Vitória Gomez 

Sofia Coppola é mestre em retratar mulheres jovens adultas enclausuradas em residências enormes sob o controle de terceiros. No entanto, se Maria Antonieta terminou com a cabeça na guilhotina, Priscilla Presley quebrou o ciclo de solidão e escapou de sua prisão em Graceland, a segunda casa mais famosa dos Estados Unidos. Em Priscilla, uma adaptação do livro de memórias Elvis and Me, a diretora e roteirista deixa o nome do Rei do Rock de lado para direcionar o olhar à personagem-título.

Já sabemos o que precisamos sobre Elvis Presley. Para além da cultura popular, a recente cinebiografia indicada ao Oscar de Baz Luhrmann mostra a ascensão e queda do cantor, incluindo seu relacionamento com Priscilla Presley e com a fama. Priscilla existe no mesmo contexto, mas Coppola – que esclareceu que fez o filme para ela mesma – procura o lado da menina que chegou perto demais do brilho de uma estrela e teve o seu próprio apagado.

Na obra, Elvis (Jacob Elordi) conhece a protagonista – ainda então Priscilla Beaulieu (Cailee Spaeny) – na Alemanha, quando servia o exército. Na época, ele já era um astro da Música, tendo todos os olhos voltados para ele mesmo no exterior. Casualmente, a menina é convidada para um evento na casa dele e prova um pouco de sua atenção, que não seria constante pelo resto do casamento dos dois. Presley era a típica celebridade cercada de pessoas a seu dispor, dando palhinhas de seu talento e usando seu charme para questionar à protagonista qual era sua canção favorita dele.

Como toda adolescente dos anos 1960, Priscilla era fã de Elvis Presley e seus pôsteres na parede não a deixam mentir. Mesmo no nono ano da escola, como o cantor rapidamente descobre – e não parece ligar -, ela ganha a afeição do artista e conhece seu lado mais frágil e carinhoso. Ele estava de luto pela mãe, precisava de companhia e não media esforços para conquistar ela e os pais.

Já no primeiro ato, Sofia Coppola mostra um Elvis Presley apaixonado. Se a história do casal se desdobrou para um divórcio conturbado, o início não se mostrava assim. A cineasta não vê necessidade em discorrer sobre a carreira do Rei antes da entrada da protagonista em sua vida e, acertadamente, distorce o título do livro adaptado: Elvis e Eu se torna apenas Priscilla e, quem quiser assistir sobre a vida completa do astro, pode procurar essa história em outras obras. Aqui, o antes, durante e depois do casamento deles se torna a trama principal e a mudança de tom no relacionamento entre os dois, o grande chamativo.

Logo de cara, é palpável a influência que Elvis Presley exerce sobre Priscilla – e, diga-se de passagem, todos a seu redor. Com uma atuação contida e inquietante de Jacob Elordi, o artista usa todo seu charme para provar à protagonista que, por trás do topete invejável, bate um coração. No entanto, é só dele mesmo que Elvis sabe falar e todas as pessoas ao seu entorno parecem estar ali para meramente entretê-lo ou servi-lo, como a bizarra Memphis Mafia de urubus que nunca sai de perto. Ela aparenta ser a exceção, até não ser mais.

Para impor o desenrolar da narrativa, Priscilla se preocupa mais em contextualizar como a personagem foi parar em Graceland e trocou o Beaulieu por Presley do que o que vem depois. Também a partir da influência do futuro marido, a menina vai e vem entre os Estados Unidos e a Alemanha, até que ele convence os pais dela a aprovarem a mudança para Memphis, sob tutoria do pai de Elvis e estudando em uma escola católica.

Porém, como seria no restante do relacionamento, a protagonista deve se encaixar se quiser pertencer à vida do cantor. Ele está sempre entre trabalhos, seja na gravação de um filme com fofocas de envolvimento com alguma atriz da época ou projetos musicais – e o artista faz questão de lembrá-la o quão sortuda ela é pelo privilégio de estar com o Rei do Rock. Até quando o astro não quer aprofundar a relação íntima dos dois, ele faz questão de lembrá-la que, se ela não for a mulher que ele precisa, haverão outras.

Para apresentar as nuances do relacionamento dos dois, a direção de Coppola se une ao trabalho primoroso de Cailee Spaeny e Jacob Elordi. Presley poderia ser o homem mais apaixonado do mundo, mas sua demonstração iria apenas até a página dois. Elordi incorpora a visão da cineasta em mostrar como o cantor passou a usar o carinho pela namorada como uma forma de controlá-la, dizendo a como se portar, sentir e vestir. Em uma das cenas mais emblemáticas, Elvis convence a menina a trocar os cabelos castanhos por uma tintura preta e a maquiagem suave por um lápis escuro que destacaria os olhos, uma imagem que estamparia o álbum de casamento dos dois e as revistas da época.

Em menos de duas horas, o ator conduz um homem misterioso e apaixonado a um marido distante, indiferente e violento em todos os sentidos. Ao contrário de sua outra versão no Cinema, o Elvis de Priscilla não ganha tons extravagantes, mas uma aura de intocabilidade e fascínio envolvente, principalmente ao reconhecer seu verdadeiro caráter e assistir seu declínio. 

Já Spaeny é o contrário. De uma menina inocente que saiu de casa para doar sua vida a Presley e se gabava de namorar o ídolo na escola, Priscilla cativa ao finalmente levantar a voz, mesmo que isso signifique ser calada e repreendida. No entanto, antes disso tudo, ela se entrega à própria solidão e quietude de forma gritante, apenas no interior. Andando perdida e solitária por uma Graceland vazia na ausência de Elvis Presley ou cheia de gente indiferente em sua presença, ela é acompanhada da própria solidão e da fantasia de estar do lado de um astro, retrato que a rendeu o prêmio de Melhor Atriz no Festival de Veneza.

Como é marca registrada em outras obras, Sofia Coppola abusa dos detalhes. A visão do universo feminino de uma maneira sensível se une à atenção pelas pequenas coisas. Unida a uma direção de arte e uma fotografia cuidadosa – essa segunda por responsabilidade de Philipe Le Sourd -, os pôsteres nas paredes, o quarto do casal decorado pelo cantor (sem um detalhe sequer lembrando a esposa), a recriação das capas de álbuns e revistas, e as pílulas cada vez em maior quantidade ganham atenção especial da câmera, como se naquele casamento, o diabo realmente estivesse nos detalhes.

No entanto, a sensibilidade do retrato de Priscilla Presley – apoiado, inclusive, pela própria celebridade, que exerceu o cargo de produtora executiva do filme – encontra seu fraco no roteiro, também realizado por Coppola. O relacionamento dos artistas e como ambos se desenvolvem para melhor ou pior dentro dele cria a atmosfera envolvente de observar duas pessoas reais, cegadas pelos holofotes e pela atenção, em uma situação já conhecida na cultural popular, mas vista de dentro. É aliada à montagem de Sarah Flack (colaboradora da cineasta desde Encontros e Desencontros) que a narrativa se dedica demais a alguns pontos, enquanto esquece outros.

Porém, enquanto roteirista, Coppola passa mais tempo pintando o quadro de Priscilla como uma doce menina submissa do que mostrando os momentos em que a jovem cresce para além da sombra perversa do marido. Inclusive, a cineasta acena para aqueles da internet que decidiram que as cenas de sexo não agregam à narrativa como um de seus maiores pecados: depois de anos desejando a atenção do marido, quando Priscilla e Elvis finalmente concretizam o casamento, a cena que poderia ser a mais íntima e reveladora de como o matrimônio dos dois seguiria é esquecida – ou simplesmente deixada de lado.

Aqui, não há espaço para interpretações errôneas e é notável o quanto, ao longo dos mais de seis anos que passaram juntos, os Presleys mudaram – inclusive um ao outro. Sem esconder os abusos físicos, verbais e psicológicos de Elvis, Priscilla não romantiza, mas também não desrespeita a biografia da protagonista e passa a mensagem de que, para além de um vilão maniqueísta, Elvis fez parte de sua vida. Apesar do ponto de virada acontecer durante todo o tempo em que estiveram juntos e não do dia para a noite, ainda é amarga a sensação de que são poucos os minutos dedicados à emancipação de Priscilla, agora uma mulher junto da filha, das garras da fama, luxo e falsidade dos jardins de Graceland, deixando um gosto de quero mais para um clímax curto demais.

Exibido com uma sessão lotada na Gala de Encerramento da 25ª edição do Festival do Rio, Priscilla prova novamente e mais uma vez o talento de Sofia Coppola em tornar narrativas peculiares, universais. Sob sua visão única, até a trilha sonora encabeçada por Phoenix, que de Elvis Presley não tem nada, vira uma grande contadora de histórias. De comum os Presley não entendem, mas a cineasta sim: a solidão e o enclausuramento são os mesmo em Memphis da década de 1960 ou na França do século 18. O que muda é que, de repetido, Priscilla não tem nem o título.

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Layla de Oliveira

Ah, a Revolução Francesa. Marcada em nossas memórias do Ensino Médio como o momento de estrelato da guilhotina, mas ela é claramente muito mais do que isso. A grande desigualdade social e econômica resultou em um nível de pobreza nunca antes visto no país, enquanto os aristocratas esbanjavam em festas e novos palacetes. Resultando na Queda da Bastilha, um símbolo da opressão francesa, a Revolução determinou o fim da monarquia absolutista na França, e influenciou muitos outros países a seguirem o exemplo, além de dar início à Idade Contemporânea na história ocidental.

Mas Sofia Coppola não poderia ligar menos para tudo isso. O filme Maria Antonieta, que completa 15 anos desde sua estreia (conturbada) no Festival de Cannes neste 24 de maio, não conta a história de Maria Antonieta (Kirsten Dunst), a rainha absolutista e Madame Déficit como muitos outros filmes, séries, livros e documentários fazem; ela simplesmente nos faz acompanhar a vida de Maria Antonieta, uma jovem de 14 anos que foi obrigada a adaptar-se em um novo ambiente, com muitas expectativas e deveres a rondando sempre. E muitas cores pastéis, também.

Baseando-se na biografia Marie Antoinette: The Journey de Antonia Fraser, o enredo é claro: desde seu casamento, arranjado para melhorar as relações entre Áustria e França, com o então delfim francês Luís XVI (Jason Schwartzman); sua chegada ao Palácio de Versalhes e o deslumbramento com todas as riquezas e pessoas que a cercavam; a antipatia do povo e da própria nobreza para com ela; festas, vestidos e joias; até culminar em sua fuga do palácio, nos auges da Revolução. O que mais importa aqui é como tudo isso é contado e mostrado a nós, humanizando a última rainha da França. 

Coppola é uma mestra em manifestar delicadeza e sensibilidade. Seus filmes são compostos, em maioria, por protagonistas femininas em momentos de fragilidade e de mudança (e até os dois juntos), e Maria Antonieta é o melhor exemplo disso. Desde que chegou a Versalhes, Maria Antonieta foi tratada com desdém por conta de sua nacionalidade, sendo até chamada de L’Autre-chienne, um trocadilho entre as palavras autrichienne, que significa “mulher austríaca” e autre-chienne, “outra cadela”. 

Além de se sentir deslocada no palácio, a mãe de Maria Antonieta a pressionava para engravidar, o que consolidaria de vez a aproximação austríaco-francesa. A expectativa em cima da ainda adolescente rainha da França rendia diversas crises de choro, melancolia, e como estamos falando desta personagem, compras. O conceito de “vazio do excesso” mostra que bens materiais apenas trazem uma felicidade momentânea e a falsa impressão de realização de desejos, enquanto incita o consumidor a comprar cada vez mais, e podemos dizer com toda a certeza que Maria Antonieta não tem escrúpulo nenhum ao gastar.

Quando Maria Antonieta finalmente engravida e tempo depois, dá à luz à primeira filha do casal, há uma mudança comportamental e visual na monarca. Ela troca os grandiosos vestidos coloridos e pomposos por simples vestidos brancos feitos de algodão e uma vida idílica em seu Petit Trianon, um palácio particular (é, ela não ficou tão humilde assim). Porém, isso não diminuiu a antipatia do povo e da corte por ela, que inclusive crescia cada vez mais; essa tensão foi mostrada em diversos momentos, desde pequenas cenas em um teatro, onde ela começa a aplaudir ao final da apresentação e ninguém a acompanha (diferentemente da primeira vez, onde todos juntaram-se a ovação) até a invasão em Versalhes, quando os revoltosos a procuravam para matá-la e toda a família Bourbon. E o final, bom, todos nós sabemos.

Só que a trajetória de Maria Antonieta e seu final trágico não foram bem recebidos na estreia do filme em Cannes, em 2006. Bom, ao menos pela visão de Sofia Coppola. Apesar da indicação à Palma de Ouro no festival, os poucos aplausos dos críticos logo foram sobrepujados por vaias e assobios de desaprovação, além de resenhas ambíguas feitas por jornalistas, que resumiam o filme em algo “bonitinho, mas vazio”. Coppola disse que as críticas negativas provavelmente vieram, em maioria, dos franceses, já que o enredo não segue exatamente o panorama histórico.

No entanto, esse anacronismo torna-se um dos maiores charmes do filme. Desde o figurino, que foi representado de uma maneira bem mais leve e colorida, sem perder silhuetas marcantes dos vestidos do século 18 apesar do uso de alguns tecidos impensáveis para a época; até a música utilizada na trilha sonora que, ao invés da música clássica sempre usada nos filmes de época, faz uma mistura e representa a juventude de Maria Antonieta por meio de sons derivados do punk, como o new wave e o pós-punk. Como exemplo, temos a icônica cena de compras ao som de I Want Candy, da banda Bow Wow Wow, e a aparição infame do All-Star lilás.

Essas decisões foram tomadas para aproximar a rainha do público, especialmente dos jovens, já que ela mesma era uma quando se casou. K.K. Barrett, diretor de arte do filme, explica que decidiram “superenfatizar o fato que ela tinha 14 anos quando chegou lá pela primeira vez, e fazer com que parecesse um novo mundo, e não um velho e deselegante”. Enquanto isso, a figurinista Milena Canonero recebia uma caixa de macarons de Coppola para a paleta de cores dos 66 figurinos que Kirsten Dunst utilizou no filme, o que a fez conquistar um Oscar de Melhor Figurino. Isso sem contar os pares de sapato Manolo Blahnik.

Os filmes de Sofia Coppola sempre relatam pessoas privilegiadas que se perdem no seu mundo ideal, e acabam se desconectando da realidade. No caso de Maria Antonieta com a França pré-revolucionária, a população sentia o grande abismo da desigualdade, enquanto ela se deliciava com doces, passeios e festejos. E nós também.

A falta de visão e perspectiva em relação aos franceses que sofriam com a crise econômica do país parece ser extremamente calculada. Tirando momentos pontuais, ela simplesmente é esquecida, porque ficamos tão fascinados com as intrigas e fantasias dentro do palácio que ficamos imersos naquele mundo. 

Transformando eventos históricos em eventos relatáveis e atraentes para o público, Sofia Coppola conseguiu realizar o quase impossível: fazer com que, mesmo depois de 15 anos da primeira exibição de Maria Antonieta, sintamos comoção por meio de rosas pastéis e músicas dos anos 80 de uma jovem rainha rica, sem noção do sofrimento que a rondava, pois ela estava imersa demais no seu próprio. 

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Vitor Evangelista

On the Rocks é uma expressão em inglês indicando que uma bebida, normalmente alcoólica, deverá ser servida com gelo. É também o nome do sétimo filme de Sofia Coppola, diretora experiente em contar histórias calmas na superfície, mas recheadas de drama e ventanias por debaixo dos sorrisos amarelos e jardins ensolarados. Na incongruente filmografia da norte-americana, o filme de 2020 é um anexo a temáticas passadas, mas abre o leque para a sutilidade do inevitável e a magia do ordinário.

Já se passaram quase 18 anos desde que Bill Murray se despediu de Scarlett Johansson numa Tóquio inóspita aos sentimentos humanos, confidenciando-a palavras que até hoje não foram impressas nos jornais. Foi em 2004 que Coppola subiu ao palco da 76ª edição do Oscar para receber a estatueta de Melhor Roteiro Original por Encontros e Desencontros. A cineasta, até então, era a terceira mulher na história indicada à Melhor Direção (em 2021, contamos 5, mas o futuro de Chloé Zhao parece promissor), além de ter ouvido seu nome citado na categoria principal, onde também estava no páreo.

Lost in Translation, o título original do filme que deu esse palco à Sofia, já demonstrava com assertividade sua mão cuidadosa na hora de trabalhar a solidão como adereço sentimental da vida adulta. Àquela altura, a diretora escolheu deslocar seus típicos protagonistas nova-iorquinos para o Japão, rasgando na carne a tristeza e o afastamento em várias camadas, a distância humana, a física e a de linguagem. Atmosférico e cheio de respirações presas, o longa firmou uma imagem proeminente da mulher na indústria cinematográfica. 

Com um sobrenome que pesa mais que qualquer nome próprio no mundo, Sofia também tinha no currículo e no carma uma característica atuação na terceira parte de O Poderoso Chefão, trabalho mestre de seu pai. O peso para remexer o esqueleto e oxigenar a imagem de atriz retroativa e filha do papai era imenso, e por isso sua estreia atrás das câmeras não poderia ser mais arriscada que a adaptação de As Virgens Suicidas. O filme de 1999 fez sucesso em Sundance e foi um estrondo no mercado, agradando os céticos que a premiaram com dois Framboesas de Ouro pelo filme dos Corleone.

Dei essa volta toda antes de falar de On the Rocks por algumas razões. A primeira, e mais óbvia, foi para ampliar os horizontes de quem só conhece Coppola por ser filha de Francis Ford ou por ter dirigido o Especial de Natal de Bill Murray. O segundo motivo é para sublinhar o caráter cíclico (mas nunca repetitivo ou entediante) de seu cinema. 

Eu poderia ir mais fundo é claro, e detalhar seu sucesso no Globo de Ouro com Encontros e Desencontros, poderia citar a narrativa de Um Lugar Qualquer,- longa de 2010 que descasca o relacionamento entre pai e filha -, ou poderia até mesmo exaltar suas conquistas na Europa: um César de Filme Estrangeiro, Melhor Direção em Cannes (por O Estranho que Nós Amamos) e o Leão de Ouro em Veneza, mas vou parar por aqui.

É fato que a febre Coppola em premiações norte-americanas começou e terminou com Encontros e Desencontros, mas isso deve-se muito ao fator da nova-iorquina não se ater a reinvenções baratas ou buscar transformações chocantes na hora de filmar suas obras. Ela exprime caprichos, é claro, como a aparente futilidade de seus protagonistas. O grupo de jovens brancos roubando a torto e à direito em Bling Ring ainda traz um gosto amargo na boca, mas suceder a banal narrativa da Gangue de Hollywood com o remake de O Estranho que Nós Amamos deu a cartada de respiro para Sofia, lhe rendendo a já citada Direção em Cannes, se tornando apenas a segunda mulher a portar tal honraria.

E, nesse ponto, notamos que o nome de Sofia Coppola ocasionalmente vem acompanhado de conquistas recentes ou inéditas para as mulheres diretoras, roteiristas e produtoras. Até hoje, só precisamos usar uma mão para contar o número de diretoras indicadas ao Oscar, e um dedo para mostrar o número de vencedoras na categoria. Coppola chegou onde chegou, em adição ao seu talento como contadora de histórias e de arte, por seu privilégio de nascença e sua rede de contatos. Não deve existir hipocrisia de diminuir as conquistas por ser filha de fulano ou ex-esposa de beltrano. 

Se Chloe Zhao e Regina King estão no páreo para serem indicadas em 2021, é porque mulheres no passado conseguiram firmar o pé na areia e demarcar seu espaço de direito. Sofia Coppola ainda é branca e privilegiada numa porção de âmbitos, mas falta de talento ou merecimento não são sinônimos de nada que ela representa e carrega na carreira. On the Rocks não deve colocá-la em posição de prêmios esse ano, mas o filme se vende nas inovações e no olhar complacente da cineasta para as mulheres que decide amar com a câmera.

Partindo de Kirsten Dunst novinha em As Virgens Suicidas e depois com fogo nos olhos em Maria Antonieta, para a cabisbaixa Scarlett Johansson de Encontros e Desencontros e a arisca Emma Watson de Bling Ring, Sofia Coppola já demonstrou repetidas vezes sua paixão por filmar atrizes em sintonia com a energia de seus filmes. Ela sempre encontra na escalação do elenco e na própria direção que dá a ele uma maneira ímpar de equiparar a mística da performance com a do longa-metragem em questão. Com On the Rocks não foi diferente. 

Rashida Jones é a melhor protagonista de Coppola em anos. Comumente atrelada ao ramo da TV, tudo pelos hilários papéis em The Office e Parks and Recreation, a escalação da atriz (que também tem um pai muito famoso) para esse tipo de filme foi estranha, mas o desafio paga bem. A coprodução A24 e Apple TV+ esbanja o orçamento ideal para a diretora filmar sua NY noturna e outrora sexy que ela faz parecer seu próprio lar. E, se no filme de 2003, Tóquio era a personificação física da solidão, em On the Rocks, a tristeza está dentro dos personagens, em seus apartamentos abarrotados e nas caminhadas apressadas pelas ruas da cidade.

Mas se engana quem pensa que o filme cai no melodrama padrão da temporada de premiações (História de um Casamento, estou olhando para você). Desconfortável como rir num funeral, On the Rocks se centra na fissão do casamento de Laura, personagem de Rashida, com o marido Dean, papel de Marlon Wayans, outro ator acostumado ao gênero da comédia. No meio da crise matrimonial, surge o pai de Laura, Felix, interpretado com o ar sacana que só Bill Murray sabe trazer ao cinema de Coppola.

Passados os noventa e poucos minutos de duração, o filme se exibe em algumas frontes que merecem destaque. Sendo categoricamente uma narrativa sobre uma mulher, seus conflitos individuais e perspectivas pessoais, On the Rocks mantém Rashida Jones cercada por uma porção de homens, nunca entregando alguma confidente ou amiga. A única outra mulher na órbita do filme é (a inconveniente) Vanessa, vivida pela enérgica Jenny Slate, outra das filhas de Parks and Rec. 

E Laura, achando que o marido está tendo um caso no trabalho, em momento algum busca ajuda da mulher, partindo de primeira para o auxílio do pai, um homem divorciado e idoso que encontra todas as brechas para apresentar comportamentos machistas. Coppola firma sua sutil crítica ao tipo de toxicidade que Felix emana, mas o filme nunca culpabiliza ou coloca ele num lugar de pensamento e crescimento, pelo fato da diretora e roteirista optar por não inserir um drama carregado e editado em On the Rocks.

Viradas e soluções normalmente alinhadas à músicas de tensão, gritaria e chororo recebem um tratamento relaxado em suas mãos; a calmaria dita o tom do todo, jogando ele nesse perigoso flerte de ser ‘um filme sobre nada’. Nossa visão de Dean muda junto da ótica de Laura, julgamos ele, xingamos ele, culpamos ele, mas tudo enquanto ela nos guia. Por conta disso, sequências mais sérias ou decisivas parecem planas no sistema que Sofia Coppola escolhe construir e desmoronar seus personagens. On the Rocks pode não ser sobre transições, mas, de fato, usa das mudanças e dos contrastes para transmitir suas mensagens conclusivas. 

Laura se veste majoritariamente de cinza, não usa maquiagem e raramente aparece em ambientes iluminados. Ela está presa na própria cabeça, no bloqueio criativo que a impede de escrever seu livro e também é refém das inseguranças da vida de casada e de mãe. O singelo adesivo desbotado de Bernie Sanders remonta o caráter resiliente da personagem, que só se liberta mesmo quando abraça o caráter disruptivo do ambiente que a cerca e por qual caminha.

Construindo a ponte com o título e a expressão do gelo nas bebidas, o filme On the Rocks é escorregadio e temporário. Soul, o presente de Natal da Pixar, sublinhou que não existe propósito único na nossa existência, e o sétimo longa de Sofia Coppola vai mais além: nessa jornada de pai e filha em busca do tempo e do amor perdidos, é imperativo ressignificar para seguir em frente

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Daiane Tadeu

A diretora americana Sofia Coppola venceu o prêmio de melhor direção no Festival de Cannes que ocorreu no último mês de maio. A cineasta foi premiada pelo filme O estranho que nós amamos, um remake do longa de 1971 dirigido por Don Siegel e baseado no romance A Painted Devil, de Thomas P. Cullinan.

Coppola foi a segunda mulher a vencer como melhor diretora na história de Cannes, precedida apenas por Yuliya Solntseva com seu filme A Epopéia dos Anos de Fogo (1961). Isso significa que, na história de 71 anos do festival internacional aclamado como o mais importante do cinema, apenas duas mulheres foram apontadas como as melhores diretoras, havendo um jejum de cinco décadas entre elas. Esse fato sobre a premiação de Cannes revela uma característica muito visível de um dos aspectos técnicos mais importantes e prestigiados no cinema: a direção é um território majoritariamente masculino. A análise de qualquer lista que seleciona os melhores cineastas da história deixa evidente que as mulheres estão sempre em minoria.

Entretanto, o início da história da sétima arte curiosamente se contrapôs a essa realidade de predomínio masculino nas grandes funções de bastidores. Quem defende essa tese é a historiadora de cinema Cari Beauchamp. Sob esse ponto de vista a pesquisadora relata, no primeiro episódio da série de documentários sobre o cinema A História do Cinema – Uma odisséia, que metade dos filmes feitos até 1925 foram escritos por mulheres. Além disso, para a Beauchamp “a história do cinema foi construída por mulheres, imigrantes e judeus, pessoas que não seriam aceitas em nenhuma outra profissão na época”.

Dessa forma, a vitória de Coppola se mostra como um marco historicamente relevante para o cinema, mas mais ainda para a carreira da diretora que é alvo de muitas críticas e controvérsias.

A representação do feminino por Sofia Coppola

Sofia nasceu em maio 1971, e cresceu numa década em que seu pai (Francis Ford Coppola) era um dos nomes de maior peso do que foi denominado “O novo cinema americano”. Sim, ela é filha do diretor de clássicos como Apocalypse Now e a trilogia O Poderoso Chefão.

Sua trajetória no cinema começou ainda como bebê, atuando no primeiro filme da saga do pai. Depois disso, a artista desempenhou mais alguns pequenos papéis em frente às câmeras: sua aparição mais importante foi no desfecho da trilogia sobre mafiosos, interpretando a filha de Michael Corleone – a atriz foi duramente criticada, tanto pelos fãs da trilogia quanto pela crítica especializada, devido ao seu péssimo desempenho e atuação extremamente caricata.

Afastando-se de Hollywood, Sofia entrou para o Instituto de Artes da Califórnia, explorando seu interesse por fotografia, figurino e curtas em vídeo. Como trabalho, participou de projetos de seus irmãos, em sua maioria videoclipes. A participação na produção desses vídeos foi a provável responsável pelo hibridismo de linguagens que aparece em toda sua filmografia; muitas de suas sequências remetem à linguagem de videoclipes musicais, com o uso de bandas contemporâneas na trilha sonora e ausência frequente de diálogos.

Videoclipe dirigido por Sofia Coppola e protagonizado por Kate Moss

Sua estreia como cineasta foi no curta-metragem Lick the Star (1998). Este primeiro filme já revela muito da representação feminina nas obras da diretora. Na história, quatro adolescentes de 12 anos, inspiradas no livro Flowers in the Attic de V.C Andrews, planejam envenenar os meninos dos quais não gostam em seu colégio.

A ambientação do curta nos corredores de uma escola, no qual a maior parte dos diálogos são os comentários maldosos que os jovens fazem uns aos outros, transmite com muita eficácia a atmosfera claustrofóbica vivenciada pelos pré-adolescentes. A obra dá destaque às meninas e seu incansável esforço em atingir padrões de beleza e comportamento. E deixa evidente a relação cíclica entre ser vítima e o autor do bullying. Presa a esse ambiente hostil a protagonista Chloe tenta o suicídio, um tema que seria explorado já no ano seguinte por Coppola.

As Virgens Suicidas (1999), foi o primeiro e ambicioso longa da diretora, e é baseado no homônimo livro de Jeffrey Eugenides. O filme narra a história dos Lisbon, uma família composta por um casal bastante religioso, pais de cinco atraentes adolescentes. Ambientada em um bairro classe média nos anos 70, a história se desenvolve a partir do suicídio da filha caçula da família, Cecília de apenas 13 anos. Isso leva os pais a tomarem medidas cada vez mais superprotetoras e isolacionistas quanto a educação das meninas.

O longa, em poucos diálogos, transmite o confronto entre liberdade e encarceramento presentes na adolescência. Os gestos e atitudes das personagens é que narram o filme, principalmente no caso da protagonista Lux Lisbon, vivida por Kirsten Dunst.

Ao contrário do curta de estreia, que foca nas relações entre os próprios adolescentes, As Virgens Suicidas mira na relação entre adultos e jovens – acertando no machismo que confina e cerceia diversos aspectos da adolescência feminina.  O machismo que ao mesmo tempo repreende a sexualidade das irmãs Lisbon mais velhas, força uma adultização nas mais jovens. O filme teve uma boa recepção da crítica especializada e do público.

A parceria entre Coppola e Kirsten Dunst deu tão certo que a atriz foi chamada para protagonizar o terceiro longa-metragem da diretora. O filme Maria Antonieta (2006), assim como todos os anteriores, foi escrito e dirigido por Sofia. A obra se baseia na biografia da rainha que nasceu na Bélgica, mas foi mandada à França com 14 anos para se casar com o príncipe Luis XVI.

Após anos de pesquisa a diretora optou por se basear na versão biográfica do pesquisador Stefan Zweig, em detrimento a outros, alegando que ele fez uma descrição mais humanista da rainha, escolha essa que se tornou uma grande controvérsia. Ao optar por dar uma visão subjetiva e humana a uma das personalidade mais odiadas da história, Coppola foi alvo de inúmeras críticas. Na representação feita pela diretora, fica claro que a rainha era apenas uma adolescente imatura com incansáveis obrigações. Contudo, a obra não omite as responsabilidades da monarca como uma líder relapsa e prejudicial para a nação francesa.

No entanto, o filme expõe que as obrigações de uma mulher, principalmente se tratando de uma rainha, na França do século XVI diziam respeito somente a maternidade, moda, bailes e o cumprimento de burocracias sociais. Na obra de Coppola a protagonista era pressionada a sentir que a sedução de seu marido, o príncipe consorte, era mais importante de que seus deveres com o povo francês.

Outra crítica diz respeito a trilha sonora, que é formada por artistas contemporâneos e não se enquadra com a ambientação da época. Ao analisarmos o filme veremos que existe uma justificativa plausível para essa escolha: Maria Antonieta é um paralelo a todas as adolescentes da história, inclusive as de hoje em dia, visto que muitas das aspirações e cobranças vividas pela jovem continuam atuais.

Assim, fica claro que, desde o seu primeiro curta-metragem a diretora Sofia Coppola dá vida a personagens femininos complexos. Suas protagonistas vêm acompanhadas de um cuidadoso desenvolvimento na história e personalidade das personagens, fator que costuma faltar na maioria das obras cinematográficas. Isto, além do reconhecimento no festival de Cannes e outros, torna grandes as expectativas para o longa O estranho que nós amamos. O filme contará a história de uma mulher que leva um homem doente e debilitado para a casa onde mora, um internato de mulheres. Aos poucos, cada uma delas demonstra interesses e desejos por ele.

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