Fábio Gabriel Souza

A Arte precisa sempre ser inovadora? Essa pergunta guiou a discussão de muitos fãs, especialistas e entusiastas de cultura pop ao escutarem Something To Give Each Other. Troye Sivan, em seu terceiro álbum de estúdio lançado em Outubro de 2023, nos leva a uma viagem dançante, eletrizante e intimista, que celebra a liberdade de expressão queer. Longe de ser inovador e revolucionário, o álbum é o que se propõe a ser: pop. 

Em uma melancólica estreia de 2015, com Blue Neighbourhood, Sivan cantou sobre descobertas e emocionou milhares de ouvintes com uma profunda identificação da comunidade LGBTQIA+. Depois, em Bloom (2018), o australiano, já um pouco mais maduro, versou sobre a vida adulta e suas primeiras experiências amorosas sexuais. Enquanto, nesses álbuns, ele procura seu lugar no mundo com inúmeras descobertas e ‘primeiras vezes’, no atual projeto, o cantor desenvolve uma persona madura e vivida, cantando sobre a sua independência e liberdade, embalado por ritmos que remontam ao pop disco e à Música eletrônica da década de 1980.

“Este álbum é o meu presente para você – um beijo na pista de dança, um encontro que se transformou em um fim de semana, uma paixão, um inverno, um verão. Festa após festa, após festa, após festa. Desilusão, liberdade. Comunidade, irmandade, amizade. Tudo isso <3” 

– Troye Sivan via X

Em Rush, música escolhida como lead single, somos levados a uma noite de ‘curtição’. Com batidas eletrizantes e dançantes, a canção indicada ao Grammy de 2024 canta sobre a cultura LGBTQIA+. Partindo de um estilo sensual e homoerótico, vemos um artista seguro de si e da sua sexualidade, livre para, enfim, celebrar a sua liberdade. Tudo isso é notável em versos como “Tão bom quando desaceleramos a gravidade, tão bom/É tão bom, é tão bom/Respire uma, duas, três vezes, pegue tudo de mim, tão bom”, em que a sexualidade é celebrada. Com um ritmo enérgico, Troye Sivan ainda canta sobre a falta que sente de um amor que está distante e como ele próprio está se sentindo. Segundo o website Pitchfork, o músico trata as festas e o sexo como um ato quase religioso.

Começando tão agitado, o álbum logo entra em um segundo ato e sofre uma queda de ritmo. Ao diminuir o flow em One of Your Girls, Sivan conta um segredo com um vocal sussurrado; a música é sobre a atração do eu lírico por um homem hétero. A canção constrói uma atmosfera sexy em volta de uma narrativa do proibido ser mais gostoso. Sendo fiel aos seus vocais, a composição propõe leveza e sensualidade. Em um videoclipe ainda mais polêmico, o artista performa vestido de drag queen e denuncia a submissão imposta com grande frequência aos homens gays. Refletindo seus pensamentos e dando continuidade, ele traz um desabafo em um ritmo desacelerado, com uma batida expansiva e taciturna, que transforma em beat e poesia caótica os sentimentos de uma pessoa apaixonada e obcecada.

Ao compor sobre sentimentos, é impossível não tratar da saudade e Troye Sivan sabe disso. Em alguns momentos, o artista retrata momentos perdidos e a falta de um amor do passado que ele não pode voltar a ter com um lirismo triste e profundo. É nítida a dificuldade de seguir em frente, mas com uma certa maturidade, o eu lírico entende que é um processo necessário, porém, dolorido, como o amor pode ser. O final da faixa entrega batidas distorcidas que provocam confusão, como um curto-circuito de tanto pensar. Com a mesma calmaria, Can’t Go Back, Baby é embalada por uma sonoridade com batidas constantes, que não traz surpresas, característica que reflete monotonia. Com referências do pop alternativo, Sivan se força a seguir em frente mesmo sentido dor e tenta se convencer sobre como é impossível voltar atrás ao cantar “Eu queria, mas não posso voltar (não posso voltar no tempo, querido)/Para os dias em que eu achava que te conhecia”.

Retratando os altos e baixos da vida, o australiano traz um sopro de animação para o disco com músicas sensuais e envolventes, de sonoridade pulsante, cantadas de uma forma sexy. Got Me Started, por exemplo, é uma mistura de pop e R&B contemporâneo, tendo um sample de Shooting Star (2009) da dupla Bag Raiders. A faixa reflete uma intensa noite de paixão e culmina em uma catarse vibrante sobre honestidade sexual: um grito queer sobre amar e querer quem quiser. Essa narrativa é muito bem representada em um videoclipe que exalta diferentes corpos e sexualidades, enquanto as luzes da cidade de Bangkok, onde foi gravado, leva o artista em uma dança agitada e divertida  – bem diferente do cenário de Rush, que sofreu críticas pela falta de diversidade no elenco.

Em uma balada dançante, Silly retrata Troye Sivan perdido. O próprio ritmo da música demonstra a confusão na cabeça do eu lírico e a constante vontade de esquecer um amor do passado. Ao cantar que “Eu ainda te amo mais do que eu deveria dizer/Só estou tentando colocar toda essa porra de lado/Não preciso de ninguém aqui pra me consolar/Só estou tentando sair disso”, entendemos que a composição é sobre uma noite de festa para esquecer.

O albúm mostra que a Música é para além de letras e, muitas vezes, sobre o conjunto da obra, afinal, somos surpreendidos a todo momento por uma experiência sinestésica. Honey, por exemplo, é toda sobre excessos, muitos sons, instrumentos e toques distintos que provocam um jogo de emoções inexplicáveis. E a Música é isso, um êxtase provocado por um misto de desejos e sensações. A repetição de versos como “ao longo do tempo” e “em minha mente” demonstra a urgência sentida pelo artista que, em entrevista à revista Rolling Stone Austrália, revelou que a canção foi inspirada em um ‘caso de uma noite’ em West Hollywood e representa seu despertar emocional, que também culminou no desenvolvimento do disco.

A confusão se faz presente quando Sivan sente coisas lindas, mas vive um momento em que não sabe se existe possibilidade para dar continuidade. O saxofone, presente em vários minutos da canção final, por exemplo, adiciona uma melancolia na aura, que também está marcada em sua própria letra: “Querido, volte, me dê mais um beijo/Estou um pouco perdido sobre como ficar com você”. Além disso, a falta de intimidade que ele sente atualmente na relação também é motivo desse sentimento, como retratado em “Não tenho flores, mas o que vale é a intenção/Queria que você morasse um pouco mais perto”; retratando a desesperança no amor, diferentemente de outros trabalhos, como Angel Baby (2021), que retrata uma idealização amorosa.

Em resposta aos questionamentos que podem ser feitos quanto a qualidade artística do álbum, conclui-se que a Arte nem sempre precisa ser inovadora, mas sim, ser uma expressão do ‘ser’ e claro, deve ser boa, o que Troye Sivan entrega com maestria ao trazer uma sonoridade que se encaixa perfeitamente durante todo o disco – inclusive em momentos que o ritmo cai, mas não perde a identidade musical –, com letras envolventes e sinceras, que emanam emoções cruas, e visuais que representam, definitivamente, uma era. No auge da sua proposta artística, o australiano nos leva a um ‘rush’ no universo construído milimetricamente por ele, cheio de tesão, ternura, noites de boate e, até mesmo, glory holes.

Com uma nota sólida no contador de críticas Metacritic e ótimas avaliações da crítica especializada, Something To Give Each Other é sobre vivências queer, amores que deram certo e errado, e ser honesto consigo mesmo e com a confusão de se entender. Aos 28 anos (na época), Sivan finalmente canta sobre suas experiências LGBTQIA+’s abertamente, sem camuflá-las em metáforas. Claramente, é uma odisséia sobre os altos e baixos do coração, mas não só isso, é sobre vivê-los com intensidade. O álbum é uma jornada de autoconhecimento e uma ode a liberdade sexual, amorosa e queer, além de um lembrete de que nunca paramos de procurar algo para dar ao outro.

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Vitória Gomez

Jão agarrou cada chance que teve de virar uma estrela pop. Antes das noites lotadas e das superproduções que marcam seus dois últimos projetos, o cantor do interior paulista já se entregava em cada performance, seja em palcos pequenos de bares, com um figurino calça-e-camiseta-preta na Virada Cultural de São Paulo ou casas de shows que mal comportam o fervoroso público adolescente. Mais do que tempo ou maestria musical, o fenômeno surgiu da conexão dos temas com uma audiência enfrentando a perspectiva de virar adulto, se desvencilhar dos primeiros laços ou ter um primeiro coração partido. Com SUPER, não foi diferente: é durante a performance que o artista se conecta e cria o espaço seguro tão característico de sua carreira, transformando um álbum comum em uma noite memorável.

O projeto é o quarto de Jão e fecha um ciclo dos quatro elementos: Lobos foi terra; Anti-Herói, ar; Pirata, água; e SUPER é fogo. Incendiando a despedida do que começou há pouco mais de cinco anos, o cantor e compositor refina suas letras e referências musicais, mas não desapega dos temas que o alçaram à fama. Se por um lado o projeto atual soa novo, mas diz algo velho, por outro faz sentido dentro do fechamento da casa dos vinte anos planejado por ele, que, agora, pensa em cada trabalho como uma experiência completa, do musical ao audiovisual à performance.

SUPER pic.twitter.com/4SoC1Epfi9

— Jão (@jaoromania) August 8, 2023

A conexão não só continua como atinge seu auge em SUPER. Já na audiência do álbum (evento em que o cantor apresenta as faixas ao público antes do lançamento oficial e já virou tradição), Jão apresentou um conceito que, aparentemente, esteve em sua mente o tempo todo, mas só foi revelado na reta final. A relação com os quatro elementos como norteadores de um único ciclo da vida do artista retoma elementos e trechos dos trabalhos anteriores e justifica as repetições – afinal, quantas decepções amorosas podemos viver a cada ano? 

Outros trunfos também foram importados. A tradição das cartas abertas, em que o artista publica uma mensagem aos fãs precedendo o lançamento, cria a expectativa para não só escutar mais um disco, mas acompanhar um novo capítulo da vida da estrela em ascensão. Dessa vez, o capítulo é antigo para, finalmente, colocar um ponto final em tudo aquilo que já conhecemos, desde a saída do interior até a chegada em uma São Paulo cheia de oportunidades. Além de colocar os pingos no is a respeito de sua história até aqui, SUPER eleva o potencial de Jão para o que vem a seguir: como o próprio explica, foi feito para ser gritado ao vivo nos maiores palcos do país.

Prova disso é Alinhamento Milenar e Locadora. As faixas não se destacam nem entre o conjunto das 14 que formam o álbum, mas, na performance ao vivo, elevam a experiência de vivenciá-las, que perdurará nos próximos plays. Um estádio lotado gritando “você não acha?” com um beijo cinematográfico no telão ou um palco de cinema transmitindo imagens de uma câmera na mão (à lá Rosalía e, mais recentemente, Ludmilla) mostram que o artista não mentiu.

Ainda, há faixas de SUPER que soam como coringas. Me Lambe, Julho e Maria poderiam facilmente integrar qualquer um dos álbuns anteriores de Jão. A fórmula da primeira torna impossível não lembrar do hit chiclete Idiota e as duas últimas, da sonoridade voz e violão que se repetem a cada trabalho até aqui, ao estilo de Acontece e Você Me Perdeu. Ainda assim, o pecado do cantor vai somente até a página dois: Julho mostra a evolução ao tentar responder aos questionamentos de um João Vitor mais novo, enquanto Maria, não importa em qual disco esteja, é uma das mais pessoais desde (Nota de Voz 8) e Monstros.

Já outras canções trazem um novo ponto de vista: agora há também a sexualidade inerente da casa dos 20. Se antes ele já dava uma palinha do que fez nos dias de juventude com Santo, Barcelona e Hotel San Diego, assume de vez a sensualidade e o sexo. Ainda que a ordem escolhida para apresentação das faixas corte qualquer possibilidade de clímax ou continuidade temática, a presença de Lábia e São Paulo, 2015 em polos opostos não deixa dúvida que, entre tanto amor que ficou pelo caminho, ao menos o tesão valeu a pena. 

Inclusive, desde Anti-Herói, é nas produções que abusam dos subtextos, do sensorial, das guitarras e riffs abusados, e, quase como um reflexo natural, das luzes quentes no palco, que Jão extrai um sentimento diferente de dor ou conforto. Nessas, a pele se ouriça, a curiosidade bate à porta e a imaginação corre solta. O que aconteceu dentro do quarto de hotel, no banco do carro ou naquele banheiro lotado? A cada um, a liberdade de imaginar.

E se não há nada de novo a dizer, há para mostrar: as temáticas são as mesmas, mas as produções – todas em conjunto com o colaborador de longa data Zebu – amadureceram para compensar. Arranjos elaborados e experimentações sonoras, desde a presença marcante de um pop synth etéreo até trechos modulados para soar como um videogame, ganham espaço e renovam a musicalidade da nova leva de faixas. Ao invés de sentar e sentir, SUPER nos convida a levantar e dançar, lembrando a todos que somos o Sol. A produção também vai além dos pouco mais de 40 minutos de álbum. Fora audição, super dragão e anúncio de turnê, um trailer, concerto secreto e curta-metragem expandem o entorno do disco, criando uma riqueza visual e conceitual extra que engrandece o denso universo criado por Jão junto dos fãs. 

Ao final, ele próprio dita seu destino e, como escolheu que os quatro projetos seriam um ciclo, também escolheu como finalmente deixá-los para trás. A faixa-título representa esse fechamento: nela, um sample de Monstros, canção de encerramento do primeiro álbum do cantor, embala a narrativa que une terra, ar, mar e fogo às experiências até ali, retomando frases marcantes e elementos que nortearam a construção da conexão entre artista e público. Com um estrondoso “me deixa ir”, Jão obedece e, com a SUPER Turnê, caminha para a conclusão de uma fase da vida para dar as boas-vindas ao que mais tiver pela frente.

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Ana Cegatti

Uma parede clara e uma camisa branca são componentes clássicos de vídeos gravados por subcelebridades que tentam se desculpar por algum erro. No entanto, a neozelandesa Ella Marija não usou tais componentes no clipe de Royals para limpar alguma defecação, mas para jogá-la no ventilador. Há uma década, as rádios anunciavam a transformação de Ella em Lorde e ecoavam melodias que fizeram da onda alternativa da época um tsunami. Naquele momento, a indústria musical precisava fazer uma escolha: se afogar ou aprender a surfar. Lançado pela Universal Music e produzido por Joel Little, Pure Heroine é um álbum que nunca precisou pedir desculpas, já que Lorde jamais sentiria remorso por um erro tão ingênuo: amar demais. 

“Você não acha entediante como as pessoas falam?” é a cartada que inaugura o disco. Aliás, é uma pergunta cuja resposta pode ser abrasileirada ao relembrar a famosa letra de Fala Mal de Mim escrita por Ludmilla: “Ô coisa escrota, pode falar à vontade”. Eis o primeiro ensinamento do álbum de estreia da neozelandesa: não bateis palma para maluco dançar. Afinal, não vale a pena passar noites em claro sendo uma plateia agradável para indivíduos medíocres que não deveriam sequer estar no palco. Inspirada pela efervescência mística de Stevie Nicks e pelos trejeitos desvairados revolucionários de Kate Bush, Lorde não só escreveu o próprio espetáculo, como também incentivou outros a fazer o mesmo.

Em vez de aproveitar a moral para se autointitular diferente das outras garotas, a nomeada Mulher do Ano pela MTV em 2013 preferiu convidá-las para se sentarem junto a ela na mesa do novo indie pop. Billie Eilish e Alessia Cara são alguns dos nomes que trocaram um banquete gourmet por um petisco caseiro, saboreando o principal tempero da receita difundida por Lorde: o minimalismo. Este, por si só, variou o cardápio de uma juventude cuja dieta era unicamente pautada em músicas com muitos ingredientes e pouco sabor. Assim, Pure Heroine provocou uma fome que só seria saciada caso outras artistas também colocassem a mão na massa e fizessem uma boa mistura de sensibilidade e intimidade com pitadas de female rage. 

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Apesar de grandes feitos como ganhar dois Grammys, atingir o topo da Billboard e sustentar um batom escuro, o legado de Ella Marija reside, na verdade, em uma luta incessante contra a frieza. Durante uma viagem à Antártida, a neozelandesa deu um passo significativo em sua jornada de autoconhecimento ao descobrir que definitivamente não é um pinguim. Enquanto este choca ovos, Lorde segue chocando a indústria musical ao contrariar a lógica mercadológica, isto é, ao insistir em colocar sua autenticidade, por mais disfuncional que seja, acima de vontades alheias. Diga-se de passagem: a artista só aceitaria se tornar tão fria quanto um iceberg se seu ex-namorado fosse o Titanic. 

Pure Heroine foi a primeira demonstração da voracidade da cantora, que viria a defender com unhas e dentes a descriminalização da existência de indivíduos popularmente conhecidos como emocionados. O segundo filho, Melodrama, nem tenta disfarçar a essência sensível e perturbada de Lorde, a qual transformou o rancor que sentia por um homem mal-apessoado em repertório e lucro, além de ter dado visibilidade às que sempre são taxadas de birutas intensas. Apesar das inúmeras tentativas dos próprios fãs de colocar um contra o outro, os dois discos vivem em harmonia. O primeiro, como um bom irmão mais velho, abriu caminho para o segundo que, embora seja mimado, não foi ingrato e aproveitou bem a deixa para ir além da estética subversiva, aventurando-se nos prazeres banais da juventude, tão temidos por Pure Heroine.

O primogênito de Marija despontou como uma homenagem aos filhos que choram quando a mãe não os vê. A voz açucarada de fumante e as batidas violentas presentes na faixa Glory and Gore, por exemplo, tentaram fazer do disco uma fonte inabalável de rebeldia, mas sem sucesso, já que ganhar uma discussão no grito não era do feitio de Lorde. Na verdade, ela se mostrou defensora dos que sentem nó na garganta quando expõem centímetros de vulnerabilidade, isto é, quando ousam dar uma chance ao imprevisível. Este, por sua vez, acaba coestrelando o álbum junto ao tom agridoce e empático da artista, a qual dedicou algumas músicas para nichos marginalizados, a saber: Buzzcut Season para calvos, 400 Lux para caipiras e Ribs para ex-sonhadores. 

Uma parede coberta de pôsteres e o mau cheiro de pacotes abertos de salgadinhos compõem o cenário do primeiro ato da história de pessoas que, antes de dormir, olham debaixo da cama com medo de encontrar o maior vilão das narrativas infantojuvenis: o tempo. Embora tenha o poder de evocar estéticas sinestésicas, escrever letras memoráveis e manter contato com Taylor Swift, Lorde não consegue voltar atrás e, muito menos, incentivar outros a fazer o mesmo. Assim, a quarta faixa de Pure Heroine, Ribs, é a trilha sonora perfeita para tirar os pés do chão ou começar a pular tão desesperadamente a ponto de levantar voo e ir para bem longe da realidade, a qual insiste em trazer à tona a pequenez e a impotência humana. 

O segundo ensinamento pode ser traduzido na letra de Só Depois do Grupo Revelação: “Que na vida o hoje tem que aproveitar/Porque/Eu não sei se o amanhã há de chegar”, uma vez que remoer o passado asfixia um processo doloroso, mas lindo, de valorizar o presente e aprender a sentir saudade, não falta, do que já passou. Pure Heroine expressa, sobretudo, uma gradual aceitação do fato de que não é possível se agarrar às mesmas ruas e às mesmas casas por muito tempo, ou seja, a familiaridade das cidades pequenas é inevitavelmente substituída pelas luzes brilhantes das noites metropolitanas que iluminam o começo do fim da adolescência. 

Depois de 10 anos, a letra de Buzzcut Season, “Eu sou a única para quem você conta seus medos”, ainda define a índole confiável de Lorde, mesmo que alguns a considerem dissimulada por ter simplesmente feito o que não conseguiram: crescer. De fato, há um abismo entre a garota rebelde de 16 anos que teimou em lutar contra o tempo e a mulher adulta cujo terceiro disco, Solar Power, expressou sua busca, não pela volta, mas pela memória das paredes cheias de pôsteres, do cheiro dos pacotes de salgadinhos e das ruas que testemunharam muitos papos furados, assim como caminhadas sem rumo. No entanto, essa diferença significativa entre as versões de Ella Marija não revela uma hipocrisia, mas uma coragem de, enfim, fazer as pazes com o tempo. 

Lorde talvez seja uma maluca cuja dança é digna de palmas. Dentre tantas denominações possíveis para a artista, a de David Bowie não deu trela para perreco: a neozelandesa é a voz do futuro. Além do mais, seu álbum de estreia é o único amigo que precisamos para nos ajudar a dizer adeus a quem um dia fomos. O coro de Ribs fez muitos se sentirem menos sozinhos e os acordes tímidos da última faixa, A World Alone, fez uma geração inteira perder a vergonha de dançar, mesmo sem um par. No fim, Pure Heroine foi uma das mais belas tentativas da língua inglesa de expressar o conjunto de sentimentos cujo nome é encontrado em pouquíssimos dicionários: saudade.

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Jho Brunhara

Over The Rainbow, I Will Survive, I’m Coming Out, True Colors, Express Yourself, Beautiful, Firework. Ao longo da história, a comunidade LGBTQIA+ encontrou nas músicas de grandes cantoras o conforto proporcionado por letras sobre esperança, libertação e expressão. Algumas dessas, com uma mensagem quase explícita sobre aceitação direcionada ao público queer, confirmada pelos clipes, onde tinham maior liberdade do que nas letras (que poderiam ser boicotadas pelas rádios). Quando Lady Gaga lançou a faixa Born This Way e colocou a canção para tocar no mundo todo, ela também estava transmitindo o trecho “Não importa se você é gay, hétero ou bi/Lésbica ou transgênero/Eu estou no caminho certo, baby/Eu nasci para sobreviver”.

Dez anos atrás, o mundo já estava avançando em algumas pautas relacionadas à comunidade LGBTQIA+, mas 2011 ainda era 2011. Para uma artista do calibre de Gaga, que estava no auge da carreira como fenômeno pop instantâneo, divertir o mundo com suas investidas bizarras do The Fame Monster era completamente diferente de fazer uma afirmação política tão direta. Mas a intenção deu certo, e, apesar da rejeição por parte de seu público herdado do sucesso de Just Dance, Poker Face e Bad Romance, a artista conseguiu respaldo para seguir com seu projeto mais ambicioso até então.

O disco Born This Way, diferentemente da faixa homônima, abandona o electropop convencional que a cantora ajudou a popularizar nos anos anteriores e cria diversas camadas que difundem a mensagem do LP: encontrar força nas singularidades e estranhezas. Seja através da estética noturna metálica, punk e rebelde; da sonoridade electropop com influências diretas do rock, metal, synthpop, techno e, até mesmo, ópera; da mitologia alienígena análoga ao dualismo cristão; ou das letras sobre identidade, sexualidade, religião e liberdade. Ao longo das faixas, Gaga funde elementos de sua própria história com a narrativa que apresenta ao ouvinte, e, desde Marry The Night, com seus sinos de igreja, convida todos aqueles que precisarem para uma oração.

Naquele momento, suas palavras eram direcionadas aos seus fãs. Para aqueles jovens LGBTQIA+ que não sentiam apoio em casa e buscavam a aceitação, Gaga ergueu uma igreja e abriu as portas para os que procuravam refúgio. Se ofereceu como a figura materna que não encontravam em suas famílias de verdade, e tentou escrever, com base em suas próprias vivências, o que acreditava que aquelas pessoas precisavam ouvir, para se sentirem amadas e livres, para se expressarem do jeito que quisessem. A mesma megalomania que transformou Stefani Germanotta em Lady Gaga fez nascer o Born This Way, enterrando qualquer iconoclastia, consolidando a artista como Mother Monster, e oferecendo um lugar seguro para seus seguidores.

POR DEUS E PELOS GAYS

Muito antes de Born This Way, Gaga (que é bissexual) já declarava seu apoio à comunidade LGBTQIA+, e participou de diversas ações contra a homofobia nos EUA. Sempre trabalhando ao lado de pessoas queer, a cantora usava de sua Haus para dar vida às criações desses artistas. Até mesmo em premiações, foram muitos os discursos em que Gaga agradeceu a “Deus e aos gays”. Foi, inclusive, ao aceitar o prêmio de Vídeo do Ano por Bad Romance, no VMA de 2010, que ela anunciou o álbum Born This Way. 

Utilizando o polêmico e controverso vestido de carne, Gaga usou do figurino para protestar contra o lema “Don’t ask, don’t tell”, revogado apenas em 2011. A política instaurada por Bill Clinton na década de 90 proibia que pessoas abertamente homossexuais ou bissexuais fizessem parte do exército estadunidense, e declarava um movimento de silenciamento com os que já eram militares, impedindo que os indivíduos “saíssem do armário”. Para a artista, que passou pelo tapete vermelho com dispensados do exército americano por sua sexualidade, a roupa feita de carne era um alerta para que as pessoas lutassem antes que tivessem “tantos direitos quanto carne em nossos ossos”.

O primeiro single da era, a faixa-título, saiu em meados de fevereiro de 2011. Com um clipe de mais de sete minutos, dava-se início a narrativa que acompanharia Born This Way até o fim dolorido e antecipado da turnê mundial. Dirigido pelo lendário Nick Knight, o vídeo introduziu a mitologia do álbum a partir do “Manifesto of Mother Monster”, um discurso sobre o nascimento de duas novas raças, uma representando o bem, sem qualquer preconceito, e uma representando o mal. Nesse novo mundo, chamado de G.O.A.T. (Government Owned Alien Territory, em tradução livre, Território Alienígena Comandado pelo Governo), Gaga imprimiu sua teatralidade genial de contar histórias.

A dicotomia do bem e do mal, por mais simples que seja, tinha exatamente a simplicidade como propósito de resgatar a dualidade cristã do céu e do inferno, dos puritanos e dos pecadores. Born This Way se apresenta como um distante apócrifo da Bíblia, com a figura da Mother Monster como uma líder religiosa futurista, e seus ensinamentos como uma tentativa de guiar uma geração que já enxergava em Lady Gaga a figura de um Messias (ou Anticristo) da revolução cultural. 

Não à toa a nova-iorquina se estabeleceu como um camaleão na cultura pop e viciou o mundo em sua identidade visual bizarra. Aqui, seu comprometimento com sua estética atingiu o ápice: Gaga queria se portar como uma alienígena social, desde as jaquetas punk, até a maquiagem pesada preta, roupas de látex e as próteses faciais imitando chifres. Tudo dentro da proposta do Born This Way, encorajar e celebrar o esquisito e o único, através da expressão rebelde contra a norma convencional.

Um ano mais tarde, em 2012, Gaga abriu ainda mais as suas asas, disposta a estabelecer uma conexão direta com os seus fãs. Numa época em que as redes sociais ainda não eram centralizadas nas mãos de Mark Zuckerberg, o site Little Monsters funcionava como um Facebook para os little monsters, seguidores da cantora. Com um milhão de usuários registrados em 2013, a Mother Monster usava o canal para falar diretamente com seus monstrinhos, que utilizavam do espaço para compartilhar memes, artes e desabafar, muitas vezes, sobre homofobia, depressão, ansiedade e, até mesmo, publicar cartas de suicídio. Ativa na plataforma, a artista interagia com os posts e escrevia mensagens para os autores, na tentativa de ajudá-los com os problemas internos e externos, e promover um espaço de apoio, assim como o propósito da Born This Way Foundation, criada por Gaga e sua mãe.

ME ENCONTRE NA CAPELA ELÉTRICA

Com o lançamento do disco, em maio de 2011, não restaram dúvidas do que aquele universo queria ser: uma homenagem à noite e tudo que ela representa para as pessoas LGBTQIA+, que, historicamente, encontraram refúgio sob a luz da lua e na liberdade das boates. Combinar letras sobre sexualidade, identidade, feminismo, pecado, moda, esperança, medo e glória parece uma colcha de retalhos, mas Gaga costura com uma linha metálica e estampa sua jaqueta de couro personalizada com strass e spikes.

Assim como o caos da juventude, Born This Way é um caldeirão de sentimentos sobre quem ser e como se expressar. Como na faixa Hair, em que a artista conversa diretamente com sua adolescência e discursa a favor da singularidade de cada um, que, muitas vezes, encontra o escape através das roupas e do cabelo. “Eu só quero ser eu mesma e quero que vocês me amem por quem eu sou”, canta para seus pais.

A sonoridade dançante do álbum, já utilizada desde antes pela nova-iorquina, é alinhada com o que o gênero pop sempre representou para a comunidade queer, que utilizavam das boates como um espaço de expressão e libertação. “Reze por seus pecados embaixo do globo espelhado da discoteca”. Gaga canta em Electric Chapel, afirmando que o espaço seguro para a purificação dos medos e inseguranças é na pista de dança da Capela Elétrica, onde cada um pode ser quem quiser.

O profano, associado com a liberdade sexual, de gênero e da forma de se expressar, aqui, é subvertido como um ato glorioso, seja com Bloody Mary (uma de suas melhores letras), Heavy Metal Lover (talvez a melhor música da carreira), ou Scheiße (o hino feminista de Gaga que, infelizmente, não foi single). Embalado em um techno gótico, a artista coproduz o disco ao lado de Fernando Garibay, DJ White Shadow e RedOne, e consegue transparecer as intenções do LP através da diversidade de sons, modulações vocais e temas, e, ainda assim, encontrar uma linha para fazer com que aquelas canções pareçam pertencer ao Born This Way e nenhum outro álbum.

Os clipes também ajudam a construir o universo criado pela Mãe Monstro, como a já citada incubadora da raça alienígena sem preconceitos da faixa-título. Judas coloca Gaga como Maria Madalena e reconta o apócrifo bíblico de sua relação com Jesus, em uma analogia ao amor proibido, dualismo entre o bem e o mal, e a má interpretação da figura feminina, subvertendo as ferramentas opressoras da religião. The Edge of Glory evoca a energia de I Will Survive e coloca a cantora para dançar vestida com strass e spikes por uma Nova York iluminada por luzes rosas e roxas (quer algo mais gay que isso?). Em Yoü and I, Gaga apresentou ao mundo seu alter ego drag king, Jo Calderone, que chegou até mesmo a performar no VMA de 2011.

Marry the Night, último single da era, é uma síntese do Born This Way. O curta-metragem, dirigido pela própria artista, reconta sua trajetória antes do início da carreira e cola todas as peças que constituem o álbum. Em entrevista, a nova-iorquina compartilhou relatos sobre abusos sexuais que sofreu quando tinha 19 anos, e, aparentemente, Gaga usou de sua arte para reinterpretar esses eventos no clipe. Esse, que é um dos trabalhos mais pessoais da carreira, e se mostra ainda mais significativo agora, por dividir seus traumas com o mundo para se curar, sonhar com um futuro melhor, e inspirar vítimas de violência a buscar forças e não desistir de viver.

BORN THIS WAY BALL TOUR

Debaixo de holofotes pesados e enfrentando um frio de quase 10 graus negativos, Gaga fez um dos shows mais importantes de sua carreira na noite de 12 de dezembro de 2012, em Moscou, na Rússia. Sob ameaças de ser processada e presa por propaganda gay, a artista, mesmo assim, levou a Born This Way Ball Tour para o gélido país do leste europeu, onde é crime desde o início dos anos 2010 fazer qualquer menção pública pró-pessoas LGBTQIA+. Isso não impediu ela de transmitir a mensagem principal de seu trabalho. Do fundo dos pulmões, a artista e ativista gritou noite adentro, para um estádio lotado, palavras de ordem contra o governo russo: “Eu acredito que tanto homens quanto mulheres merecem amar uns aos outros igualmente. Me prendam, Rússia!”. 

Para promover o disco e levar sua mensagem de aceitação e luta, Gaga saiu em turnê mundial e passou por seis continentes. Expandindo a história contada no clipe de Born This Way, o show deu vida ao universo de G.O.A.T., por meio de um palco em formato de castelo medieval e uma narrativa regada de teatralidade. Foi criada uma área especial na frente da pista premium reservada aos fãs que chegassem mais cedo (chamada de The Monster Pit), que também possibilitava a chance de alguns serem selecionados para conhecer a cantora nos bastidores, de graça.

Todos os elementos da tour foram pensados como uma experiência completa para os espectadores se sentirem integrados na mitologia do Born This Way, materializando o culto que Gaga construiu a cada noite de apresentação. O espetáculo teatral mostrou que a grandiloquência da artista não conhece limites, e, além do gigantesco castelo interativo colorido por diferentes jogos de luz, a mente da Haus colocou no palco seu melhor. Um cavalo mecânico, uma vagina gigante, manequins sobre rodinhas controlados a distância, uma moto em que Gaga deitava em cima e se transformava no híbrido da capa do disco para passear pelo palco, um sofá de carne (de mentira, dessa vez), um rosto suspenso em uma caixa de vidro que conversava com o público, e a lista vai longe.

A Born This Way Ball Tour marca, também, a última vez, até agora, que Gaga performou no Brasil. Passando por três cidades brasileiras em novembro de 2012 (Rio de Janeiro, São Paulo e Porto Alegre), a artista encontrou o maior público na capital paulista, se apresentando para mais de 52 mil pessoas, no Morumbi. Assim como nos outros shows da turnê, alguns fãs brasileiros foram convidados para sentar com Gaga no seu piano-motocicleta, e, no Rio, a artista chegou até mesmo a chorar enquanto conversava com o público. O Rock in Rio pode ter traumatizado os monstrinhos do Brasil, mas a Mãe Monstro, com certeza, leva lembranças inesquecíveis de quando esteve no país, tão eternizadas quanto a tatuagem em sua nuca.

A dedicação sem descanso da performer para com a turnê encerrou a BTWBT com um fim trágico: depois da apresentação em Montreal no dia 11 de fevereiro de 2013, Gaga revelou que estava com uma fratura no quadril desde dezembro, se agravando ao ponto que ela não conseguia mais andar. Todas as datas seguintes foram canceladas para que a artista pudesse passar por cirurgia e iniciar o tratamento.

THIS ALBUM IS FOR Ü

Esse álbum é para vocês. Quando se abre o encarte da versão física do Born This Way, essa é a primeira mensagem que se lê. Declarando um disco inteiro para os fãs, Gaga colheu os frutos de criar uma rede de apoio para seus seguidores, e consolidou o suporte incondicional de seus monstrinhos. Ela sempre soube que, para enfrentar o mundo real, é necessário uma jaqueta de couro simbólica para se proteger da rejeição quando se é diferente.

Em uma nota pessoal, o Born This Way é, provavelmente, o álbum mais importante da minha vida. Aos 11 anos, ouvir de alguém que eu admirava que estava tudo bem ser eu mesmo e que havia beleza no que me fazia diferente dos outros, me deu força para não ceder à autodestruição causada pela homofobia e a pressão de não se encaixar na heteronormatividade. Me fez conhecer outras pessoas que estavam passando pelas mesmas coisas que eu e também encontraram conforto na mensagem do disco, como um dos meus melhores amigos até hoje. Me fez viver um dos dias mais felizes da minha vida no show da turnê em São Paulo. Me fez perceber que eu não estava sozinho, e que poderíamos ajudar uns aos outros.

Born This Way é sim um projeto pensado para os little monsters, mas, antes disso, é um excelente disco pop, impecável em sua construção sonora e estética, e que vai envelhecer como um dos melhores trabalhos de Gaga, se não o melhor. Divisor de águas na carreira, polêmico e arriscado, mas gigantesco em sua ambição e proposta. A igreja de Lady Gaga agora se coordena sozinha, e aqueles jovens de 2011, que ainda carregam o suporte que o álbum possibilitou a eles, encontraram um mundo um pouco mais fácil de sobreviver. É como fechar os olhos e sentir a jaqueta de couro invisível sobre meus ombros.

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Gabriel Gatti

As grandes divas pop sempre seguiram uma linha similar em suas trajetórias como cantoras. As músicas costumam ser agitadas, propícias para a pista de dança, os looks sempre extravagantes e as coreografias contagiantes levam os fãs a reproduzi-las. Nesse universo agitado surge Lana Del Rey, uma artista que vai na contramão do padrão para o mundo pop. Mesmo com um início de carreira conturbado, repleto de críticas pelo seu estilo sugar baby, a cantora conquistou seu lugar ao sol e lança agora, em conjunto com os produtores Gabe Simon, Drew Erickson e Barrie-James O’Neill, Blue Banisters, o oitavo álbum de estúdio, composto por 15 faixas.

Lana Del Rey, que, segundo a MTV, abriu caminho para outras cantoras pop, como Lorde, Billie Eilish e Halsey, transformou sua carreira ao longo de uma década desde que abandonou o nome Lizzy Grant. Ao lançar Born to Die, a cantora ganhou notoriedade e críticas negativas pelas letras que referenciam a cultura hollywoodiana dos anos 50, constantemente se mostrando com uma mulher submissa e melancólica. Após dez anos de carreira, seu amadurecimento é, inegavelmente, com melodias calmas. Lana exibe seu lado mais humano em Blue Banisters, que se modificou diversas vezes até seu lançamento. O sucessor de Chemtrails Over The Country Club teve Wildflower Wildfire, Text Book e o homônimo Blue Banisters como suas primeiras faixas divulgadas. As músicas permitem uma visão intimista da vida da cantora, que cita seus familiares durante as letras. 

Lana escolheu Text Book para abrir o disco dessa nova era. Com uma melodia que dá continuidade ao seu trabalho em Chemtrails Over The Country Club, a faixa dialoga os vocais ecoados com arranjos instrumentais simples. A letra, assim como as grandes músicas da cantora, faz referência a eventos da cultura norte-americana, como o carro Thunderbird, a canção The Old Man River de Paul Robeson e o movimento Black Lives Matter.

A faixa seguinte, Blue Banisters, dá nome ao álbum e nos convida a adentrar a vida da cantora. Com um clima de veraneio, Lana apresenta sua família em uma casa de campo enquanto pintam seu corrimão de azul, como referência à alegria expressa pela cor e a analogia de mudanças na vida por meio da alteração da cor de um objeto. O videoclipe, que expressa essa conexão da forma mais concreta possível, é quase um álbum de família, com a participação de seus cachorros Tex e Mex.

Seguindo para Arcadia, a faixa foi divulgada como quarto single de Blue Banisters e anunciada nas redes sociais da cantora antes destas serem desativadas, com a frase “ouçam a canção assim como vocês ouviram Video Games”. Com esse convite nostálgico nós somos apresentados a uma visão romantizada de Lana Del Rey sobre Los Angeles, no qual a cantora sente pertencimento e exibe como se cada ponto da cidade representasse um membro de seu corpo. Ainda no clipe dessa música, toca no final Interlude – The Trio, uma sequência unicamente instrumental para preparar os ouvintes para o que vem a seguir.

Os arranjos instrumentais escolhidos pela cantora a partir de Black Bathing Suit adotam um rumo diferente dos habituais empregados ao longo de sua carreira. Nessa canção, Lana chega ao ápice da melancolia promovida pelo isolamento social necessário para mitigar os danos do Covid-19. Além disso, Del Rey ainda revela a sua relação tumultuosa com sua mãe e a admiração pelo pai. Já com If You Lie Down with Me, somos apresentados a uma relação tempestuosa da cantora com um antigo namorado e segue com uma musicalidade similar à faixa anterior.

Esse ritmo linear se rompe com o início de Beautiful, que apresenta uma das letras mais interessantes do álbum. Melodicamente a canção se assemelha a outras presentes na carreira da cantora, com o protagonismo do vocal guiado por instrumentos suaves ao fundo. Porém, Lana Del Rey usa da faixa como uma resposta a todos que sempre criticaram sua natureza melancólica com o trecho “E se alguém pedisse a Picasso para não ser triste?/Eu nunca saberia quem ele era ou o homem que se tornou“. Por meio dessa analogia, a compositora se diz capaz de tornar a dor em algo belo.

Em seguida, com Violets for Roses, a compositora enterra por completo seu lado submisso que ganhou destaque em Ultraviolence. Lana Del Rey, que se recusa a cantar a canção atualmente, reescreve sua história ao afirmar que não suporta um relacionamento abusivo, no qual seu parceiro quer trocá-la de violeta para rosa. Essa mudança necessária fortalece suas raízes como uma das melhores compositoras estadunidenses da atualidade.

Após esse avanço nas composições da cantora, somos apresentados a Dealer (com a participação não creditada no título de Miles Kane) a faixa mais surpreendente do álbum, com vocais audaciosos e gritados, diferentes dos sussurros tradicionais. O ritmo quebra a sequência linear de piano com sons instrumentalizados por bateria, baixo e órgão. Outro ponto relevante é a letra, na qual Lana Del Rey nos conta a história de uma pessoa afundada nas dívidas com traficantes. A música seguinte, Thunder, regressa a linearidade melódica com um refrão repetitivo e pouco significativo diante das demais composições presentes em Blue Banisters.

Já com Wildflower Wildfire, o álbum volta a girar em torno da intimidade de Lana. O trecho “meu pai nunca fazia nada quando a mulher dele brigava comigo, então acabei estranha mas doce” revela detalhes da sua vida em família, na qual relata um desentendimento com a mãe, sendo a madrasta sua figura materna mais presente. As canções seguintes, Nectar of the Gods e Living Legend, além de seguir a narrativa familiar, apresentam uma guinada para o folk, gênero que teve grande influência em Chemtrails Over The Country Club.

Logo em seguida, Cherry Blossom chega com a calmaria típica das músicas da cantora. Assim como outras canções do disco, a penúltima faixa de Blue Banisters foi composta originalmente para ser inserida no disco Ultraviolence de Lana Del Rey, mas que acabaram encontrando seu lugar no oitavo álbum da compositora. 

Após essa longa jornada por letras e melodias ousadas, Lana nos apresenta a sua última faixa, Sweet Carolina, composta em conjunto com seu pai e irmã. Com a música, a cantora chega ao nível máximo de profundidade emocional e utiliza dessa carga confessional para encerrar a audição.

Ao final da experiência trazida em Blue Banisters fica evidente que Lana Del Rey está renovada, mas ainda assim mantém em sua essência, a garota que se mudou para Califórnia e se tornou uma grande diva do pop alternativo. Apesar de não ser o trabalho mais forte da cantora, é interessante observar os efeitos das mudanças que os anos proporcionaram em sua forma de compor e interpretar suas canções.

Cheio de curvas melódicas, Blue Banisters costura entre erros e acertos 15 músicas repletas de histórias. O álbum dá continuidade ao trabalho que a cantora vem executando desde 2019, porém, agora, com uma pegada mais privativa e poética. Apesar da sonoridade do disco não se comparar ao do aclamado Norman Fucking Rockwell!, as letras adentram muito mais nas causas familiares de Del Rey, resultando em canções intimistas e audaciosas para os padrões habituais da compositora.

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