André Aguiar

Qual o real custo da fama? Que nem tudo é brilho e glamour, todos sabem, mas que o mesmo sucesso que te leva ao topo, pode te levar ao túmulo, é uma verdade que poucos conhecem tão intimamente quanto Florence + The Machine em Everybody Scream, seu sexto álbum de estúdio. Depois de passar por severas complicações médicas durante a turnê do aclamado antecessor Dance Fever, Florence Welch, líder do projeto que leva seu primeiro nome, renasce do que foi um dos episódios mais vulneráveis de toda a sua carreira, totalmente coberta por resquícios de um aborto espontâneo arriscado, raiva feminina, um cinismo amargo direcionado à indústria musical e consumida por um desejo instintivo e incontrolável pela performance.

As composições de Florence não apenas transmitem uma aura mística como realmente aparentam possuir uma presciência muito da vida da artista. Em King, faixa do Dance Fever, uma das linhas profetiza quase exatamente o que de fato ocorreu à cantora. “Nunca imaginei que meu assassino viria de dentro” surgiu como uma premonição da gravidez ectópica que interrompeu violentamente sua turnê de 2023. Dez dias após a cirurgia de aborto espontâneo, a vocalista estava de volta aos palcos, porém totalmente diferente, mergulhando de cabeça numa avalanche criativa irresistível, a qual se desencadearia em um novo álbum: Everybody Scream.

A faixa inicial, homônima e primeiro single, Everybody Scream, já sintetiza os sentimentos gerais do álbum: raiva, amargura e delírio. Produzida pelos principais colaboradores da cantora nesta era – Mark Bowen (IDLES) e Aaron Dessner (The National) – e composta com a parceria de Mitski, a canção se inicia com um canto lírico e um órgão tímido até explodir em um shuffle que carrega com peso a atmosfera horripilante da faixa. No videoclipe, dirigido por Autumn de Wilde, Florence se junta a um grupo de bruxas que invadem uma mansão e praticam uma espécie de exorcismo coletivo, evocando o terror dos anos 1970 e 1980.

Welch enxerga a performance como uma experiência transcendental e, até mesmo, espiritual. É um espaço não apenas de liberação emocional durante o processo criativo, como também um antídoto infalível, inclusive fisicamente. O palco é um lugar seguro, onde ela se percebe plenamente viva e, mesmo que tenha causado suas dores mais intensas, é ali onde ela pertence. “Olhem para mim ficando exausta / Sangue no palco / Mas como posso deixá-los quando estão gritando meu nome?” Esse paradoxo guia a linha temática do disco e aproxima o ouvinte da atual mentalidade da performer quanto ao seu trabalho.

One Of The Greats é um ponto alto de Everybody Scream. A canção começou como um poema – assim como grande parte do projeto – sendo a letra um destaque perante toda a discografia da compositora. Aqui, ela obedece seus pensamentos intrusivos mais sombrios e exprime em alto e bom som tudo aquilo que sempre a assombrou durante seus quase 20 anos de carreira, em um fluxo de consciência de se ouvir boquiaberto. “Deve ser legal ser um homem e fazer música entediante só porque você pode” e “É engraçado como os homens não acham o poder muito sexy”, por exemplo, explicitam a acidez e a amargura dos dilemas de gênero que enfrentam a artista face a face sendo uma mulher bem-sucedida no mercado do entretenimento. Nesta faixa, Florence reconhece que a grandeza é uma barganha, e assume que é “feminina demais para operar” de acordo com os termos a ela propostos.

Ao canalizar toda essa raiva feminina nas composições de Everybody Scream, a britânica executa um uso assertivo do recurso linguístico do zoomorfismo. Em linhas como “Não há ninguém mais monstruoso do que eu” (Witch Dance), “Criatura das profundezas, eu te assombro nos seus sonhos? / Meus tentáculos tão carinhosos enquanto acaricio sua bochecha” (Kraken) e “Um instinto animal recomeçando” (The Old Religion), a artista realiza uma mutação quando referencia a si mesma como uma fera indomada e insaciável, seja faminta pelo prazer das apresentações ou frustrada pelas regras injustas do jogo da indústria. Com um vocabulário visceral e, por vezes, anatômico, a compositora finalmente vomita para fora de si a besta enjaulada que, por anos, engoliu seco.

Sonoramente, o álbum tem uma camada mais fina que mostra o lado da monstruosidade ambígua que devora os relacionamentos de Florence Welch. Em Buckle (também co-escrita com Mitski) e Music by Men, a compositora lamenta a volatilidade que acompanha seus interesses românticos durante a turbulência da vida entre coxias e quartos de hotel. Ela culpa a si mesma por não sustentá-los, assumindo que “se apaixona por qualquer um que a diga que ela é bonita”. Entretanto, em Music by Men, a metade cheia do copo, ela sabe bem que a paixão da sua vida não está escondida no coração de alguém, mas no mesmo lugar que, vez após vez, foi sua casa. “Que não seja um holofote sozinho / Correndo de volta ao único amor que eu poderia controlar”.

Se para Florence + The Machine a Arte é uma profecia, em outra nuance de Everybody Scream a artista busca manifestar um futuro bonançoso e feliz com amor incondicional. Sympathy Magic, produzida por Danny L Harle (Caroline Polachek, Dua Lipa, Charli XCX), é um estrondo eufórico e épico que tem o gosto hínico de Dog Days Are Over unido às tendências eletrônicas do colaborador. Com percussões fortes, vocais dinâmicos da cantora, orquestra e coral, a faixa soa como a trilha sonora de um trailer de filme de ação com um dos melhores refrões do disco: “Eu não tento mais ser boa / Isso não me ajudou como disseram que ajudaria”. Analisando essa canção sob a perspectiva da narrativa do álbum, ela seria o estágio de cura que a compositora experimenta ao se entregar de uma vez por todas à realidade que, antes, a apavorava. Ela está pronta para mais uma batalha.

“Então venha, venha, eu aguento!

Me dê tudo o que você tem

O que mais? O que mais?” – Sympathy Magic, Florence + The Machine

A faixa And Love conclui com uma atmosfera serena e um arranjo de harpas angelicais, envolvendo ternamente as lições aprendidas por Florence sobre o amor na estrada irregular que guia as demais músicas. É a última súplica da artista antes de encarar seus próximos fantasmas. Aqui a autoconsciência da compositora é tão potente que, estando à beira dos 40 anos de idade, reconhece suas conquistas e erros ao longo da vida e se coloca à postos para o próximo passo com um coração totalmente renovado. “E o amor não era o que eu pensava / Mais como um animal rastejando profundamente para uma caverna / Do que uma heroína de um romance sendo levada embora / Mais como se render a algo”.

Everybody Scream marca um ponto chave na carreira de Florence Welch, em que suas percepções e motivações são batizadas nas sagradas águas do seu amor pela performance. Este álbum é um testamento de que a cantora e compositora não deixará a música tão cedo e que a adrenalina consumidora dos seus anos iniciais na música é o combustível inesgotável que a mantém intensa em cada palco que pisa. Ao som de epopeias cadenciadas e palavras afiadíssimas, Florence + The Machine se torna um poder definitivo da música alternativa, um monumento de legado indiscutível e um espelho para qualquer artista que almeja trilhar as rotas tortuosas da fama.

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Arthur Caires

O principal objetivo do marketing pode ser ao mesmo tempo o seu maior erro: as expectativas. Quando o público recebe algo diferente do que imaginava, a frustração se torna a primeira e mais duradoura impressão, exatamente o que ocorreu com The Life of a Showgirl, décimo segundo álbum de estúdio de Taylor Swift. Ao evocar 1989 (2014) e reputation (2017) como referências e complementar a campanha com ensaios fotográficos deslumbrantes, a artista criou a promessa de um retorno grandioso. Ao deixar Jack Antonoff e Aaron Dessner de lado, a reunião com Max Martin e Shellback apenas intensificou essa expectativa. Swift já provou que sabe juntar batidas intensas com letras inteligentes, o que torna ainda mais evidente a sensação de decepção diante da simplicidade e falta de senso do novo disco.

O início da campanha, marcado por contagens regressivas em seu site oficial e sucessivas variações de capas, revelou-se mais desanimador do que divertido. A estratégia deixou claro que o objetivo central de Swift era ultrapassar o recorde de vendas na primeira semana, que antes pertencia à Adele com 25 (2015). Desde a multiplicidade de versões até a enxurrada de entrevistas, o modus operandi indicava um foco quase exclusivamente comercial. O que não seria um problema se as músicas fossem à altura.

O resultado, no entanto, não deixa dúvidas sobre sua eficácia: The Life of a Showgirl estreou no topo da Billboard 200, com impressionantes 4 milhões de unidades equivalentes vendidas em apenas sete dias, sendo 3,4 milhões em vendas puras. Com esse desempenho, Swift conquistou seu 15º álbum número 1, superando Drake e JAY-Z, e se consolidando como a artista solo com mais estreias no topo da parada.

A criação de expectativa não se restringiu apenas à campanha do disco, mas se estendeu ao próprio trabalho. As quatro faixas iniciais constroem uma falsa sensação de segurança, sugerindo um projeto mais coeso e ambicioso do que o que realmente se concretiza. A escolha de The Fate of Ophelia como primeiro single foi acertada: o pop melódico, que rapidamente foi transformado em tendência no TikTok, reimagina a trágica personagem de Hamlet, trazendo uma combinação de narrativa literária e apelo contemporâneo que conecta o público à temática showgirl.

Na sequência, Elizabeth Taylor se encaixa perfeitamente na narrativa, com versos como: “Você só é tão relevante quanto o seu último sucesso”, sintetizando o tema central de uma performer: a pressão constante sobre mulheres na indústria para entregar seu próximo grande sucesso. Opalite, apontada como possível segundo single, demonstra que Swift ainda sabe criar músicas alegres e cativantes, com batidas envolventes dignas de um hit de verão. Já Father Figure se destaca por interpolar a clássica faixa de George Michael e abordar as dinâmicas de poder e exploração dentro da indústria musical, levantando especulações de que a composição reflete experiências pessoais de Swift com executivos como Scott Borchetta.

O deslize começa com Eldest Daughter, surpreendentemente posicionada como a track five. Embora a ponte seja um ponto alto, o verso “I’m not a bad bitch and this isn’t savage” talvez figure entre os piores momentos líricos de sua discografia. Swift deu a entender que a simplicidade se deve à verborragia de seu antecessor, THE TORTURED POETS DEPARTMENT. Ainda assim, essa escolha não se sustenta como desculpa para a superficialidade. Midnights (2022), por exemplo, é a prova de que é possível equilibrar identificação e profundidade, criando composições inteligentes sem abrir mão de qualidade ou sensibilidade artística. A tentativa de tornar o projeto mais palatável ao grande público soa, portanto, como um retrocesso; especialmente para uma artista cuja força sempre residiu na complexidade emocional de suas narrativas.

Infelizmente, o desapontamento não para por aí. Swift parece ter ouvido o meme So Happy That My Travy Made It to The Big Game e decidiu fazer a sua própria (Taylor’s Version). Honey e Wi$h Li$t ilustram esse descompasso: são letras que beiram o constrangimento, soando como paródias geradas por inteligência artificial. Honey, em especial, parece ser um descarte de I Said I Love You First (2025) de Selena Gomez e Benny Blanco, tentando emular o trap de thank u, next (2019), de Ariana Grande.

Ainda assim, é importante ressaltar que felicidade nunca foi sinônimo de mediocridade no repertório de Swift. Lover (2019), apesar dos pesares, comprova que a cantora é perfeitamente capaz de criar canções leves e divertidas sem sacrificar coesão ou inventividade. O próprio The Life of a Showgirl guarda lampejos dessa habilidade: se esquecermos sobre quem e o que realmente se trata, Wood é uma faixa que brinca com ambiguidade e superstições, embalada por uma produção contagiante que remete a I Want You Back, do The Jackson 5.

A discrepância entre estética e som não seria um problema se o visual ao menos dialogasse com a proposta temática. The Life of a Showgirl foi promovido como uma imersão na vida de uma performer – uma personagem que vive sob os holofotes, mas permanece enigmática fora deles. No entanto, a própria Swift parece negar o convite que faz: na esquecível faixa-título, com participação de Sabrina Carpenter, ela canta: “Você não conhece a vida de uma showgirl / E nunca vai conhecer” – e, de fato, nunca saberemos.

A liberdade criativa, aqui, se torna um mau agouro: as canções soam apressadas, escritas no automático, sem a lapidação característica da artista. Produzido em ritmo descompassado, entre apresentações da The Eras Tour na Europa e viagens à Suécia para reencontrar Max Martin, o disco parece mais preocupado em existir do que em dizer algo. Em meio a um repertório que deveria explorar as contradições da fama e do espetáculo, encontramos uma canção sobre um romance de ensino médio que termina em suicídio – uma escolha tonalmente deslocada e narrativamente incoerente.

No meio desse turbilhão de informações pelo menos temos uma diss track divertida e que gera polêmica. Actually Romantic surge como uma suposta resposta ao desabafo de Charli XCX em Sympathy is a knife, de BRAT (2024). “Ouvi dizer que você me chama de ‘Barbie sem graça’ quando a cocaína te dá coragem / E ainda fez uma música dizendo que passa mal só de ver meu rosto”, canta Swift, em versos que dispensam sutilezas. Ao contrário do que dizem alguns moralistas seletivos, é ingênuo acreditar que a faixa se limita a um recado unicamente à música da britânica – que, sim, é a melhor entre as duas. Mesmo assim, Swift parece mirar em algo maior: o duplo padrão que rege o pop contemporâneo, no qual o deboche é celebrado como cool e a indiferença é subestimada. Se Charli XCX pode ser brat, por que Taylor Swift não pode responder à altura?

Quando tratamos da mensagem do álbum, não há como negar que, no contexto político e social dos Estados Unidos, lançar um trabalho deliberadamente apolítico é, por si só, uma escolha política – e, neste caso, uma escolha conservadora. Não se trata de acusar Taylor Swift de ser republicana ou alinhada à direita – ela já se provou contrária à esse posicionamento. Porém, trata-se de reconhecer que: o presidente dos EUA fala mal de você quase toda semana, sério que você prefere falar da ‘madeira’ do seu noivo e que você não liga pra Charli XCX? Evidentemente, não há nada de errado em querer falar sobre amor ou desafetos, mas o silêncio em torno do mundo ao redor soa, no mínimo, complacente. Em tempos tão polarizados, a ausência de posicionamento também comunica algo – principalmente quando parte de uma das figuras mais influentes do mundo.

O problema não é que Swift precise se tornar porta-voz de causas sociais ou comentar cada pauta do noticiário, e sim, a forma como o disco parece desconectado da realidade. Ao lançar faixas como CANCELLED!, em que diz gostar que seus amigos sejam ‘cancelados’, e ao se manter próxima de figuras associadas ao trumpismo – como Brittany Mahomes –, Swift acaba emitindo mensagens ambíguas que podem reforçar discursos com os quais ela não se alinha. Mesmo sem intenção, seu distanciamento das discussões acaba soando como indulgência.

Em uma entrevista recente, Swift afirmou que aprendeu a “não levar as críticas muito a sério” – um comentário que, à primeira vista, soa maduro, mas revela um certo privilégio. É fácil ser acima das críticas quando se está blindada por dinheiro e uma base de fãs imensa. Essa postura reflete uma velha manobra do feminismo liberal: performar empoderamento enquanto se foge de qualquer tipo de responsabilidade política. Em um cenário cultural cada vez mais conservador, essa escolha ideológica não é neutra; é, na verdade, o reflexo de um sistema que recompensa quem decide não se posicionar.

É inegável que Taylor Swift já entrou para a história da música. Seu impacto comercial e artístico é inquestionável, consolidando-a como uma das maiores cantoras de sua geração. Porém, quando se fala em lendas, também se fala de transformação, de legado cultural e social. Madonna, Michael Jackson e os Beatles ultrapassaram as barreiras do som: influenciaram comportamentos, modos de vestir, formas de pensar. Falar da epidemia de AIDS é falar de Madonna; de contracultura, dos Beatles; de igualdade racial, de Michael Jackson. Todos eles deixaram marcas que ecoaram além dos palcos. No caso de Swift, a pergunta que permanece é: qual é o impacto que fica quando tiramos os números da equação?

Não é que Swift nunca tenha se posicionado. Ela já defendeu os direitos dos artistas, criticou a exploração de plataformas como Apple Music, falou sobre a venda de seus masters e se manifestou politicamente nas eleições de 2020 e 2024, além de apoiar a causa LGBTQIAPN+. Mas, diante do alcance que conquistou, suas ações parecem tímidas diante do potencial transformador que carrega. Hoje, Swift tem liberdade e poder suficientes para lançar qualquer tipo de obra que será comercialmente um sucesso. Por isso, a neutralidade, especialmente vinda de alguém que molda a cultura pop contemporânea, também comunica uma mensagem, e talvez mais forte do que se imagina.

Entender essa opção exige também reconhecer o contexto em que ela está inserida. Vivemos um momento em que as pessoas são constantemente cobradas por posicionamentos e, ao mesmo tempo, ameaçadas por eles. Casos recentes como o assassinato de Charlie Kirk e a suspeita de um ataque terrorista em um de seus shows em 2024 mostram que se expor pode ter consequências graves. Mas isso apenas reforça o tamanho da influência que ela tem: Taylor Swift está em um patamar em que tudo o que faz, ou deixa de fazer, reverbera globalmente. Mais do que sucesso, ela tem poder. E a questão que permanece é a mesma: o que ela faz com ele? Se lendas se tornam lendas por transformarem o mundo além da arte, talvez o maior desafio de Swift seja decidir que tipo de transformação quer deixar como legado.

Em meio a um cenário tão polarizado, é difícil discutir Taylor Swift sem tocar em algo mais profundo – o modo como consumimos cultura hoje. Existe um fenômeno, que levaria meses de pesquisa: o efeito que ela exerce sobre as pessoas, tanto positiva quanto negativamente. De um lado, há os fãs que a veneram de forma parassocial, incapazes de aceitar qualquer crítica contrária; do outro, os detratores que distorcem fatos e sacrificam o próprio senso crítico apenas para atacá-la. Ambos os polos se retroalimentam, mantendo acesa uma disputa que ultrapassa o campo da música e invade o da identidade, da moral e até do pertencimento social. Nesse fogo cruzado, o debate racional se torna raro, e talvez seja justamente essa intensidade que explica parte do fascínio em torno dela.

Nesse sentido, The Life of a Showgirl é um reflexo. Um espelho que devolve à própria artista, à indústria e ao público o espetáculo que todos ajudamos a construir. Taylor Swift pode parecer acomodada em sua mitologia, porém seu trabalho ainda provoca. Talvez o maior mérito deste disco não esteja em inovar musicalmente, mas em nos obrigar a olhar para o que projetamos nela – nossas idealizações, frustrações e contradições. Gostando ou não, ela segue cumprindo um dos papéis mais legítimos da Arte: o de gerar desconforto, debate e reflexão.

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Marcela Jardim

Cinco anos atrás, em julho de 2020, Taylor Swift surpreendia o mundo ao lançar folklore, um disco inesperado em todos os sentidos. Lançado sem anúncio prévio, no auge do isolamento pandêmico, o álbum marcava uma guinada radical em sua estética musical e narrativa. Longe da grandiosidade colorida de Lover (2019) ou da pulsação icônica de Reputation (2017), folklore é cinza, úmido e contido. Um mergulho no íntimo. Em meio ao silêncio coletivo que marcava aquele momento da história, Swift parecia responder com um disco que não gritava, mas sussurrava. Que não seduzia com batidas, mas encantava com palavras, texturas e histórias fragmentadas. A obra é, antes de tudo, um disco de escuta – não para tocar no carro em movimento, e sim para ouvir como quem lê um diário escondido entre folhas velhas.

Ao lado de Aaron Dessner (The National) e Jack Antonoff, Swift trocou os refrões brilhantes por melodias etéreas e minimalistas. Os arranjos soam como se estivessem sendo tocados dentro de uma cabana de madeira, entre ecos e passos lentos. O piano é o protagonista discreto de muitas faixas, acompanhado por cordas delicadas e sintetizadores ambientes que criam um clima de suspensão. Em vez da intensidade emocional à flor da pele, folklore trabalha com a memória, com a ausência, com o que foi e não volta. A ausência de espetáculo visual e a estética cottagecore ajudaram a cimentar a imagem de um disco feito fora do tempo e das exigências da indústria. Entretanto, por trás dessa escolha está também um gesto artístico: Taylor Swift deixa de se colocar no centro e escolhe contar histórias – às vezes suas, às vezes de personagens imaginados, e muitas vezes uma mistura de ambos.

Esse impulso narrativo ganha forma exemplar no núcleo mais comentado do disco: o triângulo amoroso formado pelas faixas cardigan, august e betty. Nas três músicas, Swift constrói uma mesma história sob diferentes pontos de vista, como se pedisse ao ouvinte que montasse o quebra-cabeça com as peças que ela oferece. Em cardigan, temos a jovem Betty, traída e melancólica, lembrando como foi descartada e depois procurada de novo. A canção é um lamento doce, com um piano melódico que acompanha o ressentimento contido da personagem. 

Já em august, a narrativa muda: agora ouvimos a voz da garota com quem James – o elo do triângulo – viveu um caso de verão. Ela não é a vilã: é apenas alguém que acreditou em promessas não ditas, alguém que se entregou à ilusão com os pés descalços na areia. Por fim, betty apresenta o lado de James, em uma tentativa de desculpas juvenil, marcada por insegurança, culpa e nostalgia. É uma canção country-pop que parece resgatar a loirinha adolescente dos primeiros discos, mas com a maturidade narrativa de uma artista que agora compreende a complexidade emocional de todos os envolvidos.

Ao construir esse triângulo, Swift rompe com a lógica binária das relações afetivas – não há heróis ou vilões, apenas pessoas tentando lidar com as consequências de seus atos. Essa escolha revela um amadurecimento não apenas lírico, como também ético. A cantora, que antes narrava suas relações com clareza autobiográfica, agora opta por ficcionalizar, e, ao fazer isso, amplia o escopo de sua arte. Mais do que expor suas dores, ela oferece ao ouvinte a experiência de habitar outras subjetividades. É um gesto que exige escuta e empatia. folklore, portanto, não é apenas um disco sobre sentimentos, é sobre perspectivas, sobre a instabilidade das verdades afetivas e sobre a beleza de contar histórias que nunca podem ser totalmente lineares.

Da mesma forma, há duas faixas centrais de folklore que dialogam com as ideias de narrativa, ficcionalização e crítica social: mad woman e the last great american dynasty. Ambas revelam uma faceta sagaz de Taylor Swift: a da cronista que observa estruturas de poder, gênero e memória com ironia e precisão. Em mad woman, ela retoma um dos temas mais recorrentes de sua obra – a demonização da mulher raivosa –, porém aqui o faz com sutileza e veneno contido. A música é um sussurro ácido sobre a forma como a raiva feminina é sempre lida como loucura, enquanto a violência masculina é banalizada ou justificada. 

Já the last great american dynasty é, talvez, o experimento narrativo mais ousado do álbum. Inspirada na vida de Rebekah Harkness, antiga proprietária da mansão comprada por Swift em Rhode Island, a música transforma uma figura histórica marginalizada em personagem de uma pequena epopeia feminista. A canção narra os escândalos que marcaram a vida de Rebekah com um tom quase jornalístico até que, no fim, a intérprete vira a lente para si mesma e traça um paralelo entre elas. Ao se colocar como herdeira simbólica daquela mulher ‘difamada’, a compositora afirma a continuidade de um ciclo: mulheres que ousam viver fora das regras continuam sendo chamadas de ‘erradas’ e ‘problemáticas’. Essas duas canções, portanto, não apenas aprofundam o caráter literário de folklore, mas também o politizam.

Ainda assim, há espaço para autorreferência e introspecção, marcas que Taylor Swift nunca abandonou, mesmo em sua fase mais ficcional. Em mirrorball, ela se revela como uma artista frágil, refletindo as expectativas alheias como uma bola de espelhos que só existe enquanto gira. A metáfora é clara: Swift vive da performance constante, moldando-se ao olhar do público, ainda quando isso fere sua própria identidade. this is me trying amplia essa exposição emocional. Nela, a narradora – talvez um personagem, talvez ela mesma – confessa arrependimentos profundos, como quem carrega o peso de seu potencial desperdiçado. É uma canção sobre o esforço silencioso de continuar, na mesma forma quando tudo parece perdido, e sua atmosfera rarefeita transmite um cansaço emocional difícil de nomear.

Já my tears ricochet mergulha em um território ainda mais sombrio, frequentemente lido como um lamento direcionado à antiga gravadora da cantora, após a disputa pelos direitos de suas masters. Mas, Swift transforma esse conflito empresarial em um funeral simbólico, onde ressentimentos ganham forma poética. A música não trata apenas de rupturas profissionais, e sim de de traições profundas, da dor de ter sua história tomada e recontada por outros. Juntas, essas faixas formam um eixo mais íntimo dentro de folklore, um espaço onde a artista deixa que suas próprias falhas, mágoas e cicatrizes apareçam – mesmo que envoltas por sussurros e metáforas. São momentos em que a ficção recua, e a vulnerabilidade se impõe.

Entre as canções mais comoventes de folklore, epiphany se destaca por seu tom quase sacral e sua carga simbólica. A faixa é uma das mais atmosféricas e lentas do álbum, construída sobre camadas etéreas de sintetizadores e vocais distantes, como se estivesse sendo cantada de dentro de um sonho. Aqui, Taylor Swift costura duas narrativas: a do avô materno, Dean Swift, que lutou na Batalha de Guadalcanal na Segunda Guerra Mundial, e a dos profissionais de saúde que atuavam na linha de frente da pandemia de COVID-19. Segundo a própria artista, a canção foi escrita como uma homenagem àqueles que, em tempos de guerra ou de crise sanitária, encaram o sofrimento humano com coragem silenciosa, muitas vezes sem reconhecimento. 

Em versos como “Only twenty minutes to sleep / But you dream of some epiphany / Just one single glimpse of relief,” ela traduz o esgotamento físico e emocional de médicos e enfermeiros, capturando com delicadeza a solidão e a carga psíquica desses profissionais durante o colapso hospitalar de 2020. Ao fazer essa conexão entre gerações e formas de cuidado, Swift amplia o escopo temático do disco, mostrando que folklore também é uma crônica do tempo em que foi criado, e que mesmo nas canções mais etéreas, pulsa um comentário agudo sobre o mundo real.

Por outro lado, exile e illicit affairs, são dois dos momentos mais pungentes de folklore, explorando diferentes formas de distanciamento afetivo. Em exile, um dueto com Justin Vernon (Bon Iver), Swift constrói uma conversa entre dois ex-amantes que já não se entendem mais, como se falassem línguas diferentes. A troca de vozes, quase teatral, transforma a canção em um confronto resignado, em que mágoas antigas são ditas com frieza. Já illicit affairs é uma narrativa contida, delicada, sobre o desgaste de um romance clandestino, onde o amor dá lugar à vergonha e ao autoapagamento. A canção começa suave, quase cúmplice, entretanto culmina em um dos momentos mais intensos do álbum, quando Swift canta com amargura: “Don’t call me kid / Don’t call me baby.” Ambas as faixas falam de relações condenadas, cada uma à sua maneira – uma como fim inevitável, outra como ruína emocional.

Em novembro de 2020, Taylor Swift deu um passo além com a estreia de folklore: The Long Pond Studio Sessions no Disney+. Dirigido e produzido por ela, este documentário-concerto íntimo foi gravado no Long Pond Studio, no interior de Nova York. O projeto apresenta versões acústicas de todas as 17 faixas originais, intercaladas por conversas descontraídas entre Swift, Aaron Dessner e Jack Antonoff, seja à beira de lareira ou com whisky e vinho à mão, revelando detalhes inéditos do processo de composição e produção. Além disso, durante a gravação, a artista aproveitou o momento para escrever novas músicas fora das câmeras, que mais tarde seriam incluídas em evermore, seu álbum lançado logo em seguida.

Cinco anos depois, folklore segue como uma das obras mais reverberantes da discografia de Swift, não apenas pelo impacto imediato que teve, como o Grammy de Álbum do Ano, por exemplo, mas por sua permanência afetiva e estética. É um disco que envelhece como uma carta escrita à mão: quanto mais o tempo passa, mais ele parece dizer. Sua influência estética também foi profunda: abriu caminho para obras como evermore e inspirou outras artistas a adotarem uma postura mais narrativa, melancólica e silenciosa em meio ao ruído constante da era digital.

folklore é, enfim, um marco de reinvenção, não apenas como movimento estratégico de carreira. Ele representa uma inflexão emocional, uma pausa no ritmo, um retorno à escuta. Ao trocarem o palco iluminado por uma cabana de lembranças, Taylor Swift e seus personagens nos ensinaram que a ficção também pode ser uma forma de dizer a verdade. E que, muitas vezes, há mais honestidade em um sussurro bem contado do que em um grito confessional. É por isso que, meia década depois, ainda ouvimos o disco como quem entra devagar em uma casa antiga: sabendo que ali, no meio do silêncio e da madeira, há histórias que continuam pulsando.

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Arthur Caires

Existem momentos na história em que o mundo se une em torno de um único artista, celebrando seu pico de sucesso com admiração. São instantes marcantes, onde a Música transcende o mero entretenimento e se torna um fenômeno cultural que define gerações. A Beatlemania na década de 1960, o lançamento de Thriller por Michael Jackson em 1982 e a ascensão de Madonna como ‘Rainha do Pop’ na década de 1990 são apenas alguns exemplos dessa catarse coletiva. Em cada um desses casos, a obsessão pela estrela era palpável, dominando conversas, inspirando moda e comportamento, e consolidando seu lugar como ícone cultural inegável.

O mesmo aconteceu com Taylor Swift em 2023. Em Março daquele ano, a cantora iniciou uma das maiores turnês da história, a The Eras Tour. Celebrando todos os seus dez (agora, onze) álbuns, a sequência de shows já ultrapassou a marca de 1 bilhão de dólares de arrecadação, e está bem longe de acabar. Durante esse período, Swift ainda lançou duas regravações – Speak Now (Taylor’s Version) e 1989 (Taylor’s Version) –, quebrou recordes nos cinemas com o lançamento do registro ao vivo da turnê e foi nomeada como Pessoa do Ano pela revista Time. Já no começo de 2024, seguindo a onda de conquistas, a artista se tornou a primeira a ganhar quatro vezes o prêmio de Álbum do Ano no Grammy, sendo o último gramofone pertencente a Midnights.

É logo após esse turbilhão de acontecimentos que Taylor Swift lança seu 11º álbum de estúdio, THE TORTURED POETS DEPARTMENT. O disco vendeu mais de 2,5 milhões de cópias em sua primeira semana nos EUA e debutou com 313 milhões de reproduções no Spotify, sendo a maior estreia da carreira da cantora e da plataforma. Ao longo de suas 16 faixas – na versão standard –, a compositora fala sobre o término de seu relacionamento de seis anos com o ator britânico Joe Alwyn, a breve mas intensa reaproximação com o cantor Matty Healy, vocalista da banda The 1975, e a não muito bem-vinda opinião da mídia e de alguns fãs sobre sua vida pessoal.

A eficácia da caneta de Swift já não é assunto a ser discutido há um bom tempo, mas em THE TORTURED POETS DEPARTMENT, a artista consegue elevar sua escrita para um nível diferente. É possível observar uma extrema vulnerabilidade em forma de hipérboles e sentimentos fatalistas, porém, expressos nas mais rebuscadas palavras e analogias. “Eu mantenho esses anseios trancados/Em letras minúsculas dentro de um cofre” a intérprete canta em um dos destaques do disco, Guilty as Sin?. Ainda assim, apesar de possuir algumas letras mais simples e literais – e alguns deslizes envolvendo Charlie Puth –, a obra, como um todo, se caracteriza por uma complexidade que exige múltiplas audições para ser desvendada e plenamente digerida em suas diversas camadas.

Na sonoridade, há uma mescla balanceada entre os três gêneros predominantes da discografia de Taylor Swift: synthpop, country e folk. Mais uma vez, ela se junta a seus parceiros de longa data, Jack Antonoff e Aaron Dessner, para dar vida à sua visão musical. Nesse momento, a presença dos produtores foi crucial para a artista, especialmente ao explorar temas íntimos e confessionais, em que a confiança é um elemento essencial no processo criativo. No entanto, essa familiaridade também traz consigo um certo déjà vu. A produção apresenta diversas semelhanças com trabalhos anteriores da cantora, o que leva o ouvinte a desejar por algo novo e inovador. 

Fortnight, primeiro single do projeto e com participação de Post Malone, assume seu papel de introdução ao álbum de forma satisfatória, mas deixa a desejar em termos de energia. A letra, repleta de metáforas, resume os acontecimentos envolvendo ‘certos homens britânicos’ na vida da artista. A produção, no entanto, peca pela monotonia, não apresentando elementos que prendam a atenção do ouvinte e despertem a sensação de um grande sucesso, como Anti-Hero ou Blank Space. Mesmo assim, a melodia do refrão consegue grudar na cabeça depois de alguns replays.

Os easter eggs e a promoção midiática do ‘TTPD’ levaram o público a acreditar que esse seria um álbum dissecando o fim do relacionamento de seis anos da cantora com Joe Alwyn. Referências a canções passadas, teoria dos estágios do luto e um grupo de Whatsapp conhecido fizeram a cabeça de vários fãs. Porém tudo isso foi por água abaixo na morna faixa-título com a menção ao “golden retriever tatuado”. O cantor Matty Healy permeia a vida de Swift desde 2014, mas ganha destaque maior nesse disco após chamas terem sido reacendidas logo depois do término da artista.

Ainda assim, em So Long, London, quinta faixa do álbum – tradicionalmente, a mais pessoal e sentimental –, Taylor Swift oferece uma homenagem empática ao seu ex, Joe Alwyn. A canção revela o conflito central: o desejo da cantora de se casar, contrastando com a hesitação do parceiro. No segundo verso, a artista canta “Parei a RCP [ressuscitação cardiopulmonar], afinal não adianta”, uma referência à música You’re Losing Me de seu álbum anterior, Midnights (2022), onde ela afirma “Eu não consigo sentir uma pulsação/Meu coração não bate mais”. Através dessa metáfora, a intérprete demonstra a frustração de tentar salvar um relacionamento já condenado. Apesar de seus ressentimentos, a faixa termina em um tom de aceitação e uma mensagem esperançosa: “Você achará alguém“.

O álbum dos poetas torturados vai além da negação e da depressão, explorando também o segundo estágio do luto: a raiva. Em But Daddy I Love Him, Swift dirige um sermão de mãe aos fãs que se sentem no direito de controlar suas escolhas. No pós-refrão, a cantora explode: “Eu prefiro queimar toda a minha vida/Do que ouvir mais um segundo de toda essa baboseira e reclamação“. Esse sentimento tem como raiz a repercussão do relacionamento da artista com um certo cantor problemático, porém se estende a outros tópicos que envolvem sua fervorosa base de admiradores, os swifties.

Além de conversar com seus fãs, Taylor Swift também fala diretamente com a mídia – e com quem ‘não vai muito com a sua cara’. Desde o começo de sua carreira, a artista é colocada em uma caixa de compositora que só fala sobre ex-namorados e que não tem sua Arte levada a sério, ao mesmo tempo em que sua vida pessoal é analisada minuciosamente e cada um de seus passos é rastreado. Então, quando canta “Você não duraria uma hora no hospício onde me criaram” em Who’s Afraid of Little Old Me, é possível sentir a exasperação de alguém que não se importa mais com a opinião pública ou, pelo menos, não tanto quanto antes.

Independentemente, é necessário reconhecer que Swift se beneficia de diversos privilégios e não é isenta de críticas. A silenciosa forma como a cantora lidou com o caso de Ana Benevides, ao passar pelo Brasil com a The Eras Tour, é um exemplo de como ela escolhe lidar minimamente com certas pautas, enquanto, com outras, age de forma mais presente. Além disso, a constante capitalização de sua Arte se torna cada vez mais difícil de diferenciar o produto e a Música. Artigos em sua loja, versões exclusivas de seus álbuns, variações de vinis, entre outros, podem ser interessantes para os fãs, mas acabam se tornando uma quantidade sufocante de conteúdo. Por estar em, praticamente, todos os lugares, a saturação de sua imagem pode se tornar algo negativo.

Há muito tempo, os swifties tentam convencer todos ao seu redor do quanto Taylor Swift é talentosa, defendendo-a de qualquer opinião desfavorável. Na promoção do álbum, a repercussão às críticas negativas e a controversa republicação de matérias positivas pela artista em suas redes sociais fizeram com que uma parcela dos fãs sentisse a necessidade de refutar, cegamente, qualquer ponto de vista contrário. Porém, nada disso é necessário. Bem ou mal, é prazeroso falar sobre a vida e obra da cantora. Como John Green disse em publicação nas redes sociais: “Eu amo as músicas e letras de Taylor Swift. Você não precisa gostar. Mas eu posso”.

Clara Bow, a última faixa do disco, é uma síntese do que se passa na cabeça da cantora mais famosa do momento. O nome que dá título à canção se trata da estrela de Cinema que lutava com problemas de saúde mental devido ao estresse causado por sua fama, sendo considerada a primeira ‘it girl’. Ao longo da música, Swift também homenageia Stevie Nicks e reflete sobre como “é um inferno na terra ser celestial”, forçada a ser um modelo de perfeição para todos que a admiram. Por isso, é compreensível quando na divertida e depressiva I Can Do It With a Broken Heart a artista desafia a audiência: “Venha e tente fazer o meu trabalho”.

Não contente em lançar um álbum, Taylor Swift resolveu lançar outro, na mesma madrugada. THE TORTURED POETS DEPARTMENT: THE ANTHOLOGY foi lançado de surpresa duas horas após a versão inicial, contendo 15 faixas adicionais, totalizando 31 músicas – 13 ao contrário, porque nada é uma coincidência. Desde o anúncio do disco, feito no palco da 66ª edição do Grammy ao ganhar a categoria de Melhor Álbum Vocal de Pop com Midnights, a cantora vinha fazendo sinal de dois com as mãos e colocando easter eggs, remetendo ao gesto na promoção do registro. A teoria de um álbum duplo percorre as conversas da sua base de fãs há muito tempo, e finalmente aconteceu.

Sempre foi uma tradição de Swift lançar versões deluxe de seus álbuns. Mas, após o projeto das regravações com as faixas From The Vault, as músicas ‘descartadas’ começaram a ser disponibilizadas em tempo real. No seu trabalho anterior, Midnights, a intérprete de Anti-Hero já havia feito isso, lançando a 3am Edition com sete novas canções. Dessa vez, ela dobra ainda mais a aposta. Enquanto na primeira versão de ‘TTPD’, Taylor Swift foca em detalhar cada um dos últimos acontecimentos de sua vida, o outro lado do disco explora os pensamentos mais intrusivos da compositora, como espiar a janela dos outros. O protagonismo na produção dessa parte fica com Aaron Dessner, remetendo à atmosfera criada nos álbuns folklore (2020) e evermore (2020). 

The Black Dog, a primeira faixa do THE ANTHOLOGY, é o principal destaque, sendo a favorita na categoria ‘músicas que deveriam estar no álbum principal’. O jeito mesquinho que a cantora diz “E eu espero que esteja uma merda no The Black Dog”, convém uma emoção irracional que todos já sentimos, de desejar algo ruim para alguém que nos machucou. Por outro lado, em thanK you aIMee, Swift não perdoa nem esquece, mas agradece. Relembrando os tempos que dava pistas em letras maiúsculas em seus álbuns, a faixa é uma indireta direta à Kim Kardashian, que foi uma das principais responsáveis pelo intenso cancelamento que a artista sofreu em 2016. Na canção, deliciosamente carregada de influências country, a compositora ainda ressente tudo que aconteceu, no entanto reconhece que sem aquele momento, não estaria onde está hoje.

Descobrimos também que a garota de Love Story continua viva dentro de Taylor Swift com The Prophecy. O desejo de encontrar sua alma gêmea persiste, o que explica porque, em certas composições, os temas adolescentes ainda são explorados. Como a mesma disse em But Daddy I Love Him: “Crescer precocemente às vezes significa não crescer de forma alguma”. Essa jovialidade é recorrente em So High School, que junto de The Alchemy, da versão original, são as canções destinadas à Travis Kelce, o novo parceiro de Swift. Com várias referências ao início da década de 2000, a mais nova torcedora do Kansas City Chiefs e vencedora honorária da 53ª edição do Super Bowl declara sua paixão da mesma forma que uma jovem de dezesseis anos.

Qual o propósito de THE TORTURED POETS DEPARTMENT: THE ANTHOLOGY? Por um lado, 31 músicas é um grande presente para os fãs e mostra o quanto Swift está disposta a sempre recompensar seus maiores admiradores. Ao mesmo tempo, pode ser visto como uma forma de obsessão por números e de alimentar a roda da criação de conteúdo nos tempos do TikTok. Ambos são verdade. A artista já se mostrou, muitas vezes, se importar com charts, vendas e premiações. Os meios podem ser questionáveis, todavia os fins são claros. Vale de cada pessoa discordar e não consumir sua música ou concordar em não se importar e aproveitar o material. Esse não é só um argumento dos swifties, mas de quem entende o impacto da música da ‘loirinha’, como o ex-CEO da empresa norte-americana Ticketmaster, Nathan Hubbard, ao dizer no podcast Every Single Album que: “Este álbum é importante. Faz parte de sua narrativa. Mas não precisa ser o seu favorito ou de qualquer outra pessoa. Deixe-a criar exatamente de onde ela está.”

Para o futuro, quando se trata de Taylor Swift, muita coisa é esperada. No momento, a artista encaminha para a finalização da The Eras Tour na América do Norte, incluindo o novo ato do THE TORTURED POETS DEPARTMENT. Quanto às regravações, reputation (Taylor’s Version) já passou da hora de aparecer, junto do auto-intitulado debut. Ainda é muito cedo para se dizer qual será o caminho para o próximo disco de inéditas, entretanto seria interessante que a banda dos poetas torturados seja separada para que Swift explore uma nova sonoridade e inicie uma nova fase em sua carreira.

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Laís David

Enquanto a população ainda estava se ajustando aos dias melancólicos de quarentena, Taylor Swift lançou folklore, seu oitavo álbum de estúdio. A atmosfera da obra capturou essencialmente o escapismo e o conforto necessário no momento da pandemia. Oscilando entre colaborações inéditas e participações de velhos amigos, ela agradou a crítica especializada e garantiu a vaga (já recorrente) na categoria de Álbum do Ano no Grammy 2021. Mas, para a Swift, isso não foi o suficiente. Assim, nasceu evermore.

Não é novidade para ouvintes mais assíduos que Taylor Swift sempre tentou ter controle de sua carreira. Entre álbuns, videoclipes e turnês, a cantora traçou seus caminhos meticulosamente, se preocupando com cada detalhe mercadológico relacionado a seu nome. Mas com evermore foi diferente.  A criatividade de Swift não foi prejudicada por planejamentos extensos ou questões comerciais relacionadas a seu álbum anterior, lançado apenas 5 meses antes do atual. “Nós não conseguimos parar de escrever músicas”, afirmou a cantora no anúncio oficial do álbum.

Ao invés do comum distanciamento entre suas eras, muito visível entre o colorido Lover e o noturno reputation, evermore é a irmã mais nova e talvez mais polida de folklore. A paleta minimalista de instrumentos combinada com letras enigmáticas e cativantes é uma extensão das histórias contadas na obra anterior: longe de ser um álbum de letras autobiográficas, é um universo mitológico de diversos personagens, histórias e narrativas.

Anteriormente, em sua discografia, Taylor Swift apostou em diversos colaboradores para a entrega de trabalho multiforme. Ryan Tedder, Max Martin e Shellback eram nomes comuns nos créditos da artista em seus álbuns pop. Em quarentena, a cantora restringiu sua lista de produtores para seu amigo de longa data, Jack Antonoff, e Aaron Dessner, produtor musical e guitarrista da banda The National. O conforto de um amigo do passado e a visão de um veterano da indústria foram a fórmula necessária para a reinvenção de Swift.

O single que abre o álbum é a imersiva willow. Percorrendo por declarações românticas e devocionais, Taylor desfruta de diversas figuras de linguagem para descrever como é se apaixonar por alguém: “A vida era um salgueiro/e ela se dobrou diretamente a seus ventos”. O extenso vocabulário utilizado na obra e as diversas metáforas criadas por Swift quase transformam a experiência do ouvinte em análises sintáticas e incessantes consultas no dicionário. 

Em evermore, a participação de Jack Antonoff foi reduzida, mas gloriosa: gold rush, única faixa produzida pelo mesmo, é uma imersão profunda em ritmos cintilantes – poderia muito bem se encaixar em álbuns anteriores de Swift. É a música mais pop do disco: em devaneios, o eu-lírico se perde em sua paixão por uma pessoa de muitos pretendentes. A presença de Jack faz falta na obra, já que suas produções anteriores são favoritas entre fãs, como Getaway Car, Cruel Summer e August. 

O som também próximo do pop se encontra em long story short, que facilmente se encaixaria na tracklist nada coesa de Red, quarto álbum de Swift. Depois de quase quatro anos do problemático verão de 2016, onde escândalos e desavenças afastaram Swift dos holofotes, a cantora parece exausta de escrever sobre o assunto. Aqui, ela trata esse período de forma quase cômica: “Para encurtar a história, foi um momento ruim/Para encurtar a história, eu sobrevivi”. O som reverdece o tom certamente melancólico do álbum.

A produção de Dessner destaca a narrativa de Swift, que muita das vezes ficou escondida por baixo de superproduções no passado. evermore é o clímax das habilidades narrativas de Taylor, seja em relatar um relacionamento decadente na emocionante tolerate it, ou narrar um pedido de casamento fracassado na balada champagne problems. A química entre os dois colaboradores é incontestável. 

A origem country de Swift também é retomada em cheio no álbum. no body no crime, que conta com a participação da banda Haim, é um country-folk de letra quase cinematográfica. A música conta a história de Este, que desaparece após confrontar o marido sobre a infidelidade na relação em um refrão repetitivo: “Eu acho que ele fez isso, mas eu simplesmente não posso provar/Não, sem corpo, sem crime”. O som anima, mas decepciona ao contar com pouca participação das irmãs Haim, que ficam apenas com os vocais de fundo.

Existem temáticas assíduas na escrita de Swift: uma delas é a infidelidade. Em ivy, ela narra a paixão entre uma mulher comprometida e seu amante:  “Minha dor cabe na palma da sua mão gelada/Que segurando a minha, mas foi prometida a outro”. A perspectiva de Taylor sobre infidelidade evoluiu drasticamente desde a infame Better Than Revenge, do álbum Speak Now. Aqui, ela deixa o maniqueísmo de lado para trazer uma visão mais madura sobre uma paixão proibida.

Talvez o momento mais emocionante da obra se encontra na penúltima faixa. marjorie é um tributo a Marjorie Finlay, avó materna da cantora, que faleceu quando Taylor ainda era adolescente. Uma das únicas canções autobiográficas do disco, a música traz ao ouvinte uma experiência catártica de luto e memória, como ela canta sob o piano emocionante de Dessner: “O que morreu não continua morto/Você está viva, viva, em minha mente/Se eu não tivesse noção/Acharia que você está por aqui”.  Assim como a neta, Marjorie também trabalhou na indústria musical, cantando em grandes óperas em Porto Rico. 

A única que conta com a participação de outro produtor além de Jack Antonoff e Aaron Dessner é closure: BJ Burton também participa da faixa. Ele produziu metade do álbum experimental de Charli XCX, how i’m feeling now, som bem diferente do que Taylor costuma fazer. No entanto, a única coisa que difere a música do restante do álbum são as percussões eletrônicas que entoam sob um piano relaxante: ‘’Sim, eu recebi sua carta/sim, estou melhor/Eu sei que acabou/Não preciso do seu encerramento’’. As percussões estranham o ouvinte de primeira, mas é uma grower em potencial.

Para encerrar a obra, Taylor se une novamente com Bon Iver para a title track evermore. “Eu tive uma sensação tão peculiar/Que esta dor não seria para sempre”. É o desfecho de um álbum que representa altos e baixos, infidelidade e lealdade, perdas e vitórias – a constante epifania em perceber que nada dura para sempre, nem mesmo a dor.

É em evermore que se é lembrado o porquê de Taylor Swift estar entre os maiores nomes da indústria fonográfica: sua força motora é sua potente habilidade narrativa. Na era do streaming, onde artistas procuram o método mais fácil de viralizar e entregam trabalhos curtos e mal construídos, é raro ver álbuns como esse liderando os charts. Por isso, evermore é mais que apenas um álbum. É uma experiência honesta de introspecção e refúgio.

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Raquel Dutra

Visuais rústicos e paisagens bucólicas fotografadas em preto e branco mas que ocasionalmente revelam verdes úmidos e marrons aconchegantes. Foi com essa serenidade que Taylor Swift surgiu nas redes sociais no dia 24 de julho para anunciar seu novo álbum, folklore, apenas 24 horas antes de seu lançamento. 

Para um conhecedor dos trabalhos da artista, essas características podem soar levemente familiares, assim como as batidas pop que surgem timidamente na primeira faixa do disco. Mas no primeiro verso da música em questão, the 1, Taylor afirma que está “tentando algumas coisas novas” e aos poucos vai demonstrando que, em seu novo álbum, nada é 100% novo, nem 100% reciclado. Por isso, não é algo que soa totalmente desconhecido e, curiosamente, também não é mais do mesmo. Na verdade, ele está em algum lugar no meio dessas duas características e, ao mesmo tempo e de alguma forma, também está longe de ambas.

Assim, uma coisa já é clara: o novo álbum de Taylor Swift é instigante. Ele não se entrega à dualidades superficiais e nem atende às expectativas de ser necessariamente “isso ou aquilo”. A dinâmica aqui é outra: fruto de uma profunda liberdade criativa, é brincando com esses limites e misturando essas noções que a artista desenvolve a forma e o conteúdo do disco. Seguindo com firmeza suas próprias determinações, ela viaja por um caminho sinuoso cercado por histórias, memórias,  referências e melodias para cumprir com maestria seus objetivos. Isto é, registrar sua identidade, sua cultura, e assim, construir seu próprio ‘folklore’.

Aqui, Taylor não se preocupa em se definir dentro de um único estilo nem tenta se encaixar em alguma caixinha. Mais uma vez, ela faz justamente o contrário e navega entre diversos gêneros e referências de outros artistas. De início, um caminho como esse pode parecer arriscado, propício para a artista se perder e não estabelecer uma identidade coerente. Mas se tem uma coisa que uma das maiores artistas da indústria não faz em seu oitavo álbum de estúdio é cometer erros de principiante.

Além de olhar para fora para identificar possíveis caminhos e referenciar outros trabalhos, ela também mergulha profundamente em si mesma. Assim, Taylor não procura identidade e originalidade em ambientes externos, mas as constrói a partir do que tem essencialmente dentro de si. E consciente do caminho que escolheu, inteligentemente também opta por não inventar demais fora da sua zona de conforto e aproveitar ao máximo seus pontos fortes.

A mistura, que ainda contou com a majestosa participação de Aaron Dessner (The National e Big Red Machine) nas composições e produções de quase todas as músicas, resultou numa combinação única: um álbum que não é tão fechado no folk/country quanto imaginamos que seria quando foi anunciado; nem que permanece abrigando sua essência no pop, como podemos pensar ao ler o nome de Jack Antonoff nos créditos de algumas faixas ou ao ouvir a primeira música. E ainda bem, porque partir disso, com suavidade e consistência, Swift nos convida a ir além com folklore. Além até mesmo do que a própria fez e nos apresentou em seus últimos trabalhos, nas super definidas e contrastantes personas de Lover (2019) e reputation (2017).

Neste cenário, Taylor estabelece um porto seguro infalível: suas letras. Conhecedora da habilidade que tem nas mãos, ela sempre nos presenteou com composições extraordinárias. Mas aqui, ela explora ainda mais sua escrita e volta no tempo para relembrar junto de nós detalhes da sua infância, como faz na melodiosa seven, e conta histórias em 3ª pessoa, como faz na inteligente e divertida the last great american dynasty. Ela também cria universos e dá vida à personagens, às vezes até  inter-relacionando as histórias, como é feito em august, betty e no primeiro single do álbum, cardigan.

Apresentando a história de um triângulo amoroso adolescente – parte de sua matéria-prima de sempre -, estas três últimas faixas são exemplos do que a artista faz quando alguma canção ameaça cair na mesmice. Além de explorar as perspectivas individuais dos seus personagens, ela também muda um pouco seu estilo de escrita. É assim que a compositora escreve os versos soltos e ousados de cardigan, canção que também poderia facilmente ter nascido das mãos de Lana Del Rey. 

Outra saída que Taylor encontra junto de seus produtores é incrementar nos outros elementos que constituem as canções, principalmente os instrumentais. Com suavidade, pianos, violinos, violas, gaitas, guitarras e arranjos vocais trabalhados abraçam as músicas, graciosamente dando o rumo exato que elas precisavam. E além de agregar mais riqueza ao álbum, é através desse suporte instrumental que a artista também consegue explorar suas raízes country, dosando o que conhece do gênero em faixas como betty. Arranjos eletrônicos e modulações de voz – costumeiramente fundamentais no pop de Swift – são ainda mais delicados e pontuais, como ouvimos em august. Assim, o precioso e aconchegante caráter acústico de folklore é preservado.

As narrativas são construídas por viagens que Swift faz pelo tempo, sem linearidades e dominadas pelo gosto agridoce da nostalgia. Mas ocasionalmente, mesmo ainda relembrando o passado, nos refrescamos – ainda emocionados – voltando ao presente. É o que acontece em faixas como a impecável exile, resultado da colaboração de Swift com a banda Bon Iver.

A letra é de Taylor e Justin Vernon, vocalista da banda com quem a cantora também divide o protagonismo dos vocais, e apresenta uma epifania desencadeada no momento em que o eu lírico olha para um antigo amor. Embebida em melodias de um piano pesado e contracantos atmosféricos, a canção soa como uma irmã mais dramática e robusta do delicioso hino folk de 2006, Falling Slowly. 

E falando das referências e letras de folklore, a ultra-metafórica my tears ricochet é a que mais intriga e chama a nossa atenção. Numa interpretação literal, a faixa compara o término de um namoro a um enterro numa intensidade à la Melodrama de Lorde, e pode ser difícil de engolir, soando exagerada demais até mesmo para os amores de Taylor Swift. Aí, explicações e teorias surgem: possivelmente, a partir de uma analogia, a faixa trata sobre o que a artista viveu nos últimos anos com sua ex-gravadora, relacionando-se também com outras canções. 

Se algumas intenções de folklore ficam subentendidas, outras Taylor entrega de primeira, e como ela alertou no encarte do álbum – e exatamente como um folclore deve ser -, nem tudo seria especulação e história ficcional. Ela continua cantando sobre seus processos internos, que dessa vez parecem se abrigar na séria e imponente mad woman, e abordar de forma mais explícita a situação delicada que viveu com sua ex-gravadora.

Com a voz pesada, Taylor relata: “Estou dando meu tempo, dando meu tempo/Porque você tirou tudo de mim/Vendo você ascender, vendo você ascender/Sobre pessoas como eu”. Sem rodeios, dá o recado: “Eles dizem: siga em frente, mas você sabe que eu não vou” e se permite verbalizar com gosto um “Vai se foder, para sempre”.

Nesta mesma faixa, Swift também encontra espaço para retratar situações e criticar esteriótipos sexistas recorrentes na sua/nossa existência enquanto mulher – que, fazendo um recorte, recaem com ainda mais peso sobre as mulheres negras. Afinal, quem de nós nunca ouviu algo parecido com “Ninguém gosta de uma mulher louca/Que pena que ela enlouqueceu” ao se impor com um pouco mais de veemência? E diante disso, numa tentativa de legitimar seus próprios sentimentos e defender a racionalidade de suas reações, respondeu, às vezes mentalmente, com um “Você fez ela ficar assim”?

Os temas que Taylor aborda e a forma como ela aborda são o que fazem folklore ser tudo o que é. Eles pedem profundidade, e Swift se dispõe construí-la, criando mais um aspecto fantástico no disco: a verossimilhança, que se manifesta especialmente nos retratos sinceros que faz das muitas reações e comportamentos que podemos apresentar diante do amor.

Em canções íntimas, que nos aproximam e abraçam nossas vulnerabilidades, complexidades e contradições, nos identificamos. Seja com a persona um pouco insegura quando apaixonada que é apresentada na charmosa mirrorball, com a saudosista e romântica que canta invisible string, ou ainda com a personagem racional, autoconsciente mas ainda disposta a vivenciar a completude do amor que é retratada em peace.

Você pode se enxergar também no eu lírico da envolvente this is me trying, que busca perdão e recuperação. Ou na melindrosa, nervosa e arrependida illicit affairs. Ou na personagem intensa mesmo conformada que canta junto ao piano de hoax. Ou com mais de uma ao mesmo tempo. Ou até mesmo com todas elas.

Isso porque não há superficialidades preguiçosas nos amores do folklore de Taylor Swift. Com um realismo suave e gentil, eles nos lembram que mesmo as relações mais maduras ainda são complexas, acompanhadas de arrependimentos, desencontros, tentativas e decepções. As mais saudáveis também são permeadas por (quebra de) expectativas, perdões, esperanças e, às vezes, até mesmo pontos finais – exatamente como é na vida real.

Tamanha identidade e profundidade que folklore apresenta é resultado de uma alquimia. Entre as 16 faixas, encontramos um pouco de cada aspecto da experiência que a artista adquiriu nos últimos anos: o amadurecimento ainda apaixonado de Lover, pinceladas da ousadia de reputation, composições e produções tão boas quanto as de 1989, e uma sonoridade que refina o que existe de melhor em RED. E à isso se deve a sensação curiosa de familiaridade que o álbum traz, mesmo em meio a novas posturas, intenções, territórios e aspectos que a artista nos apresenta.

É por essas construções também que nos envolvemos e nos emocionamos, ainda que às vezes não tenhamos vivenciado pessoalmente aquilo que está sendo retratado na canção. Também identificamos sentimentos, que sequer repararíamos que tínhamos ou que não saberíamos descrever. Mas Taylor sabe, e aponta gentilmente.

Ainda brincando com opostos, é mais ou menos assim a experiência com o folklore de Taylor Swift: mesmo com o frio na barriga vindo da imprevisibilidade do crescimento, do autoconhecimento, da descoberta de um novo lugar, novas pessoas e novos sentimentos, sentimos uma ponta acolhedora de paz e conforto. Sabemos que estamos acompanhados por alguém que reconhece nossas complexidades e, talvez o mais importante: nos sentimos em casa.

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