Ana Beatriz Zamai

Lançada em Novembro de 2016, The Crown, série original da Netflix, chegou ao fim depois de seis temporadas mostrando a vida por trás dos portões do Palácio de Buckingham. Criada por Peter Morgan, que já produziu outros trabalhos sobre a monarquia inglesa, o drama focado na Rainha Elizabeth II retrata os acontecimentos desde 1940, quando, para o bem ou para o mal, Elizabeth Alexandra Mary se tornou rainha após a súbita morte de seu pai. Desde então, o seriado passou pelo casamento da então princesa com o príncipe Philip, a vida conturbada de sua irmã Margareth, o nascimento e crescimento de seus filhos e netos, as preocupações com os primeiros ministros, e, no final, a polêmica morte da princesa Diana. 

Diferentemente do que fez nas outras temporadas, a Netflix dividiu o lançamento em duas partes: a primeira, com quatro episódios focados nos acontecimentos de antes, durante e depois da morte de Lady Di, foi lançada em Novembro de 2023. Já a segunda parte, com seis episódios, mostra o fechamento do arco de alguns personagens da família real – inclusive o da própria Rainha – até o início da década 2000, e estreou em Dezembro de 2023.  

Usando uma técnica já utilizada anteriormente durante a produção, a temporada começou com uma visão telespectadora da morte da princesa Diana. Um homem parisiense desconhecido pelo público, passeia com seu cachorro e vê a forte batida de carro que aconteceu no dia 31 de Agosto de 1997, no Túnel da Praça de l’Alma, em Paris. Porém, há um flashback e, ao longo dos próximos episódios, assistimos à pré-morte de Lady Di (Elizabeth Debicki). 

Com uma performance brilhante que lhe rendeu um Globo de Ouro de Melhor Atriz Coadjuvante e um Critics Choice Awards na mesma categoria, Elizabeth Debicki incorporou cada detalhe da princesa. Seja na caracterização, quase sempre fidedigna, ou na personalidade, a atriz australiana conseguiu mostrar os trejeitos que Diana demonstrava ao público: o jeito tímido de falar, o costume de abaixar a cabeça, o olhar como de uma criança querendo algo, além da forma de movimentar as pernas e braços específicos de Lady Di. 

Apesar da boa atuação de Debicki, o roteiro de Peter Morgan deixou a desejar em algumas cenas da atriz. Utilizando ações e diálogos desnecessários, é como se a produção quisesse se aproveitar da paixão do público pela ‘Princesa do Povo’ para explorar seu uso sempre que possível, tornando a personagem protagonista de uma história que não deveria ser focada apenas nela. Esse fator fica visível na relação com Dodi Al-Fayed (Khalid Abdalla), quando mostra acontecimentos que, por mais parecidos que sejam com a realidade, ocuparam tempo de tela que poderia ser utilizado em outros arcos. 

Além desse desperdício, outro erro da temporada foi colocar Mohamed Al-Fayed (Salim Daw) ou Moumou, forma que Diana o chamava, como o vilão da história trágica da princesa, mesmo que sutilmente. A intenção do personagem, conforme mostrado na série, era fazer Lady Di se apaixonar por Dodi, para que, futuramente, se casassem e ele finalmente conseguisse a tão sonhada cidadania inglesa, negada pelo governo anteriormente. 

Porém, apesar de Annie Sulzberger, chefe de pesquisa da série, ter dito que as diferenças entre o real e o ficcional seriam intencionais e feitas para se desviar da história, essa mudança pode ter prejudicado a imagem do seriado, que, nas temporadas anteriores, mostrava os fatos históricos junto com momentos ficcionais, mas não afetava a imagem de nenhum personagem. Esta, no entanto, vilaniza os Al-Fayed, colocando-lhes a culpa por algo nunca provado e, com a morte recente de Mohamed, sem possibilidade de defesa. 

No episódio Two Photographs, essa falha aconteceu novamente quando, agora, como um casal, Diana e Dodi foram flagrados aos beijos em um iate em Sardenha pelo fotógrafo Mario Brenna. Registros esses que, supostamente, Al-Fayed teria ajudado a acontecerem, ao divulgar o local onde o casal estava e pagar para o paparazzi tirar. Entretanto, em entrevista, Brenna disse que estava na cidade por outros famosos e que encontrar o casal foi um “grande golpe de sorte”.

Ainda neste episódio, a Fotografia, assinada pelo brasileiro Adriano Goldman, indicado ao Emmy pelo seu trabalho em The Crown, e a direção de Christian Schwochow se destacam. Intercalando entre o fotógrafo de Diana e Dodi, e um segundo, mais velho, sempre presente em acontecimentos da família real, a série trouxe bastidores da vida dos dois e a diferença do trabalho dentro da mesma profissão. O primeiro, paparazzi, usado em uma tentativa de revelar segredos. O segundo, convidado por Charles (Dominic West) para fotografar ele e os filhos em Balmoral, em uma tentativa de apaziguar esses mesmos segredos. Mais uma vez, as figurinistas Amy e Sidonie Roberts, e demais funcionários por trás da série brilharam, pois Charles, William (Rufus Kampa) e Harry (Fflyn Edwards) estavam idênticos à foto original, com as mesmas poses, principalmente William. 

Para finalizar a primeira parte, um episódio tenso é minuciosamente elaborado. Apesar de o público já saber o trágico destino da princesa Diana, a série conseguiu trazer uma certa esperança de que os acontecimentos seriam diferentes e o acidente não aconteceria. A produção, novamente, nos deixa com a sensação de que, caso Mohamed não tivesse feito ou falado algo, talvez Lady Di estaria viva. Se não tivesse convidado Diana e Dodi para passarem as férias no iate, se não tivesse pressionado o filho para namorar com ela, se não tivesse chamado o paparazzi, se não tivesse chantageado em relação ao casamento.

Depois de uma conversa profunda, o casal saiu pelos fundos do hotel, em um carro dirigido por Henri Paul, que havia consumido álcool. A combinação do motorista bêbado e a alta velocidade do carro para fugir do paparazzi fez com que o veículo se chocasse em um dos pilares do túnel da Ponte de l’Alma, voltando ao começo da temporada, quando um homem aleatório vê a cena e liga para socorristas, finalizando a história de Diana e Dodi, de uma forma que, apesar de triste, foi realista. 

Já na segunda leva de episódios, o foco deixa de ser Diana e volta a ser a família real. Assumindo um lado mais cinematográfico, que não estava presente nas temporadas anteriores, The Crown traz aparições fantasmagóricas de Lady Di, em conversa com Charles, seu ex-marido, que, talvez exageradamente, mostra-se triste e arrependido por ter ajudado a trazer infelicidade para sua vida. A sensação que a cena traz é de uma bajulação, um ‘puxa-saquismo’, em termos populares, por parte da Netflix em relação ao agora Rei Charles. 

Essa tristeza excessiva de Charles se mostra até contraditória em partes, pois ao longo do seriado, quando não brigava com ela para defender sua relação com Camilla Parker-Bowles (Olivia Williams), amante com quem mantinha uma relação desde antes de Diana, demonstrava superioridade e incômodo com o fato de ser  adorada  pelo público. O mesmo acontece com Mohamed e Dodi: o pai também tem uma visão fantasmagórica e os dois conversam sobre arrependimentos que tiveram um com o outro, além de como se amavam, apesar das brigas. Essas aparições seriam muito bem vistas e agregadas à série caso esse lado mais cinematográfico tivesse sido adotado anteriormente, durante as outras temporadas. A mudança inesperada causou estranheza no público, que estava acostumado apenas com fatos reais e pequenas mudanças entre a realidade e a ficção. 

Enquanto enfrentava uma reação negativa do público por não dizer nada a respeito dos acontecimentos, a Rainha também tem uma visão de Diana, que a pede para acabar com a sensação que a população tinha de que a princesa e a família real eram inimigas. Para isso, Imelda Staunton faz uma perfeita atuação em um discurso televisivo no qual presta uma homenagem à falecida nora. Estando visualmente idêntica à Elizabeth, Imelda conseguiu passar exatamente a mesma frieza que a verdadeira Rainha. Essa talvez tenha sido uma das cenas mais bem produzidas da sexta temporada, tanto em relação ao figurino, quanto ao cenário e a interpretação de Imelda.

Além do exemplo já citado anteriormente da vilanização dos Al-Fayed, sutilmente  culpando-os pela morte de Diana e sendo desrespeitoso com o acontecimento, outra característica marcante foi a falta de interesse em explorar mais o príncipe Harry, interpretado por Luther Ford, que, aliás, não se parece fisicamente com o caçula da princesa em nada, a não ser pelo cabelo ruivo. Na segunda parte, nos poucos momentos em que ele aparece, é sempre com a personalidade de garoto-problema, que, apesar do envolvimento em uma polêmica com uma fantasia nazista, nunca se mostrou, ao menos não na mídia e durante os anos apresentados na série, como um rebelde. 

Enquanto Harry passa quase despercebido, sem dizer ao telespectador como sua vida seguiu, como foi sua escola ou seu luto pela mãe; seu irmão William foi um dos focos na segunda parte do final. Ed McVey agiu como se conhecesse William por sua vida toda: além da semelhança física, o ator performou brilhantemente. Um de seus destaques foi no primeiro episódio focado nele, Willsmania, em uma cena na qual discute com o pai, príncipe Charles, e o acusa de ter causado a morte de sua mãe. Vemos o personagem ser comparado à Diana, sua timidez em relação às multidões e milhares de fãs, e, protagonizando com a estreante Meg Bellamy, no papel de Kate Middleton, o começo da história do casal. 

Apesar de estar iniciando como atriz, Meg Bellamy fez uma boa atuação, mas o roteiro não facilitou o bom entendimento de sua história. Mesmo trazendo novamente a situação de vilões, dessa vez, a Netflix acertou. Mostrar que a mãe da Kate, Carole (Eve Best) arquitetou todo o relacionamento de William e a filha, faz parecer que é mentira, quando, de acordo com biógrafos da família real, isso de fato aconteceu. Porém, em alguns momentos, o roteiro ficou confuso, com a jovem se revoltando com a matriarca por planejar tudo em alguns momentos, e, em outros, parecer concordar e seguir o plano. Além da situação ter ficado confusa, a série não explorou todo o conteúdo que William e Kate poderiam ter entregado, como o primeiro encontro com a rainha e um melhor desenvolvimento da relação dos dois. 

Dentre os primeiro ministros apresentados ao longo das temporadas, tivemos o último, Tony Blair, do Partido Trabalhista, interpretado por Bertie Carvel, que fez parte da vida da Rainha de 1997 a 2007 e foi o primeiro a fazer Elizabeth se questionar sobre sua popularidade, modernidade e futuro na monarquia. Por ser o único que afetou a Rainha desta forma, a ponto de ser chamado de Rei Tony pelo público, poderia ter sido mais bem explorado, principalmente sua relação com o público e com o governo dos Estados Unidos, fato bem importante na história mundial.  

Em mais um fechamento de arcos, The Crown fez um episódio diferente, Ritz, focado na Princesa Margaret, que já teve seu foco nas primeiras temporadas quando ainda era interpretada pela brilhante Vanessa Kirby. De volta a 1945, no Dia da Vitória na Europa, as jovens Elizabeth e Margaret (Viola Prettejohn e Beau Gadsden, respectivamente) são apresentadas aos telespectadores, e vivem uma noite especial no Hotel Ritz, mostrando um lado de Lilibeth que ninguém conhece. 

Mesclando momentos desse acontecimento e de Margaret no começo da década de 2000, a série traz um dos episódios em que o público cria uma empatia e um carinho especial por um personagem. Com a intenção de cativar o público da mesma forma que Vanessa Kirby fez anteriormente, Lesley Manville faz uma ótima interpretação da Princesa Margaret para representar seus últimos anos de vida. O roteiro, escrito por Meriel Sheibani-Clare e Peter Morgan, junto à direção de Alex Gabassi, torna esse episódio o melhor da temporada: a conclusão da história de uma personagem tão querida e admirada pelo público, com flashbacks de sua infância que não haviam sido mostrados antes, além da certeza da amizade que Margaret e Elizabeth tinham. Ao fim do episódio, descobrimos que a princesa morreu durante o sono, em 2002. 

Pouco tempo depois, a Rainha-Mãe, também Elizabeth, morreu aos 101 anos. E é só aí que a série volta a focar no principal: a própria Rainha Elizabeth. Com a perda de duas das pessoas mais próximas a ela,  é forçada a pensar na Operação London Bridge, sua morte. Quando lhe cai a consciência da idade avançada que possui junto à popularidade de seu primeiro ministro, a Rainha tem uma conversa com suas versões mais novas trazendo o retorno das atrizes Olivia Colman, que interpretou a Rainha nas terceira e quarta temporadas, e Claire Foy, que esteve nas duas primeiras temporadas. 

A presença das duas versões de Elizabeth aconselhando a mais velha foi uma ideia brilhante, que relembrou o telespectador os tempos que o programa já viveu, das histórias já concluídas e das que iriam se concluir. Durante a conversa, a Rainha fala para si mesma que “Monarquia é algo que você é, não que você faz”, e desiste da ideia de entregar a Coroa à Charles, que se casou com Camilla no episódio final. Mesmo com o mundo inteiro a olhando, a Rainha sabe que, no fim das contas, quem a ajuda é ela mesma, pois só ela sabe o que viveu. 

Por fim, em uma cena brilhantemente dirigida por Stephen Daldry, a Rainha de Imelda imagina seu funeral, com seu caixão e suas duas versões presentes ao seu lado. Apesar de não mencionar diretamente a morte da Rainha Elizabeth II, que ocorreu em 2022, esse final nos deixa com a sensação de que aquilo foi uma homenagem, por mais sucinta e singela que seja. Uma homenagem para todas as versões da Rainha: Elizabeth II, Imelda Staunton, Olivia Colman e Claire Foy. E aos telespectadores, por terem acompanhado desde o início e terem sentido, mesmo que de longe, o peso da Coroa inglesa. 

O final não foi tão espetacular quanto o esperado, se comparado às outras temporadas, principalmente, as duas primeiras. Por ser o desfecho definitivo, poderia ter passado brevemente pela conclusão da história de demais personagens quase não mencionados durante a série: os filhos de Elizabeth (Anne, Andrew e Edward). Mas, com as boas atuações de todo o elenco, com destaque para Elizabeth Debicki, Ed Vey e Lesley Manville, e o fechamento devido de personagens importantes e agradáveis ao público, The Crown cumpriu seu papel de forma incrível e provou que, quando o destino convoca, até os monarcas devem comparecer. 

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Nathália Mendes

Lá pela 3ª temporada, Queer Eye já fazia mais do mesmo: replicava sua receita de sucesso, espalhando o valor do autocuidado com alegria e empatia. Mas se em time que está ganhando não se mexe (sim, o contexto merece uma piada do meio futebolístico heteronormativo), uma pandemia de coronavírus desafiou o reality da Netflix a fazer ainda mais pelo amor próprio dos outros. E foi assim, abraçando a fragilidade de seus participantes recém vacinados, que Antoni Porowski, Bobby Berk, Karamo Brown, Jonathan Van Ness e Tan France entregaram uma 6ª temporada para se engasgar de tanto chorar.

Na edição anterior, cinco gays bateram nas portas de estranhos num momento crucial, pois foi ao ar quando o mundo enfrentava o crescimento de casos de Covid-19 sem saber o que fazer. Antes disso, ainda, a nova temporada já havia iniciado suas gravações, e os Fabulosos estavam em Austin, no Texas. Como se um dos estados mais conservadores dos Estados Unidos não fosse suficiente, a série foi interrompida pela pandemia em março de 2020. Pronto. Estava nas mãos de Queer Eye o poder de ajudar pessoas completamente transformadas por uma das maiores emergências de saúde da humanidade – e assim o fizeram, bem longe de hospitais e prontos socorros. 

Antes de interromper as gravações, a série conta a história de Terri White em seu primeiro episódio, Um momento decisivo. A dançarina de meia idade, extremamente sulista e carismática, abre a temporada com uma narrativa semelhante às demais já contadas no reality, até que a Covid-19 chega. Um ano de tristeza e medo a envolveu, mudando até seu relacionamento com o cabelo natural – que teve tempo de crescer longe dos holofotes, e a transformou numa mulher introvertida pela tristeza da perda. Quando os Fabulosos a encontram novamente, em maio de 2021, seu pai, James White, havia falecido.

É interessante notar que James havia sido parte da alegorização texana construída pela série logo de cara. Perdê-lo trouxe à tona a dor que, de certa forma, a sociedade experenciava desde o começo da pandemia. Diferente do animado reencontro com os participantes que normalmente acontece, Antoni, Bobby, Karamo, Jonathan e Tan voltam até o restaurante da família de Terri muito amuados. Não há outra cena em toda Queer Eye que se compare a essa, pois, ainda que o programa tenha influenciado diretamente a vida da heroína no período de isolamento, no final o saldo não era positivo. 

Completando a tragédia, o The Daily Beast realizou uma pesquisa mais profunda sobre os White logo após o lançamento dos episódios. Não precisou de muito para descobrir rumores de casos de homofobia e racismo no restaurante da família, o Broken Spoke. Segundo o portal, as críticas do local no site Yelp contém acusações de discriminação e relatos de que as aulas de dança são acompanhas de comentários ofensivos. Sem surpresas, os desafios para uma temporada em um estado conservador foram turbinados por uma crise de saúde mundial, mas tudo bem: os momentos mais emocionantes e compensadores estavam por vir.

Após o retorno, as gravações aconteceram com vacina no braço dos norte-americanos. De diferentes formas, o arco de todas as narrativas se baseou na família, seja qual fosse sua composição, ou nos desafios que a pandemia de coronavírus haviam trazido para suas vidas. Seja com os formandos do Colégio Navarro ganhando um espetacular baile de formatura presencial, depois de tanto tempo vendo os colegas por uma tela de computador, ou assistindo a Dra. Jereka Thomas lutar contra a desigualdade social e trazendo as comunidades pretas e pobres para dentro da área da saúde, o aguaceiro do espectador está garantido. 

Já Reggie Devore sofreu com a interrupção de sua carreira em ascensão na Música. Infelizmente, a história do rapper pertence a realidade de grande parte da população: sem trabalho, devido ao isolamento social, ele ainda precisava garantir a segurança da família. Isso não só o desmotivou completamente, mas diminuiu o brilho com que produzia e cantava. Essas sequelas específicas da pandemia, completamente pessoais para cada indivíduo, nunca foram abordadas por uma série, e Queer Eye o fez de forma respeitosa e empática. Não por acaso, a edição foi a mais intensa e emocionante para os próprios apresentadores.

Próxima da dor de Terri e Todd, a heroína Angel Flores, uma atleta de levantamento de peso transsexual, experenciava um tipo diferente de luto: aquele que rasga a alma quando se pertence à comunidade queer e o próprio pai não compreende sua verdadeira versão. Isso não foi suficiente para que Queer Eye levasse para casa mais prêmios no Emmy Criativo, cerimônia que aconteceu separada da principal, nos dias 3 e 4 de setembro. Seu episódio Angel ganha asas foi o escolhido para ser submetido nas categorias do Emmy 2022. As indicações vieram em Melhor Direção para Aaron Krummel; Melhor Design de Produção para Thomas Rouse e Josh Smith; e Melhor Montagem para Nova Taylor e Sean Gil, mas não venceu em nenhuma.

O reality não leva outras categorias da premiação desde 2019, quando venceu Direção e Montagem pela 3ª temporada, mesmo tendo sido indicada em todos os outros anos. Aparentemente, a série escolhe submeter episódios com heróis LGBTQIA+, sendo incongruente, pois, nem sempre suas histórias compartilham o brilhantismo da temporada. Angel é incrível, sendo a primeira mulher trans no show, perpassando o caminho sofrido da saudade de um pai que era tudo em sua vida, e ganhando a reaproximação com a ajuda de Karamo. No entanto, seu capítulo não tinha a característica que precisava para ganhar.

A fragilidade do ser humano a nível extremamente pessoal após uma emergência de saúde é a verdadeira protagonista da 6ª edição. O que Sarah, Jereka e Reggie viveram e fizeram em meio à pandemia merecia atenção para além de seus episódios, como poderia ter sido com o Emmy deste ano. Mesmo assim, os erros de Queer Eye são poucos – entre continuar insistindo na transformação de pessoas dotadas de preconceitos e não submeter os capítulos certos -, e a série fez um trabalho único. Afinal, não é pra qualquer um tornar as dificuldades do outro em algo mais leve de ser superado, tudo feito junto de momentos divertidamente prazerosos e botas de cowboy.

A experiência foi diferente dessa vez. Nem só de poses, botas neon e casas super decoradas vive Queer Eye. A combinação de elementos que aquecem o coração e fazem o estômago doer de rir é o que torna a série um conforto, sim, mas há muito mais ali do que só isso. A série aceitou o desafio de recuperar o amor de quem sofria com sequelas quase invisíveis da pandemia. Mais do que isso, a 6ª edição contou ao mundo sobre situações realmente difíceis de pessoas atormentadas por monstros da vida real, ou por estruturas e estigmas sociais que esmagam vidas.

Quando uma temporada acaba, os protagonistas mais incríveis parecem ter se tornado velhos conhecidos, e, com muita admiração, o desejo de que estejam felizes inunda o coração. Não é o desejo da produção de que você ame seus apresentadores, mas de que os heróis da vida real sejam verdadeiros protagonistas, bem como o amor próprio seja tratado com seriedade e importância. No final, Antoni, Bobby, Karamo, Jonathan e Tan, transformam também cada espectador. Ainda bem que a sétima temporada já está sendo filmada.

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Vitor Tenca

Convergir o que há muito tempo está fragmentado nunca seria uma tarefa fácil. Saul Goodman embarca em um capítulo de desafios contra vilões-heróis já consolidados para provar que uma mente do crime e da justiça pode precisar de uma mesma qualidade: saber cortar caminhos. Na sexta temporada de Better Call Saul, olhamos para os detalhes finais que constroem a narrativa ressentida e desenfreada da vida de um ex-advogado. 

A série da AMC distribuída pela Netflix foi encaixada nos novos moldes destinados aos seriados da plataforma de streaming – separados em dois “blocos”, os primeiros nove episódios foram lançados semanalmente e, após pausa de um mês, os últimos quatro foram ao ar da mesma maneira. O método acabou por ajudar o diretor Vince Gilligan e o produtor Peter Gould com a proposta sequel-prequel do seriado, em que o telespectador se deparou com dois ambientes completamente distintos nessas duas etapas da produção.

Os 50 episódios previstos nas outras cinco temporadas são amarrados de maneira magistral, sem deixar nenhuma ponta solta ao longo dos últimos treze. De fato, parece que Vince e Peter já tinham em mente um plano geral para a série, de modo que nenhuma decisão fora tomada em vão (um personagem, uma narrativa, um ângulo de câmera, uma transição, um cenário). Os dois passam a impressão de que houve uma grande evolução das mentes [já] brilhantes do diretor e produtor, inovando continuamente com o passar do tempo das produções. 

Sem James McGill não há um Heisenberg, sem Better Call Saul não existe Breaking Bad. Saul não exagera em puxar sua sardinha em pleno tribunal para provar, uma última vez, que o advogado se sobrepõe à função de coadjuvante estabelecida previamente por Jesse e, principalmente, Walter. É inclusive aqui que é indagada a grande questão: o que diferencia as duas séries? A resposta é simples e inusitada – a culpa é o atributo inserido no universo com a função de tornar os personagens mais dignos de afeiçoamento e salvação em meio às sequências de trapaças, golpes e vigarices. No fim das contas, esse pequeno detalhe torna a trajetória de BCS ainda mais densa e realista do que a de BrBa. 

Os treze últimos episódios conseguem envolver o telespectador com ainda mais fervor se comparados com as temporadas anteriores. Torna-se cada vez mais difícil nos separar das angústias que atormentam cada personagem. E esses fatores são potencializados em passagens específicas, como nas cenas finais de Nacho Varga (Michael Mando), nas paranóias inusitadas de Gustavo Fring (Giancarlo Esposito), nas aparições eletrizantes de Lalo (Tony Dalton) e nos momentos sóbrios e duros de Mike (Jonathan Banks).

Jimmy McGill, Saul Goodman e Gene Takavic são além de simples pseudônimos de um homem sem lei – são realidades distintas que nos aproximam ou nos repelem do protagonista que foi destinado a ser interpretado por Bob Odenkirk. Saul ultrapassa a grandiosidade de um Heisenberg, pois acompanhamos o movimento pendular entre um oportunista e uma boa pessoa que, no fim das contas, merece a “salvação” das maçãs podres ao seu redor. E, no fim, o mais interessante é descobrir qual personalidade prevalece. 

Enquanto isso, Rhea Seehorn transita de maneira brilhante em seu papel como Kim Wexler, vivendo uma montanha-russa de desejos, emoções, traumas e decisões. Dividida em uma Kim pré-Hamlin e pós-Hamlin, a personagem caracteristicamente justa e dedicada dá mais espaço ao seu lado Slipping Kim para se entreter na vingança contra “pessoas superiores”. Em seguida, somos surpreendidos com uma Wexler totalmente entregue ao remorso, vivendo em um mundo sem cor, sem vida, sem personalidade.

Indicada ao Emmy 2022 em 7 categorias, incluindo a de Melhor Série de Drama e a de Melhor Roteiro em Drama, para Thomas Schnauz pelo episódio Plano e execução, Better Call Saul tem em sua sexta temporada a chance de tirar dos ombros o peso das constantes esnobadas da premiação. Bob Odenkirk e Rhea Seehorn, que na edição passada se contentaram apenas com lamentações por não serem sequer nomeados, concorrem neste ano como Melhor Ator em Série de Drama e Melhor Atriz Coadjuvante em Série de Drama, buscando levar para casa as tão sonhadas e merecidas estatuetas.

A ponte que liga Better Call Saula Breaking Bad é a mesma que aparenta fechar as portas do mundo da metanfetamina – pelo menos por enquanto. Tanto Vince Gilligan como o próprio presidente da AMC já se mostraram abertos a um possível retorno de novos spin-offs num futuro próximo. Isso se dá em função do ótimo trabalho de BCS em instigar os fãs a conhecer ainda mais das trajetórias e peculiaridades de diferentes versões de “protagonistas”.

Mantendo a coesão da série original sem ter medo de aprofundar-se em suas próprias individualidades, Better Call Saul se concretiza como um sucesso absoluto. No que diz respeito aos novos personagens preferidos de muitos fãs, podemos perceber a realidade que prevalece após um final abrupto, seco, amargo e necessariamente direto: não há mais nenhum Saul Goodman em cena, apenas um McGill, sem extravagâncias, sem demais truques, sem cortes de caminho, sem escorregões.

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Vitor Evangelista

De cara, não tem como mentir: escrever sobre RuPaul’s Drag Race é uma tarefa e tanto. Afinal, são horas e horas de episódios extensos, sem contar o Untucked e seus bastidores, os programas de recapitulação (oficiais e não-oficiais) e, é claro, a internet. As drag queens presentes nas temporadas são pessoas de verdade, tem dramas, conquistas e presença forte no mundo real, sempre expandindo a narrativa do programa para além dos televisores. 2021 se empanturrou da Corrida das Loucas e, depois de viajar da Espanha à Oceania, Mama Ru olha para as segundas chances dentro da América, no sensacional All Stars 6.

Desde a reformulação do formato em 2016 e da exibição da segunda edição do spin-off estadunidense, a ideia da redenção das rainhas perdedoras não se saia tão bem. A receita de 2021 foi escalar um elenco mediano (em termos de histórico na Corrida original), maior que o habitual (13 queens, ao invés das costumeiras 10), sem qualquer grande favorita dos fãs (Gottmik e Gigi Goode, estamos esperando por vocês) e preencher os episódios com espontaneidade e imprevisibilidade.

O resultado foi o melhor All Stars desde a saga de Alaska. A coroação de Kylie Sonique Love, uma drag originalmente da 2ª temporada, apenas atesta o verdadeiro efeito benéfico da competição paralela e seu poder imensurável de redenção, conquista e entrega. Ao vencer a Coroa, o Cetro e os cem mil dólares, Kylie se tornou a segunda mulher trans vitoriosa de Drag Race, e a primeira a ser coroada pela própria RuPaul. Um feito e tanto para quem, anos atrás, debochava de pessoas trans e declarou que nunca autorizaria a entrada delas na competição.

Mas se engana quem pensa que Mama Ru realmente mudou seu pensamento arcaico e preconceituoso. Ela só aprendeu a domá-lo. No ano em que Drag Race abriu ainda mais as portas ao mundo, fazendo ponte aérea da América do Norte à Oceania, RuPaul Charles entendeu que pessoas queer, sempre presentes na cena drag do mundo real, deveriam enfim ser bem-vindas à cena drag de seu reality show. 

Por isso, grandes nomes de 2021, como Gottmik, Inti, Vanessa Van Cartier, Bimini Bon-Boulash e a própria Kylie Sonique se tornaram grandes estrelas na competição e na mídia. Já era hora de pessoas trans ou não-binárias receberem seus holofotes de direito. A vencedora pode não ter tido a Corrida mais impecável em termos de vitórias, mas o triunfo de Kylie mostra a visão cada vez mais clara que o All Stars diz muito mais respeito ao passado (ou a um acerto de contas), do que uma condecoração atual. Se fossemos julgar a trajetória de agora, Ra’Jah O’Hara estaria cem mil dólares mais rica, sem dúvida alguma. 

Ano passado, o All Stars 5 introduziu novos conceitos na produção, mas a escalação de um elenco mela-cueca acabou com qualquer chance de êxito. Dessa vez, a equipe de produção cavou bem na mitologia de Drag Race e trouxe de volta 13 rainhas de renome (ou quase). Kylie Sonique Love foi eliminada no quarto episódio de uma temporada exibida em 2009. Lá, ela se revelou uma mulher trans no Reunited e, desde então, mudou de nome e construiu sua carreira como um ícone na comunidade e alguém que abraçou o holofote da competição, colhendo frutos que foram além de sua péssima performance no Snatch Game original e seu ótimo Lip Sync de Two of Hearts.

A única vitória dela no AS6 aconteceu no episódio seis (quebrando a tradição da vencedora sempre ser Top nos cinco primeiros desafios), num momento inédito em quase quinze anos de programa. No desafio de atuação que parodiava as obras de Ryan Murphy (RuMerican Horror Story: Coven Girls!), Kylie ficou com o papel da Suprema Jessica Lange e, presa em sua própria cabeça, foi ajudada por Michelle Visage. 

A jurada se levantou da cadeira de direção e mostrou na prática o que Sonique deveria fazer e como fazê-lo. É claro que sua trajetória foi além da mãozinha que recebeu de Visage no único episódio em que ganhou, fato é que Kylie já chegou no All Stars 6 com pinta de vencedora. Ao entrar no Ateliê, vestida de vermelho látex e com a peruca loira característica, ela ousou: “Ooh garota… Chegou uma mulher!” (Ooh girl, you got female). 

A frase foi uma alusão direta ao chamado das queens no começo da série original, recepcionadas por um “Girl, you got she-mail”, antes de Ru passar a tarefa do dia. She-mail, em inglês um trocadilho para o e-mail (correio eletrônico), também usava a sonoridade para fazer graça do termo shemale, que é pejorativo às pessoas trans. Ao retornar para a competição exorcizando esse demônio, Sonique virou a página de um passado transfóbico de RuPaul. À partir da sétima temporada, o “She-mail” foi substituído, depois de várias pessoas trans repudiarem o termo usado no programa de TV. 

Quando o assunto é uma boa segunda impressão, Ra’Jah O’Hara deve estar presente na conversa. A drag queen, originalmente parte do elenco da 11ª temporada, passou de vilã para favorita dos fãs. Seu histórico passado era de uma pessoa raivosa, cheia de opiniões e nem um pouco solícita a ouvir aqueles em seu redor. A volta por cima veio, com ela vencendo 2 desafios, entregando visuais de cair o queixo e assumindo o posto de narradora da season.

O carisma de Ra’Jah alavancou sua persona, que tinha tudo para vencer a Coroa se não fosse o imediatismo (e o atraso) da franquia em colocar uma mulher trans no panteão das drags vitoriosas. Porém, como os anos de Drag Race provaram à exaustão, não é preciso um Cetro no braço para que alguém colha os louros de uma passagem magnânima pela TV (ou nesse caso, streaming, já que o All Stars 6 foi exibido pelo novíssimo Paramount+).

A redenção de Ra’Jah é a maior na história do programa, que tem o histórico de continuar odiando suas vilãs (como Jaremi e Gia Gunn), ou relegá-las ao ostracismo de uma corrida ruim (Roxxxy Andrews). A doce competidora que adotou o roxo como sua cor de assinatura confeccionou todas as roupas que levou, foi o maior destaque do Show de Variedades no número do vestido feito em 1 minuto e venceu 2 desafios de costura (com os visuais excelentes do Baile Azul e a fantasia burlesca do Drag Tots). 

Além de seguir à risca os conselhos de Ru, em principal no Snatch Game na pele de LaToya Jackson e no Pink Table Talk, Ra’Jah abriu o coração e falou sobre temas sensíveis envolvendo a infância e a relação com a mãe. Ela é a figura mais brilhante do All Stars 6 simplesmente por cumprir a tabela do que uma temporada de Grandes Estrelas significa. Chegando com fama de maldita, surpreendeu episódio atrás de episódio, mostrando que momentos ruins não nos definem.

Quem experienciou um diferente tipo de redenção foi Ginger Minj. Retornando para sua terceira tentativa de vencer o prêmio, a Sapa Fashion se tornou a primeira drag queen a participar de duas temporadas diferentes do All Stars já nesse formato definitivo de eliminações por batons. Depois de quase ser coroada no lugar de Violet Chachki, Minj competiu no AS2, onde saiu pela porta dos fundos. Nessa volta triunfal ao Ateliê, ela revelou que, em 2016, não estava pronta para competir novamente, e se sentiu obrigada a fazê-lo. Agora, cinco anos mais tarde, ela brilhou.

Vencendo o Snatch Game imitando Phyllis Diller e o Desafio de Leitura, Minj ainda impressionou com o Lip Sync de Phone, da Lizzo, e acabou enriquecendo muito depois de vencer as Batalhas de Dublagem. Pelas 2 que ganhou, faturou 50 mil dólares, metade do valor do prêmio da temporada. Porém, na 3ª tentativa de ganhar a Coroa, Ginger Minj não se mostrou muito diferente do que foi no passado: uma drag engraçadíssima, com olhar certeiro para o humor e um gosto engessado na Moda. No All Stars 6, ela vestiu roupas elegantes e inesperadas, mas nada que justificasse sua vitória. Depois de Shangela, Manila, Latrice e Jujubee, Ginger provou que a terceira vez não dá certo para ninguém.

A derrota em dose tripla também foi sentida por Eureka! Com ponto de exclamação e tudo, a drag tirou o O’Hara do nome, mas continuou sendo a Rainha Elefante de sempre. Espalhafatosa, falastrona e extremamente amável e carismática, a agora estrela da HBO tentou a todo custo impressionar RuPaul e os jurados, mas a falta de vitórias acabou manchando qualquer chance de sentir o peso da Coroa na cabeça. Sua surpreendente eliminação na semifinal foi um dos momentos de maior tensão da temporada, mas o escape do “joguinho” trouxe alívio para alguns, e frustração para tantos outros.

Anunciada logo no trailer do All Stars, a nova dinâmica da competição aparecia em todo final de capítulo, com a drag eliminada da semana sendo tentada com a possibilidade de retornar à competição. Acontece que, nove semanas à dentro, “o jogo dentro do jogo” demorou tempo demais para tomar parte na narrativa. Baseado em nada mais, nada menos, na famosa Ruvenge (quando uma queen retorna à competição e outra sai), o game within a game se mostrou uma injustiça descabida. Por muitos fatores.

O Rudemption Lip-Sync Smackdown, como foi carinhosamente batizado, aconteceu no décimo episódio, e constituía-se de uma Batalha, ao melhor estilo Mortal Kombat. Ao contrário dos Fatalities do jogo original, em Drag Race as competidoras eliminadas iam se enfrentando, duas de cada vez, pelo prêmio de voltar à Corrida. As dublagens, diferente do que rolou no LaLaRaRuZa do All Stars 4, aconteceram durante a temporada, às escondidas. Então, semana seguida de semana, depois que o episódio normal “acabava”, rolava um Lip Sync.

E no All Stars 6, Lip Sync é sinônimo de Silky Nutmeg Ganache. A drag da season 11 passou por muito apuro desde sua temporada original, ganhando fama de mal educada, nada trabalhadora e difícil de conviver. Na volta ao Ateliê, a Doctor Reverend se mostrava acuada, quietinha e nada parecida com a personalidade falastrona que colocou Miley Cyrus nas costas brincando de cavalinho segundos depois de reconhecer o disfarce da cantora.

Refém de como o público a receberia dessa vez, Ganache foi eliminada logo na terceira semana, em um dos momentos mais chocantes da temporada. Não que sua performance até então tivesse sido digna de permanecer na competição, mas a saída prematura de um ícone (por bem ou mal) de Drag Race como Silky mostrou que o All Stars 6 não estava para brincadeira. E seu retorno na Batalha de Lip Syncs criou um universo inédito na franquia até então.

Claro que o formato, por si só, já era novíssimo, mas a trajetória de Silky no episódio foi o bastante para quebrar a internet. Adversária atrás de adversária, ela ia derrotando todo mundo. Silky mandou Jiggly, Yara, A’keria, Scarlet, Jan e Pandora para casa, totalizando seis Dublagens vencidas na sequência. O número de Barbie Girl, onde batalhou sozinha visto a desistência de Davenport, se concretiza como um dos mais memoráveis da mitologia de RuPaul. 

De forma geral, o capítulo do Rudemption Lip-Sync Smackdown foi um balde de entusiasmo na temporada (e em Drag Race como um todo), além de ser o episódio mais legal em anos da repetitiva franquia de RuPaul Charles. Quem diria que Silky Nutmeg Ganache, que recebeu um “Meh” da apresentadora depois de desapontar ao som de No Scrubs, se tornaria uma lenda das dublagens em 2021? Quando sua maré de sorte acabou, um gosto agridoce ficou na boca, mas Silky dificilmente continuaria até a Final como Eureka! o fez, fechando sua jornada de retorno à Corrida em uma nota alta e de louvor, mesmo com a derrota ao som de Since U Been Gone. 

Depois do retorno nada surpreendente de Eureka! à competição, quem caiu na armadilha da eliminação foi Trinity K. Bonet. Original da 6ª temporada e uma das queens mais amadas do público, TKB encarou o All Stars com respeito, tanto pela grandiosidade da competição, quanto por si mesma, entendendo seus limites, forças e fraquezas. O que acarretou em um histórico colorido, com 2 importantes vitórias e 4 aparições nas Piores da Semana. Esse último fator acabou sendo decisivo no momento de sua injusta, dolorida e criminosa saída do Ateliê.

Muitos anos depois de ganhar o título de Assassina de Dublagens, TKB encontrou espaço para colocar a pauta da HIV na tela do maior programa LGBTQIA+ do mundo, educando a audiência e mostrando na prática como é viver com o vírus. Em adição aos temas que discutiu, a drag de Atlanta surpreendeu com visuais arrojados (a reedição do visual da promo da season 6), performances avassaladoras (a Beyoncé no Rusical) e o melhor Lip Sync da temporada, contra Laganja Estranja ao som de Physical de Dua Lipa.

Quem não brilhou em nada, porém, foi Pandora Boxx, outra das drags do clube da 3ª vez competindo. A primeira rainha de comédia da franquia retornou apática e não conseguiu vencer um único desafio, sendo eliminada no episódio que a santificou lá em 2009, o Snatch Game. Fosse essa qualquer outra temporada, Pandora receberia a bota logo de cara, mas a produção manteve-a no páreo, dando deixas importantes para que a veterana performasse suas qualidades mais notáveis (em especial a personificação de Carol Channing no Rusical e a atuação carregada como Myrtle Snow em RuMerican Horror Story).

No grupo das sabotadas, não tem ninguém mais injustiçada que a coitada da Jan. Recém-expelida da 12ª temporada, ela voltou com sede ao pote mas pecou na primeira regra do All Stars: sem tempo de se assistir na TV em 2020 e, consequentemente, aprender com os erros, Jan pisou no Ateliê para cair nas mesmas iscas que a fez perder contra Gigi Goode e Jaida Essence Hall no ano passado. Finalmente quebrando seu ciclo vicioso de derrotas e saindo como a Top das Tops no Rusical do Super Bowl, Jan assistiu sua “narrativa” dentro do AS acabar antes mesmo da metade, o que nunca é bom sinal.

Sinal esse captado por A’keria C. Davenport, que falhou em uma porção de desafios e, quando ofertada com a possibilidade de retornar, decidiu pela recusa. Parte de vencer e obter sucesso em Drag Race repousa na saúde mental de quem compete (como Veronica Green bem provou em sua participação relâmpago no UK 3). A escolha de Davenport demonstra a ciência de queen de suas próprias limitações, o que não a impediu de entregar passarelas de outro mundo, nunca decepcionando neste quesito. 

Se A’keria conseguiu chegar à Final da 11ª temporada para não passar da metade aqui, Scarlet Envy mal cruzou a linha de chegada em suas duas participações no show. Ocasionalmente feita de tonta, a drag de NY foi julgada como salva semanas seguidas só para ter seu batom escolhido em um desafio onde não merecia ser mandada embora. Ao lado de Jan, Envy provou que RuPaul tem suas favoritas e suas desprezadas. O que é uma pena, considerando seu ponto de vista artístico e os visuais que apresentou no All Stars 6.

Yara Sofia retornou, ajudando a apagar da memória do público o pavoroso All Stars 1, mas não tinha muito a fazer. Assim como Jiggly Caliente, a segunda mulher trans a integrar o elenco de 2021, um recorde para a franquia. Refém de sua péssima habilidade como costureira, ela foi mandada embora logo na estreia, no segundo capítulo da premiere dupla. O posto de primeira a sair, porém, ficou com a Mãe Peruca, Serena ChaCha. 

Proveniente da 5ª temporada (e também humilhada lá), a drag queen retornou como saco de pancadas mais uma vez. Sem qualquer chance de triunfar em Drag Race, sua performance confusa no Show de Variedades apenas esclareceu para os desavisados o quão complicada a Corrida é: em um único deslize, percepções antigas de sua Corrida original podem ser um fator decisivo na hora de escolher o batom eliminatório. Além, é claro, de protagonizar uma polêmica fora das telas com A’keria. 

A melhor edição de Grandes Estrelas desde 2016 não consegue este posto por acaso. Para além de um Show de Variedades (note como o nome não tem mais “Talento”), e de eliminações injustas (Scarlet, Jan e Trinity), o All Stars 6 soube entregar o que falta há muito em Drag Race: imprevisibilidade. Seja na brilhante corrida de Symone, no carisma monstruoso de Lawrence Chaney, nos crimes das finalistas de Down Under e no fogo de Carmen Farala, a franquia tem pecado em construir tensão e dúvida no percurso de coroar uma de suas participantes. 

Com a vitória de Kylie, em adição ao marco para a comunidade trans e a recompensa à uma das figuras mais antigas do show, a equipe de produção mostra que o All Stars pode e deve ser concorrido, maluco, delicioso de acompanhar e um bocado emblemático. O elenco esticado e o número inchado de capítulos pode ter causado um cansaço desnecessário, mas a concretização de uma Final com direito à música country, entrevistas emocionantes e um escorregão transformado em cambalhota fez tudo valer a pena.

A escalação de um elenco sem grandes favoritas foi um acerto; o maior senso de justiça possível na hora das liberações foi um acerto; mas a performance incrível e redentora de Ra’Jah O’Hara foi O acerto. O All Stars conseguiu abençoar até as Lip Sync Assassins, estendendo sua aura de cura e recomeço frente aos fãs para drags como Laganja Estranja, Coco Montrese, Brooke Lynn Hytes, Jessica Wild e até Mayhem Miller. 

Para o futuro, que RuPaul saiba escolher suas rainhas, que RuPaul não force narrativas ou fabrique vencedoras e que RuPaul mande o Snath Game of Love para o Inferno. Com uma possível promessa da aguardada temporada que reúne apenas antigas vencedoras, um Grandes Estrelas Internacional e mais uma porrada de spin-offs estrangeiros em produção, RuPaul’s Drag Race vai muito bem, obrigado, e o All Stars vai melhor ainda. 

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