É a principal premiação da temporada, a mais popular, mais glamourosa, que mais dá o que falar e a mais emblemática. Com todos os holofotes voltados para meados de Março, é natural pensar que são essas as razões que fazem com que o Oscar seja a passagem de ciclo entre as temporadas de premiação. O pensamento faz total sentido, mas a própria indústria não o leva em consideração e ano após ano prova esse descaso.

No clássico Os Caçadores da Arca Perdida (1981), precursor da aventura no Cinema, mesmo com uma legião de fãs, há quem argumente que se trate um filme inútil: com ou sem Indiana Jones, os nazistas encontrariam a arca, a levariam para a ilha, abririam e morreriam. A 96ª edição do Oscar pode se enquadrar no mesmo cenário: nada na temporada de premiações mudaria o final premeditado há tempos.

Não foi por falta de tentativas, pelo contrário. 2023 foi um ano muito rico para o Cinema, seja em bilheterias ou em qualidade, razão pela qual a line-up de indicados foi bem convincente e talvez uma das melhores nos últimos tempos. Diversos filmes arrebataram a nós e nossos corações, e chegar em um número de cinco a dez indicados é sim uma tarefa difícil. Tão difícil que a própria Academia tem medo e, quando um filme específico foi lançado, veio o alívio para eles e para nós a certeza de que o roteiro já estava escrito.

Oppenheimer não é um filme ruim. Sua vitória é até consciente, mas vem por dois principais motivos: se tratar de uma obra protocolar e, acima de tudo, americanizada, tudo que a Academia ama. Porém, nele há um primor técnico, de atuação e narrativa que felizmente o distancia dos Oscar bait. Formava-se então um lugar seguro no qual essa edição poderia percorrer – e assim ela se fez. A premiação em si fez questão de se provar uma festa de indústria e não há melhor forma de fazer isso do que ser industrial.

Foi um Oscar homogêneo, sem sal, insosso, borocoxô. Suas edições anteriores nos surpreenderam, seja de forma negativa ou positiva, mas essa, nem isso. A sensação de acompanhar a edição de 2024 da premiação era de assistir um filme no qual você já sabia todos os spoilers – bom pra quem faz bolão, péssimo para todos os outros. Das categorias principais, pouquíssimas surpresas e nas que pelo menos havia uma dúvida – Melhor Atriz, Melhor Filme Internacional e Melhor Animação – optou-se por somente escolher um dos lados. Os destaques foram as categorias de roteiro, na qual o aclamado e instigante Anatomia de uma Queda levou Melhor Roteiro Original e o canastrão e esquecido Ficção Americana conquistou Melhor Roteiro Adaptado.

Porém, a Academia adora fazer merda e, se dessa vez, não foi dentro dos envelopes, decidiu que seria uma boa ideia abordar um tom político escancarado. Ao mesmo tempo em que é produtor de um modo de consumir Cinema, o Oscar também figura como produto do modo de pensar americano. Se abdicando ou falando muito pouco de temas pertinentes à edição, a instituição, conhecida por receber um lobby ferrenho de seus indicados, continuou uma campanha de dois anos para fortalecer os interesses estadunidenses acerca da Guerra na Ucrânia.

Em 2023, Navalny foi premiado, com Sean Penn sendo praticamente um porta-voz de Volodymyr Zelensky. Um ano depois, com a temática da guerra ainda mais presente na edição, seja por Oppenheimer ou Godzilla Minus One, a premiação optou por condecorar os tenebrosos War is Over! e 20 Dias em Mariupol, esse último com um discurso patético e pedante do diretor Mstyslav Chernov. Além disso, a já tocante seção do In Memorian se iniciou com um trecho final do documentário premiado sobre o opositor de Putin. Quanto ao genocídio palestino, se não fosse pela fala de Jonathan Glazer – judeu que dirigiu Zona de Interesse, sobraria apenas um silêncio que soaria como endosso.

Tinha tudo para ser uma edição ok, com potencial para se sobressair pelo menos em relação aos últimos cinco anos de premiação. Jimmy Kimmel curiosamente estava bem – considerando os hosts desastrosos que tivemos em outras premiações ao longo da temporada –, a dinâmica de chamar antigos vencedores para o palco anunciar os prêmios foi acertada, os números musicais estavam ótimos e até mesmo o desinteresse de Al Pacino no principal prêmio da noite funcionou.

Mas de que adianta uma boa casca se ainda falta alma? A maior audiência dos últimos quatro anos – resultado da decisão acertada de começar a cerimônia mais cedo – viu um Oscar robótico, burocrático, nada apaixonado, frio e calculista, assim como a figura do cientista retratado na obra que saiu como grande vencedora. A Academia precisa correr para se encontrar novamente e driblar os efeitos da pandemia e do desinteresse do público, pois enquanto as salas de cinema ficam cada vez mais cheias, a premiação está mais e mais vazia de si própria.

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Vitória Gomez

Uma tela preta com um som grave ao fundo inicia e encerra Zona de Interesse. A introdução subversiva dá o tom provocante da obra de Jonathan Glazer, que, ao invés de filmar os horrores dos campos de concentração da Segunda Guerra Mundial, aposta no senso ético dos espectadores para interpretar a dissonância entre o que se vê e o que se escuta. Curiosamente, a melhor aposta para o longa-metragem no Oscar, no qual foi indicado em cinco categorias, não é Melhor Som.

Nesse ponto, a aparição de The Zone of Interest escancara algo ainda mais perturbador. Junto de outras produções nomeadas este ano, como o iminente vencedor Oppenheimer (também sobre a Segunda Guerra) e o merecedor Assassinos da Lua das Flores, a premiação parece ter uma predileção por passar a limpo tragédias movidas pelo dedo humano (coincidentemente, em que o dedo é estadunidense). No entanto, a preferência é seletiva: enquanto homenageia documentários propagandísticos, como aconteceu no ano passado com Navalny e pode se repetir esse ano com o manipulador 20 Dias em Mariupol (sobre a guerra na Ucrânia), o país berço do Oscar não só nega um genocídio em andamento, como o financia.

É diante de tamanha hostilidade que Zona de Interesse cresce. A reflexão sobre a conivência com uma limpeza étnica, ignorando os gritos e tiros do outro lado do muro em prol de um suposto bem-estar social, tem o potencial para cutucar a ferida daqueles que permanecem omissos e, sem mau-caratismo, veem para além do que o filme opta por mostrar.

Na obra, adaptada livremente do livro homônimo de Martin Amis, de 2014, uma família alemã vive ao lado do campo de concentração Auschwitz. O patriarca é Rudolf Höss (Christian Friedel), que encabeça a administração do campo em sua fase inicial e, na vida real, o tornou uma máquina de ceifar vidas. Ele passa a maior parte do tempo se dedicando ao regime nazista e às ordens de Adolf Hitler, mas a esposa Hedwig (Sandra Hüller) e os filhos vivem uma vida tranquila e pacata no casarão, aproveitando os jardins e a horta, os amplos quartos e salas, estufa e a piscina. O cachorro corre pelo quintal enquanto os mais novos brincam, a mulher caminha com o bebê no colo e sente o aroma das flores, o filho mais velho dá possivelmente seu primeiro beijo nos fundos da casa.

O cotidiano seria pacífico e até normal de se assistir, se não fosse o que mora ao lado. O trabalho de som de Johnie Burn e Tarn Willers faz soar tiros, sirenes, gritos de pessoas amedrontadas e de militares raivosos do outro lado do muro. Algumas noites, as crianças imitam os ruídos que alcançam sua vida tranquila e as tiram o sono. O cachorro nem se incomoda com os estrondos, tamanho o costume. A mãe de Hedwig (Imogen Kogge), que visita a residência, reforça o quanto a filha venceu na vida, mas é a única que se incomoda e deixa o lugar depois de ver as labaredas de fogo vindas do quintal vizinho. Para a família, a crueldade e o desprezo pela vida humana é algo rotineiro, beirando a cegueira. Para quem assiste, um lembrete de que o preço a pagar pela resistência é muito maior do que pela ignorância.

Apesar de retratar o descaso, Glazer não cede a ele. O diretor e roteirista mantém seus personagens longe das câmeras e, se por um lado evita aproximações e uma possível romantização, por outro se afasta o suficiente dos seus objetos a ponto de quase eximi-los de responsabilidade pela apatia frente à sombra da morte. O conceito da “banalidade do mal” que virou jargão para definir as intenções por trás de Zona de Interesse não chega a esvaziar o tema, mas corre o risco de negligenciar que, por trás da tragédia, há pessoas.

É no retrato dessas pessoas que o longa-metragem opõem a realidade proposta pelo som. A esposa vivida por Sandra Hüller, em sua segunda aparição grandiosa nessa temporada de premiação, se ocupa de criar os filhos enquanto o marido está no trabalho sujo, visto por ela como algo honroso, e se vangloria da vida perfeita que construiu. Ela cuida das crianças e da horta, recebe as amigas para um café da tarde e sofre com a possível mudança de lar. Em alguns dos momentos mais simbólicos para mostrar o que há por trás de tanta paz, Hedwig prova roupas novas que vieram diretamente de judeus aprisionados vivendo ao lado.

Já o marido interpretado por Christian Friedel se mantém distante e frio. Assim como a esposa, ele exemplifica o conflito do filme: o mal não dá gargalhadas, mas vive ao lado de forma comum. Ele recebe companheiros de trabalho, tem ambições profissionais, se frustra com planos que dão errado e igualmente têm seus dilemas em deixar a família. Ainda assim, a rigidez do regime nazista está ali: ele não treme quando revela estar pensando em como matar todos no ambiente e sua única demonstração de carinho é um “eu te amo” para o cavalo de estimação. Mesmo as falas mais cruéis não se comparam à indiferença da família Höss.

Na lista de Melhor Filme no Oscar, Zona de Interesse pode ficar atrás dos seus concorrentes, mas é uma vitória quase certeira em Melhor Filme Internacional para o Reino Unido (já que a França desistiu de submeter seu Anatomia de Uma Queda). O longa ainda trava certa concorrência em Melhor Roteiro Adaptado e Melhor Direção, ambos para Jonathan Glazer. No line-up da premiação, a mensagem que fica é que, enquanto reflete sobre tragédias passadas, o genocídio em andamento ainda não é digno da mesma comoção norte-americana.

Não por isso o longa deixa de refletir sobre si mesmo. Em uma das cenas finais mais impactantes da categoria principal, o comandante de Auschwitz fica enjoado e vomita ao descer as escadas, saindo de uma reunião da organização nazista. A ruptura é temática, violando a perspectiva e rigidez proposta até ali, mas também é na forma estilística. A montagem de Paul Watts viaja no tempo para depois do Holocausto, mostrando o saldo do que se tornou o campo de concentração, um lembrete da crueldade humana que ceifou milhões de vidas. Também abre possibilidades para interpretação – há um resquício de humanidade, uma luz no fim do túnel da brutalidade? A história tomou seu próprio rumo, mas se repete e Zona de Interesse tem o potencial para oferecer um momento de reflexão.

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