Pedro Henrique Vogt

Em meio a tantas apostas questionáveis de Hollywood para a criação de universos ficcionais compartilhados, é surpreendente que o MonsterVerse da produtora Legendary Entertainment tenha sido um acerto tão grande. A mais nova adição para essa narrativa é Godzilla e Kong: O Novo Império e, apesar de não ser livre de defeitos, o longa entrega uma aventura divertida, com cenas de ação monumentais dignas dos dois monstros gigantes mais icônicos da cultura pop. 

O filme começa quando Godzilla é despertado de sua soneca por razões desconhecidas e volta a sair pelo mundo fazendo o que sabe de melhor: esmagar tudo à sua frente. Enquanto isso, o gorila Kong é obrigado a retornar à superfície por uma terrível dor de dente, onde acaba reencontrando a sobrevivente da Ilha da Caveira Jia (Kaylee Hottle) que, ao rever seu grande amigo, sente uma ameaça se aproximando. Ao observar todos esses fenômenos, a Doutora Ilene Andrews (Rebecca Hall) decide montar uma expedição para a Terra Oca, o lar dos monstros gigantes, para descobrir a causa desses comportamentos estranhos.

A direção é comandada por Adam Wingard, conhecido por seus filmes de terror pouco convencionais (e o icônico Death Note, da Netflix). Recentemente, no entanto, ele decidiu se aventurar no mundo das mega produções, dirigindo Godzilla vs. Kong em 2021, um sucesso que resultou no convite para participar da sequência. A maior característica do diretor nessa fase de sua carreira é a autoconsciência trazida para a narrativa do MonsterVerse: um exemplo disso é o enredo deixar claro, desde o começo, que não busca nada inovador. Porém, essa forma da obra de enxergar a si mesma não é um demérito, mas uma de suas maiores qualidades, pois a diversão vem do carisma de seus protagonistas e de como se desenrola a ação. 

A narrativa é a mais funcional possível; o necessário para uma história minimamente coesa está ali. Contudo, a maior preocupação é como chegar até o espetáculo de forma rápida. Para o roteiro de Terry Rossio (franquia Piratas do Caribe), Jeremy Slater (Cavaleiro da Lua) e Simon Barrett, tudo é válido. Esse trio eclético decidiu que se a volta de Kong à superfície pode render uma cena de luta interessante, essa ideia não seria descartada, ainda que uma dor de dente tenha que ser o motivo para tal. A filosofia aplicada é a de que, se a audiência está assistindo para ver batalhas cada vez maiores, a trama vai garantir que elas aconteçam.

A principal inspiração para o MonsterVerse é o gênero Kaijuu, que tem como uma de suas principais características criar seus monstros com personalidades e emoções distintas. Isso é bastante visível no personagem do Kong, que tem o papel de ser o coração do filme. Toda a nova mitologia apresentada na história está diretamente relacionada ao primata titã que, nos 115 minutos de duração do longa, desenvolve uma relação paterna com um filhotinho de gorila; tenta criar uma aliança com seu antigo rival; luta para salvar seu povo da opressão; e aprende mais sobre o mundo e si mesmo. Sem precisar dizer uma palavra, ele passa por todos os arcos que um protagonista de Blockbuster desse tamanho merece.

Por outro lado, o Godzilla basicamente não tem nenhum desenvolvimento, e parece não compartilhar o mesmo protagonismo de Kong, pois tirando algumas mudanças estéticas, ele termina a história (literalmente) do mesmo jeito que começou. Apesar de se destacar nas cenas de ação mais empolgantes, permanece a sensação de que elas poderiam ser ainda melhores se o monstro tivesse mais destaque fora das brigas. Deixar esse personagem de escanteio é uma decisão peculiar, visto que a Legendary Entertainment lançou recentemente uma série própria do gigante, Monarch – Legado de Monstros, disponível na Apple TV+ e que também faz parte do mesmo universo compartilhado dos filmes.

Com o lançamento recente de Godzilla Minus One, produção japonesa vencedora da categoria de Melhores Efeitos Visuais no Oscar 2024, foi chamada a atenção do público em como as adaptações do personagem são diferentes quando se trata do cinema hollywoodiano. Enquanto a encarnação mais recente de Godzilla em sua terra natal foi uma personificação dos traumas do pós-guerra, em um drama histórico cheio de autocríticas à sociedade japonesa, a sua versão MonsterVerse é bem mais empática. Ao invés da representação visual das dores de um povo, o lagarto radioativo é escrito pelos norte-americanos como uma espécie de herói rabugento que, apesar de causar destruição pelo mundo, é necessário para o equilíbrio da natureza. 

No entanto, se engana quem pensa que isso seria uma deturpação do protagonista. Uma das influências mais claras para a construção do MonsterVerse é a primeira fase da franquia Godzilla no Japão, a chamada Era Showa (1954 – 1975). Diversos filmes dessa fase buscavam um estilo de entretenimento ‘mais família’ e não economizavam nas batalhas malucas de Kaijuu, colocando Godzilla e Mothra como os principais protetores da Terra. As produções mais representativas dessa fase são A Guerra dos Monstros (1965) e O Despertar dos Monstros (1968).

Como o enredo de Godzilla e Kong: O Novo Império está muito focado na monumentalidade, é perceptível que o núcleo de personagens humanos é o mais fraco do filme. Kaylee Hottle e Rebecca Hall, que voltaram aos papéis de Jia e Dra Andrews, não conseguem captar aqui o mesmo carisma e apego emocional que marcaram as suas participações anteriores. Outro ator que retornou para a franquia é Brian Tyree Henry (Atlanta), que interpreta um personagem de alívio cômico extremamente ‘água com açúcar’. Contudo, um destaque positivo no elenco é Dan Stevens, que já trabalhou com Adam Wingard em O Hóspede e fez sua estreia no MonsterVerse interpretando um personagem caricato e divertido, como a obra se propõe a ser.

Apesar de ser abertamente um longa-metragem de ação sem preocupações em ser inovador ou revolucionário, Godzilla e Kong: O Novo Império, com suas cenas grandiosas, cumpre excelentemente com a sua função de entreter. É um filme que vale a pena ser assistido, seja pelos efeitos especiais, pelo carisma dos monstros gigantes ou para experimentar um cinema Blockbuster diferente e refrescante. É um belo exemplo de que o espetáculo pelo espetáculo nem sempre é ruim.

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Nathalia Tetzner

É graças à figura imponente do Zorro que, no universo dos heróis, não há nada tão clássico quanto um vigilante trajado de preto com sede de vingança e senso de justiça por aqueles que não podem se defender. Criado pelo escritor pulp Johnston McCulley em 1919, o mascarado assistiu a sua história se repetir nos quadrinhos, na Televisão e nas grandes telas do Cinema em incontáveis versões. Mas, foi apenas oito décadas depois de seu nascimento que, graças a genialidade de Steven Spielberg através das lentes de Martin Campbell, ele se consagrou como um símbolo universal no longa A Máscara do Zorro, uma aventura de pouco mais de 120 minutos marcada pelo entretenimento afiado como a rapieira usada para esculpir o Z nos corpos dos inimigos.

No filme que completa 25 anos, o Zorro de Anthony Hopkins, já debilitado pelas cicatrizes abertas do passado, enxerga o sucessor perfeito em Alejandro Murrieta, um ladrão que toca o terror no faroeste e é interpretado por Antonio Banderas. Movidos pelo sentimento amargo da vingança que se apossa de ambos, a conexão acontece pela existência de um inimigo em comum: o tirano espanhol Don Rafael Montero (Stuart Wilson). Para o primeiro, honrar a memória de sua esposa e reencontrar a sua filha são prioridades, já para o jovem fugitivo, a vontade de lutar surge do assassinato de seu irmão, Joaquin (Victor Rivers). 

De Hopkins para Banderas, o apego emocional do público com o protagonista não se esvazia nem por um segundo, o que é de se admirar levando em consideração não somente o alto nível de atuação imposto pelo veterano como também o fato de que a sequência de cenas iniciais de A Máscara do Zorro, com ele ainda em ação, proporciona momentos de êxtase, incluindo a icônica despedida do justiceiro que, em cima do cavalo Tornado, levanta a espada contra o sol logo após marcar a sua incial no vilão Montero. Imediatamente, a Fotografia de tirar o fôlego de Phil Méheux se mostra essencial para a característica atemporal e nostálgica da obra.

Inspirado em personagens da América Latina como o ‘fora-da-lei’ Joaquín Murietta, o Zorro de Johnston McCulley esbarra em questões políticas complexas do período da febre de ouro na Califórnia que envolvem a rivalidade mexicano-estadunidense e um certo romantismo colonial. Porém, no filme de 1998, o cineasta Martin Campbell tenta deixar tudo de lado em prol do entretenimento. E ele consegue conquistar e fazer o público esquecer do contexto histórico por meio da grandiosidade: é difícil não ficar de queixo caído como os irmãos Murrieta quando foram presenteados na infância com o medalhão do cavalheiro em uma espécie de destinos cruzados.

A história de Ted Elliott, Terry Rossio e Randall Jahnson parte da primeira aparição do mascarado no livro A Maldição de Capistrano e entrega para o roteiro de John Eskow, Elliott e Rossio uma aventura bem amarrada. O que eles nitidamente não esperavam era que Catherine Zeta-Jones fosse roubar a cena na pele de Elena, filha de Don Diego de la Vega, o Zorro original. Sequestrada por Don Rafael Montero quando bebê, ela protagoniza em meio a tantos conflitos emocionais, ultrapassando os limites do interesse amoroso, mesmo sendo uma personalidade feminina escrita a partir de uma visão masculina.

Indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Edição de Som e Melhor Mixagem de Som, A Máscara do Zorro realmente se sobressai com os trabalhos de Kevin O’Connell, Greg P. Russell, Pud Cusack e Dave McMoyler. No âmbito da caracterização, Graciela Mazón recebeu uma nomeação ao BAFTA de Melhor Figurino pela fidelidade ao ambiente do século XIX. No entanto, é de se surpreender que os visuais tenham passado despercebidos pelas premiações: em entrevista ao Yahoo Entertainment, Antonio Banderas revelou: “Steven Spielberg me disse uma vez quando estávamos filmando: ‘Esse filme, provavelmente, será um dos últimos faroestes feito como nos velhos tempos, com cenas reais, cavalos, lutas de espadas, sem computação gráfica.’ Na época, tudo foi construído de forma prática”.

Repleto de cenas memoráveis, o longa faz justiça ao legado que influenciou heróis desde Indiana Jones até Batman. Ironicamente, a sequência da produção, A Lenda do Zorro (2005), falhou em continuar a expertise, sendo, provavelmente, um dos únicos defeitos da união entre Spielberg e Campbell. A caminho do seu 25º aniversário, a marca deixada pelo entretenimento de A Máscara do Zorro ainda está gravada no imaginário popular e deixa a questão sobre o seu futuro em aberto.

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Gabriel Gomes Santana

Há duas décadas, o mundo foi contemplado com o lançamento de uma das animações que mais revolucionaram o Cinema: Shrek. Essa prestigiada obra-prima reuniu o que há de melhor sobre piadas de duplo sentido, referências icônicas, paródias e lições de vida sobre autoaceitação e felicidade. Dentre todas essas qualidades, que tal relembrarmos com detalhes a grandeza desse gigante cinematográfico?

Não poderia começar de outro jeito esse texto, sem falar do forte vínculo entre Shrek e sua trilha sonora chiclete. Desconheço uma viva alma que escute All Star, da banda Smash Mouth, e não consiga relacionar instintivamente a canção do grupo americano ao longa Shrek. Eu mesmo quando era criança (não faz tanto tempo assim), me recordo que só fui associar o nome desta música e sua respectiva banda, em um momento de curiosidade epifânica, após ter assistido o filme.

Segundo fontes envolvendo os bastidores, a escolha da DreamWorks pela Smash Mouth aconteceu por conta dos dois primeiros versos do hit I’m A Believer: “Eu pensava que o amor só acontecia em contos de fada, significativo para alguns mas não para mim”. Pois bem, diversas bandas fizeram os testes de audiência de trilha, mas somente esses dois versos conquistaram o coração dos produtores. O curioso é que All Star fez ainda mais sucesso e se tornou trilha de abertura da animação, assim como a canção mais famosa da banda californiana.

Apesar da fama proporcionada pela produtora de Steven Spielberg, se engana quem crê que Shrek seja uma narrativa original da DreamWorks. Apesar da  genialidade, seu roteiro é inspirado na obra homônima de William Steig. No livro, Shrek também foi desenvolvido para o público infantil, no entanto foi graças à perspicácia dos roteiristas, Terry Rossio e Joe Stillman, que a animação foi vencedora do BAFTA em 2002, na categoria de Melhor Roteiro Adaptado.

Além da premiação do BAFTA, a brilhante direção de Andrew Adamson e Vicky Jenson desafiaram dois gigantes concorrentes, Monstros S.A. (Pixar) e Jimmy Neutron (Paramount), candidatos à primeira categoria de Animação do Oscar. Shrek levou o título e ainda concorreu na categoria de Roteiro Adaptado. Mas seu sucesso não se reduz a tais feitos, estas são apenas as consequências do merecido reconhecimento desta animação 3D (método de gravação também utilizado em CGI). As falas e a ousadia de criação dos produtores são a essência cativante desta relíquia animada.

Em um primeiro momento, os diretores Adamson e Jenson teriam entrado em contato com o icônico Chris Farley para a interpretação vocal do protagonista. O comediante dublou quase todas as falas, cerca de 90% das cenas, porém veio a falecer antes que completasse o roteiro da personagem. 

Com isso, as vozes de Shrek, Fiona, Burro e Lord Farquad se imortalizaram nas dublagens originais de Mike Myers, Cameron Diaz, Eddie Murphy e John Lithgow. Aqui no Brasil, Shrek ganhou ainda mais notoriedade devido sua dublagem em português, na qual a presença do querido Bussunda como intérprete do ogro verde é inesquecível!

Shrek é perfeito devido suas imperfeições. Apesar de ser uma frase contraditória, ela resume bem a tônica deste quase-conto de fadas. Digo “quase”, pois esta é uma trama não convencional, ainda que seu encerramento o seja. O enredo nos apresenta contradições nunca antes percebidas ou criticadas pela indústria de animações. Ele explora a temática contrastante entre aparência e essência, nos obrigando a refletir: “como um ogro poderia ter chance com uma princesa?”

Em uma época onde as redes sociais sequer sonhavam em existir, a DreamWorks já estava bolando um plano para conscientizar seu público acerca de temas tão contemporâneos e urgentes. Até os espectadores menos atentos conseguiram perceber que o filme é recheado de mensagens subliminares, conceitos e lições morais (característica típica de qualquer conto de fadas). Se analisarmos os quatro personagens do núcleo principal, cada um deles simboliza os defeitos que comumente presenciamos nas relações humanas. 

Começando por Shrek, nosso ogro favorito. De imediato somos apresentados por um ser carismático, que vive bem consigo mesmo, ainda que sua aparência seja considerada grotesca e ameaçadora pelos outros integrantes do reino. Apesar de ser constantemente hostilizado, sendo alvo de pré-julgamentos, nosso anti-herói demonstra resistência, fingindo não se deixar levar pelas críticas negativas daqueles que não o conhecem, quando internamente é visível o quanto estas questões o incomodam. O Burro por sua vez é uma figura que sofre pelo medo da rejeição. Sua carência e busca por aceitação são insaciáveis. 

Ao passo que Fiona lida com questões de insegurança e abandono. Talvez o fato de ter sido trancafiada em uma torre, à espera de seu salvador, fez dela uma pessoa ansiosa e incapaz de ser honesta consigo mesma. Por fim, e menos importante, Lord Farquaad representa todos os vícios e defeitos de um ditador. Autocrata, vaidoso, demagogo, mentiroso e egoísta, Farquaad sonha em se tornar rei somente pelo título máximo de nobreza, que o legitimaria ainda mais suas práticas absolutas de poder. Qualquer semelhança com a realidade não é mera coincidência.

Afinal, podemos tirar proveito da maneira suave como Shrek lida com pressões emocionais, sobretudo com questões relacionadas à aceitação e pertencimento. Apesar de estar distante de uma análise acadêmica ou um manual de conduta escrito por coachs de auto-ajuda, a jornada deste anti-herói nos revela a beleza do convívio em suas mais diversas formas. A convivência é o grande dilema na vida de todos os personagens. Shrek aparentemente vive bem consigo mesmo, mas demonstra obstáculos de relacionamento. Burro e Fiona são incapazes de enfrentar a solidão e Farquaad se torna refém da validação mútua (ainda que forçada) de seus súditos.

Como todo conto de fadas, os protagonistas conseguem viver felizes para sempre, no entanto eles não deixam de apresentar problemas, muito menos se tornam “perfeitos para sempre”. O casal Shrek e Fiona é a prova disso. Ambos se complementam e constroem um vínculo recíproco de confiança, algo que os torna verdadeiros e livres para continuar apresentando falhas, mas sem deixar de lado a perseverança que o amor exige sem precisar cobrar. O trocadilho presente na última frase “e viveram feios para sempre” diz muito sobre o que podemos extrair como aprendizado.

Ele nos questiona qual é o modelo de amor que a indústria cultural tenta nos vender. Vai mais além e nos obriga a refletir se o amor perfeito realmente existe. Não à toa, seu enredo satiriza diversas obras hollywoodianas de sucesso que exploram a temática de uma maneira assustadoramente clichê. Shrek não é nenhum príncipe encantado, branco, sensível e respeitado. Assim como Fiona igualmente não é uma donzela à espera de um robô sem defeitos. Apesar de tudo, eles conseguem construir a própria história de amor verdadeiro passando por cima de todos os julgamentos de seres que igualmente são imperfeitos.

Por essas e outras razões, a paixão de Shrek e Fiona traz à tona ainda mais luz à insegurança de quem teme ser real. Há muito tempo, nós (humanidade) tememos ser transparentes e com isso, produzimos, vendemos e consumimos padrões de beleza, paixões e amor que são mentirosos. Nos moldamos pelo desejo, abrindo mão daquilo que nos torna realmente felizes.

Por isso, Shrek é antes de tudo uma obra revolucionária. 20 anos atrás, ele se tornou o ogro que ousou ter um final feliz e as pessoas não apenas entenderam o seu propósito como também o abraçaram: fazer piadas da vida como também fazer piadas do ideal que as pessoas criam sobre a vida.

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