realidades que transcendem a experiência sensível.

A trama nada mais é do que uma série de reações. E cada uma dessas reações provocam a mudança. Crescimento, declínio e transformação. Breaking Bad encerra ressignificando o ciclo infinito do estudo da transformação na química. A dissolução de Walter White acontece exatamente onde ele começou: em um laboratório de metanfetamina.

O post Mesmo após 15 anos, Breaking Bad tem a combinação química que explode em sucesso apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Júlia Paes de Arruda

Filmes com animais falantes podem ter enredos artificiais e forçados, como é O Zelador Animal. Outros conseguem atrair o público genuinamente, tal qual Dr. Dolittle, de forma que não seja necessário um reboot. Mas não é o caso de O Grande Ivan (The One and Only Ivan, no original). Neste novo projeto, a Disney consegue oferecer uma história leve, divertida e descontraída sobre um tema extremamente sensível e alvo de diversas controvérsias: a presença de animais em circos. 

Na obra baseada em fatos, somos apresentados a Ivan (Sam Rockwell), um gorila de costas prateadas que é o mascote de um circo dentro do centro comercial Big Top Mall. Domesticado desde muito pequeno pelo dono do espetáculo Mack (Bryan Cranston), o animal vira sua grande atração. Porém, com as baixas audiências e os altos custos do picadeiro, Ivan é substituído pela pequena elefanta Ruby (Brooklynn Prince). Com sua chegada, o gorila passa a reconsiderar suas convicções e questionar sobre a vida que possui. 

Aqui no Brasil, o uso de animais com fins circenses é proibido em apenas 12 estados, isto é, não existe uma legislação nacional que impeça esse tipo de comercialização. O motivo para a proibição é óbvia. Por trás das acrobacias “inteligentes”, eles vivem, em sua maioria, em ambientes precários – e até mesmo insalubres – contra a própria vontade a fim de proporcionar entretenimento. Só por aqui, já vemos que esse ato de humanizá-los acaba se tornando a própria falta de humanidade das pessoas, as quais enxergam uma opressão como um motivo de riso e aplausos.

A elefanta Stella (Angelina Jolie) é o retrato perfeito para tal violência. Dentro do picadeiro desde o começo, ela só é “libertada” com a chegada da sua morte. É irritante e agoniante ver a falta de empatia de Mack com o animal. Num dia, ao final de um espetáculo, ele vê Stella sem o apoio de uma das pernas e avisa para um de seus funcionários que o veterinário viria logo pela manhã. No dia seguinte, o dono do circo vê a elefanta já deitada, provavelmente agoniada, e solta um “eu ligo pro veterinário depois do espetáculo”. Essa fala deixa qualquer pessoa (pelo menos, qualquer ser humano decente) enfurecido e incomodado com a situação do mamífero que recorda com alegria nos olhos os velhos tempos na selva. 

Esse aperto é ainda mais palpável por causa dos animais serem idênticos aos selvagens. A tecnologia de CGI proporciona uma experiência extremamente realista ao importar texturas de pelos, penas e traços físicos autênticos. Apesar da crítica presente no filme, é importante mostrar que a ausência de animais nas filmagens não influenciou o capricho das telas como foi no remake de O Rei Leão. Além disso, o uso de imagens computadorizadas auxilia na prevenção de maus tratos, algo bastante polêmico em Quatros Vidas de Um Cachorro. 

As cenas de fuga em O Grande Ivan são tristes. Os animais saem desimpedidos, com o vento da liberdade batendo em seus rostos. Entretanto, ficam sem rumo, sem saber o que fazer depois. O coelho Murphy, inclusive, não consegue se desprender do seu caminhão de bombeiro para salvar a própria vida. Esse sentimento é parecido com a cena em Procurando Nemo, que mostra os peixes do aquário, presos em sacos plásticos, dentro do oceano animados com a sensação de independência. Dois segundos depois, um olha pro outro e surge a pergunta “e agora?”. É doloroso ver que na primeira oportunidade deles voltarem para sua vida antiga, eles a abraçam.

Os efeitos presentes no filme o fizeram ganhar uma indicação ao Oscar 2021 para Melhores Efeitos Visuais, categoria que já teve vencedores como O Primeiro Homem (2019) e Mogli: O Menino Lobo (2017). Os nomes encarregados do trabalho foram Nick Davis (nomeado ao Oscar 2009 por Batman: O Cavaleiros das Trevas), Greg Fisher, Ben Jones e Santiago Colomo. A técnica usada em O Grande Ivan, mesmo não sendo inovadora por ter sido usada também em Babe, O Porquinho Atrapalhado, trouxe a sensação de realismo aos animais, ainda que expressassem sentimentos humanos. Por causa da interação com os atores, as filmagens tiveram que ser divididas em duas partes, com marionetes e bonecos de tela verde, para que a sincronia entre as personagens pudessem ser complementares. Esse trabalho impecável veio da Moving Picture Company (MPC), a qual já havia produzido filmes reconhecidos nesse aspecto, como Harry Potter e o Prisioneiro de Azkaban e Guardiões da Galáxia. Já era de se esperar um serviço exemplar com esse currículo. 

A direção de Thea Sharrock (Como Eu Era Antes de Você) e o roteiro de Mike White (que também dubla a foca Frankie) constrói arcos para desenvolver Ivan, deixando alguns personagens sem aprofundamentos. É o caso de Julia (Ariana Greenblatt), filha do funcionário George (Ramon Rodríguez). Ela é fundamental para que o gorila retorne aos seus laços selvagens, mas pouco se é debatido sobre a doença de sua mãe – ponto citado entre os desabafos da garota com o animal. Essa menção poderia ser facilmente excluída sem que afetasse a progressão dos acontecimentos. Também não fica claro como Ivan chegou às mãos de Mack e como surgiu a ideia de empreender um circo. Esses momentos poderiam fazer o público compreender melhor a trajetória do Grande Ivan. 

A sensação de emancipação dos animais é ainda mais bonita acompanhada na sua música- tema. Selecionado mais uma vez para compor trilhas sonoras, Charlie Puth dá vida a Free, com versos profundos e deslumbrantes. A história de Ivan alcança completude com a letra e as notas do piano, alternando entre a angústia do aprisionamento com a maravilhosa sensação de finalmente estar livre. Dados do verdadeiro gorila são expostos em tela de forma a entender a inspiração do filme e, logo depois, os créditos sobem ao som da voz de Charlie. É impressionante essa construção sensorial que a sequência de imagens proporciona para a faixa. 

O Grande Ivan nos dá uma grande lição de moral. Ele entra na onda dos filmes de animação que atraem o público infantil, mas que cativam outros espectadores a saírem com reflexões sobre o que assistiu. Não chega a ser um documentário da National Geographic, mas também não se trata de um desenho simplista. O enredo trata com delicadeza tópicos complexos para as crianças e as ensinam que o entretenimento não vale a vida de um ser vivo. Com certeza, merecia mais reconhecimento fora das premiações. 

O post O Grande Ivan: qual é o preço da liberdade? apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.