João Pedro Piza

A Segunda Guerra Mundial, em muitos aspectos, mudou os rumos da humanidade. As atrocidades presentes no front, o medo constante da vigilância proveniente dos membros dos Estados totalitários e o horror disseminado pelas mais modernas técnicas de batalha forjaram no inconsciente dos cidadãos europeus um grande sentimento de desesperança. A Inglaterra, uma das potências mundiais da época e, por isso, grande alvo de Hitler na parte ocidental do continente, foi bombardeada pelos aviões alemães da Luftwaffe em 1940. Sob escombros e com pelo menos 450 mil mortos, os ingleses buscavam reestruturar o país a partir dos anos 1950, após a vitória dos aliados e dos efeitos do Plano Marshall. Mas não era nada fácil.

Nesse contexto, seria pouco coerente as manifestações artísticas do cenário cultural de Birmingham, cidade industrial e protagonista da metalurgia na Inglaterra, rodeada pela miséria, desemprego e crises, apresentarem o mesmo tom de paz, amor e esperança dos hippies — especialmente poetas e músicos norte-americanos. Dessa forma, Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler e Bill Ward possuíam uma ótica pessimista e distópica no que tange a maneira de encarar a sociedade e ver o futuro. Naturalmente, trocaram as roupas coloridas e as flores por jaquetas de couro e crucifixos. 

Influenciados também pelo Cinema de Horror, os quatro passaram a tentar transmitir a mesma sensação de pânico e melancolia ao assistir a um filme às primeiras composições da nova banda que formaram — já que o nome previamente escolhido pertencia a outro conjunto. Como ensaiavam perto de um cinema, viam de perto as multidões que se aglomeravam para sentir medo — como se a realidade do pós-guerra não bastasse. Entre os principais longas presentes nas sessões, estavam os do diretor Mario Bava. Inspirados por um de seus preferidos, decidiram que o nome da banda seria Black Sabbath — com Ozzy assumindo os vocais; Tony Iommi, a guitarra; Geezer Butler, o contrabaixo; e Bill Ward, a bateria.

Curiosa e ironicamente, o som característico do quarteto é proveniente de um grave acidente envolvendo o guitarrista. Enquanto trabalhava em uma fábrica, no seu último dia de trabalho, Iommi prendeu sua mão em uma máquina que cortava placas de ferro e teve as pontas de seus dedos anelar e médio da mão direita — a que fica no braço do instrumento — decepadas. Para continuar tocando, precisou utilizar cordas mais finas, acordes simples — utilizando escalas pentatônicas e power chords — e afinação baixa. 

Dessa forma, com certo grau de coincidência, o novo timbre desenvolvido é bastante soturno e obscuro. O baixo e a bateria seguiam uma linha parecida. Butler aprimorou a maneira de conduzir as levadas, abusando de quebras das tônicas, buscando notas um pouco mais agudas, como as oitavas. Bill Ward, por sua vez, adaptou viradas e ritmos do blues e do jazz a uma batida sólida e muito pesada.

Para o som denso vindo da guitarra, as letras não poderiam destoar. Desse modo, temas inspirados na literatura ocultista, em filmes de terror e em manchetes que abordavam acontecimentos caóticos figuravam o repertório em formação. Diferentemente de outras bandas da época, o Black Sabbath soube usar doses de fantasia unindo-as à situação pela qual viam o mundo, para, enfim, formular uma crítica aos valores bélicos, à corrida armamentista e à ordem capitalista entrando em vigor aos poucos ao longo da Guerra Fria.

Com o conceito e som definidos, rapidamente trabalharam nas primeiras canções, que foram lançadas no ano de 1970 em um álbum de mesmo nome que a banda — gravado e mixado em incríveis 18 horas. A começar pela capa assustadora, mostrando uma figura vestindo uma capa preta em frente ao que parece ser uma casa mal-assombrada, a faixa inicial Black Sabbath é de tirar o fôlego — e o sono. Iniciada por sons de sinos, chuvas e trovões, a guitarra de Iommi entra de maneira cortante com um riff memorável. 

Após a primeira nota, a banda o acompanha, gerando um clima de tensão e pânico. Logo Ozzy começa a contar experiências de uma perseguição misteriosa. Aos poucos, nos questionamos o que é aquela figura ou sua mensagem — o apocalipse? A morte? — à medida que somos conduzidos a um ambiente eufórico. Para finalizar, há um dos muitos solos espetaculares do guitarrista.

Em seguida, outro clássico: The Wizard. Com Ozzy tocando gaita, uma das poucas na carreira da banda, Bill Ward e Geezer Butler a conduzem como um blues. Tony Iommi repete os sons do instrumento de Ozzy na guitarra, gerando uma combinação interessante e ao mesmo tempo curiosa, porém sem perder suas características. Na letra, composta pelo baixista — assim como todas do álbum —, fala-se sobre a presença de um mágico na Terra, que expulsou diabos e “transformou lágrimas em felicidades”. Se a faixa anterior possuía uma mensagem de certa positividade, a seguinte é bem diferente. Behind The Wall of Sleep fala sobre angústia, morte e reflexões existencialistas, sendo inspirada em um conto de H. P. Lovecraft.

A última faixa do lado A é um clássico absoluto e uma das mais tocadas nos shows. N.I.B mostra a genialidade de Geezer Butler em um solo inicial que se tornou o sonho de todo baixista em reproduzir, especialmente por apresentar o som de wah-wah e outras distorções. Com um riff bastante conhecido, quem conduz essa faixa é o contrabaixo e não a guitarra — como de costume na discografia da banda. 

Na letra, ironicamente, há uma história e declaração de amor. Todavia, como se trata do Black Sabbath, ela acontece entre Lúcifer e uma mortal. Na época de seu lançamento, muito se questionou sobre o significado do nome da música. Muitos diziam que seria Nativity in Black; porém, era uma brincadeira interna em relação à barba de Bill Ward, que, segundo os membros, lembrava a ponta das canetas nibs.

Abrindo o lado B, Evil Woman é o primeiro cover do álbum e foi uma sugestão do produtor Rodger Bain a fim de projetar o quarteto ao mercado norte-americano. É a canção mais radiofônica, de fato. Inclusive, foi o primeiro single. Diametralmente oposta, em Sleeping Village retorna o peso característico. Bastante arrastada, Geezer e Ward abrem o caminho para Iommi mostrar sua genialidade. 

Usando violões — que imprimem um clima até bucólico — e estruturas de blues, ele quebra tudo. A temática obscura volta a estar presente; dessa vez, questionam o quão próximo estamos do apocalipse. E se realmente estivermos, torcem para que estejamos dormindo no momento final.

Na sequência, vem a mais longa do disco. Warning passa dos dez minutos e, mais uma vez, a guitarra rouba a cena. Em mais um cover, a influência do blues é presente, porém com uma roupagem um tanto psicodélica — característica essa perceptível pelos três solos de guitarras bastante distorcidas, distanciando-se das linhas da bateria e do contrabaixo. Nos mais de sete minutos instrumentais, a inspiração ao saudoso e genial Jimi Hendrix é perceptível. 

Para terminar a obra, não haveria escolha melhor que Wicked World. Iniciada por um riff simples e marcante, Geezer conduz a densidade da música por meio de uma força descomunal ao imprimir o ritmo das galopadas do instrumento. A reflexão da vez é sobre algumas relações de trabalho e como elas constroem um certo simbolismo hipócrita na sociedade.

Na estrada, o Black Sabbath chocou cada espectador que teve o prazer de vê-los na sua origem. Aos poucos, passou a figurar a tríade sagrada do rock dos anos 70 ao lado de outros dois gigantes: Led Zeppelin e Deep Purple. Entretanto, eles possuíam algo diferente dos dois e das demais bandas anteriores. Eles eram maus, pois tratavam de temas provocativos à época com elevados graus de obscurantismo e descrença nos seres humanos — com um pé até no niilismo. 

Por esse tom, encabeçaram o que conhecemos hoje como heavy metal. Aliás, a discussão sobre quem inventou o gênero de fato ou compôs a primeira música nesse estilo abrange alguns critérios amplos e até cansativos — alguns até dizem que os Beatles foram os pioneiros com Helter Skelter.

Fato é: o quarteto de Birmingham foi o primeiro a definir uma estética compacta e um conceito sólido em seu primeiro álbum, influenciando uma série de outras bandas que vieram em seguida. Iron Maiden, Judas Priest e Metallica, por exemplo, não existiriam sem o Sabbath. Pelo menos, não da maneira que conhecemos hoje. 

Em mais de 50 anos de carreira e inúmeros álbuns memoráveis, portanto, os hoje idosos sabáticos são exaltados como revolucionários no mundo da Música e responsáveis por servirem como porta de entrada às novas gerações roqueiras. Mesmo tirando nosso sono em alguns momentos ou causando certas provocações inquietantes, conquistaram um lugar na história e outro especial na memória de uma legião de adoradores.

O post Sob escombros do pós-guerra, nasceram os escultores do heavy metal: o quarteto desajustado que se tornou o sinistro Black Sabbath apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Gabriel Leite Ferreira

Horas antes do último show do Black Sabbath em terras brasileiras, o céu nublado já denunciava a chuva iminente. Era São Paulo, a terra da garoa, saudando os pais do heavy metal em sua turnê derradeira. A The End Tour teve início no dia 20 de janeiro de 2016, em Omaha, nos Estados Unidos, e acaba no dia 4 de fevereiro de 2017, em Birmingham, na Inglaterra, a terra natal de Ozzy Osbourne, Tony Iommi e Geezer Butler. Foi lá que o trio mais o ex-baterista Bill Ward, afastado da excursão por questões contratuais, deu forma ao gênero mais controverso da história da música moderna na década de 70. Não por acaso, a noite foi tipicamente setentista – para o bem e para o mal.

Bandas de abertura tem como função esquentar o público para o show principal. No entanto, a Doctor Pheabes só fez aumentar a ansiedade de quem estava presente no estádio Cícero Pompeu de Toledo, o Morumbi. A banda paulistana é um caso curioso de como visibilidade independe de qualidade no show business: o arremedo do que há de mais genérico no hard rock já abriu shows do Guns N’Roses e do Rolling Stones no Brasil, além de ter se apresentado no Monsters of Rock em 2013 e no Lollapalooza em 2015. Nem mesmo o trio de backing vocals performáticas salvou a apresentação, tão competente quanto a de uma banda cover de garagem.

Os norte-americanos do Rival Sons ficaram encarregados da segunda parte da abertura. Nome estabilizado na indústria com cinco discos no currículo, o grupo, se passa longe de ser original, ao menos homenageia sua referência maior com competência. Não é preciso mais que uma audição atenta para identificar que a matriz do som do quarteto vem de outro gigante do rock, o Led Zeppelin. Os andamentos suingados, os riffs blueseiros e pesados e os vocais potentes, tudo cheira a Jimmy Page e companhia, mas sem a ambição descomunal destes. Para a ocasião, altamente nostálgica, foi suficiente.

Nostalgia, aliás, foi a palavra de ordem no recinto. Pois é impossível, apesar de tentador, encarar a última turnê de um nome do porte do Black Sabbath com objetividade e rigor crítico. As variáveis não deixam: a representatividade monstruosa dos ingleses para a história da música, a dedicação inabalável do guitarrista Tony Iommi ao longo de mais de quarenta anos e o câncer que o acometeu em 2012, além de, é claro, o fato de ser a última passagem pelo Brasil fazem prevalecer o fator emocional.

Indubitavelmente, o Sabbath está no time de “vacas sagradas” do rock clássico, junto dos conterrâneos Beatles, Led Zeppelin e Rolling Stones – e foi o nome mais maldito deles. Os três eram vistos com maus olhos pelos conservadores por conta do famigerado “sexo, drogas e rock’n’roll”, mas na prática não apresentavam uma ofensa contundente aos valores da “família tradicional”. O quarteto capitaneado por Iommi, por outro lado, investiu em uma estética sombria influenciada pelo lado oculto da força e rompeu de vez com o otimismo lisérgico dos anos 1960 – do Verão do Amor à Guerra do Vietnã.

O debut homônimo de 1970, primeiro disco de heavy metal propriamente dito, aterrorizou público e crítica: o primeiro por conta da capa sinistra e o segundo pela sonoridade alienígena, espécie de blues barulhento e arrastado. Os discos que se sucederam até 1972 não economizaram na atmosfera apocalíptica dos riffs de Iommi e das letras de Butler, cujos temas preferidos incluíam guerra, bruxaria, filmes de terror e drogas. A partir de 1973, com Sabbath Bloody Sabbath, os ingleses começaram a refinar seu som e só então a crítica deu o braço a torcer.

A formação clássica gravou oito discos em pouco mais de dez anos até sucumbir às crises e às drogas. E foi o suficiente. Mesmo com as sucessivas reformulações a partir dos anos 1980, o grupo não desvaneceu na memória dos fãs, muito pelo contrário. O culto sobreviveu e ultrapassou gerações – as quase 70 mil pessoas presentes no Morumbi que o digam. Adolescentes, adultos, idosos, todos se reuniram para testemunhar pela última vez os ídolos maiores do heavy metal.

O clima úmido e sombrio da capital paulistana ajudou nesse sentido. Enquanto uma animação apocalíptica passava nos telões, a chuva, até então um chuvisco tímido, engrossou. A risada maléfica de Ozzy, que completara 68 anos no dia anterior, marcou o início do espetáculo. O marco zero da carreira dos anciãos foi também o marco zero do show. “Black Sabbath”, a música, teve sua atmosfera sufocante incrementada pela noite chuvosa e deu o tom do resto do curto setlist, concentrado nos três primeiros clássicos da banda – Black Sabbath (1970), Paranoid (1970) e Master of Reality (1971) – e com uma canção do seminal Vol. 4 (1972) e uma do pouco destacável Technical Ecstasy (1976). O repertório formado por treze faixas não é imune a críticas. A ausência de clássicos pós-1972 foi sentida pelos mais aficionados, assim como a insistência de se manter a fraca “Dirty Women” e deixar de fora “Under The Sun” e “Hand of Doom”, duas pérolas que marcaram presença em setlists passados. No entanto, há que se levar em conta a idade avançada do trio, em especial a de Ozzy Osbourne, cuja voz é uma sombra do que foi.

O eterno Madman compensou as limitações vocais com seu carisma indefectível. “Quero ver todo mundo pulando!” e “vocês estão se divertindo?” eram frases ouvidas a todo momento. Houve até mesmo um “estou cantando na chuva”, referência cômica ao clássico “Singin’ in the Rain”, de Gene Kelly. Ou seja, a performance desajeitada e quase infantil de sempre. O elogio pode ser estendido a Geezer Butler e Tony Iommi, irrepreensíveis em suas respectivas funções. O baterista Tommy Clufetos e o tecladista Alan Wakeman, membros da banda solo de Ozzy, completaram o time com propriedade. Vê-los em ação foi como presenciar uma retrospectiva histórica, um caleidoscópio lisérgico e nostálgico.

A instrumental “Rat Salad” foi sucedida por um solo de bateria que ultrapassou os dez minutos – descanso para os veteranos. Ao fundo, enquanto Clufetos esmigalhava seu kit de bateria, uma série de imagens da fase clássica do Sabbath, com direito a um close do Bill Ward dos primórdios. De volta ao palco, o trio encerrou o desfile de clássicos com “Iron Man”, “Dirty Women” e “Children of the Grave”, voltando rapidamente para o bis com “Paranoid”, entoada com paixão pelos quase 70 mil pagantes. “Deus os abençoe”, disse Ozzy depois de se ajoelhar em agradecimento. Contradição nenhuma, visto que eles sempre se assumiram cristãos.

A noite acabou cedo, mas segue ecoando na mente deste que vos escreve. Faltam palavras para dar conta do que representaram as pouco mais de duas horas sorrindo, chorando, pulando e quebrando o pescoço no bate-cabeça junto de amigos, conhecidos e desconhecidos. Foi um encerramento digno de Black Sabbath. Tal qual a injustiçada canção de Paranoid, outra ausência sentida no repertório, um verdadeiro funeral elétrico.

O post Black Sabbath em São Paulo: o funeral elétrico apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.