Juliana Boaventura

As transformações físicas, descobertas sexuais e emoções intensas que fazem parte da transição da infância para a adolescência povoam e intrigam o imaginário popular. Muitos artistas buscam examinar isso em suas obras, partindo de suas experiências íntimas. Em Das Tripas Coração (1982) – em inglês, Heart and Guts –, a cineasta Ana Carolina constrói um microcosmo que expõe aspectos dessa transição de forma cômica e teatral, valendo-se de uma narrativa onírica não-linear, declamações inflamadas e murmúrios fora de cena. Uma inclinação à rebeldia e à desobediência permeia o longa-metragem, que desenrola-se dentro de um colégio feminino, austero, religioso e falido. O filme compõem a seção Apresentação Especial na programação da 46ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo.

A diretora e roteirista iniciou sua produção cinematográfica com um documentário sobre Getúlio Vargas (1974). Em seguida, ela concebe Mar de Rosas (1977) e mais dois longas que abordam a condição feminina, Das Tripas Coração (1982) e Sonho de Valsa (1987); compondo uma trilogia. Seu trabalho mais recente, Paixões Recorrentes (2022), também foi exibido na Apresentação Especial  da 46ª Mostra. Ao longo de sua carreira, ela tem exposto acerca da dificuldade em financiar e executar seus projetos, como em uma entrevista ao Roda Viva em 1994. Ela menciona também a necessidade de renovação do aparato de produção cinematográfico brasileiro e suas perspectivas e ideias para o cinema nacional, colocando-o como um meio de mudança social.

Em Das Tripas Coração, há um uso provocativo de superposição das vozes dos atores, os sons se misturam espacialmente conforme a câmera se move. Isso evoca uma rejeição à ordem, como durante a aula do professor Guido (Antônio Fagundes), em que os murmúrios das alunas vão de provocações a questionamentos sobre o estado civil do professor. A confusão de vozes agrega à comicidade dos diálogos e ao aspecto surreal do filme, um recurso que a diretora reconhece causar estranhamento no público. Em entrevista à Tribuna da Imprensa em 1980, afirma: “o delírio, as coisas que a gente pensa e não diz, aquelas de que a gente ri e outros não, isto é o que vale no meu cinema. Interesso-me pelo não-dito, pelo mal-dito, que tem mais graça, é mais possível e mais interessante”.

O colégio em que a trama se passa é como um espaço fechado que encapsula os fenômenos da sociedade, conflitos geracionais, de classe social e a sexualidade em todas as fases da vida. Alguns diálogos entre as faxineiras, as inspetoras, o professor e as diretoras da escola, Miriam (Xuxa Lopes) e Renata (Dina Sfat), reforçam a ideia de que as alunas adolescentes representam uma força da natureza, incontroláveis. Há um espírito de rebelião, de desobediência à ordem vigente, que atinge seu ponto máximo quando uma das alunas (Maria Padilha) urina em meio à uma missa, sendo punida em seguida.

Em meio ao ritmo acelerado dos acontecimentos, o desejo sexual dos personagens é a força motriz dos conflitos. Tanto revelações íntimas das personagens quanto declamações poéticas e reflexões filosóficas evocam o inconsciente, as classes sociais e as estruturas políticas. Em Das Tripas Coração, Ana Carolina explora o estranhamento, e a maneira como a narrativa acontece acrescenta ao aspecto delirante e cômico da narrativa.

O segundo filme da trilogia sobre a condição feminina, segundo ela, traz uma tentativa de explorar o sexo e a culpa, a visão masculina do desejo feminino. Em um discurso que explora tanto a insubmissão e a desobediência características da transição da infância para a adolescência quanto diversas contradições ao longo das gerações, a produção acaba por abarcar (quase) toda a vida.

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Nathan Sampaio 

O que faz um filme se tornar clássico? No caso de …E o Vento Levou (1939) foi sua popularidade e bilheteria. Já Titanic (1997), além dos fatores anteriores, conta com vitórias em importantes premiações. Por fim, há aqueles que revolucionaram o Cinema, como fez Cidadão Kane (1941). O Enigma de Outro Mundo não se encaixa em nenhuma dessas categorias, mas se estabelece como um clássico por ser o retrato exemplar do gênero de Horror e por se manter influente na cultura pop mesmo após 40 anos do seu lançamento, em 1982. 

O longa acompanha um grupo de cientistas estadunidenses vivendo em uma base na Antártida para realizar seus experimentos. Até que, certo dia, surge uma dupla de noruegueses atirando em um cachorro. Prontamente, os pesquisadores salvam o animal e matam os perseguidores. Porém, com o passar do tempo, o cão se revela algo monstruoso, que pode se transformar e matar qualquer um no complexo.

O Enigma de Outro Mundo é inspirado no conto Who Goes There?, de 1938, do escritor estadunidense John Campbell Jr. Em 2018, descobriu-se que a história faz parte de uma obra maior chamada Frozen Hell, publicada em 2019. Além da adaptação de 1982, outra, intitulada O Monstro do Ártico, foi lançada em 1951, em uma releitura menos fiel à original. Tanto a história base quanto a dos anos 50 são referenciados no filme. 

O roteiro de Bill Lancaster se esforça para diferenciar o projeto das demais obras de terror da época. Uma das maneiras encontradas pelo roteirista foi a de não ter um protagonismo individual, mas dar o destaque para o coletivo, de forma que possamos conhecer todos e até mesmo nos sentirmos parte daquele grupo de cientistas em busca de sobrevivência. 

A direção de O Enigma de Outro Mundo é de John Carpenter, um dos mestres do Horror e responsável por filmes como Halloween (1979), Fuga de Nova York (1981) e Eles vivem (1988). Como é esperado, o diretor consegue transmitir de forma excepcional a paranoia que o grupo vive, sem saber quais deles ainda são humanos e quem será a próxima vítima. O espectador – imerso nessa sensação de incerteza – também passa a fazer parte do coletivo, uma vez que começa a buscar qual dos personagens já foi pego pelo monstro. 

A paranoia e a desconfiança, por mais interessantes que sejam, não sustentariam a trama sozinhas. Para auxiliar nessa tarefa, é necessário que se escale a tensão entre os personagens e o roteiro se utiliza das mortes e das aparições da criatura para elevar o suspense. Visto que, em cada um desses momentos, tanto quem assiste quanto os personagens sempre descobrem algo novo sobre o monstro, e isso os ajudará a combatê-lo.

Essa desconfiança, que permeia todo o enredo, proporciona situações inquietantes ao espectador. Até mesmo o seu final ambíguo, um traço característico do diretor, faz com que o público continue pensando sobre o ocorrido e no que deve ter acontecido depois de tudo. Inclusive, obras posteriores, como a prequel homônima de 2011,  dão pistas sobre o desfecho do filme anterior. Também, o  jogo de PlayStation 2, lançado em 2002, conta o que acontece após os eventos do primeiro longa.

O conceito da criatura é espetacular: ela acumula mistérios em volta de sua figura, criando uma aura de incógnita e provocando medo pelo desconhecido. A equipe de efeitos visuais de O Enigma de Outro Mundo, liderada por Rob Bottin, fez um trabalho primoroso, criando monstros amorfos e que desafiam a lógica humana, aumentando a mística e o assombro pelo algoz. 

Mesmo sem um desenvolvimento aprofundado, todos os personagens de O Enigma de Outro Mundo são bem construídos e marcantes, com um traço de personalidade que os tornam únicos. O elenco também foge dos clichês do terror, com figuras espertas e criativas para saírem de situações de perigo. Os destaques são MacReady (Kurt Russell) e Childs (Keith David), que recebem um tempo de tela maior e personificam o grupo e a paranoia de estar naquela condição. 

John Carpenter é conhecido por conceber a trilha sonora de todos os seus filmes, sendo um dos nomes mais reconhecidos do horror synth, gênero musical que mistura Música eletrônica com batidas de suspense e terror. Mas, para a realização desse projeto, o diretor fez parceria com Ennio Morricone, um dos compositores mais respeitados da indústria cinematográfica. Morricone era conhecido pela trilha de clássicos do faroeste, como Três Homens em Conflito (1966) e Era um vez no Oeste (1968). 

Mesmo tendo um roteiro caprichado, efeitos especiais inacreditáveis, músicas inesquecíveis e uma direção magnífica, O Enigma de Outro Mundo não foi bem recebido em seu lançamento. Na época, os críticos não compreenderam o projeto, acusando-o de ser raso e com efeitos especiais problemáticos. A recepção negativa do grupo especializado proporcionou um fracasso de bilheteria, prejudicando a carreira de Carpenter nos anos seguintes. No ano de seu lançamento, o filme foi criticado em todos os âmbitos possíveis e chegou até a receber indicações ao Framboesa de Ouro, a paródia do Oscar que premia as piores obras do ano. Até mesmo Morricone foi indicado na premiação. 

Porém, quando as locadoras se popularizaram, o longa-metragem foi redescoberto, e logo passou a receber o devido reconhecimento da crítica e do público. Atualmente, o projeto é reconhecido como uma das melhores obras de terror, considerado uma referência dentro dos gêneros do Suspense, Horror corporal e Horror cósmico, sendo uma das melhores e mais conceituadas de John Carpenter. 

Ennio Morricone também recebeu os méritos por seu trabalho. Isso ocorreu tanto no reconhecimento das canções do filme, quanto anos mais tarde, já que algumas das músicas não aproveitadas em O Enigma de Outro Mundo foram reutilizadas em Os Oito Odiados (2015), e proporcionaram ao compositor uma vitória no Oscar de Melhor Trilha Sonora Original.

A maquiagem e os efeitos visuais do projeto também são tidos como uma referência no meio em que o filme está inserido. Todos eles são práticos, ou seja, foram realizados artesanalmente, como maquiagens, animatrônicos e até mesmo fantoches. Essa maneira de confecção fez com que a criatura se tornasse mais palpável e crível. 

O Enigma de Outro Mundo é um dos melhores filmes de terror já feitos: o roteiro e a direção criam ótimos momentos de tensão e suspense, os personagens são cativantes e espertos, e a criatura é enigmática e ameaçadora na medida certa. O projeto captura a essência do gênero e a transmite perfeitamente em seus 110 minutos de duração. Muito mais que um clássico cult, o The Thing merece destaque como um clássico do Cinema. 

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Ana Júlia Trevisan

“Toda mulher quer ser amada/Toda mulher quer ser feliz/Toda mulher se faz de coitada/Toda mulher é meio Leila Diniz.” Os trechos compostos por Rita Lee pressupõem toda a graça e grandiosidade de Leila Diniz. Atriz brasileira, Rainha das Vedetes e transgressora pela liberdade feminina, Leila é representante de Todas as Mulheres do Mundo. Com estreia marcada para acontecer durante a 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, Já que Ninguém me Tira pra Dançar é o documentário sobre Leila Diniz dirigido por sua amiga e também atriz Ana Maria Magalhães. 

Nascida em Niterói em 1945, Leila Diniz possuía um carisma único, uma espontaneidade natural e uma paixão pela liberdade que vinham do berço. Já que Ninguém me Tira pra Dançar reúne depoimentos saudosos sobre a estrela, as entrevistas foram realizadas em 1982, quando a partida de Leila completava 10 anos. Encontradas por Fábio Fraccarolli, ele convidou Ana Maria Magalhães para restaurar as gravações, complementar com novos arquivos e mais uma vez trazer à tona a memória de uma peça chave para a cultura brasileira.

O esquadrão que faz declarações para Leila é digno de frente de batalha. Nomes como Marieta Severo, Nelson Sargento, Betty Faria, Maria Gladys, Paulo José e Luiz Carlos Lacerda relembram com carinho o carimbo onipotente que Leila Diniz deixou em suas vidas. A atriz estava à frente de seu tempo, dando a cara a tapa com tabus que mal podiam ser levantados como pauta na época. Libertária, Leila precisou lutar contra duas forças que a oprimiam com fulgor: o machismo e a ditadura

Pelos colegas de ofício, Leila é descrita como uma profissional nata. Intensamente perfeccionista em seu trabalho, ela dominava a cena lidando com grandes diretores no auge de sua adolescência, e se tornando uma garotinha apenas depois do grito de “corta!”. À frente de seu tempo e conhecedora de si própria, ela valorizava o corpo e o gestual, sendo uma atriz que transcendia os ensinos de qualquer academia de atuação. Leila Diniz compreendia que a atuação era uma aventura e se entregava de corpo e alma para o ato.

Mas, Já que Ninguém me Tira pra Dançar não se limita em mostrar apenas uma atriz, descansando o rótulo de sua profissão, o documentário mostra a mulher por trás da persona, um ser humano que fazia Cinema e por consequência fazia Arte. Leila não se prendia ao simples ato de atuar, ela era descontraída, gostava de se envolver em tudo que acontecia nos bastidores e na pós-produção, reconhecendo a imensa importância dos trabalhadores das respectivas etapas. Advérbios de intensidade não faltam para descrever a atriz. Leila Diniz era muito: muito aberta, muito sincera, muito viva.

Além da Leila atriz, quem ganha o maior espaço é a Leila amiga, a que aconselhava até alta madrugada e tinha o afeto como sentimento mais importante dentro de suas relações. Já que Ninguém me Tira pra Dançar transforma Leila Diniz em verdade absoluta, colocando a artista, por merecimento próprio, na coluna dos imortais. A serenidade da voz de Ana Maria Magalhães arrebata, dando um contorno sentimental intransmutável, envolvendo o espectador num enlace íntimo e resplandecendo de carinho à memória da amiga, que permanece viva nas lembranças mais bonitas do Rio de Janeiro.

Uma mulher libertina feito Leila Diniz jamais passaria batida aos olhos sangrentos da ditadura. Entrevista pelo jornal O Pasquim, ela não poupou palavrões nas respostas, escancarando sua verdade particular sobre as pautas: relacionamento, sexo e fidelidade. Meses depois da entrevista, o Decreto 1.077, batizado com o nome da atriz, instaurava a censura prévia à imprensa em todo o país. Eram os Anos de Chumbo dando luz a uma de suas piores facetas. Leila sofreu duras penas por conta da ditadura, acumulando problemas dentro da Globo, que cortou a vedete de seus papéis.

Poética e apaixonada pela liberdade, Leila Diniz viveu intensamente seus 27 anos. Entre todos os entrevistados a ideia é unânime: ela era a personificação do amor. Leila Diniz faz parte de qualquer contexto que seja Brasil. Sua brasilidade e sua alma insubmissa abriu os caminhos para a revolução sexual no país. Os filhos da santa devem muito a essa mulher intensa, sagrada e profana que com sua feminilidade encarou a ditadura e a estrutura patriarcal da sociedade. “Leila, você acertou no tabu. A falta que você nos faz. Seu amor, força e encantado.”

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