Clara Morais

O filme Springsteen: Salve-me do Desconhecido, exibido na 49ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, é dirigido por Scott Cooper e inspirado no livro de Warren Zanes, Deliver Me from Nowhere (2023). A obra se inicia com o fim da turnê The river do disco que estava colocando Springsteen ao estrelato. Mesmo estando no auge da sua carreira Bruce decide que é o momento para fazer uma pausa e se concentrar no processo de criação de Nebraska, álbum de 1982 gravado em sua residência e com um gravador caseiro, o longa transforma esse recorte íntimo da vida do cantor em um drama sobre memória, dor e reinvenção. A narrativa se ancora em um período contraditório de sua vida: o auge do reconhecimento público e, simultaneamente, o aprofundamento de suas crises emocionais.

A força do longa está, justamente, na construção de Bruce como personagem. Interpretado por Jeremy Allen White, o ator mais conhecido pela série The Bear (2022) não mostra similaridade alguma com ‘Carmy’ O intérprete passa por uma transformação e preparo técnico para viver o protagonista, Jeremy consegue transparecer muito bem o conflito emocional que Bruce sofria na época sem forçar uma performance caricata, clássicas de cinebiografias. Um elemento importantíssimo da narrativa é o pai do cantor, vivido por Stephen Graham, ator que atualmente escreveu e estrelou a série Adolescência (2025) é a peça central para a construção da narrativa. Um pai agressivo, como é possível ver nas cenas de flashbacks, que influencia por completo a vida adulta de Bruce.

Outra performance que rouba a cena é a de Jeremy Strong, de Succession (2018),  que vive Jon Landau, o qual traz um personagem com muito carisma e bom humor, com cenas divertidas e engraçadas, muitas vezes quebrando a melancolia do filme. Sem contar sua química com Jeremy Allen, transformando todas as suas cenas juntos em algo magnético. Em entrevistas e análises prévias, muito se falou sobre a intenção de Cooper em evitar o biográfico tradicional, apostando em um retrato mais emocional do que cronológico. O resultado é uma obra que prefere silêncios, pausas e tensões familiares aos grandes marcos da carreira.

A cinematografia de Masanobu Takayanagi cria essa atmosfera concentrada: ambientes estreitos, luz baixa, poucos movimentos de câmera e uma paleta que nos ambienta na rusticidade do próprio Nebraska. A estética minimalista encontra eco no desenho de som, que recria o ambiente precário das gravações caseiras e dá peso simbólico ao gravador de quatro faixas, quase uma pessoa na narrativa. A trilha sonora (Jeremiah Fraites), ancorada nas composições do álbum, intensifica o clima de distanciamento e melancolia, reafirmando a importância desse período para a identidade artística de Springsteen. 

Se tecnicamente o filme é sólido, narrativamente ele aposta numa progressão lenta, por vezes contemplativa demais. A escolha de Cooper de construir a história como um estudo psicológico pode afastar quem espera os grandes marcos da carreira do cantor ou momentos grandiosos típicos de cinebiografias musicais. Isso acaba se tornando exatamente o que enriquece a história; o diferencial não tanto obcecado por adular e romantizar a jornada do protagonista é exatamente o que traz conforto e realidade à narrativa. Além disso, alguns personagens – como o interesse romântico fictício ‘Faye’ – misturam fatos e imaginação, algo já destacado em comparações entre realidade e ficção publicadas pela imprensa americana. Ainda assim, mesmo essas liberdades criativas funcionam tematicamente, reforçando a jornada emocional proposta.

No conjunto, Springsteen: Salve-me do Desconhecido é uma obra que se mantém fiel ao espírito de Nebraska: simples, crua, melancólica e profundamente humana. É um retrato de um artista tentando sobreviver a si mesmo, atravessando memórias dolorosas enquanto constrói algo bonito do lado de fora – e destrutivo do lado de dentro. Longe de oferecer soluções, o longa propõe reflexão, e é justamente nisso que encontra sua força. Ele não quer explicar Bruce Springsteen; quer ouvi-lo.

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Lara Fagundes

Um garoto de 13 anos é acusado de assassinato. A pergunta que fica é: como alguém tão novo poderia cometer algo tão cruel? É com essa premissa que Adolescência, da Netflix, traz à tona temas como masculinidade tóxica, rejeição e sentimentos reprimidos. A série prende a atenção, não apenas pelo mistério, mas pela forma como o desenvolve. Intensa e desconfortável, a trama lembra o drama Defending Jacob (2020), da Apple Tv, porém com um diferencial: em vez de manter um final aberto, possui um desfecho com a confissão, que tira qualquer um da zona de conforto.

Com 13 indicações para o Emmy de 2025, incluindo Melhor Minissérie ou Antologia, a obra se destaca em categorias técnicas e de atuação. A linguagem visual é um dos pontos fortes, contada inteiramente por planos-sequência. Cada episódio é filmado em uma única tomada, sem nenhum corte. A simulação de tempo real favorece o mergulho nas situações de tensão, assim, a imersão é imediata: sentimos que estamos acompanhando os personagens, vemos o caminho completo de uma cena para outra, sem qualquer respiro.

A técnica do plano-sequência exige, não apenas precisão técnica da produção, como também do elenco que precisa sustentar os personagens por horas sem pausa, e tudo isso funciona muito bem em Adolescência. Com cinco intérpretes indicados ao Emmy em 3 categorias diferentes de atuação – Melhor Ator, Melhor Ator Coadjuvante e Melhor Atriz Coadjuvante em Minissérie –, os papéis são feitos com competência ao transmitir realismo e impacto emocional. O ator Owen Cooper, que interpreta o acusado, Jamie, chama atenção em especial ao se tornar o mais jovem indicado na categoria de Melhor Ator Coadjuvante, com apenas 14 anos na gravação da série.

A estrutura da narrativa também merece destaque (a premiação concorda, com uma indicação a Melhor Roteiro em Minissérie). Em apenas quatro episódios, a compreensão do caso de Jamie é explorada por várias perspectivas. O primeiro foca no acusado, seu interrogatório é o ponto de partida do mistério e já começa fazendo o espectador se perguntar: ele é inocente como diz? Ou está escondendo algo? Um garoto de 13 anos cometeria um assassinato sem qualquer sinal de ser capaz disso?

O terceiro episódio é o que cria mais discussões. Acompanhamos a consulta do adolescente com uma psicóloga e os sentimentos do garoto em relação à vítima vêm à tona. A construção de tensão é progressiva, um plano longo que fica apenas dentro da sala de interrogatório, cinza, pequena, com uma atmosfera claustrofóbica e ameaçadora. É um capítulo que transmite uma agonia crescente e a sensação de estar diante de um garoto perigoso, mas, ainda assim, muito novo e humano.

Mais do que um drama policial, Adolescência é uma crítica social gritante. A série reflete de forma incisiva sobre masculinidade tóxica e a cultura de isolamento social em jovens, principalmente na dificuldade de processar e expressar sentimentos dos meninos. Jamie não é retratado como vilão, embora a história permita que o espectador sinta medo do que o garoto poderia ter feito. Ela também mostra como a sociedade afetou e influenciou seu comportamento, como um produto de um ambiente silenciosamente violento. 

A obra nos força a encarar algo que ignoramos: a agressividade não surge do nada,  pode estar inserida em escolas, entre adolescentes. O desenvolvimento do caso mostra como Jamie não é o único afetado, mas também sua família, afinal, como manter uma aparência de normalidade quando seu filho está sendo julgado por assassinar uma colega de sala? O último episódio traz essa reflexão ao acompanhar o dia de Eddie (Stephen Graham), pai do suspeito, que, na tentativa de comemorar seu aniversário com a esposa e a filha, é ‘presenteado’ pela confissão do crime.

É impossível sair indiferente ao assistir Adolescência. O desconforto que transmite não vem apenas do crime ou da construção dos personagens, e sim de como a narrativa é tratada de forma realista e pela reflexão de um tema que pode ser facilmente reconhecido no mundo em que vivemos. É uma produção forte, com uma direção impecável, indicada ao Emmy de Melhor Direção em Minissérie, e um formato marcante, que consegue abordar um assunto delicado com muita técnica e profundidade emocional. Afinal, a adolescência é vista como a fase mais complicada da vida por um motivo e é partindo desse ponto que a obra certa.

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