Isabela Nascimento

Com a popularidade das comunidades de livros nas redes sociais, a escritora norte-americana Emily Henry se destacou no nicho de romance com histórias que exploram conexões profundas, luto e relações familiares. Com seu sucesso e de outras autoras, não demorou muito para estes bestsellers serem adaptados para o cinema. De Férias Com Você é a primeira produção deste tipo a ser lançada em 2026.

O romance se inspira no clássico das comédias românticas, When Harry Met Sally (1989). Poppy (Emily Beder) conhece Alex (Tom Blyth) quando, por acaso, ele dá uma carona para a cidade natal de ambos. Apesar das personalidades conflitantes, este episódio acaba resultando em uma amizade profunda. Após um incidente, os dois se afastam, mas se veem obrigados a conviverem juntos em Barcelona para uma celebração.

Os fãs da obra tinham um certo receio sobre as futuras mudanças e a participação de Emily Henry no projeto. Porém, em entrevista à revista People, a escritora ressaltou o desejo do diretor, Brett Haley, em produzir o longa da forma mais fiel. Segundo Emily, ele a incluiu em todos os processos possíveis para chegar no resultado perfeito. “Ele realmente queria que a minha voz fosse parte do filme para os leitores terem um representante em todas as conversas”. 

Essa vontade de entregar o produto mais fiel é vista durante o longa inteiro, principalmente na montagem e na escalação dos atores. No livro, os capítulos são intercalados com flashbacks das férias do passado com o tenso presente. As transições entre esses momentos foram feitos com uma naturalidade encantadora, que insere o telespectador dentro da história.

O elenco principal compreende a essência de seus personagens de uma maneira única, com atuações extremamente cativantes. A vontade em entregar a melhor versão de Poppy e Alex está presente nas cenas. Um exemplo é uma das lembranças que acontece em Nova Orleans: a sequência é engraçada e cheia de vida, trazendo a essência do livro para a tela.

A fotografia (Rob Givens), figurino (Colin Wilkes) e seleção musical também merecem destaque, com paisagens em foco, cores vivas e roupas que expressam as personalidades, servindo como uma delimitação implícita do contraste entre eles. A coletânea de músicas diversas e divertidas, que explora Grimes até Taylor Swift, é outro detalhe que dá um toque ainda mais especial.

Este anseio em criar a melhor adaptação foi tão grande que até os mesmos defeitos do livro, o longa-metragem traz para a tela. Na reta final, o filme perde o ritmo e a qualidade do roteiro (Yulin Kuang). Tudo parece acontecer às pressas, resultando na falta de desenvolvimento dos relacionamentos e dilemas. Em determinado momento, o telespectador se questiona porque os personagens estão tendo aquela reação, por não terem sido retratados alguns acontecimentos e sentimentos. A consequência é a dificuldade em entender o final, porque tudo parece exagerado, sem nenhuma explicação. As últimas sequências tentam trazer algo, mas falha em tentar se conectar com o público, tornando a experiência frustrante e, até mesmo, ruim. 

Apesar disso, é visível a vontade de criar algo apaixonante que encante o público, porém, faltou profundidade e atenção. As músicas bonitas, atuações pontuais e paisagens encantadoras não foram capazes de esconder os problemas e criar um laço com quem assiste. Um questionamento surge: será que todas as adaptações que estão por vir, principalmente das outras obras de Emily, seguirão esta mesma linha ou terão uma ousadia maior?

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Guilherme Machado Leal 

A sensação de descobrir que é alguém no mundo é uma em um milhão. Antes de tudo acontecer, o indivíduo não entende muito bem qual é o seu lugar e objetivo de vida. É como se precisasse de um ponto de partida para dizer firmemente que é um ser humano. Esse momento acontece com Lucas (Tom Blyth) no dia em que conhece, no banheiro de um shopping de Nova York, o homem que o mudará. Centralizado na década de 1990, À Paisana acompanha uma tarefa policial em prol do combate ao cruising, prática também conhecida como ‘banheirão’ dependendo do local onde ocorre e que é realizada por homens queers em lugares públicos. 

Por meio de um esquema da polícia nova-iorquina, os profissionais se disfarçam àqueles que se identificam enquanto LGBTQIAPN+ com a missão de prendê-los pelo ato sexual nos sanitários. Entre eles, está o protagonista, a isca perfeita para levar os rapazes à cabine. Quando as vítimas correspondem aos olhares, elas se tornam criminosas. No entanto, a dinâmica altera o plano a partir da chegada de Andrew (Russell Tovey). Nesses espaços, nada é dito; pelo contrário, a concentração é no rosto: expressões que dão a entender algo, códigos, apertos, tudo isso somado ao desejo reprimido ou apenas à diversão, que levam ao êxtase provocado pelo contato entre seres.

O filme, presente na seção Competição Novos Diretores da 49ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, discorre sobre o entendimento da sexualidade a partir da visão, seja aquela que uma pessoa em construção tem de si mesma ou pelo olhar condenatório recebido. Se você é visto, você é lembrado. Por esse lado, a percepção gera uma sensação de reconhecimento; aqui, o personagem principal se sente compreendido por alguém que, à sua própria maneira, passa pelo mesmo: a vida dupla. Através das lentes estreantes de Carmen Emmi, o desespero em ser colocado como um homem gay para a sociedade do final do século XX documenta uma era tenebrosa àqueles que saem do espectro heterossexual.

A polissemia que envolve a homossexualidade dos anos 1990 é, no mínimo, curiosa, mas não datada – ao passo que a polícia analisa o cruising como uma perversão, os lugares públicos servem aos homens um lugar de extravasamento, que reúne casados, assumidos e discretos. A vontade de mandá-los para a prisão é equivalente ao ímpeto de se encarar, ir até a cabine e abrir o zíper. É como se fosse um jogo, porém com um time claramente levando vantagem. “Só porque algo parece feio não significa que é moralmente errado”, o discurso de Lady Bird em 2017, sintetiza a humanidade em retratar o tema trazido pelo próprio cineasta, que também assina o roteiro de Plainclothes (título original).

A faísca que envolve Lucas e Andrew, no entanto, atravessa os metros quadrados dos toaletes. Se para o policial os primeiros momentos são importantes para  guardar na memória, o adepto à prática sexual lê a relação como algo puramente casual. O primeiro amor, na produção, é associado ao medo de estar fora dos eixos, algo que, de fato, acontece. O sentimento provoca uma alteração química que pode levar à ruína ou ao pertencimento. Como superar aquilo que te deu vitalidade? Ou melhor: como seguir a vida depois da primeira vez em que você finalmente se sentiu no próprio corpo? 

Pela perspectiva do diretor, apaixonar-se por um homem, sendo um, é realmente frenético. De fato, pode tirar o sono e causar obsessão. Apesar disso, também traz sentido e faz muita coisa valer a pena, ainda mais se é algo raramente experimentado pelas gerações queers. O despertar amoroso é 8 ou 80, e, para o personagem vivido por Blyth, o gay awakening, é conscientemente uma barreira e um acesso ao que ele pode ser: a versão desprovida de amarras sociais. Após desistir do trabalho – mais parecido com um método de tortura aos homens LGBT+ – o rapaz não se contenta com uma terça-feira sigilosa. Longe disso, ele precisa da semana inteira, meses ou anos.

O núcleo familiar de Lucas, que representa a vida antes de se entender gay, carrega simbolismos que acompanham a trajetória do protagonista durante os 97 minutos de Plainclothes. Para o ex-policial, a descoberta de sua sexualidade não seria vista com bons olhos pela sua mãe, Marie, vivida por Maria Dizzia. Quando conheceu Andrew, ele utilizou o apelido Gus, de seu pai morto, para não revelar o próprio nome. Entretanto, ao longo da narrativa, o amontoado de mentiras dessa relação se alastra e impacta indiretamente a vida da matriarca. Por meio da relação entre a mulher e o rapaz, há a representação do que é viver em dois mundos: aquele construído pelos entes e o que verdadeiramente gostaríamos de viver. 

Diferente de All of Us Strangers (2023), aqui a dinâmica entre pais heterossexuais e filhos queers acrescenta algo à história que Carmen conta ao espectador. Nas cenas de tensão, por exemplo, o personagem está atento minuciosamente à maneira como se expressa com os parentes. Através da direção e da montagem de Erik Vogt-Nilsen, percebemos a vida inteira do jovem homossexual em uma piscada de olhos, pois é assim que ele se enxerga: uma colcha de retalhos caracterizada por pequenos momentos que, juntos, dão forma a quem ele de fato é.

Semelhante ao que acontece com o rapaz, o amor por um homem nunca morre. Ele pode adquirir novas facetas, ser ressignificado de alguma maneira. Em À Paisana – e, de certo modo, na realidade – o sentimento se renova, ganha características diferentes, porém nunca desaparece. A repressão só faz voltar mais forte. E por isso, Emmi surpreende ao concentrar suas lentes na universalização do cotidiano gay experienciado em locais de cruising: muitas vezes moralmente questionável, e insano em certos momentos, porém, de forma alguma, superficial. É, e sempre foi, muito mais do que um banheiro. É o desejo da  casa completa. Pura e simplesmente a sensação de ter.

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Fábio Gabriel Souza

“Snow cai como a neve, sempre por cima”

– Coriolanus Snow

É difícil mergulhar em um universo novamente oito anos após conhecê-lo, ainda mais quando nos deparamos com uma realidade tão diferente da apresentada na quadrilogia original, Jogos Vorazes. Entretanto, Jogos Vorazes – A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes faz um bom trabalho ao representar uma nova versão de Panem de maneira tão imersiva. Se passando 64 anos antes de Katniss Everdeen, o longa acontece nos primórdios dessa sociedade totalitária e se ocupa em mostrar, de forma cruel e crua, as origens dos Jogos Vorazes, que é muito rústico e está longe de ser o espetáculo apresentado anteriormente. 

Nos momentos iniciais, conhecemos o jovem Coriolanus Snow (Tom Blyth), que após os dias escuros, a morte de seu pai e o suposto bombardeamento do Distrito 13, se encontra extremamente pobre. Com a família reduzida, a sua prima Tigris (Hunter Schafer) e a caduca Lady-Vó (Fionnula Flanagan), que se lembra apenas dos dias de glória da família Snow e da Capital – atualmente em processo de reconstrução –, são suas únicas redes de apoio. Assim, o Snow sonha com o prêmio Plinth, que começaria a restaurar a sua fortuna e seria sua porta de entrada para a universidade.

Para alcançar esse objetivo, ele e outros 23 jovens recebem a missão de serem mentores dos tributos e tornarem os jogos um espetáculo, que tomaria o lugar de uma memória da fome e miséria trazidos pela guerra. Assim, o personagem conhece a peculiar Lucy Gray (Rachel Zegler), a garota escolhida do Distrito 12. A partir desse momento, somos agraciados com uma escalada de acontecimentos que deixa qualquer um sem fôlego, desconfortável e até mesmo chocado. O filme acerta em nunca colocar Coriolanus Snow como um herói, mesmo sendo o protagonista, e entrega uma Lucy enigmática e misteriosa retratada pelos olhos do vilão.

A existência da história por si só é um tapa na cara dos fãs que estavam ansiosos para ver novamente outra edição espetacularizada dos Jogos Vorazes, muito distante do que foi entregue, mas que não deixou de agradar. A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes retrata uma versão crua, melancólica, rústica e verdadeira da punição, com cenas fortes e muito mais violentas do que estamos acostumados, mostrando o que de fato está por trás do reality: a crueldade humana. Não seriam os fãs iguais a Capital ao quererem mais um espetáculo?

Em paralelo, há histórias sendo contadas em segundo plano, como a triste e sem graça jornada de Sejanus Plinth (Josh Andres Rivera), que traz consigo uma crítica social entediante, porém necessária e sem plateia, de um garoto que se sente sufocado com a riqueza da Capital e também deslocado por ter sido do Distrito 2. Fato esse distante de representar o personagem descrito nos livros, que tem um pouco mais de profundidade. Sejanus parece estar falando com as paredes durante todo o filme. A narrativa ainda usa e abusa de teorias filosóficas já consolidadas, como a guerra de todos contra todos de Thomas Hobbes, e postula a Capital como dona de um contrato social que traz a paz.

A direção realizada por Francis Lawrence, de Eu Sou a Lenda (2007) e de outros filmes da saga Jogos Vorazes, não deixa nada a desejar. O cineasta consegue transmitir por meio de imagens e cenas primorosas a complexa cabeça de Coryo, tarefa muito difícil por sinal. É nítido a mudança de estilos com o desenrolar das cenas: ora intimista, ora distante e na maioria das vezes com takes inflamados. Assim, acompanhamos de maneira subliminar a ambiguidade do personagem principal, que navega entre a empatia e a ganância.

A Fotografia, desenvolvida por Jo Willems, desperta a curiosidade de qualquer um com imagens grandiosas da Capital que remontam aos magníficos prédios da Europa Oriental no auge da União Soviética e vão até cenas empobrecidas, impactantes e tristes que retratam a realidade dos tributos. Além disso, Willems complementa brilhantemente o trabalho de Lawrence, agregando uma ambiguidade de takes durante toda a produção.

O elenco chama atenção com nomes não tão consolidados na indústria e também com artistas de peso em Hollywood. A atuação de Tom Blyth é uma agradável experiência. Mesmo longe de ser tão magnético quanto Donald Sutherland (Jogos Vorazes), o ator performa muito bem a complexidade de um vilão que ainda não sabe ser vilão. Do outro lado, temos Rachel Zegler, que brilha e ganha um imenso destaque. A atuação e vocais emocionam e a atriz surpreendeu os fãs ao entregar uma Lucy Gray que se conecta com todos a sua volta, característica intrínseca da personagem.

Viola Davis, como sempre, dá vida com excelência à figura caricata e sádica de Dra. Gaul que, sendo totalmente descolada da realidade, nos remete a loucura e insensibilidade representada pelos Jogos Vorazes. Peter Dinklage (Game of Thrones), rouba a cena como o maior antagonista de Coriolanus Snow. Diga-se de passagem, Casca Highbottom poderia ter sido criado apenas para ter o ator como intérprete – parece que o papel foi feito para ele. Já Hunter Schafer (Euphoria), mesmo com pouco tempo de tela e mal aproveitada pela produção, brilha como Tigris Snow, ao mostrar de maneira sutil e rica, a bondade e o amor na Capital.

A trilha sonora é perfeita e trabalha de maneira síncrona com a direção e a Fotografia para realizar uma caracterização de ambientes. A música da cena final dos Jogos, por exemplo, contribui para a sequência de acontecimentos emocionantes e, juntamente ao clímax da canção, protagoniza o momento mais tenso de todo o longa-metragem. Cenas a frente, acompanhamos a explicação e a composição de The Hanging Tree, um dos principais marcos da série e que integra memória afetiva à produção. 

Com uma narrativa muito bem consolidada, o filme agrega de forma positiva ao universo construído por Suzanne Collins, mas sofre com um problema de ritmo. É fato que em mais de duas horas e meia, os dois primeiros atos são vibrantes e magnéticos. Entretanto, o terceiro e o mais importante, a narrativa sofre uma grande perda de cenas de ação e aparenta se tornar um melodrama. O que é uma pena, visto que é ali que o verdadeiro vilão da saga dá as caras. 

“São as coisas que mais amamos, que nos destroem, Srta. Everdeen”

– Coriolanus Snow em A Esperança

Jogos Vorazes – A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes, inspirado no livro de mesmo nome escrito por Collins, estreou no Cinema garantindo alta aprovação da audiência. O filme trouxe consigo críticas pertinentes tanto para a sociedade quanto para os impactos causados pela saga cinematográfica original, e agregou de maneira pertinente e interessante o universo de Jogos Vorazes.

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