Clara Sganzerla e Letícia Stradiotto

Separe sua calça boca de sino, seu óculos escuro, uma blusa com a estampa mais divertida do seu armário e entre na atmosfera dos anos 70 com a banda mais incrível que, até então, não existia. A nova série do Amazon Prime Video, baseada no livro de mesmo nome da autora Taylor Jenkins Reid, nos apresenta, com muito drama, romance e emoção, a ascensão e queda do grupo mais polêmico e amado do Reidverso. Antes de mergulhar na Los Angeles regada a drogas, sexo e rock n’ roll, não esqueça seus fones de ouvido e prepare-se para se apaixonar, chorar e voltar no tempo com Daisy Jones & The Six. 

Em uma adaptação cinematográfica excepcional, temos o prazer da experiência completa ao ler, ouvir e assistir a obra de Reid. A começar, é claro, pelo elenco. Depois de nos apaixonarmos por Finnick Odair em Jogos Vorazes ou por Will Traynor em Como Eu Era Antes de Você, Billy Dunne vai te levar do céu ao inferno com todos seus charmes e defeitos, encarnados por Sam Claflin. E, enquanto nos encantamos por Camila Dunne, interpretada por Camila Morrone, Riley Keough incendeia a cidade dos anjos protagonizando a alma livre, rebelde e quebrada da maior musa e principal peça desse triângulo amoroso, Daisy Jones.

A melhor parte é que, felizmente, o drama da série não se limita aos vocalistas. A química envolvida entre Karen Sirko e Graham Dunne, materializada por Suki Waterhouse e Will Harrison, nos tirou algumas lágrimas. Já a oposição de Eddie Roundtree (Josh Whitehouse) ao egocentrismo exagerado de Billy antes da chegada de Daisy à banda foi exatamente o que precisávamos – isso sem contar com o alívio cômico Warren Rhodes (Sebastian Chacon). Ao todo, o grupo tornou-se uma família dentro e fora das telas, trazendo uma versão original da caótica energia Woodstock mesclada com outros ícones atemporais da Música da época.

Além da impecável fotografia de Checco Varese e o figurino dos sonhos de Denise Wingate, a cereja do bolo para os fãs foi, sem dúvidas, AURORA. Em 11 faixas que contaram com a composição de Phoebe Bridgers, Sam e Riley soltaram a voz para que canções inspiradas nos livros grudassem em nossas cabeças com um rock suave. A grande ironia, nesse caso, é descobrir que a neta do Elvis Presley, a intérprete de Daisy, mentiu nas audições ao dizer que cantava. Foi somente depois de algumas aulas que a pegada musical da família aflorou em seu espírito, entregando lindos vocais, como em The River e Look At Us Now.

Adentrando ainda mais nas particularidades da obra de Taylor Jenkins Reid, a trajetória da banda Daisy Jones & The Six bebe da essência de um dos maiores nomes da Música nos anos 70: o grupo anglo-americano Fleetwood Mac. A inspiração da autora está por trás do álbum Rumours, conhecido por hits como The Chain e Dreams. O disco é amparado em ritmos do folk rock e, principalmente, pelas tensões amorosas moldadas em canções. Assim como Daisy e Billy, a história da banda ganha destaque pelas agulhadas de Stevie Nicks e Lindsey Buckingham em suas performances ao vivo. A cantora e o guitarrista começaram a namorar e, assim como todos os casais rodeados pelo sucesso, seu amor pode ter chegado ao fim no mundo da fama, porém, ainda estavam reféns. Com fúria, ódio e doses de cocaína, o casal performou com paixão e loucura em 1982. 

Como se não bastasse tal inspiração, o caos da fama – e, consequentemente, das drogas – em Daisy Jones tem um pé na realidade de Stevie Nicks. No livro, a personagem é retratada como uma usuária frequente de substâncias ilícitas, incluindo a cocaína, algo que a cantora do Fleetwood Mac fala publicamente sobre o uso naquela década. A vocalista afirma que todos os integrantes eram viciados, mas ela era a pior. E se isso já é coincidência demais, aqui vai um bônus: a dependência de Nicks no narcótico mais utilizado pela indústria da Música a levou a uma overdose em 1986 que quase acabou com a sua vida. Assim como Daisy no oitavo episódio, Parece que a Gente Conseguiu, em que obteve doses excessivas da substância no organismo, mas foi salva por Billy Dunne.

No entanto, a pegada mais densa na obscuridade química do sucesso não é tão presente na adaptação quando comparada ao livro. A série retrata com mão leve o vício exacerbado em drogas e bebidas no universo do rock’n’roll. Tal fato é justificado pelo objetivo de manter a obra como algo mais acessível e livre de polêmicas maiores, afinal, possui um sutil toque no público infanto-juvenil. Entre o rock e o soft, a produção mantém o equilíbrio desejado pelos espectadores, regulando as doses de perplexidade da subcultura.  

Seguindo nessa estrada da harmonia, a série não erra ao adentrar nas contradições do passado. Mesmo na incessante busca pela liberdade e paz que inundava o cenário cultural da década, ainda esbarramos no machismo e na homofobia. Dentro dessa narrativa de silenciamento, nossa dancing queen Simone Jackson (Nabiyah Be) encontra sua luz nas pistas de Nova York, mas depara-se com a escuridão ao ter a mais clichê das escolhas no contrato de sua gravadora: o amor da sua vida ou a carreira dos seus sonhos. Nos surpreenderia se esse fosse o único caso do tipo dentro da produção. A história de vida de Daisy é manchada pelo abuso psicológico de seus relacionamentos amorosos, enquanto Karen sabe que arruinará sua carreira se assumir publicamente o relacionamento com seu colega de banda Graham – exatamente ao estilo “Ele queria uma esposa/Eu estava fazendo meu nome”.

A trama demonstra o crescimento do grupo musical ao longo dos curtos anos, com shows cada vez maiores e com fãs espalhados pelo mundo, os groupies garantiram o seu lugar na Lua. Mas, ainda imersa no planeta Terra, estava Camila Dunne. A esposa do galã de Daisy Jones & The Six talvez tenha ganhado o papel mais importante e emotivo na história. Camila é o ponto de racionalidade entre toda a bagunça e confusão dos holofotes, sendo a âncora responsável por manter firme a embarcação. Não se engane: ela pode até parecer apaixonada ou ingênua demais, mas sua sagacidade é demonstrada exatamente através do olhar que a fotógrafa exercita em sua vida – ficar ou não com Billy sempre foi, no fundo, uma escolha, e não uma dependência. Seu enredo, no fim, é tão comovente que nos faz questionar quem realmente é a protagonista.

Esse questionamento não é apenas dos telespectadores, mas também do próprio Billy Dunne, que se encontra constantemente dividido entre suas paixões. A narrativa construída com um compilado de entrevistas tange no estilo documentário e demonstra aquilo que não estava explícito na época. No entanto, um incômodo na trama é a ausência da exploração de alguns de seus personagens: o enredo deixa um pouco de lado o desenvolvimento de outros integrantes da banda. Com exceção de Karen e Graham, que vivem um romance, os membros do grupo como Eddie e Warren, muitas vezes, ficam em segundo plano, tendo um singelo destaque apenas no final da temporada. Dessa forma, o triângulo amoroso entre Camila, Billy e Daisy Jones é o motor responsável pelo clichê rockstar, em que a universalidade das histórias consiste na instigação que motiva o público de Jenkins Reid. Afinal, o que as estrelas estão nos mostrando e o que elas querem esconder de suas vidas?

O relacionamento de Daisy e Billy é eletrizante, e de enemies to lovers os artistas se completam por possuírem muito em comum, principalmente os defeitos. O ego e a luxúria transformam a dupla em uma espécie de bomba que pode explodir a qualquer segundo: suas características, arrebatadas em conjunto com as fraquezas emocionais, estrondam o amor impossível, caindo na expectativa de querer aquilo que não podemos ter. Ao protagonizar seu último show em 1979, a banda Daisy Jones & The Six recebe seu devido término por ter se arriscado demais ao entrelaçar desejos de sentimentos inconcebíveis. 

A história de Música e amor agrada por ser uma coleção de clichês, com personagens e composições extremamente viciantes em uma estética muito bem construída. De Pittsburgh para as águas internacionais, a obra de Taylor Jenkins é apenas um dos livros de sucesso da autora que ultrapassaram as barreiras da ficção – no fundo, todos nós sentimos falta de uma banda tão icônica, polêmica e talentosa para aquecer nosso coração. E se o Oscar é da Evelyn Hugo e o Grand Slam de Carrie Soto, o Grammy com certeza vai para Daisy Jones & The Six. 

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Raquel Dutra

Esta é a temporada em que o Cinema mainstream se ocupa em reconstituir trechos da história da luta por igualdade e liberdade na América ao mesmo tempo em que inicia a concretização da exaustiva cobrança por diversidade e inclusão. De 12 meses pra cá, surgiram em nossas telas retratos memorando períodos e movimentos que determinaram o que nossa realidade é hoje e os avanços que conquistamos, pintados por cineastas que hoje compõem as premiações mais diversas da história. No gênero que se ocupa em registrar a nossa existência, o cenário não poderia ser diferente, e Crip Camp: Revolução pela Inclusão é mais um encontro de todas as pautas que tomaram o ambiente de debate sobre as produções audiovisuais nos últimos meses. 

O documentário se volta para os anos 50 acompanhando inicialmente a história do Camp Jened, um acampamento para jovens com deficiência, até chegar no começo dos anos 60 e continuar pelas próximas três décadas assistindo o nascimento e consolidação de um movimento em busca de direitos para aquela população, que na época formava a maior minoria dos Estados Unidos. A ligação de Crip Camp entre esses dois extremos temporais se dá pelos efeitos gerados no acampamento, que motivou a organização coletiva por igualdade a partir de sua principal premissa: constituir um lugar seguro para que pessoas com deficiência pudessem viver livremente sua juventude, longe dos preconceitos da sociedade e da superproteção dos pais, ainda que por apenas alguns dias.

Ao longo dos 100 minutos, o epicentro da história se constrói sob o fato de que os jovens livres de Jened se tornaram ativistas que mudaram a estrutura segregacionista dos Estados Unidos junto dos demais movimentos por direitos civis. Assim, Crip Camp não funciona somente como uma cápsula do tempo de memórias juvenis nem “apenas” (com muitas aspas) como um histórico da luta pelos direitos das pessoas com deficiência no país, mas tece também uma reflexão poderosa sobre auto-estima e a potência que existe na simplicidade do sentir-se pleno enquanto ser humano.

É por isso que o ex-campista James LeBrecht defende logo no início que o acampamento “mudou o mundo” e decidiu contar a história como um dos principais personagens e colaboradores do filme, além de também dirigi-lo, roteirizá-lo e produzi-lo junto de Nicole Newnham. Com muita memória afetiva, ele engata a narrativa a partir de suas lembranças pessoais num lugar que de início pode parecer com qualquer outro acampamento para jovens na era Woodstock. E justamente por ser tão normal é que ele era tão especial. No Camp Jened, não existia tratamento diferenciado para as dezenas de jovens e adultos com deficiência física ou intelectual, que se encontravam em todos os verões entre a década de 50 até o final dos anos 70 nas montanhas do estado de Nova Iorque. 

As únicas determinações eram a liberdade e o respeito, e a única coisa que todos tinham em comum era a falta de convívio social, alguns porque eram obrigados institucionalmente pela segregação, outros para evitar a exposição ao preconceito. Quem coordenava tudo eram os monitores do acampamento, jovens integrantes de outros movimentos sociais, sem deficiência e sem formação para atender as necessidades especiais dos campistas, o que acabava por intensificar a sensação de liberdade, autonomia e confiança nas brincadeiras, festas e rodas de conversa promovidas no Camp Jened.

A energia da convivência no acampamento é trazida para Crip Camp através de alguns registros que James LeBrecht fez de seus verões em Jened, buscando vazão para para suas inspirações audiovisuais enquanto vivia sua juventude com uma deficiência física. Ali, exceto pelos momentos reservados para cada um compartilhar suas dores na intenção de encontrar apoio e identificação, não era lugar de se definir pelas suas condições físicas ou intelectuais. O clima era tomado por uma vibração intensa de amizade e diversão.

O que reflete num filme leve, bem-humorado e natural, exatamente da mesma maneira que as coisas eram encaradas em Jened. Mesmo nas ocasionais imagens em preto e branco, Crip Camp é colorido pela contagiante vivacidade de seus protagonistas e especialmente iluminado pela trilha construída com as músicas enérgicas dos anos 60 celebrando o amor e pedindo por liberdade e paz. 

Mérito disso também é de seus personagens, que dividem suas vivências, das mais gostosas às mais difíceis, com a paixão da saudade e brilho no olho da satisfação, algo que só transforma o filme em algo ainda mais especial. Além de acender uma luz em memórias deliciosas, Crip Camp coloca pessoas com deficiência como fontes de informação em uma narrativa maravilhosa sobre elas, onde elas são ouvidas, respeitadas e consideradas como o que de fato são: uma parte importante da história.

Organicamente, esse movimento origina o segundo ato do filme de LeBrecht e Newnham, que se destina exclusivamente a explorar o nascimento dos movimentos pelos direitos das pessoas com deficiência. E inteligentemente, isso é o que cria uma distanciação entre Crip Camp e uma possível romantização perigosa da luta exaustiva que aqueles grupos tiveram que enfrentar enquanto buscavam direitos básicos e do tratamento humilhante que tiveram que encarar até chegar lá. 

Com um objetivo muito bem definido e ciente do poder que tem nas mãos, Crip Camp não usa sua história divertida sobre juventude de forma irresponsável, pintando tudo às mil maravilhas como algo que só é sobre festa e curtição. O documentário não hesita em mostrar também a realidade cruel vigente pelo preconceito através de imagens fortes, denunciando o tratamento desumano que outros locais de “assistência” reservavam às pessoas com deficiência. Elas, inclusive, infelizmente não estão todas vivas para dar voz às suas experiências na tela, mas as figuras centrais do documentário encontram espaço ali, presentes e contundentes para contar sua própria história. 

A principal delas é Judy Heumann, estrela de Crip Camp e uma das melhores oradoras e líderes que teremos a chance de conhecer. Na época, a jovem campista, convivendo com as sequelas da poliomielite que teve ainda quando bebê, logo se revelou uma liderança dentro da bagunça boa do acampamento. Fora dele, sua habilidade de articulação a transformaria numa das figuras mais importantes na luta pelos direitos das pessoas com deficiência nos Estados Unidos, iniciada com a Ocupação 504, quando 150 pessoas ocuparam o Departamento de Saúde de São Francisco até que fossem aprovadas leis locais de acessibilidade.

Judy também foi conselheira internacional para os direitos das pessoas com deficiência no Departamento de Estado dos EUA no governo de Barack Obama, e talvez seja a responsável por fazer a ponte entre o filme e sua produção, assinada pela Higher Ground. A produtora do ex-presidente e de sua esposa, Michelle Obama é queridinha da Academia desde seu primeiro filme, estreando na indústria cinematográfica já com uma estatueta de Melhor Documentário no Oscar do ano passado. O fenômeno foi atingido com Indústria Americana – intragável e apático, diga-se de passagem -, filme também distribuído pela Netflix que causou o terror da categoria repleta de produções incríveis em 2020.

Entretanto, os erros do ano passado não se repetem desta vez com Crip Camp. O hit da penúltima edição do Festival de Cinema de Sundance é um pouco mais sutil que as ficções indicadas, um pouco menos incisivo do que alguns companheiros de categoria (Time, por exemplo) e ofusca seus concorrentes igualmente merecedores que não possuem o poder econômico e simbólico da produtora dos Obama. Mas a indicação da vez é merecida e o favoritismo não é apenas justificável como também bem-vindo no Oscar 2021, considerando todo o seu significado no reconhecimento que traz aos profissionais com deficiência, contemplados no nome de James LeBrecht, e à história de inquestionável importância.

Isso é o que se sobressai em Crip Camp, aliás. Ao nos colocar diante de uma história onde os que eram vistos como os mais frágeis e fracos da sociedade enfrentaram o mais alto escalão de seu governo com sucesso, o documentário transcende seu nicho – já de formação obrigatória para qualquer cidadão do século XXI -, pauta o anticapacitismo e cria algo muito poderoso sobre a potência do sentir-se digno.

Reflexão que se desdobra e se manifesta em diversos aspectos de Crip Camp. No Cinema, ele sublinha a importância de se representar pessoas iguais às que vemos na vida real, que de minoria, às vezes, não têm nada, e que estão por aí, contando suas histórias com maestria, transformando assim o reconhecimento como algo que precisa apenas de uma oportunidade para acontecer. 

No íntimo, ele toca na verdade simples e subestimada que prova que mudar o micro transforma o macro. É fato que as vigências do nosso mundo são muito grandiosas e muito bem instauradas, mas Crip Camp nos lembra através de um exemplo concreto que as coisas começam por algum lugar. Pelas pessoas, mais especificamente, que por sua vez, também precisam ser transformadas numa realidade que apaga sua autonomia em benefício de suas próprias estruturas.

Com essas peças em mãos, tudo se encaixa. O que Crip Camp constrói é exatamente uma demonstração da transformação que pode surgir de um sentimento ‘simples’ e individual, que acaba por ser poderoso e coletivo. Através do sentir-se capaz e digno de sua existência, digno de sua voz, digno de sua história, e, neste caso em especial, digno de sua arte e de seu cinema, o documentário chega na motivação de tudo o que fazemos na coletividade: lutar pela vida e para que todos tenham direito de vivê-la.

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Caroline Campos

Há séculos, cometas têm passado pela Terra. Seus suspiros de vida são breves, mas igualmente fortes. Tão fortes que ecoam gerações adiante mesmo após sua passagem. Janis Joplin, a selvagem primeira dama do rock n’ roll, foi um cometa – desses que desestabilizam e transformam os poucos sortudos que podem presenciá-los. Apesar do tempo da cantora nesse plano ter sido curto, é possível entrar em contato com um pedacinho de sua alma ao ouvir Pearl, sua obra-prima. O disco foi lançado em janeiro de 1971, três meses depois de Janis ter sido encontrada morta em seu quarto de hotel. Passados 50 anos, a certeza ainda é uma: nunca existiu ninguém como Janis Joplin.

A década de 70 foi pra lá de produtiva no mundo da música. Estrelas em ascensão, bandas se consolidando e o lançamento de álbuns e mais álbuns que hoje em dia são peças raras para qualquer colecionador. Janis, que veio de uma família conservadora em uma cidadezinha do Texas, foi lançada em 1967 no Festival Pop de Monterey, ao lado da banda Big Brother and Holding Company. Curiosamente, o mesmo festival também lançou Jimi Hendrix, que, por ironia do destino, compartilha outro número com a cantora: ambos morreram com 27 anos, inaugurando o chamado Clube dos 27 – a maldição que envolve diversos famosos que partiram nessa idade.

Depois de produzir dois discos com a banda, Big Brother and the Holding Company (1967) e Cheap Thrills (1968), era hora de pensar solo. Assim, a cantora se aventurou com os The Kozmic Blues Band para lançar I Got Dem Ol’ Kozmic Blues Again Mama!, em 1969. Vocais potentes a parte, o registro não foi um grande sucesso, e Janis precisava mesmo era de uma banda que a entendesse. Foi aí que encontrou os canadenses da Full Tilt Boogie Band, responsáveis pelo instrumental de tirar o fôlego de Pearl, o segundo e último trabalho solo de Janis, e também o melhor.

Das dez faixas explosivas presentes no disco, apenas uma não foi concluída: Janis faleceu antes de gravar os vocais de Buried Alive In The Blues. Como os arranjos já haviam sido aprovados pela cantora, a banda optou por mantê-la no CD, do jeitinho que a texana iria querer. Não é para menos, pois só de ouvir a canção é possível perceber o nível de talento dos músicos que Joplin escolheu. O resto de Pearl parece um lamento melancólico guiado por Janis. Sua voz visceral está no auge da crueza, provando que a cantora era, acima de tudo, um fenômeno da natureza incapaz de ser controlado. 

E o melhor exemplo disso é Cry Baby, cover da música de Garnet Mimms, da banda de blues Garnet Mimms & The Enchanters. A impressão que temos é que, a qualquer momento, os alto-falantes vão se rasgar tamanha a performance da cantora logo na segunda música de Pearl. O tom rouco e a queixa pelo desamor que vive dita todo o resto do disco também é explícito em A Woman Left Lonely, em que Janis canta em um paradoxo sensível-agressivo sobre solidão e carência.

Janis Joplin também assina a composição de duas faixas: Move Over e Mercedes-Benz, em parceria com Bob Neuwirth. A primeira, abre-alas do disco, tem guitarras marcantes que acompanham cada timbre da cantora em uma vibe rock ‘n roll, que foi apresentada no The Dick Cavett Show após uma entrevista repleta do bom humor habitual da rainha de plumas na cabeça. Ou aceite esse amor que eu ofereço ou me deixe em paz – homens são homens independente da época em que se cante sobre eles. Já Mercedes-Benz, sua música mais conhecida, recebe uma versão à capela com nada além de batidas de pé acompanhando a rouquidão com que Janis a entoa.

Na letra, Janis pede a Deus uma TV a cores, uma noite na cidade e uma Mercedes, diferente de seus amigos que possuíam Porsches. O engraçado é que, no final das contas, Janis se comprou um Porsche branco, o qual ela achava extremamente sem graça e pediu ao amigo que pintasse. O resultado, colorido, psicodélico e belíssimo, foi vendido por mais de um milhão e meio de dólares em 2015 em um leilão que durou apenas 5 minutos. “Gostaria de fazer uma música com grande importância social e poética”. 

Outro grande clássico da discografia da roqueira integra Pearl – Me and Bobby McGee, escrita pelo cantor Kris Kristofferson, retoma as raízes country de seu berço no Texas. A música é uma balada deliciosa sobre um casal viajante, marcada pelo amargor da separação e a tristeza da saudade. Ouvindo a letra, é impossível dissociar Janis da personagem que canta. “Eu trocaria todos os meus amanhãs por um único ontem, para estar abraçada com o corpo de Bobby perto do meu”. 

Janis sofreu muito pelo seu estilo diferente dos texanos caretas ao seu redor, com o cabelo desgrenhado e as roupas largas e vibrantes. Mais uma mulher vítima dos padrões estéticos, chegou a ser classificada como “o homem mais feio do câmpus” na Universidade do Texas, que integrou por um breve período de tempo estudando arte. O que seus bullies não esperavam era que sua vítima iria morrer com status de lenda, sendo apelidada de “pérola”, o mesmo nome de seu último álbum, enquanto eles foram esquecidos pela história. 

No caminho em que as faixas vão passando, o amor é procurado, reafirmado, questionado e lamentado. Enquanto My Baby é uma ode a confiança da paixão e Half Moon sobre o impacto que esse sentimento causa – seu amor me dá vida -, Trust Me implora por tempo para amadurecer, pois todos nós sabemos que Joplin era um espírito sem amarras. Sossegar e se permitir um amor tranquilo não estava nos seus planos.

Depois de uma avalanche sentimental, Get It While You Can finaliza não só o disco, mas a carreira musical da cantora. Coincidências à parte, Pearl foi produzido por Paul Rothchild, conhecido também pela produção de álbuns do The Doors, banda clássica do rock liderada por Jim Morrison (outra conhecida vítima da maldição dos 27).

Sua vida cheia de altos e baixos não poderia deixar de envolver os vícios, já que foi a mistura de álcool e heroína que causou uma overdose fatal na cantora no dia 4 de outubro de 1970, em Los Angeles. Inclusive, foi depois do lendário Festival de Woodstock, em 1969, que Janis resolveu tentar sua própria forma de reabilitação e pousou em terras brasileiras. Fez topless, foi expulsa do Copacabana Palace por nadar nua e os boatos ainda especulam um breve relacionamento da cantora com o roqueiro Serguei. O mais Janis Joplin possível. 

O que deixa Pearl ácido e metálico é perceber a impressionante capacidade que foi interrompida. É lamentar tudo que a Rainha do Rock poderia ter se tornado, vivido. O disco vendeu mais de 4 milhões de cópias exatamente ao mostrar uma Janis Joplin atormentada, desiludida, mas tão completa e incompleta quanto nunca. 

Janis pode não ter se encaixado no Texas, mas o resto do mundo a acolheu por suas imperfeições, seu talento e sua personalidade arrebatadora. A cantora segue sendo inigualável com sua voz áspera e dedicada, e, mesmo tendo partido muito, muito cedo, ainda nos deixou um dos maiores álbuns da música. Cinquenta anos depois, a pérola reluz como nunca.

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