Ana Júlia Trevisan

Uma história de glamour, cobiça, loucura e morte. Esse foi o subtítulo dado ao livro que inspirou Ridley Scott a dirigir uma das adaptações mais aguardadas do ano: Casa Gucci. A grife italiana, fundada em 1921, é um majestoso império da Moda e uma das marcas mais valiosas do mundo, cujo nome carrega um grande escândalo. Em 27 de março de 1995, Maurizio Gucci, herdeiro da empresa, foi assassinado a mando de sua ex-esposa Patrizia Reggiani. 

Legado e família são os fragmentos mais necessários para entender a estrutura maquiavélica do império Gucci, mas o que chegou aos cinemas em 25 de novembro não se ajusta aos dois poderes. Os direitos para a produção do filme foram comprados em 2006, e de lá pra cá, nomes como Angelina Jolie e Leo DiCaprio foram cotados para os papéis principais. O ano de 2021 finalmente trouxe o filme para as telonas, protagonizado por Lady Gaga e Adam Driver. Mas, para lidar com o longa, é necessário fazer o mesmo processo de periciamento de um delito.

No início da perícia, uma equipe de profissionais entra em cena para desvendar o crime enquanto a polícia assiste do lado de fora. Falar de House of Gucci exige o desmembramento cômodo por cômodo da planta prestes a ser periciada. Para iniciar o trabalho neste ambiente interno, o bom senso é que primeiro seja examinado o local que outros integrantes da equipe precisam usar para atividades pessoais, ou seja, o banheiro.

Banheiro, local em que jogamos o que não presta ralo a baixo. Aqui, infelizmente, se encontra a direção e montagem de Casa Gucci, apenas esperando a descarga ser puxada. O filme apresenta um apelo cômico que não se encaixa com a premissa de glamour, cobiça, loucura e morte. O humor impresso na adaptação do roteiro, escrito por Becky Johnston e Roberto Bentivegna, tira toda carga dramática que Casa Gucci demandava por se tratar de um crime real envolvendo um império multimilionário e que até hoje gera controvérsias. Essa atitude da direção prejudica pelo inesperado e quase desrespeitoso com a temática. As cenas em família italiana são como dar play em Succession e assistir a um stand up dos Roy.

A montagem, responsabilidade de Claire Simpson, é declarada culpada pela perda de ritmo da produção. Desde os primeiros minutos de Casa Gucci é notável a falta de um continuísta que auxilie nos processos de filmagem e edição. Por se tratar de um escândalo não ficcional, os espectadores que fizeram uma pesquisa prévia do caso estão cientes que o longa cobre duas décadas de história. Aos que foram ao cinema às cegas, o filme não deixa pistas da passagem temporal dos anos 70 aos anos 90, muito menos pela armação de óculos de Adam Driver, que se mantém intacta durante toda ascensão e queda da marca.

O texto base para Casa Gucci, que parte do livro de Sara Gay Forden publicado em 2001, é um trabalho jornalístico bem elaborado que introduz todos os pontos da marca. Isso corrobora para o entendimento de ascensão do império Gucci e sua queda ou a tentativa de transformação no Vaticano da Moda. O longa não dispensa essa contextualização, e nem poderia, mas seu desassossego em roteirizar o crime faz com que o legado e família que são essenciais à história não tenham equilíbrio.

Indo para a cozinha da casa, ambiente convidativo e familiar, é possível encontrar duas figuras chaves para o filme: Paolo Gucci e seu pai, Aldo. O primeiro, interpretado por Jared Leto, é o cúmulo do absurdo, e o personagem está em uma órbita que não pertence a House of Gucci. Sua atuação é uma tentativa caricata de extravasar uma energia que não existe no filme. O ator se mostra preso a seu papel de Coringa, ao mesmo tempo que, se Leto tivesse interpretado o excêntrico italiano antes de Esquadrão Suicida, talvez o desastre não tivesse sido tão tenebroso.

Já Al Pacino na pele de Aldo Gucci consegue ser uma das poucas coisas que fazem o ingresso valer a pena. Apesar de suas roupas serem totalmente fora do alto padrão italiano, o personagem cumpre sua sina gananciosa. É em sua figura que o legado e a família, questões primordiais ao roteiro do filme, tomam forma. Do mercenarismo de Patrizia Reggiani à sonegação de impostos da Casa Gucci, tudo que vai além do romântico reflete na atuação natural do eterno Michael Corleone.

O próximo membro da família e chave mestra para o roteiro está em outro cômodo da casa. Ao abrirmos a porta do quarto, encontramos o pacato Maurizio Gucci, filho único de Rodolfo Gucci (esse muito bem dominado por Jeremy Irons) e herdeiro direto do império. Para encontrar Adam Driver nessa narrativa é necessário fazer o uso de luminol no ambiente. Um dos maiores atores de sua geração, Driver parece não caber dentro de Casa Gucci. Seu personagem simpático e bonzinho não tem uma trajetória evolutiva convincente para seus atos dramáticos mais ao fim da produção. A narrativa da vítima tem espaço, pois Driver tem uma atenção magnética oriunda, do contrário, o protagonista se transformaria em coadjuvante.

No segundo quarto é o momento de fazer uma vistoria no assassinato de Maurizio Gucci. Segunda-feira, 27 de março de 1995. É com duas horas e meia de filme que o espaço temporal é delimitado. A partir daqui tudo é tosco, principalmente a câmera lenta de Dariusz Wolski usada no ápice da cena, tirando qualquer adrenalina que o momento poderia causar. A análise nesse cômodo nos leva a fazer mais alguns reparos no laudo de outro crime: de produção. O horário desse delito acontece na passagem do segundo para o terceiro ato, que ao entrar em sua progressão final, decai sem sua peça principal e mais chamativa. O filme não tem a menor salvação depois de uma hora e meia, tendo direito até a sequência de fuga com trilha sonora imitando os Trapalhões.

E, finalmente, chegamos no momento de periciar a sala da casa, lugar social de recepção. É aqui que se encontra a figura central do filme e que dá a ele todos os holofotes. A Patrizia Reggiani de Lady Gaga começa como uma jovem encantada e vai se revelando uma verdadeira manipuladora explosiva. Em 2019, quando Gaga foi indicada ao Oscar de Melhor Atriz por Nasce Uma Estrela, ela estava interpretando um arquétipo conveniente perante sua carreira consolidada como um dos maiores ícones pop. Agora, ela enfrenta um papel fora de sua zona de conforto e faz isso com muita propriedade. Mesmo gastando todo o fôlego para tentar fingir o choro, Patrizia é o pilar que sustenta as quase três horas de Casa Gucci.

A duração do filme não o torna cansativo, entretanto também não faz de House of Gucci uma produção memorável por sua qualidade. A pressa da direção de Ridley Scott em aproveitar o máximo de elementos da obra-mãe deixou pontas soltas por todos os atos e o apego criado na figura de Lady Gaga prejudica o momento em que a escolha é focar em Adam Driver. O ritmo cai sem Patrizia e seu autocentrismo. Sua participação ativa em todos os negócios da Gucci, e seu pensamento à frente para dominar a marca, tiram o forçado protagonismo nos outros membros da família. A partir disso, cada atitude tomada por eles se torna incompleta sem sua figura.

O laudo da perícia aponta os seguintes resultados. Primeiro: a Casa Gucci é mal-assombrada. Segundo: o filme sofreu uma overdose de elementos. O diretor tinha em suas mãos uma história gigante e um elenco maior ainda. Na ânsia de conciliar as duas grandezas, Ridley Scott tira mal proveito de ambos. Os fantasmas da Casa Gucci que vão desde a primeira geração do império, sejam eles pelo sobrenome amaldiçoado que a família carrega ou os mortos que o nome deixou, assombram a produção que soa como uma grande história inacabada.

O plano malévolo de Patrizia, que foi premeditado por anos ao lado de Pina (Salma Hayek), se faz do dia pra noite, e o círculo de legado e família mais uma vez não se fecha. Pouco, ou praticamente nada, é explorado da protagonista depois do crime, mesmo ela sendo conhecida pela alcunha de viúva negra por conta do episódio. Antes mesmo disso, o filme não mostra a ruptura do casal, e segue por difíceis minutos apenas com indícios do divórcio.

Por fim, o maior inimigo de Casa Gucci é seu próprio ego. O filme sofre de uma produção que tem muito a oferecer e acaba se perdendo. Potencial, elenco e direção não são problemas à primeira vista. Mas todos saem culpados desse crime. Não é à toa que até o encosto de Patrizia Reggiani – que está viva, por sinal – decidiu aparecer no set para assombrar Lady Gaga.

Ridley Scott, que também lançou O Último Duelo este ano, faz de Casa Gucci seu cavalo branco para a temporada de premiações. Se o legado de Gucci chegará ao tapete vermelho, apenas os indicados aos prêmios que antecedem o Oscar poderão trazer uma noção. Por livre especulação, acredita-se que Lady Gaga e suas oitenta páginas biográficas levam ao menos a nomeação. A extrapolação do queridinho Jared Leto também deve encontrar espaço nas listas. O maior mérito fica nas categorias técnicas. Já Adam Driver tem sérios riscos de morrer na escadaria tal qual Maurizio Gucci. Será que é isso que a artista chama de empoderamento feminino? Penso que seja apenas a reação ao criminoso Casa Gucci.

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Nathália Mendes

Mindhunter te faz um convite: sente-se à mesa com os protagonistas da série para entrevistar uma lista de criminosos repulsivos. A década de 70 nos Estados Unidos foi uma máquina de serial killers, mas a onda de horror causada por Ted Bundy, O Filho do Sam e BTK também foi acompanhada pelo fascínio. Da abominação por esses homens, houve a curiosidade e necessidade de entendê-los. O que pensaram para escolher aquela vítima e matar daquela forma? Por que todas as suas ações seguem um padrão meticuloso, específico, premeditado, mas as vítimas são estranhas? A série mostra os pioneiros em fazer essas perguntas cujas respostas são indigestas, na busca por traçar perfis de assassinos – um trabalho da vida real que revolucionou a Unidade de Ciência Comportamental do FBI. E mesmo assim, sem cancelamento ou continuação, a série está há 2 anos no limbo da Netflix.

A maioria das pessoas acha impossível – e abominável – entender a mente de um assassino. “Se entendêssemos as aberrações, seríamos aberrações também” diz Bill Tench (Holt McCallany) para Holden Ford (Jonathan Groff) no primeiro episódio da série. Mas Mindhunter dispôs sua narrativa propositalmente de forma incômoda: ela quer que você se sinta provocado a compreender um serial killer e faz isso através de uma realidade impecável, da montagem à trilha sonora. Nessa estrutura, você é obrigado a emergir entre quatro grades de uma cela, cara a cara com personagens fiéis ao máximo aos assassinos na vida real, e assumindo a mesma função emblemática de um jovem John Douglas no FBI, movido pela ânsia de estudar a face mais vil que um ser humano pode ter.

Desde sua primeira temporada, Mindhunter montou uma obra de arte sobre a complexidade da mente ao criar um panorama entre a vida de seus personagens e as entrevistas com os serial killers, tendo como ponto central a forma como o pensamento subjetivo provoca comportamentos. Os agentes Bill e Holden foram inspirados no trabalho desafiador que Robert Ressler e John E. Douglas, respectivamente, tiveram em dar lógica para uma violência irracional na vida real. Através das entrevistas, eles foram capazes de catalogar perfis de criminosos para ajudar investigações futuras a identificar e encontrar um assassino em série. Tudo isso é contado em Mindhunter, mas o aspecto mais importante é a motivação que levou ambos e Ann Burguess – representada pela personagem de Dra. Wendy Carr (Anna Torv) – a ouvirem a narração das agressões cotidianamente: o magnetismo por uma violência além da imaginação. E como um ímã, a Arte sente atração em investigar o que é desconhecido.

Entender a mente de um psicopata é algo semelhante a montar um quebra-cabeças em que as peças só se encaixam pela dedução, pois uma mente tão perturbada não funciona além do efeito causa e consequência. Mas o produtor executivo de Mindhunter, David Fincher, já provou a sua aptidão e gosto pelo gênero, no mesmo caminho de Douglas. Em Se7en e Zodíaco, a perspectiva de Fincher mostra o controle que um serial killer tem sobre a situação, incluindo a força policial, mas é em Mindhunter que a característica é explicada de cabo a rabo, e pela versão do próprio assassino ao explicar seus comportamentos após uma história de trauma e violência. 

Por isso, a série deixa de mostrar coisas propositalmente – como as cenas dos crimes em si -, optando por manter-se até o final dando ao público a função de enxergar os crimes mais famosos da história através da narração de seus autores.  E isso é brilhantemente surrealista. Como se o cordeiro tentasse vestir a pele do lobo, o público deve se imaginar com os olhos de Charles Manson enquanto ele fala sobre a liderança de sua seita assassina, explicando algo que aparentemente não entende sobre si próprio. A entrevista com Manson acontece durante a segunda temporada de Mindhunter e é um jogo de roteiro complexo e cortes rápidos de edição, ambos elementos que dão fluidez e uma perspectiva realista para a cena.

Um raciocínio narcisista ao extremo faz parte da característica de um bom psicopata, e a carta na manga de Fincher é evidenciar o crescimento do mesmo traço de personalidade nos agentes que os estudam – e talvez, por querer, no público. O fato é que não há resposta para o debate “homens são naturalmente maus ou se tornam maus?”, então Mindhunter criou o contraste dos assassinos com seu personagem principal para perpetuar o questionamento. Holden é um nerd impecável que tem as camadas de sua personalidade descascadas como cebolas ao longo de sua trajetória com Bill pelos Estados Unidos. A posição que o agente toma diante de suas descobertas é uma mistura de ansiedade e egocentrismo, pois ele tem certeza absoluta de que seu papel é imprescindível para o FBI. Essa característica aparece principalmente nos métodos diferentes que Holden apresenta durante as entrevistas: a curiosidade, a proximidade facilmente adquirida, e, a mais repugnante de todas, o raciocínio em se colocar, com um conjunto de ações, no mesmo plano que os assassinos – ou melhor, em que como cordeirinho, veste a roupa de lobo.

O narcisismo de Holden aflora definitivamente na segunda temporada quando a pesquisa comportamental avança, inclusive ganhando um chefe novo que apoia o trabalho fervorosamente. Mas ainda que o agente seja o cerne do progresso, é impossível não associar a gradação de suas ações autoconfiantes com a sua proximidade ao frio e seguro Ed Kemper, o principal – e mais falante – assassino da 1ª temporada. O desempenho de Cameron Britton na pele do serial killer Edmund Kemper foi tão exuberante que o rendeu uma entre as 2 indicações ao Emmy que Mindhunter teve. Lembrando o personagem de Will Graham (Hugh Dancy) e sua conflitante afinidade com o canibal mais famoso do Cinema, Hannibal Lecter (Mads Mikkelsen), Holden começa a assumir parte de um orgulho compulsivo sobre seu trabalho, algo que mais ressalta sua ingenuidade com o mundo de fora do que de fato prova sua perspicácia.

Desde o início, Mindhunter força a aproximação com a história do mundo real, mesmo que muitos elementos da série sejam apenas ficção, mas isso foi feito de caso pensado para proporcionar uma imersão completa do público como Holden Ford. A curiosidade é aguçada logo de início, e junto com o protagonista, o espectador dá seus passos curtos por um fascínio culposo. O elenco de serial killers assustadoramente fiéis em aparência e trejeitos, um enredo afiado, e a atmosfera densa e amarelada que um bom suspense possui compõem a obra necessária para que ao assistir Mindhunter haja um querer insaciável em entender o incompreensível. No final, o limbo em que a série se encontra causa um tímido alívio por frear o questionamento que cada um assume sobre seus comportamentos.

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Vitor Evangelista

A destemida ideia de transformar em ficção o crime envolvendo a família Von Richthofen não poderia ser mais ousada. O conturbado cenário do Cinema nacional, que encontra no público do país um asco à qualquer obra que fuja dos “bons costumes” ou da comédia irreverente que a Globo germinou na última década, é carente de filmes corajosos o bastante para, na mesma moeda, adereçar temas sensíveis e fazê-lo ao alcance do grande público. Com isso, A Menina que Matou os Pais já nasceu com promessa de grandeza. 

O argumento de Raphael Montes e Ilana Casoy veio a partir dos autos do julgamento de Suzane von Richthofen, Daniel e Cristian Cravinhos, condenados pelo bárbaro crime que tomou parte quatro anos antes da sentença, na noite do Halloween de 2002. Se tratando de dois importantes e contraditórios discursos, a equipe por trás da obra decidiu por quebrá-la ao meio, sem ordem de exibição ou cronologia, fazendo essa divisão com base na visão de cada um dos réus. 

Manobra inédita no Cinema brasileiro, a fagulha de criatividade já foi posta à prova em Dois Lados do Amor (The Disappearance of Eleanor Rigby, de 2014), que faz uso da difusão narrativa em prol de um casal em processo de se apaixonar. Diferente da ideia original, A Menina que Matou os Pais e O Menino que Matou Meus Pais são filmes irmãos, um tanto parecidos demais, mas inevitavelmente complementares e repetitivos. Tanto é que a estratégia de lançamentos nas salas de cinema buscava a ideia da compra de apenas um ingresso, mas que valeria para a “sessão completa” do drama.

O que ninguém previu foi a pandemia, que lacrou as salas e atrasou o lançamento das obras por mais de um ano. Deu tempo da estrela Carla Diaz entrar no elenco do Big Brother Brasil 21, engatar um romance, ser eliminada por conta desse rolo e sair antes da metade do programa. Deu tempo do burburinho dos filmes chegar à Netflix aumentar e diminuir, deu tempo da antecipação bater no teto e despencar até o chão. Até que, de surpresa, o Amazon Prime Video anunciou que daria um lar aos macabros contos do crime que chocou o Brasil no começo do milênio.

Em A Menina que Matou os Pais, somos guiados pelo depoimento de Daniel (Leonardo Bittencourt), no dia do julgamento, em meados de 2006. Dessa forma, os dois filmes começam no tribunal, com o mar de gente gritando profanidades e pedindo a cabeça do trio acusado. O roteirista Raphael Montes, que fez seu nome escrevendo romances policiais, recomendou que O Menino fosse assistido antes, para que o público primeiro se habituasse com uma Suzane anestesiada e perdida, para então dar play em A Menina e se deparar com sua versão ardilosa e cabeça-quente.

Por mais que de fato não exista um manual de como mergulhar nessa história, por experiência própria, é possível afirmar que começar por O Menino oferece mais nuances às interpretações do casal principal. A dupla modula muito bem as emoções nesses oitenta minutos iniciais, mas as extrapola verdadeiramente na uma hora e vinte seguinte, que se centra em uma Suzane venenosa e cheia de picos de raiva, tensão e êxtase. Bittencourt se beneficia dessa maratona, pelo fato de começar a história como um manipulador e terminá-la com a mesa invertida, quase arrependido de ter deixado se levar pela namorada.

Enquanto obra de ficção, os filmes não esbaldam tamanha liberdade artística que obras estrangeiras sobre assassinos capitalizam em cima por décadas a rodo, mas a história se adequa razoavelmente bem aos moldes do tribunal. Se Charlize Theron pode vencer um Oscar ao dar vida à Aileen Wuornos, por que então fazer Cinema em cima da história de Suzane von Richthofen é visto como um passo para além do limite do bom senso? Carla Diaz, em um show à parte e completamente imersa na psique fragilizada de sua protagonista, surpreende positivamente, e dá o nome, carregando com vigor as quase três horas de duração das obras somadas.

Longe das interpretações, o problema dos filmes reside em sua concepção de nascença. É preciso um jogo de cintura e tanto para contar uma história cujo desfecho é de conhecimento de um país inteiro. Imagine, então, contar essa história duas vezes, espelhando-a da maneira mais simplória e clichê possível. Carla Diaz vira a chave entre triste, louca ou má, operando ao que lhe é comandado. Em O Menino, ela é meiga e aérea, mas a peruca desidratada da Anna Wintour que colocaram na atriz na cena do tribunal tira qualquer credibilidade visual da direção.

Direção essa a cargo de Mauricio Eça, que insiste em um chove, não molha desconcertante, dando alicerce aos filmes seguindo as mesmas batidas narrativas, e filmando as cenas sob duas perspectivas, ou 8, ou 80. Por isso, quando o público capta a essência do filme 2 (seja lá qual for a sua ordem de exibição), a experiência de acompanhar o mesmo enredo duplicado diminui o impacto. O aspecto exaurido nas produções é o enlace romântico de Suzane e Daniel, explorado de maneira simples, maniqueísta e sem uma pitada de originalidade ou relevância.

Carla Diaz faz cosplay de Chiquititas quando interpreta uma Suzane na faixa dos 15 anos, e a progressão temporal anula qualquer desenvolvimento de personagem que o público deseja. No filme de Daniel, Suzane é a vilã, a bruxa Keka e a mandante do crime. No filme de Suzane, ela apenas é a mocinha levada ao mau caminho pelo namorado delinquente. Não há profundidade no namoro, que se estende por anos, ou na personalidade dos retratados em tela.

Astrogildo (Augusto Madeira) e Nadja (Debora Duboc) aliviam o clima dos filmes, injetando vitalidade aos pais de Daniel, que recebem Suzane de braços abertos e nutrem um carinho familiar por ela. No lado oposto, as vítimas do crime são interpretadas sem qualquer respaldo ou cuidado, deixando as cenas com Manfred (Leonardo Medeiros) e Marísia (Vera Zimmermann) repetidamente derivadas. O jovem Andreas, irmão caçula de Suzane e interpretado por Kauan Ceglio, não recebe uma migalha de história, e a característica mais marcante de sua passagem pelos filmes é o cabelo ruivo tingido com papel crepom. 

Cristian (Allan Souza Lima) se enquadra no clichê esperado do hétero dos anos 2000, que trabalha em um bico aqui e acolá, e insiste em fazer pegadinha com o irmão mais novo, ocasionalmente envolvendo ovos. A partir do momento que ele é inserido no plano do assassinato, o texto não se preocupa em satisfazer o público e mostrar o elo de irmandade entre os Cravinhos. A passagem de irmãos delinquentes para irmãos criminosos não surte efeito nenhum em A Menina que Matou os Pais. Suzane, visivelmente afetada pelo que diz respeito às caras e bocas de Diaz, manda, e os homens obedecem.

Quando, enfim, os filmes chegam ao “O Dia”, a descarga é apertada, relegando o crime a menos de vinte minutos de tela, combinadas as duas rodagens. É claro que, para uma obra “true crime” ser boa, sangue nenhum precisa ser espirrado na câmera (Mindhunter provou isso à exaustão), mas a saída não é segurar a expectativa por quase noventa minutos, para depois dar para trás e preferir o lúdico ao real. Ao passo que a iluminação brinca com tons saturados a fim de expressar o medo, a raiva e a conclusão, os filmes de Mauricio Eça pecam pela falta de pulso firme.

Se a arrojada abordagem de dividir o crime ao meio e narrá-lo sob mundos diferentes fosse espelhada para as demais pontas da produção, estaríamos frente a uma obra rica e multifacetada. Mas a criatividade morre no berço, tornando a maratona de quase três horas em uma vitrola arranhada, nada viril e com pouco a dizer. A Menina que Matou os Pais evoca tropos que já deveriam estar enterrados no audiovisual. Ninguém precisa assistir a ruína de uma mulher “louca”, vingativa ou assassina, motivada por um passado difícil e um presente mais complicado ainda.

Ou melhor, ninguém precisa assistir a mais uma versão clichê e batida dessa mesma narrativa. Todos os anos, cineastas e roteiristas proeminentes fazem uso do comum para revitalizar uma fórmula, injetando vida a essas histórias. Se depender do tato artístico e da pegada autoral da dupla de filmes, não importa se foi A Menina ou O Menino quem matou, o gênero do true crime pode ser enterrado no mesmo túmulo. 

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Caroline Campos

Pai pastor, mãe advogada e filha prodígio. Essa é a fórmula infalível para produzir uma família bem vista, amigável e exemplar, certo? O autor sueco M.T. Edvardsson parece discordar. Parte da parceria com a Companhia das Letras e publicado sob o selo da Suma, Uma família quase perfeita é um thriller intenso e envolvente sobre a verdadeira face da justiça e as situações extremas que podemos nos colocar para proteger aquilo que nos é mais sagrado. Mas, atenção: o livro possui gatilhos relacionados à violência sexual e psicológica. A narrativa pode causar perturbações em leitores mais sensíveis aos temas. 

Através das 376 páginas traduzidas por Natalie Gerhardt, Edvardsson se diverte às custas da curiosidade de seu leitor para tentar responder: quem matou Christopher Olsen? A principal suspeita, já detida e investigada, é Stella Sandell. Aquela Stella, filha do benevolente pastor Adam e da talentosa advogada Ulrika. O choque atravessa os quatro cantos da pequena cidade de Lund, abalada com o fato de que uma garota de 18 anos possa ter matado brutalmente com golpes de faca um empresário de sucesso. 

No entanto, passada a tempestade, os sussurros começam – Stella era uma garota problemática, agressiva e incapaz de resistir aos seus impulsos. O tribunal público já havia dado sua sentença, todos conheciam sua reputação, e a família intocável dos Sandell começava a desabar. O primeiro testemunho é dele, O Pai. A história nos é contada sob o ponto de vista de Adam na parte um do livro, e o que se inicia com o relato de um homem cristão passando por dilemas éticos e se lamentando com metáforas bíblicas, se transforma em uma narrativa paranoica acerca de um moralismo falido e hipócrita vindo de um pastor que a todos julgava.

Do fruto de sua boca o homem se beneficia, e o trabalho de suas mãos será recompensado.

Provérbios 12:14

A visão de Adam sobre a própria filha é uma grande disputa por controle. Superprotetor e beirando o abusivo, o pai é nosso primeiro contato com quem, afinal, pode ser Stella. Surpreendemente, percebemos que o pastor não faz a menor ideia da resposta – tudo que ele vê é quem gostaria que ela fosse, ingênua, passiva e vulnerável. A persona de Adam vai caindo aos pedaços conforme ele se arrisca em suas investigações, e podemos ouvir a reverberação da risada do autor sueco, que escolheu justamente um pastor, símbolo da verdade e da bondade, para iniciar sua história conturbada e ser o patriarca de uma família que preza, acima de tudo, pelas aparências. Custe o que custar. 

Antes mesmo do tom da primeira narrativa se tornar cansativo, M.T. Edvardsson troca os papéis e passa o microfone para a estrela do show, Stella. Já confinada em uma cela, A Filha é assombrada por ações muito anteriores ao assassinato. Apesar da tentativa de simpatizar nem que seja o mínimo com a jovem, cada pensamento e lembrança que ela retoma nos dá vontade de gritar. Mimada, infantil e arrogante, Stella Sandell sofre do mal do filho-de-pais-classe-alta-que-não-consegue-se-encontrar. Prepare os olhos para as inevitáveis e automáticas reviradas. 

Mesmo que a garota não seja culpada pelas inúmeras situações que cria, ela com certeza sabe piorá-las com suas crises de raiva violentas e birras intensas. Os problemas de Stella, no entanto, não são superficialmente abordados. A necessidade de garantir a fachada da família fez com que seus pais a prendessem em uma cúpula emocional, onde a proibição era clara – em casa a gente resolve; não faça um escândalo. Sua rebeldia adolescente e personalidade explosiva foram o empurrão que faltava para a jovem se afogar dentro do próprio aquário e iniciar uma jornada que, se não fosse por Amina, sua melhor amiga, seria gradualmente autodestrutiva.

Que te parece? Não ficaria apagada a mancha dum só crime, insignificante, com milhares de boas ações?

Fiódor Dostoiévski, Crime e Castigo

Quando chega a vez de Ulrika, já estamos levemente aborrecidos. Claro que o objetivo de um suspense é deixar o leitor na expectativa até a conclusão da história, mas as idas e vindas entre passado e presente de Uma família quase perfeita rendem uma série de momentos anticlimáticos e repetições desnecessárias. Assim, o testemunho d’A Mãe é o ponto de vista escolhido para as grandes revelações da trama. O julgamento de Stella rouba a cena e aguça os ânimos, mas é quase engolido pelos devaneios entediantes da advogada, que retoma, capítulo sim capítulo não, os mesmos acontecimentos já abordados por Adam e Stella anteriormente. 

No entanto, o mais interessante da narrativa de Edvardsson é sua capacidade de diferenciar seus personagens através da escrita. Os Sandell possuem convicções diferentes, idades distantes e um modus operandi muito próprio de cada personalidade e o autor não só os entende como também os explora decisivamente. As outras duas figuras-chave para solucionar o suspense, Christopher e Amina, são abordados apenas pelos olhos do trio, mas incrementam a carga dramática de uma trama familiar complexa por si só e se encarregam de unir as três pontas soltas da obra sueca.

Apesar da qualidade de Uma família quase perfeita, que cumpre o mistério que propõe, M.T. Edvardsson utiliza demasiadamente da violência sexual contra suas personagens femininas. São três estupros abordados contra três mulheres diferentes, e a sensação de mal estar é impossível de ser ignorada, mesmo que nenhum deles seja detalhado ou descrito. Em pelo menos duas das situações, as jovens recebem traços neuróticos e quase maníacos em suas características pós-violência para reforçar as consequentes marcas psicológicas e o sistema penal, irrefutavelmente falho em acolher essas garotas, da Suécia.

Não existe justiça – nem dentro nem fora dos tribunais.

Clarence Darrow

O final do livro de Edvardsson não é moldado para ser surpreendente, pois o sueco soube se garantir com seus comos e porquês para não precisar depender, de fato, de um quem. Quando as conclusões se desenrolam, até esquecemos de nos questionar a identidade do responsável por empunhar a faca que estripou Christopher Olsen. O epílogo responde a dúvida, para o alívio dos curiosos de plantão, mas toda a atmosfera construída nas últimas páginas dispensa considerações óbvias como a face do assassino.

Se o mérito da leitura cativante pertence aos capítulos curtos ou à construção de uma matilha afiada em pele de cordeirinhos assustados que o sueco proporciona, cabe ao leitor decidir. Mas Uma família quase perfeita é uma obra natural para integrar o catálogo de suspenses da Suma, e, mesmo sem muitas reviravoltas marcantes, o livro consegue jogar de um lado para o outro o principal investigador desse assassinato: você.

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