Iris Italo Marquezini e Nathan Sampaio 

Em 2016, durante o painel da Sony na E3, o público foi surpreendido com a imagem inusitada de um garotinho brincando na neve. Uma voz chamava a criança e ela, a contragosto, entrava de volta em casa, interrompendo a diversão. Então, uma figura surge das sombras. Barbudo, albino e mais forte do que nunca, o público do evento começa a exclamar palavrões felizes ao perceber que Kratos, o anti-herói da série God of War, está de volta. Em 2018, o game finalmente chegou nas mãos dos fãs e recebeu de braços abertos novos interessados na história do Fantasma de Esparta. 

God of War se passa anos depois dos eventos dos jogos anteriores. Kratos reconstruiu sua vida em uma terra distante junto de sua esposa, Faye, e seu filho, Atreus. A história se inicia com o protagonista se tornando viúvo e tendo que cumprir o último desejo de sua amada, jogar suas cinzas do pico mais alto dos nove reinos. No entanto, a trajetória do personagem é atravessada por diversos desafios, combates, segredos e desentendimentos que, durante toda a jornada, poderá reconectar ou separar para sempre a relação pai e filho. 

O game pode ser considerado um soft reboot da série, pois ao mesmo tempo que traz elementos inéditos – como cenário, mitologia, temática e personagens – o passado e a personalidade do protagonista se mantêm. Dessa forma, novos gamers são apresentados ao mundo de God of War, enquanto os mais antigos retornam àquele universo de um jeito diferente. 

Retratando uma jornada de amadurecimento e conexão, o sétimo capítulo da franquia e o quarto da linha principal é o mais dramático e com a melhor construção narrativa. Tendo personagens complexos, relações conturbadas e interligadas, história envolvente e uma reinvenção da mitologia nórdica, o revival era tudo o que essa série precisava para captar novamente a atenção da comunidade gamer. 

O jogo de 2018 apresentou a melhor versão do Kratos já vista. Isso porque ele deixou de ser um boneco unidimensional que só expressa raiva para se tornar um personagem com uma gama imensa de sentimentos. Durante a viagem com Atreus, pode-se observá-lo expressando tristeza, preocupação, orgulho, amargura, vergonha e até mesmo medo. Todo esse espectro de emoções torna o protagonista mais crível e humano, por mais que ele continue sendo um deus. 

É interessante notar como a morte sempre foi a força motriz que guiou Kratos e como ela foi ressignificada nesse reboot. Nos primeiros episódios, a perda da sua família gerava raiva e indignação, motivando a cruzada contra Áries e os deuses do Olimpo. Enquanto no capítulo mais recente, a viuvez fez do deus da guerra alguém triste, mas que foi somente por causa desse acontecimento que ele pôde se conectar com o filho, o qual virou sua motivação ao final.

A evolução fenomenal desse personagem deve-se à presença do outro protagonista do jogo, Atreus. Aparentando ter dez anos de idade, o filho de Kratos desempenha um importante papel na jornada, pois pode ser considerado o coração da narrativa, trazendo sentimentalismo com sua personalidade e atitudes. Enquanto controlamos o seu pai durante o gameplay, vamos conhecendo e nos afeiçoando por ele de tal forma que, ao final da trama, nos sentimos profundamente conectados a ambos. 

Atreus é o ponto de leveza, pois enquanto o Kratos carrega muito amargor dentro de si e é muito silencioso durante a maior parte do tempo, seu filho sempre comenta os acontecimentos, conversa com o jogador e personagens não jogáveis (NPCs), além de sempre querer se provar ao pai, o que já demonstra a relação de ambos. Grande parte da qualidade da história vem por causa da presença desse personagem. Sem ele o enredo poderia se tornar genérico, assim como seus antecessores. 

A relação entre pai e filho é um dos pontos altos da narrativa. Uma conexão que é muito fria e distante no início se transforma em algo mais afetuoso e carinhoso, e isso só ocorre porque os heróis também mudam durante o trajeto. Kratos tem medo do seu passado e não quer revelá-lo; já Atreus não se sente amado e sofre muito com a perda da mãe. Todos esses temas são trabalhados de forma exemplar durante a trama para que ambos quebrem suas barreiras sentimentais e possam se entender profundamente. 

Talvez o ponto mais fraco dessa relação é quando Atreus descobre ser um deus, pois logo isso sobe à cabeça da criança, tornando-o mais cruel em suas falas e atitudes, menosprezando os mortais. O principal problema não é quando isso ocorre, mas quando o personagem toma consciência de suas ações e entende que é errado agir daquela forma, trazendo uma mudança de personalidade muito abrupta, que prejudica a imersão. Se fosse uma transformação gradual, deixando o lado humano aflorar aos poucos, beneficiaria a narrativa e a conexão do player com o recém descoberto semideus. 

Muito da veracidade dessa relação se dá porque o diretor do game, Cory Barlog, na época do desenvolvimento do projeto, se tornou pai e o sentimento se refletiu na jornada do jogo. Inclusive, esse e outros temas da produção foram mostrados no documentário Raising Kratos, lançado em 2019. Mas não é somente com esses dois personagens que a trama é construída. Há ainda outros encontros que aparecem ao longo da narrativa, que auxiliam ou atrapalham os protagonistas. Uma dessas interações marcantes se dá com Brok e Sindri, dois anões ferreiros que surgem para ajudar a melhorar os equipamentos de Kratos e Atreus. A dupla tem uma richa entre si e se alfinetam nos momentos de diálogo, tornando  suas participações pontuais, inesquecíveis. 

A bruxa da floresta também é uma personagem importantíssima na narrativa, pois desenvolve uma relação de respeito e conflito com Kratos. O game consegue criar uma aura de mistério muito cativante sobre sua identidade, pois durante grande parte da história não sabemos seu nome verdadeiro, suas motivações ou extensão de seus poderes. Contudo, aos poucos tudo isso é apresentado e cada descoberta é ainda mais surpreendente. 

A dinâmica do jogo também é drasticamente alterada por Mimir, o homem mais sábio dos nove reinos, mas que, por conflitos com Odin, é aprisionado em uma árvore indestrutível e torturado diariamente. Esse personagem faz um trato com Kratos, no qual o deus precisa cortar e reanimar sua cabeça e, em troca, ele informará qual é a montanha mais alta e como chegar nela. Tendo uma personalidade sarcástica, irônica e tagarela, essa figura complementa a dupla com suas histórias sobre o mundo e fazendo comentários divertidos durante a jornada. 

Por último, mas não menos importante, temos o antagonista chamado de Desconhecido no começo da história, mas que na metade da narrativa descobre-se ser Baldur, irmão de Thor. Sua figura é muito complexa, pois ele é um deus que nunca se fere e não sente nada, e por razões bastante pessoais, passa a perseguir a dupla principal. O mais marcante do personagem é, com certeza, as batalhas épicas que ele trava com o player: desde sua primeira aparição, ele já mostra a sua grandiosidade e a dificuldade que será enfrentá-lo todas as vezes, e isso gera muita empolgação a cada encontro. 

Os encontros com Baldur são apenas alguns dos vários momentos épicos que o jogo tem. Praticamente cada boss tem seu momento, sendo o Dragão o mais marcante dentre eles, mas até mesmo o combate com os trolls podem ser intensos da sua própria maneira. Para retratar os chefões, nada mais justo do que falar das icônicas Valquírias. É muito mais interessante enfrentá-las logo depois do final da história, já que encontrá-las é uma ótima oportunidade para descobrir novos locais no jogo e também são um excelente desafio. O mérito vai pelo fato de que cada Valquíria é única em suas habilidades, o que oferece mais algumas horas de diversão – ou estresse – para quem joga. 

A diversão dessas lutas vem do fato de que o jogador é obrigado a realmente usar todo o arsenal de habilidades disponível para as lutas. Elaborar estratégias, reconhecer os movimentos e agir no tempo exato é crucial para um bom desempenho. Atreus, inclusive, é indispensável nesses momentos para evitar determinados ataques das inimigas que querem se libertar da maldição de Odin. 

É importante ressaltar que os inimigos, que vão desde os mais simples draugrs até dragões, possuem visuais reimaginados de mitos antigos de forma bastante agradável ou até mesmo grotesca quando preciso. No meio do combate com diversos adversários ao mesmo tempo, é possível diferenciar cada criatura sem dificuldade; assim como o figurino de Kratos consegue torná-lo imediatamente reconhecível para os fãs mais antigos da franquia. Ainda assim, o novo visual situa o Fantasma de Esparta como alguém mais velho e dentro de outra mitologia. 

E Atreus? Ele é simplesmente perfeito. Anos após o lançamento do jogo, é difícil pensar em uma escolha tão bem acertada quanto colocar o filho de Kratos como alguém longe da postura musculosa e estóica do pai. Embora com porte físico diferente, o garoto não se distancia dos pais a partir do momento que usa faixa vermelha do pai na cintura e o cachecol amarelo da mãe. 

Todos esses detalhes, somados à atuação histórica da talentosa dupla Christopher Judge (Stargate SG-1) e Sunny Suljic (Mid90s e Sacrifício do Cervo Sagrado) resultaram em uma rápida identificação do jogador tanto com Kratos quanto com Atreus. A tecnologia de captura de performance utilizada pelo Santa Monica Studio conseguiu facilmente transmitir toda a habilidade e química que os atores compartilham entre si nos sets de filmagem. 

Vale menção também a Alastair Duncan como Mimir, que definitivamente roubou a cena, e Danielle Bisutti como Freya, que trouxe um peso de tragédia genial para a personagem, muito bem adaptado pela atriz Beatriz Villa na dublagem em português. As performances na versão dublada de Ricardo Juarez, Lipe Volpato e Milton Levy – como Kratos, Atreus e Mimir, respectivamente – estão entre as melhores dos jogos originais da Sony. 

O auge do game e que exemplifica o excelente drama da história está no momento em que Kratos enfrenta o seu medo do passado. No momento em que Atreus fica doente, o deus da guerra precisa buscar um artefato em Helheim, o submundo da mitologia nórdica, e para  isso precisará das lâminas do caos. Só o caminho de volta para casa já possui um peso emocional gigantesco e, ao encontrar as armas, há um diálogo com o fantasma de Athena, que faz o protagonista se lembrar do monstro que foi um dia. No entanto, os motivos pelo qual ele empunha aquelas espadas é outro: o símbolo que remetia a sua dor agora é usado para proteção de sua família. Essa ressignificação de parte da história do personagem é genial e entusiasmante. 

O que complementa em cheio as atuações e dá o tom verdadeiramente épico ao jogo é a brilhante trilha sonora de Bear McCreary (Anéis do Poder, Outlander e Battlestar Galactica). É por meio da trilha sonora que se transmite de forma ainda mais clara a masculinidade, o arrependimento e o amadurecimento de Kratos ao longo do enredo. É também por meio dela que compreendemos, sem ser vista em momento algum, a figura de Fey, a quem pertencem as cinzas que os protagonistas levam ao longo da jornada. O vocal da cantora feroesa Eivør Pálsdóttir dá o tom emocional preciso para a memória da mãe na história. 

O fato de não haver flashbacks clichês mostrando a figura da mãe merece elogios, já que o jogo constrói a imagem dela a partir de elementos (geralmente na cor amarela) espalhados pelo mundo e também pelas conversas (ou muitas vezes, pela falta delas) entre Kratos e Atreus. A escolha da história inteira se passar em um único plano-sequência é um dos fatores que tornam game uma obra-prima tanto narrativa quanto técnica. A câmera quase documental coloca o jogador tão perto dos acontecimentos que, nos momentos mais calmos, absolutamente todas as sutilezas e peso das atuações podem ser percebidas. Da mesma forma, quando a ação acontece, toda a violência (transmitida por animações belíssimas cheias de gore) se destaca em cheio. 

Dessa forma, percebemos um desenvolvimento de personagens muito bem construído por meio de centenas de linguagens não-verbais presentes na trama. Tudo isso aconteceu pela memorável direção de Cory Barlog, que soube juntar uma equipe genuinamente deslumbrante para tornar God of War (2018) real. Eventualmente, o projeto conquistaria merecidamente um dos prêmios mais cobiçados (senão o maior) da indústria de games: o prêmio de Jogo do Ano no The Game Awards de 2018. O jogo não só revitalizou a franquia a partir de um contexto mais maduro, como também serviu de inspiração para uma futura série do Amazon Prime Video. 

A mesclagem de mitologias é um pontos fortes de God of War, já que leva em consideração todo o passado do protagonista no mundo grego, tendo deuses e acontecimentos aparecendo de forma pontual durante a história. Já o universo nórdico apresentado é fascinante, mesmo mostrando apenas personagens secundários dos mitos. Cada cenário, criatura, artefato e personalidade é detalhado o suficiente para ser, no mínimo, perfeito. 

Também é louvável a adaptação que a equipe da Santa Monica Studios teve que fazer nas lendas nórdicas para incluir Atreus e Kratos no universo, já que a mera presença deles afeta diretamente relações, conflitos e até mesmo a hierarquia de poder. Junto disso, os desenvolvedores optaram por não mostrarem em tela os maiores nomes do panteão. Todos esses deuses são apenas citados, o que não reduz a relevância de Loki, Thor, Odin e até mesmo Týr com seu destaque e impacto no destino do protagonistas. O estúdio precisou evoluir e recontar os mitos de forma que não houvesse lacunas e ainda continuasse sendo coerente, como ocorreu magistralmente.  

Para que toda essa experiência seja imersiva o suficiente, é necessário que a jogabilidade também esteja alinhada. Felizmente, ela é muito bem executada. Como esse capítulo é um soft reboot, a desenvolvedora decidiu inovar no gameplay. Enquanto os jogos anteriores pertencem ao gênero de Hack’n Slash com elementos de RPG, essa nova versão faz o oposto trazendo elementos de outros games como Dark Souls, Bloodborne e The Witcher 3: Wild Hunt. 

Ao mesmo tempo que essa dinâmica torna o jogo único em relação aos anteriores da franquia e traz boas pitadas de estratégia (principalmente quando consideramos as lutas com as Valquírias), muito fica sem explicação. Algumas das estatísticas não aparecem transmitidas pelo gameplay e é preciso realmente parar e pesquisar para entender a diferença que elas fazem. 

É o caso dos atributos e da construção de armadura, algo novo na franquia e que tem por objetivo fazer com que o player molde o seu próprio Kratos. Porém, essa adição não é tão bem balanceada, visto que certas habilidades e equipamentos possuem pré-requisitos, o que faz com que o jogador precise upar o que o game pede e não necessariamente o que ele deseja. 

Os clássicos quick time events retornam nesta edição de 2018, porém de forma mais contida do que nos títulos anteriores. Nos capítulos lançados para Playstation 2 e 3 era comum a utilização desse recurso em qualquer combate, até mesmo os mais comuns, tanto que essa mecânica se tornou tendência entre outros títulos, como Asura’s Wrath e Dante’s Inferno. Já nesse soft reboot eles foram realocados para melhor imersão dos jogadores. 

Há motivos de sobra para entender God of War como um dos jogos mais imersivos da última década. A ambientação da mitologia nórdica vai muito além dos diálogos expositivos. Por meio de templos, estátuas abandonadas e literais cadáveres de seres gigantes no horizonte, todos os elementos visuais que cercam a aventura de Atreus e Kratos possuem uma estética de um mundo grandioso envelhecido ao longo de milênios. 

O reino de Álfheim, no qual acontece um embate constante entre os elfos claros e escuros, o Templo de Týr e a Casa da Bruxa é onde os designs épicos mais enriquecem os olhos do jogador. Todas essas muitas vezes literais ruínas de reinos antigos trazem a ideia de que os dois protagonistas são forasteiros em um mundo já muito bem estruturado. 

A exploração de God of War é um dos pontos fortíssimos do jogo. Após terminar a história principal, é fácil ficar de queixo caído ao ver o quanto ainda é possível explorar nas mais diversas localidades, tendo até mesmo reinos secretos para serem desbloqueados. Existe um vasto mundo de missões paralelas que expandem o universo e a relação de Atreus, Kratos e Mimir, detalhe mantido para a sequência God of War Ragnarok (2022). 

Opções não faltam para exploradores, mas em menor escala é justamente aí que o jogo falha. Ao mesmo tempo que o level design em ambientes externos é fenomenal e facilita a localização do jogador, em espaços fechados tudo se torna confuso e cansativo. O melhor exemplo disso é o Templo de Týr e as Minas Volunder, em que a jogabilidade, antes tão intuitiva, abre espaço para puzzles e enigmas desnecessariamente complexos comparados com o que foi estabelecido antes ao longo do gameplay.

De todo modo, a experiência continua excelente do começo ao fim da história principal. O recomeço de God of War conta uma das narrativas mais intimistas de um jogo AAA sem desrespeitar o que veio antes na franquia. O game dirigido por Cory Barlog sem dúvidas entra no hall de melhores jogos cinematográficos, junto com The Last of Us, Uncharted e The Walking Dead (Telltale Games). 

A obra equilibra uma gameplay violenta e brutal junto com personagens que tentam de tudo para se afastar da própria sensibilidade. Ao longo de diversos altos e baixos na própria relação, Kratos e Atreus aprendem mais sobre o mundo nórdico e principalmente sobre si mesmos. O que torna God of War uma obra-prima é que ele faz o mesmo com o jogador, que sai entendendo que até mesmo deuses tão poderosos e antigos podem sentir, mesmo que lá no fundo, sensações como medo, insegurança e uma vontade tremenda de darem e receberem algum amor. 

O post 5 anos de God of War: Pai, Filho e o Espírito de Vingança ainda vivem apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Ludmila Henrique

O que faz um evento de RPG de mesa ser tão importante nos dias de hoje? Seria a lembrança dos contos de fadas de quando éramos crianças, as histórias criadas e os desafios presentes nos jogos, ou talvez, seja apenas o prazer de passar aquele momento com seu grupo de amigos e aproveitar o máximo daquele tempo? Independente da sua motivação para participar das partidas, A Lenda de Vox Machina (The Legend of Vox Machina), nova animação do Amazon Prime Video, compõe toda magia e reviravoltas existentes nos jogos de tabuleiros.

Em The Legend of Vox Machina, somos apresentados ao grupo de heróis do mesmo nome do seriado, Vox Machina, composto por sete personagens  inteiramente diferentes uns dos outros. Assim como peças de xadrez, cada integrante tem sua própria característica, personalidade e objetivos. Possibilitando o desenvolvimento de um batalhão de desajustados e, ao mesmo tempo, os diferenciando dos outros cavaleiros clássicos.

A premissa da série se originou a partir da primeira campanha de Dungeons & Dragons (D&D) da websérie Critical Role, onde a narrativa dos personagens começou a ser desenvolvida logo em sua transmissão de estreia no ano de 2015. Após conseguirem os direitos autorais do show, parte das produções multimídias realizadas foram publicadas nas próprias redes sociais do Critical Role, com lives entre três a quatro horas no Twitch e YouTube. 

O andamento inicial para a realização da animação, surgiu a partir de um financiamento coletivo de 750.000 dólares no período de 45 dias para a elaboração de um curta de 22 minutos, dedicado para cada personagem específico. Contudo, para a surpresa dos próprios criadores, em menos de uma hora da abertura do projeto essa meta foi concluída. Depois de 24 horas, eles atingiram cerca de 4,3 milhões de dólares em arrecadação, podendo financiar mais de quatro episódios para a série animada.  

Logo após as metas inaugurais serem concluídas, outros objetivos foram direcionados ao financiamento. A primeira foi expandir o plano inicial de episódios únicos dos personagens para uma animação completa, abordando outros arcos presentes na primeira até a segunda campanha de The Legend of Vox Machina. A produção executiva do seriado foi realizada pelos próprios integrantes do Critical Role, além de integrar Jennifer Muro, co-produtora de Star Trek: Prodigy, no grupo de escritores e Brandon Auman, roteirista de As Tartarugas Ninja e Star Wars: A Resistência, no cargo de showrunner. Ademais, o design da série ficou encarregada nas mãos do diretor de arte Phil Bourassa, artista conhecido por seu trabalho em grandes produções do universo DC, como Justiça Jovem  e Batman: Silêncio. 

De acordo com o livro sagrado dos jogadores de D&D, todas as figuras principais pertencem a uma classe no role-playing game. Por exemplo, os gêmeos meio-elfos, Vax’ildan Vessar (Liam O’Brien) e Vex’ahlia Vessar (Laura Bailey): Vax é classificado no RPG como Ladino, figuras altamente ágeis e com grandes habilidades mundanas – algumas vezes sobrenaturais – para alcançar seus objetivos, além de especialista no manuseio de ferramentas e de desarmar armadilhas. 

Apesar do posto direcionado a Vax, em infinitos momentos os roteiristas desfrutam desses princípios para contradizer algumas características pertencentes aos Ladinos, primordialmente em ocasiões na qual o gêmeo é necessário para uma tarefa – muitas vezes simples, como abrir uma porta. Isso transfere um ar de ironia cômica para os espectadores que já são habituados com as divisões de atributos desses personagens de RPG. Porém, do mesmo modo que brincam com esses padrões, nada pode voar muito longe do ninho. Vax também esbanja confiança e múltiplos talentos durante a jornada da equipe, adicionando um equilíbrio entre o bom humor e a fidelidade dos traços para o seguimento da animação.

Diferente de seu irmão, Vex é conhecida como Ranger (patrulheira), obtém grandes instintos de caçadora e uma execução excepcional em combate, inclusive, se autodenomina como líder da equipe. Não que seja necessário explicitar sua liderança para o público. Com a sua postura e a aura de chefia que paira sobre Vex, já fica evidente quem ela é, e também qual é o seu papel dentro do grupo. Em todos os frames, ela apresenta seu grande dom para ditar as próximas ações do Vox Machina e mesmo não estando cem por cento correta em uma decisão, diligentemente consegue recuperar as rédeas da situação.

Também temos a presença de Pike Trickfoot (Ashley Johnson), gnomo pensada para ocupar o papel de clériga do Vox Machina, Pike conjura a magia da divindade Everlight – deusa da cura e da redenção – por meio de suas preces e devoção. Destinados ao papel de alívio cômico no seriado, contamos com a figura de Scanlan Shorthalt (Sam Riegel) e Grog Strongjaw (Travis Willingham). Scanlan, assim como Trickfoot, também é um gnomo e pertence a classe bardo – seres que através de sons e palavras, criam canções que se materializam em objetos ou em outras formas por meio de encantamentos. Já, Grog é denominado como Golias, seres de combate e grande força física, mas no fim, é um dos personagens mais sensíveis da party e que só precisam tomar uma cerveja no fim do expediente. 

Concluindo a apresentação dos integrantes, é a vez de mencionar a druida Keyleth (Marisha Ray) e o gunslinger Percival de Rolo (Taliesin Jaffe). Por pertencer a família dos druidas, Keyth possui forte conexão com os animais e a natureza, podendo conjurar magias ligadas a essas forças elementais. Nos momentos de tela na qual Keyleth utiliza de seu poder, são os minutos mais instigantes e também apreensivos em certo ponto. 

Mesmo sendo uma das participantes mais fortes da animação, os medos de falhar ou talvez ocasionar um problema maior que o vigente, acabam a consumindo por total. E essas inseguranças existentes, pouco aprofundadas nessa primeira temporada, acabam se sobressaindo basicamente em quase todas as batalhas que necessitam de sua ajuda ou liderança. Ainda assim, nos instantes que ela procura seguir seu coração e não as vozes negativas que flutuam sobre ela, seu poder inimaginável dita quem finaliza aquele duelo como vencedor. Isso evidencia toda a potência que está guardada dentro dela.

Por fim, temos Percival, também conhecido como Percy. Ele é apresentado como a figura do pistoleiro: humano com habilidades de engenharia. Inicialmente Percival não é um dos personagens mais cativantes em cena, por obter um caráter mais fechado e misterioso, pouco se sabe sobre ele fora o seu grande interesse em etiqueta e uma certa devoção pela realeza. É com o decorrer dos episódios que fica mais explícito quais são suas reais motivações, e o pretexto de sua admiração pelo reino.

The Legend of Vox Machina lançou seus três primeiros capítulos no fim de janeiro de 2022 e já em sua estreia, a trama que mescla histórias clássicas da fantasia com humor, obteve 100% de aprovação pela crítica especializada no Rotten Tomatoes. A obra, composta por doze episódios divididos em blocos lançados nas sextas-feiras seguintes, complementa o combo de animações com classificação R, lançadas recentemente pelo Amazon Prime Video.

O streaming da Amazon tem uma característica única em realizar projetos onde o enredo apropria-se de grandes clichês presentes no audiovisual – como a famosa imagem do super-herói e as múltiplas características dos contos de fadas – e refaz esses estereótipos de forma cômica e, algumas vezes, revertendo as próprias qualidades que tornam esses personagens tão conhecidos modernamente. Parte dessas produções é a animação Invincible e a série The Boys, dois marcos que brincam com o formato que as HQs são realizadas. 

Assim como outros nomes no catálogo, The Legend of Vox Machina não poderia ser contrária a isso. Contando com dois arcos diferentes em sua narrativa, os três primeiros capítulos tem o intuito de adicionar um parâmetro para os telespectadores que não são familiarizados com o Critical Role. Neles, são apresentados o universo que a série está inserida, os personagens do elenco e o tom do material; se os produtores procuraram transportar a animação de modo mais a sério, com temas mais fortes ou pretendem apenas levar o enredo para o lado mais humorístico. 

Com o teor mais introdutório, a seção inicial perpassa por grandes aspectos dos contos de fantasia. Elementos familiares transitam do início ao fim, como a presença de tavernas, castelos, cavaleiros do reino e dragões. O segmento inaugural percorre os trajetos desses guardiões desequilibrados, em sua primeira missão para derrotar o vilão que sondava Exandria e outras terras vizinhas. Essa atribuição destinada ao grupo se assemelha ao percurso de Atreyu, personagem do livro A História Sem Fim, em busca de achar uma cura para a Imperatriz Criança e também salvar o reino de Fantasia.

Encerrando o primeiro arco, os outros nove episódios abordam uma nova história, na qual Percival De Rolo se encontra como protagonista da narrativa vigente. No final do terceiro capítulo, a vinda dos vilões Delilah Briarwood (Grey Griffin) e Sylas Briarwood (Matthew Mercer) foi anunciada. Duas personalidades com características vampirescas e que obtém suma importância na construção de Percy na trama, assim como em sua sede de vingança. A partir deste ponto, a adaptação dos Briarwood puxa a animação para um lado mais obscuro e, mesmo não deixando de servir momentos engraçados, a trama adota um ar mais sério e misterioso.

A decisão do streaming em separar a série em blocos semanais foi positiva para o público imergir no clima de suspense que o enredo queria transmitir. Em cada sessão final, um novo acontecimento vinha à tona e despertava cada vez mais o interesse para descobrir o que estava transcorrendo. Aos poucos, os segredos dos Briarwood foram revelados para os telespectadores. De modo perturbante, Delilah utiliza-se da necromancia para curar Sylas de uma doença repentina, ambos foram expulsos do comando de seu próprio reino, pela ocorrência dessa pratica ser ilegal no império Dwendalian. Sendo obrigados a encontrar uma nova localização para poder liderar, eles decidem ocupar o castelo de Whitestone, reino na qual a família De Rolo governava.   

Após a queda de sua família do lugar no trono e o massacre dos mesmos, Percy consegue escapar dos ataques e, por anos, guarda o rancor e o trauma dentro de si. Esse ódio instaurou um grande desejo de vingança por parte de Percival, onde fixou uma meta de assassinar todos os envolvidos na morte de seus parentes. Os momentos de tela na qual Percy percorre incessantemente pela sentença, são alguns dos pontos mais emocionantes e inquietantes da animação. Essa mistura de sensações contribuiu para que De Rolo fosse o personagem mais marcante e bem trabalhado da primeira campanha de The Legend of Vox Machina. 

Em um todo, o plano de separar um material extenso e de longa duração como as partidas de RPG, e as transformar em um conteúdo televisivo, foi desempenhado em um ritmo que não é cansativo e nem rápido demais. O trabalho final proporcionou grandes momentos de ação, drama e humor, de modo que não seja exagerado e sim, na dose correta para cada situação. Com amplas referências de blockbusters de conteúdo geek, a animação não prometeu nada demais do que outras obras no catálogo do Prime Video, entretanto, superou de forma avassaladora as expectativas já esperadas pelos os fãs de Critical Role e abriu portas para novos admiradores da série.

O post A Lenda de Vox Machina e a vingança que se come fria apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Isabela Batistella

Com a produção do jogo datando desde 2014, OMORI foi publicado na Steam (plataforma de jogos online para PC/Mac) no dia 25 de dezembro de 2020, pela desenvolvedora e ilustradora independente OMOCAT. Baseado na webcomic da diretora, hikikomori – termo em japonês que se refere a um indivíduo que escolheu se isolar socialmente por extensos períodos de tempo – a história segue a trajetória de Sunny e seu alter ego Omori, explorando um mundo de sonhos surreais e a realidade.  

O primeiro cenário do jogo, que será retomado algumas vezes ao longo da história, é o chamado White Space (Espaço Branco). E é justamente isso mesmo. Nele, o personagem encontra apenas um notebook, seu gatinho Mewo, um caderno de desenhos e uma caixa de lenços “para limpar sua tristeza”. Além disso, uma lâmpada negra pendurada no teto. Não é possível enxergar nada nela: é a ausência de pensamentos e ideias.

Diversas mãozinhas vermelhas estão espalhadas ao longo do looping em branco, como se estivessem tentando manter o personagem dentro daquele espaço confinado. Uma porta aparece de vez em quando, e, ao sair, o charme de OMORI se apresenta ao jogador. Conhecemos seu grupo de amigos: Aubrey, Kel, Hero, Mari e Basil. A maneira com a qual esses personagens interagem é extremamente delicada, sendo capaz de despertar sentimentos de nostalgia e carinho ao longo do avanço da narrativa.

O mundo a ser explorado apresenta elementos surreais e fantasiosos. Cenários e npc’s (non-player characters) são representados de forma onírica, com uma paleta de cores colorida e suave, em tons pastéis. Após a apresentação, a história começa verdadeiramente: um dos amigos de Omori, Basil, desaparece, deixando para trás apenas uma mancha negra no chão. A jornada se inicia, e o grupo parte em busca de seu amigo perdido.

A jogabilidade, criada em RPGMaker, com clara referência de jogos como EarthBound e Yume Nikki, é um refresco durante o jogo. As batalhas ocorrem contra inimigos excêntricos, muitas vezes animais ou frutas, sendo divertidas e dinâmicas. As emoções são exploradas nesse quesito: é possível interagir com os companheiros de time durante as batalhas, alterando suas emoções (raiva, alegria, tristeza e medo) – cada qual com uma vantagem e desvantagem dentro da luta.

 O aspecto psicológico

Conforme avançamos na narrativa, descobrimos que o protagonista não é exatamente confiável, e que sua mente está cheia de armadilhas e cortinas de fumaça que escondem a verdadeira face da sua depressão. Ao sair do mundo dos sonhos e entrarmos na realidade, nos deparamos com Sunny: um adolescente solitário, que não sai de casa há muito tempo e que irá mudar de cidade em cinco dias. Apesar de sua aparência e personalidade serem semelhantes ao seu alter ego Omori, é possível notar algumas diferenças, sendo uma delas a ausência de amigos.

A temática de depressão e ansiedade é extensamente abordada e pode ser considerada uma constante dentro da história. O time de desenvolvedores não teve medo de explorar as nuances dessa doença psíquica, que é o ponto de partida para a narrativa fantasiosa e até mesmo as atitudes do protagonista. No mundo real do jogo, descobrimos que uma tragédia aconteceu há alguns anos, e esse foi o motivo do afastamento do grupo de amigos e do eventual isolamento de Sunny, que passou a ser assombrado por visões que ele chama de Something (Algo).

Em OMORI, nada é o que parece. Enquanto nos aventuramos no mundo dos sonhos, exploramos, ao mesmo tempo, a mente fragmentada e traiçoeira de Sunny – e sua fuga da ‘verdade’, que catalisa seus traumas e sua depressão. O que se inicia como a busca por um amigo perdido se torna, aos poucos, a busca pelas memórias que o personagem enterrou nas camadas mais profundas de sua mente, que podemos chamar de Black Space (Espaço Preto).

O jogo bebe da fonte psicológica sem medo, tanto para os elementos de terror quanto para os narrativos. É possível associar os eventos que Sunny passa ao longo da história a um fenômeno chamado Amnésia Dissociativa, que, segundo a Ph.D. em psiquiatria Megan M. Hosein, “incorpora elementos de estados de fuga psicogênica, memória reprimida e amnésia traumática”, sendo o conceito de repressão relacionado a eventos traumáticos e PTSD (Estresse pós-traumático).

Em alguns momentos da narrativa, o jogador precisa fazer algumas escolhas. Mesmo as mais simples, como escolher ou não atender a porta em determinado momento, podem alterar a trajetória do jogo e seu final. São duas as rotas possíveis no jogo: a Rota do Sol, onde se escolhe sair de casa no ‘mundo real’ – com dois finais principais, um bom e um ruim; e a Rota Hikikomori, que não explora a Cidade de Faraway verdadeira e se passa majoritariamente no mundo dos sonhos.

OMORI é um jogo delicado, até mesmo nos seus aspectos de terror psicológico, e trata a superação dos medos, doenças mentais e traumas de forma suave. Não é para todos, certamente, pois seus tópicos sobre depressão, automutilação e suicídio podem servir de gatilho para algumas pessoas. No entanto, é uma trajetória divertida e envolvente, cheia de surpresas e plot-twists que não deixam de fascinar o jogador desprevenido. Se você é fã de RPG, não pode perder essa experiência brilhante. 

O post A sensível narrativa de OMORI: depressão e trauma apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.