Talita Mutti

O processo de construção de um projeto musical pode levar tempo e exigir muito estudo, principalmente quando se trata de um álbum que precisa carregar um conceito e coerência entre as faixas. Em um EP (Extended Play), há apenas a junção de algumas músicas que não necessariamente seguem um sentido conceitual, mas que apresentam um novo estilo ou funcionam como um teste fora do habitual do artista. JPEGMAFIA e Flume parecem ter brincado um pouco com essa definição em ”We Live In A Society”, lançado em maio de 2025. Os dois já haviam colaborado anteriormente em “How To Build A Relationship”, para uma das faixas da mixtape Hi This Is Flume. Mas, desta vez, encontramos uma curta sessão musical entre dois artistas que pode ser proveitosa, peculiar e altamente experimental.

Barrington DeVaughn Hendricks, mais conhecido como JPEGMAFIA, é um rapper e produtor que se destaca na cena por fugir da estética mainstream. Ele é inovador e ousado em seus projetos, explorando a conversa entre o hip hop e outros estilos musicais. Ao lado de Harley Edward Streten, conhecido como Flume, não foi diferente. Ele é DJ e produtor que marcou sua carreira como um dos nomes responsáveis por popularizar o Future Bass — um gênero que mistura elementos de dubstep e trap com ritmos mais envolventes. A partir da soma de duas mentes imersas na experimentação, o projeto carrega uma sonoridade futurista e marcante, testando os limites da escuta convencional. 

O EP se inicia com uma proposta audiovisual cômica em “Track1”, que retrata o processo em que o produtor apresenta seus beats para JPEG. Deitado em uma maca com um aparelho metálico que remete a um instrumento científico, o rapper reage gradualmente aos sons. O clipe chega a ser engraçado, porque, de início, ele não se interessa por nada do que o DJ apresenta. “Seja lá qual for o barulho que você acabou de fazer aí, isso me assustou pra caramba!”. Contudo, no decorrer dos testes, entendemos porque Barrington rejeita tanto as primeiras tentativas: ele sabia do que Flume era capaz. 

Os beats iniciais eram marcados apenas por sons graves e estridentes sem ritmo nenhum, a ponto de incomodar. Com o tempo, Flume vai agregando outros elementos eletrônicos que complementam a experiência, até que chegam a um ponto de concordância. A partir daí, compartilhamos do experimento entre os dois artistas e mergulhamos de cabeça no projeto. Com imagens quase alucinógenas, tomamos o lugar de JPEG na maca e embarcamos em uma breve viagem musical.

Com uma temática cyber, o EP apresenta um conceito voltado à tecnologia, interação social, relacionamentos e à percepção da realidade de forma moderna e futurista. Em “Is It Real?” (feat. Ravyn Lenae), a voz robótica do rapper e os versos marcantes de Ravyn, cantora de R&B, apresentam o mantra do carpe diem da forma mais crua possível: viver o agora, sem se preocupar com julgamentos alheios e aproveitando cada segundo de uma vida “curta”.

Já “IA Girlfriend”, terceira faixa do projeto, é estranha e desconfortável por trazer alusões à inteligência artificial dentro de uma relação afetiva. JPEG usa termos técnicos de tecnologia até para descrever o ato sexual, como no verso: “Então vou limpar meu cache antes de me conectar com você, sim / Minha namorada IA ficará na minha página inicial até o mundo acabar”. A música ainda acompanha um videoclipe que mostra um robô de aparência feminina em um strip club, onde essa “IA Girlfriend” parece estar em um processo de reconhecimento do ambiente e do comportamento feminino, talvez para poder imitá-lo. Entre os versos, ecoam falas em uma voz feminina que remetem ao filme Her, estrelado por Joaquin Phoenix, que causou reações mistas no público justamente por apresentar um futuro que, aos poucos, parece menos distante.

Na última música do EP, os dois produtores amarram o que idealizaram ao longo do EP. Hoje, são tantas as coisas produzidas por IA— textos, imagens, vídeos e até mesmo música — que fica cada vez mais difícil compreender o que é falso e o que é real. Ocean Is Fake  é uma faixa sem progressão clara, com um refrão repetitivo no início, e só no final temos um verso de JPEGMAFIA que referencia, tanto relações que não parecem reais, quanto o fato de sempre ter que gravar, registrar ou expor algo para que isso seja considerado real. “Se não for permanente, não podemos tirar fotos de família. Se não for permanente, você pode tirar uma foto com ele, só isso”, declara o rapper.

O resultado da colaboração entre a dupla é um trabalho experimental e proveitoso para ambos os produtores, já que, além de cantor e compositor, Hendricks também é produtor e pôde dar seu toque no EP. Em entrevista para a Cambridge Union, ele diz que começou a fazer rap porque ninguém gostava dos seus beats antes. Mas reforça: “Em primeiro lugar, sou um produtor. Depois, um rapper. Mas levo os dois a sério!”. No final, são dois amigos dentro de um estúdio experimentando e produzindo o que mais os agrada sonoramente.

O post JPEGMAFIA e Flume mergulham na experimentação musical e flertam com o delírio em We Live In A Society apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Isabela Nascimento

Em Fevereiro deste ano, Tucker Pillsbury lançou o deluxe do seu disco mais recente, Kansas Anymore (The Longest Goodbye). A sua nova versão traz quatro músicas inéditas, colocando o ponto final na sua última história de amor.  A versão original foi lançada em Julho de 2024, como seu segundo álbum de estúdio, Kansas Anymore. Nessa produção, o cantor traz uma nova versão de si mesmo, abandonando sua persona rapper apresentada no seu primeiro disco, Rx (2022). Nesse novo projeto, o americano se apresenta como um artista de pop rock, com influências do country atual. Essa troca de estilo fez público conhecer o outro lado de Pillsbury e ajudou a chamar uma fanbase mais engajada.

No primeiro álbum lançado, ele celebra seu relacionamento com a youtuber e influencer de sucesso, Emma Chamberlain. Os dois ficaram juntos por dois anos, tendo o anúncio oficial de namoro na edição de 2023 de dias dos namorados da GQ, revista norte-americana. O projeto de 2024, reflete sobre o término desse namoro. Tucker Pillsbury contempla, nesse CD, como o fim do romance foi difícil para ele e a paixão que ainda existia pela sua ex-amada. O maior exemplo é a música Deeply Still In Love.

Na última faixa do disco original, Something, Somehow, Someday, há um toque de desilusão e amor que somente uma pessoa vivendo com um coração partido pode proporcionar. O tom de esperança de que poderemos ver eles juntos novamente enriquece o álbum ainda mais. Mesmo o cantor trazendo esse sentimento de um amor não superado nas outras letras, essa é a mais honesta e tocante. Nela, Pillsbury lista as diferenças entre o músico e sua ex-namorada, enquanto ele é uma pessoa perdida e com problemas de vícios, ela é organizada, centrada e decidida, porém, ainda com personalidades contrárias, Role Model acredita que a sua musa voltará para ele de algum jeito. “Mas eu acredito que eles são feitos um para o outro/Algo, de algum modo, algum dia/Sim, acredito que eles são feitos um para o outro”, o artista canta.

Em Fevereiro deste ano, o artista lançou a versão deluxe do seu segundo álbum de estúdio. Nas novas músicas adicionadas, Pillsbury continua pensando em Emma Chamberlain, mas diferente do disco original que mostra o cantor ainda apaixonado, as novas faixas adotam um tom de nostalgia. As memórias já estão distantes, sendo contadas apenas como lembranças do passado. 

Kansas Anymore (The Longest Goodbye) abre com a faixa Old Recliners, produzida por Noah Conrad, que tem uma base calma e simples, se unindo de forma agradável às outras músicas do álbum. Na letra, Tucker Pillsbury continua remoendo a partida da sua ex-namorada. Ele diz que ainda pensa nela e nos dias que passaram juntos, em suas últimas palavras para Chamberlain no término e, por fim, como a perda dela fez o artista se sentir sozinho e perdido. A faixa é bem gostosa de ouvir, tem uma melodia que parece ter sido inspirada nas produções country que, ao se unir a letra, traz um sentimento nostálgico, como se o cantor estivesse se lembrando de memórias distantes.

Em contrapartida, Sally, When the Wine Runs Out, é totalmente diferente de tudo que ele apresentou neste CD, ao mesmo tempo que a faixa se complementa, naturalmente, a ele. Nessa música, Pillsbury conta sobre Sally, uma mulher que ele conheceu no bar e como ela o deixou intrigado. Essa canção é a mais animada e dançante do deluxe, tem uma letra ‘bobinha’, porém divertida, com aquele toque de quem está se apaixonando e também nos mostra que Role Model já não se lembra dos amores e corações partidos do seu passado. Essa é a faixa que está se destacando mais depois do lançamento, ela ganhou um videoclipe simples, mas com a cara do artista e já tem mais de dez milhões de streamings nas plataformas digitais.

Some Protector é a volta da conversa sobre sua ex, porém, de uma forma diferente. Agora, Tucker Pillsbury questiona sobre os sentimentos que restaram após superar seu antigo amor, ele diz que se sente como um protetor dela. “Sim, eu sou, e sempre serei um tipo de protetor”. Ele também menciona como essa ‘conversa’ está estendida e como sabe sobre isso, mas não consegue ignorar as dúvidas da cabeça dele acerca desses pensamentos.

A música começa com um violão simples e um coro ‘baixinho’, que vai aumentando gradualmente. Mesmo não sendo a melhor faixa do deluxe, você consegue entender a escolha dela para o disco, mostrando como Pillsbury está confuso sobre esses sentimentos e, quando você entende que esse álbum apresenta todos os estágios do término, faz ainda mais sentido.

A última faixa recebe o nome The Longest Goodbye e é, de longe, uma das músicas mais interessantes do álbum. Em entrevista a Travis Mills em seu programa The Travis Mills Show na Apple Music, Tucker Pillsbury diz que estava incerto sobre ter essa música no deluxe, mas, após analisar, ele resolveu adicionar. “Eu senti que essa música fechava o álbum, mas a última canção da versão original (Something, Somehow, Someday) tinha esse mesmo efeito […] Porém, eu não poderia deixar de fora, principalmente ouvindo ela com as outras faixas e, também, ela foi feita em um momento especial com os meus colaboradores”, ele finaliza.

A faixa tem presença de mais instrumentos e uma produção mais refinada. Há referências do jazz e de músicas da década de 1990. A letra é a sua última despedida, o cantor se lembra, novamente, do término, mas com um tom de distância como se não doesse mais e fosse um passado distante. Ele finaliza dizendo que não a ama mais, porém, espera que o novo amor dela a trate bem. A composição é curta e sem rodeios, a mensagem é bem clara e direcionada a sua ex. Quem escuta consegue notar os sentimentos não cantados nela e que a sua jornada, finalmente, chegou ao seu final. 

As músicas adicionadas fazem jus ao nome Kansas Anymore (The Longest Goodbye). Essa foi a devida despedida ao seu grande amor, as letras mostram a caminhada final antes de fechar essa porta, a nostalgia dos bons momentos, o encontrar de uma nova pessoa e, por fim, o adeus para essa história. Não existia maneira melhor de terminar esse álbum, Role Model acertou totalmente com as escolhas da faixa. Mesmo em alguns momentos soando repetitivo, você entende as escolhas, porque as músicas não eram, exatamente, para os fãs em si e, sim, para ela.

O post Em Kansas Anymore (The Longest Goodbye), Role Model dá a devida despedida ao amor do passado apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Enrico Souto

Em discussões sobre Kanye West, normalmente encontram-se dois tipos de pessoas: aquelas que o consideram um gênio e visionário incompreendido, quase uma figura divina, e que suas atitudes questionáveis são na realidade apenas parte de sua eterna performance artística; e aquelas que acham sua arte irrelevante, superestimada, e que ele não passa de uma pessoa abominável que depende de suas ações reprováveis para se manter em alta. Nenhum dos dois discursos são verdadeiros, ao mesmo tempo que também o são. De todo modo, o cenário que rodeia o artista é bem mais complexo do que categorizações reducionistas.

Seu talento e o valor artístico de sua obra são inquestionáveis, e o jeito com que ele transformou a produção musical no rap e em gêneros derivados prova que ele é, de fato, um dos maiores e mais importantes artistas contemporâneos. Além de também ser uma das figuras cruciais para como a cultura pop se moldou no século XXI. O que não legitima seu endeusamento e a constante banalização de suas atitudes extra-música por fãs. Discutir sobre Kanye West é discutir sobre indústria musical, racismo, saúde mental, a função social de celebridades e a responsabilidade que ela carrega. E Donda trouxe intensamente todos esses temas à tona, de uma só vez.

A história de seu 10º álbum solo até o lançamento é longa e controversa. O projeto tem sido antecipado desde 2020, em meio a uma problemática campanha presidencial, controvérsias pesadas envolvendo Kim Kardashian e sua família, e crises de bipolaridade manifestadas em tweets polêmicos. Antes nomeado God’s Country, o álbum recebeu dois singles naquele ano, Wash Us In The Blood e Nah Nah Nah – nenhum deles entrando na sua versão final – e chegou a ter, pelo menos, três versões de capas diferentes.

Depois dessa onda frenética de eventos problemáticos envolvendo Kanye, o rapper sumiu por um longo período. Apenas voltamos a ouvir falar do álbum em julho de 2021, quando um trecho da faixa No Child Left Behind foi utilizada na propaganda de um fone de ouvido da Beats Electronics com a velocista Sha’Carri Richardson. No final do anúncio, era anexada uma data, referente à primeira audição do álbum transmitida pela Apple Music, que se tornaria, mais tarde, um ponto crucial na divulgação de Donda e também no conceito, visual e estética do disco.

Ocorreram, ao todo, três audições – ou listening parties – de Donda até que ele fosse oficialmente liberado. Cada uma delas trazia versões diferentes do disco, com as faixas agrupadas em ordens distintas, músicas inéditas, colaborações incluídas e retiradas, novas mixes e elementos adicionados; como se o álbum se moldasse à demanda e proposta de cada performance, e nós, como público, pudéssemos acompanhá-lo tomando corpo de perto, até chegar à sua forma final. 

Kanye West parecia testar os limites da arte performática, com cada uma das audições contando uma história particular que, em conjunto, transformavam-se em uma narrativa única. Enquanto, durante a primeira apresentação no Mercedes-Benz Stadium, em Atlanta, o artista ocupou sozinho o gigantesco e vazio estádio por todos os 60 minutos de duração, a segunda e terceira apresentação tinham não só estruturas físicas mais planejadas, como também incluíam um coral ao vivo e um elenco de dançarinos que figuravam com ele e reagiam às músicas junto ao público. 

No entanto, as imagens que realmente tornaram-se icônicas e tomaram conta da cabeça de todo mundo foram seus looks e, principalmente, as máscaras que ele usava nesses eventos. Sim, quem acompanha o trabalho do Kanye há mais tempo já estava acostumado com as balaclavas – seu uso foi marcante, em especial, durante a Yeezus Tour –, porém, dessa vez, elas atingiram um papel crucial na construção da persona de Yeezy nesta nova era. Além de, também, intensificar a conversa e o mistério que Donda estava gerando, já que o cantor não apareceu à público sem vesti-las até o lançamento do disco.

Além disso, as balaclavas também carregam uma mensagem forte que evoca uma tradição que vem desde a moda. Popularizada pela Maison Margiela e voltando às tendências depois de ser aderida por marcas como Calvin Klein, Gucci e Balenciaga, essas máscaras comunicam mistério, anonimato e impessoalidade. Martin Margiela adotou as balaclavas em seus desfiles para transportar a atenção que o público dava às modelos para as peças e a mensagem que elas traziam. Da mesma forma, ao esconder o rosto, Kanye convida o ouvinte a abandonar suas concepções a ele como pessoa e dar foco a sua arte e ao que ele está, de fato, dizendo. Isso também justifica a escolha de uma capa inteiramente preta: sem a distração de um design espalhafatoso, tudo que resta é atentar-se às músicas e ao que elas comunicam.

Porém, essa questão não é tão simples assim. Arte não se encontra em um limbo no tempo, alienada de sua realidade, de seu contexto histórico e, em particular, dos pensamentos e opiniões de quem a produz. O exercício de separar a arte do artista é materialmente impossível, sobretudo na obra de uma pessoa egocêntrica e narcisista como Kanye West, que tem na sua discografia uma música cuja premissa é repetir seu próprio nome inúmeras vezes, e um álbum cujo título é um neologismo que mistura o seu apelido com o nome de Jesus Cristo. E, assim como o novo projeto traz o que Ye tem de melhor como artista, também revela algumas de suas facetas mais sórdidas.

Na terceira audição de Donda, ocorrida no estádio Soldier Field, em Chicago, Kanye trouxe consigo grande parte dos artistas que integraram o grupo que colaborou com ele na produção do disco. Entre eles, surgindo juntos no início do show, estavam DaBaby e Marilyn Manson. A presença deles foi uma surpresa, já que nenhum dos dois estavam presentes nas outras versões apresentadas do disco. Naquela ocasião, ambos substituíram a marcante colaboração de JAY-Z em Jail, porém, posteriormente, as duas versões da faixa seriam disponibilizadas digitalmente. No entanto, não é esse o ponto. 

A escolha de trazer aos holofotes, além de DaBaby, autor de graves comentários LGBTfóbicos, e Chris Brown, que dispensa comentários, alguém odioso como Marilyn Manson, indiciado por inúmeras acusações de abuso sexual e estupro por diferentes mulheres, é não só irresponsável e leviano, como beira o cinismo. O impacto que colocar um criminoso como esse em evidência tem na vida de cada uma das vítimas desses atos é imensurável. Quando o caso ocorreu, alguns fãs tentaram justificar isso como parte da mensagem sobre ‘perdão’ do disco. Porém, francamente, não há visionarismo ou genialidade artística que legitime uma ação dessas. E admitir isso é o mínimo que alguém que admira o Kanye e o seu trabalho em Donda deve fazer.

Avançando nessa questão, embora o esquema de listening parties parecesse, a princípio, uma ótima estratégia de marketing – que teria o potencial de revolucionar o jeito com que a indústria musical lida com divulgação da mesma forma que Beyoncé fez com seus magnânimos álbuns visuais –, cada vez mais parecia que o tiro sairia pela culatra. Conforme Donda era adiado, a opinião de que dificilmente o disco conseguiria suprir as expectativas que estava gerando tornava-se unânime. Mesmo esse perfeccionismo exacerbado e tantos adiamentos sendo comuns na carreira de Kanye, gradualmente crescia o receio dos fãs de que Donda poderia sequer ser lançado.

Todavia, apesar de sua divulgação desorganizada e caótica, Donda finalmente veio ao mundo no domingo do dia 29 de agosto; não sem ressalvas. Após o lançamento surpresa do disco de manhã, Kanye postou uma publicação em seu Instagram, denunciando que a sua gravadora, Universal Music Group, havia publicado o álbum sem o seu consentimento. Sendo a acusação verdadeira ou falsa, essa não é a primeira vez que Yeezy tem discordâncias com a Universal. Em setembro do ano passado, o artista expôs em seu Twitter diversos abusos da empresa, liberando as cláusulas de todos os seus contratos, e convocando outros artistas, sobretudo aqueles com quem ele tem histórico de tretas, para uma mobilização.

Apesar da sua ação impulsiva, responsável pelo vídeo icônico do rapper mijando em um de seus gramofones, não ter surtido o efeito desejado, ela levantou debates importantíssimos sobre a relação artista-gravadora na indústria fonográfica: sobre como os artistas não têm direitos sobre suas próprias masters, e sobre como as gravadoras se apropriam da música e arte de pessoas negras, concentrando todos os lucros para si, enquanto essa população continua marginalizada e miserável. Kanye está certo e, independente da frustração do público, ele deveria ter o direito de lançar seu álbum quando e como quisesse.

De qualquer forma, esse lançamento abrupto e sem planejamento reflete na qualidade de algumas faixas, que parecem mal lapidadas e muitas vezes soam como demos ou b-sides inacabados. A expectativa é que, com o álbum liberado fora de seu ideal, Donda continue passando por mais mudanças, e que problemas sejam futuramente corrigidos e melhorados. Isso parece insano (porque é), mas essa está longe de ser a primeira vez que Kanye muda elementos de um disco depois de lançado. O mesmo ocorreu com o bagunçado The Life Of Pablo, que sofreu diversos remixes por meses, tendo timbres, letras e vocais alterados. De todo modo, a única certeza que temos é: essa não é a versão final de Donda.

Além do lançamento conturbado e de suas inúmeras versões, Donda compartilha algumas outras semelhanças com TLOP. Um método que Kanye explora desde 808’s & Heartbreak, mas que alcança seu ápice nesses dois trabalhos, é o de ‘CEO criativo’: em que Ye recruta uma quantidade massiva de compositores, vocalistas, produtores, engenheiros de áudio e beatmakers, atribuindo a si o papel de curador e mediador do projeto. Praticamente uma versão musical do papel de showrunner em séries de TV, que nem sempre é a peça de destaque, mas o elo que une todos esses artistas de origens e abordagens absolutamente distintas, e torna todas as suas contribuições em um produto único.

Sendo assim, o mesmo método é explorado em Donda, porém levando-o a um grau ainda mais ensandecido do que em TLOP. Das 27 faixas presentes na tracklist final, apenas 3 não apresentam nenhuma colaboração vocal. E, em algumas das outras 24, Kanye sequer é o protagonista. Baby Keem entrega uma presença incrível e ocupa mais da metade de Praise God; Lil Baby e The Weeknd roubam a cena no prenunciado hit Hurricane; JAY-Z abala todas as estribeiras ao domar com esplendor os riffs hipnotizantes de Jail; e Moon é totalmente dominada pelas vozes angelicais de Don Toliver e Kid Cudi, com Kanye contribuindo somente através de vocais de apoio. Na produção, houve o envolvimento de pelo menos 44 nomes, entre eles gigantes como MIKE DEAN, Wheezy, Gesaffelstein, CuBeatz e 30 Roc.

Outra característica forte em discos do Kanye que se potencializa aqui é a extensão. The Life Of Pablo, My Beautiful Dark Twisted Fantasy e outros trabalhos fantásticos de sua discografia também apresentam longuíssima duração, e esse aspecto não afeta negativamente o produto final em nenhum dos casos. Mas, mesmo assim, as absurdas 1 hora e 48 minutos do novo álbum podem, compreensivelmente, assustar. Porém, o resultado que Donda entrega é surpreendentemente sólido e conciso. O seguimento das faixas flui de forma absolutamente natural e, ouvindo em uma primeira sentada, dificilmente percebe-se as quase 2 horas que se passam.

Contudo, com uma duração tão extensa, seria improvável que não houvesse momentos aqui e ali que pudessem ser descartados. E realmente há. Faixas como Pure Souls, por exemplo, se estendem desnecessariamente. Ao passo que Tell The Vision, apesar da boa intenção de uma homenagem póstuma a Pop Smoke, apresenta uma mix pobre e acrescenta pouquíssimo à obra em um todo, além de ter sido uma das músicas mais afetadas pela censura de conteúdo explícito feita para a versão de estúdio. O final do disco ainda reúne quatro versões alternativas das faixas Jail, Ok Ok, Junya e Jesus Lord, mas que não fazem parte de sua composição principal e, no fim, são redundantes.

Aproveitando a deixa, a escolha criativa de liberar apenas a versão ‘limpa’ do disco é prejudicial e confusa. Ainda que as listening parties tenham reproduzido as canções com todo o seu conteúdo, dando a entender que, mesmo convertido, Kanye deu total liberdade para seus colaboradores se expressarem da forma que achassem melhor, quando o álbum foi lançado oficialmente, todos os palavrões foram cortados. Mesmo que soe irrelevante, isso acabou por afetar a dinâmica da maioria das faixas, fazendo com que elas pareçam estranhas e incompletas, e por sedar, em certa medida, parte da energia que sustenta a experiência de Donda.

Mas, afinal de contas, depois de tudo o que foi dito: sobre o que é Donda? O título do álbum responde essa pergunta, sendo batizado com o nome da mãe de Kanye, Donda West. Professora e, desde o início da carreira do filho, uma figura muito próxima, profissional e afetivamente, ela faleceu aos 58 anos, em 2007. Donda já fora homenageada em músicas anteriores do artista, como Hey Mama e Coldest Winter, porém é com esse disco que Ye faz o tributo definitivo à sua mãe, enquanto procura uma redenção, tanto de seu passado controverso e complicado, quanto da culpa pela sua morte, decorrente de complicações de uma cirurgia plástica que o próprio Kanye havia bancado. 

A voz de Donda intervém em algumas faixas, retirada de trechos de seu discurso feito na 17ª Conferência de Escritores Negros Gwendolyn Brooks, durante a divulgação de seu livro Raising Kanye, um mês antes da sua morte. Porém, a grande maioria das canções sequer têm Donda como foco principal. Na realidade, ela é um elemento muito mais passivo, observador, sem grande agência na narrativa do disco. Kanye, em seu momento de maior crise, na vida pessoal e profissional, procura respostas na figura da sua mãe, caracterizada aqui de maneira quase divina, como se ela, diretamente do Céu, o guiasse por suas tribulações.

Durante seu período de vida, também não era segredo para ninguém como Donda era uma pessoa religiosa. Da mesma forma, todos sabemos que, nos últimos anos, Kanye se converteu e se reaproximou do cristianismo. Isso moldou também a sonoridade de sua música que, apesar de já dialogar com o gospel antes, agora tem a religião como principal foco. Desse modo, não é difícil pensar em Donda como um álbum gospel. A distinção aqui é que, enquanto JESUS IS KING – apesar de ser um disco sólido e cheio de méritos – soa muito mais como Kanye explorando diferentes ângulos do gênero, Donda é o resultado concreto desse experimento. Ao invés de se limitar ao puro e simples gospel, Kanye busca, na sua identidade musical já estabelecida e em diferentes referências, um manifesto cristão íntimo e genuíno.  

Isso influencia a sonoridade do álbum em todos os âmbitos. Donda bebe não só de seus trabalhos anteriores – com os timbres eletrônicos e radiantes do EDM de New Again remetendo à era Graduation, ou a sonoridade industrial e suja de God Breathed nos transportando aos takes mais memoráveis de Yeezus –, como também de estéticas e gêneros contemporâneos do hip-hop. Kanye, no auge dos seus 40, rima ao lado de jovens emergentes do rap, como Playboi Carti, Vory, Roddy Ricch e Lil Durk, com a mesma energia e disposição dos melhores momentos de The College Dropout. Porém, dessa vez, soando mais refrescante do que nunca ao brincar com beats que vão do trap, seja pela estética soturna de Ok Ok ou vibrante de Junya, até o drill, no auge da fantástica Off The Grid.

O denominador comum dessa salada colorida de sons é o gospel, que se manifesta tanto em musicalidade quanto em temática. À princípio, de maneira mais sutil e indireta, ocultado pelos instrumentais modernos embalados em autotune e ad-libs. Porém, conforme a tracklist avança e o artista expõe mais de suas fraquezas, feridas e vulnerabilidades, os elementos do gênero começam a se revelar mais presentes e, ao mesmo tempo, temas como Deus, família, e paternidade se tornam predominantes. Nesse sentido, Kanye encontra na religião uma maneira de não só se redimir de seus (inúmeros) erros, mas também de poder se reconectar com sua mãe, a partir de uma crença que ambos compartilham.

O resultado é uma sequência das canções mais emocionantes e íntimas de sua carreira na segunda metade do álbum. Quem acompanhou os trabalhos recentes de Kanye sabe que ele já tem abandonado sua máscara ufânica para permitir-se ser mais aberto e franco quanto suas inseguranças – ye mergulha fundo em sua condição mental e em seu diagnóstico de transtorno bipolar, e JESUS IS KING retoma essas questões a partir da perspectiva religiosa –, no entanto, em Donda, esses temas encontram o terreno ideal para fertilizar e dar frutos.

Em Come To Life, por exemplo, Kanye, com medo de ser deixado sozinho, admite os muitos erros que cometeu, lamentando não ter escutado sua esposa quando pôde e questionando se não teria sido melhor ter vivido outra vida. Em Lord I Need You, ele aborda mais abertamente sua relação com Kim Kardashian e os bons e maus momentos que viveram juntos. Essa faixa em questão substitui a trágica Never Abandon Your Family, apresentada na primeira audição de Donda e que não entrou na versão final, em que o cantor relacionava o divórcio do casal com a falta de presença de seu pai na vida dele e de sua mãe. 

Entre as músicas mais assumidamente gospel da tracklist, Jesus Lord, a mais longa do álbum, traz o rapper Jay Eletronica para uma tocante reafirmação de fé e uma ode a Deus; 24 oferece uma mensagem esperança, convocando o coral Sunday Service para fazer uma homenagem potente ao jogador de basquete Kobe Bryant, que faleceu em 2020; e No Child Left Behind – a faixa que tocou quando Kanye foi ‘arrebatado’ na segunda audição de Donda – parece nos transportar diretamente para o Céu ao entonar repetidas vezes o refrão “Ele fez milagres em mim” sobre a simples e suave, mas poderosa, melodia tocada pelo órgão.

Donda mostrou que Kanye West continua em grande evidência, talvez como nunca antes. O lançamento se tornou o segundo maior da história do Spotify, totalizando 775 milhões de streams na primeira semana. Bem como o sucesso comercial, Yeezy optou por entregar uma obra única, valorizando a experiência sonora e indo na contramão da atual dependência dos artistas à produção audiovisual, como videoclipes. Além disso, as listening parties desafiaram de forma genial a maneira com que a indústria enxerga a Música, não só virando do avesso o jeito com que divulgação funciona, como também driblando as burocracias de sua gravadora, inclusive de modo a agregar, através dos eventos, a maior parte dos lucros para si.

A mensagem do disco também é muito positiva. Kanye parece amadurecer e reconhecer muitas das falhas que cometeu, abordando-as abertamente e buscando, tanto o perdão na imagem de Deus, quanto uma maneira de redenção através de sua mãe, usando as balaclavas como um símbolo de renascimento e uma tentativa autêntica de deixar o passado para trás. Contudo, à medida que se seguia a divulgação de Donda, mais esse conceito deturpava-se e se virava contra ele mesmo.

A forma irresponsável com que Kanye lida com seus tratamentos psicológicos, o seu recente apoio a governos e políticos de extrema-direita, seus discursos perigosos de revisionismo histórico; hoje, a inconsequência de conceder um palco para Marilyn Manson, seu desentendimento com Drake e a imprudência que demonstrou ao se manifestar publicamente. Donda criou novas polêmicas e trouxe à tona outras antigas, tomando uma proporção tão grande que é possível dizer que elas tornaram-se maiores que o próprio projeto em si. Ainda que um ótimo álbum, sua mensagem entra em contradição com os comportamentos questionáveis do autor, que, como foi mostrado, perduram. Kanye diz que mudou tanto, mas continua insistindo nos erros de sempre.

O post O santo e o profano de Kanye West em Donda apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Andrezza Marques

O quinto álbum de estúdio de Felipe Desiderio, ou Febem (conhecido pelas rimas que têm o mesmo peso do apelido), foi lançado em 9 de abril de 2021. Agora, já tendo completado pouco mais de um mês de existência, caminha para ser considerado um dos melhores e mais genuínos trabalhos do hip-hop, rap e grime (ou Brime) atuais. O grime, que despontou no país com o rapper baiano Vandal de Verdade, e é a aposta principal de nomes como o próprio Febem (os dois artistas tem, inclusive, um feat), tem tudo para colocar o Brasil em evidência internacional. O lançamento de JOVEM OG é mais uma prova que o rap nacional passa por um ótimo período, e o cantor, com trabalho consistente, se mostra cada vez mais perto do mainstream pela qualidade técnica e lírica, sem deixar de lado a agressividade e essência crítica características do rap, bem distante das lovesongs e outros sons comerciais que eram febres em outros tempos e ainda seguem populares no país, como os hits sequenciais dos projetos Poetas no Topo e Poesia Acústica.

JOVEM OG explora as vivências da quebrada, com lírica ácida, flow seguro, de quem escreve certo por linhas tortas, e beats inusitados, ao mesmo tempo que são extremamente bem acabados e arranjados, passeando pelo grime, funk, boom bap, trap e indo além. Essa originalidade sonora se deve muito a CESRV (ou Cesinha), produtor do álbum e parceiro quase fixo, presente nos trabalhos mais recentes de Febem, Running (2019) e o colaborativo BRIME! (2020) – sendo o último, inclusive, aclamado pela crítica e por fãs.  

Os versos, recheados de referências e metalinguagens, citam desde The Notorious B.I.G.  e Racionais Mc’s até Poesia Acústica, Baco Exu do Blues, e a lista não para. O disco segue alinhado com os antecessores, além de permanecer coeso na própria proposta, com as dez faixas conversando entre si. Bem amarradas, e nada óbvias, elas parecem funcionar como narrativas relatadas por personagens distintos, ou, pelo menos, por diferentes fases da vida, no mesmo universo.

Não por acaso, o nome do álbum faz alusão à autenticidade e essência, com o O.G – Original Gangster, termo que nomeou o disco lançado por ICE-T, em 1991, considerado clássico da era de ouro do hip-hop (meados dos anos 80 e 90), e é também muito replicado no gangsta rap. Dois gêneros nascidos em comunidades afro-americanas, caribenhas e latinas nos EUA, e marcados pelo retrato da rotina de guerra, vivida em bairros dominados por gangues, como no sul de Chicago e na costa oeste da Califórnia. 

Temas como o cancelamento virtual, a ostentação de quem está finalmente saindo das estatísticas, o dia a dia de violência nas favelas, além de fortes críticas ao estado e aos abusos policiais, estão presentes em todo o disco. O que não poderia ser diferente, já que Febem é fruto da realidade em que um jovem negro é assassinado a cada 23 minutos, e precisa romper com esse ciclo com as armas que têm. No seu caso, a arte: “Se pá que era melhor ter feito um clipe de fuzil/ Pra estourar no Youtube com dez milhão de view/Nada contra/Progresso pra quem trampa/Mais uma arma no clipe é menos um menor na boca”, ele canta em MÉXICO.

Em JOVEM OG, Febem traz uma extensa lista de colaborações, como as gêmeas Tasha e Tracie, que, assim como ele, vêm diretamente da Zona Norte de SP, e estão se impondo cada vez mais na cena, com produções únicas e consistência, e o fenômeno mineiro Djonga, que, envolvido ou não em polêmicas, é o primeiro rapper do Brasil indicado ao BET Hip Hop Awards. Outros nomes de uma nova geração promissora de artistas como Jean Tassy, Vulgo FK e Kyan, também estão entre os convidados do álbum. 

A intensidade, revolta e verossimilhança dos versos, mais a voz suave do rapper paulistano, são responsáveis por um jogo de contrastes. JOVEM faz a oposição decadência versus otimismo ficar em evidência nos trechos sobrepostos: “Nunca estive tão bem/Posso voar também/Dizem que Deus não dá asa a cobra/Mas de vez em quando ele resolve emprestar”, na voz melódica com o refrão cantado por Smile, e a voz robotizada, propositalmente distorcida do rapper. 

Febem nunca esteve tão bem, é fato. Em 2016, o rapper deixou o grupo ZRM (Zero Real Marginal), onde já tinha um trabalho significativo, pelo selo Damassaclan, e, desde 2017, integra a CEIA Ent., coletivo que tem o papel social do rap como máxima. Criada por Don Cesão e Nicole Balestro, a CEIA une vários artistas num movimento que produz música, moda e influência, e conta com o patrocínio de marcas como a Adidas. 

Em 2018, a CEIA lançou o EP Somos, composto por 6 faixas, além da bônus Troféu, disponíveis em todas as plataformas digitais. Nele, Febem estrela no clipe de sua música Bandida, contracenando com outros artistas do selo, como Tasha e Tracie. O projeto contou com a participação de todos os artistas do coletivo, como Pizzol, Djonga, e Clara Lima. Todas as composições também ganharam clipes no canal da CEIA no YouTube. O nome do primeiro projeto coletivo traz, inclusive, o que pode ser uma alusão ao patrocínio da Adidas, numa referência às 3 listras da marca, na grafia original: SO///OS. 

Em JOVEM OG, nos videoclipes de CRIME, MÉXICO e VAI PENSANDO, Febem recria a mesma atmosfera de máfia e/ou quebrada e sigilo que domina o clipe do EP de 2018. As faixas que também mencionam os patrocínios não tem nenhuma participação nos vocais e são carregadas de referências ao próprio trabalho e à família de Febem – que menciona sua filha, irmão, mãe e avó em diversos momentos. Nos clipes, as três composições são continuações entre si, para promover o disco, além de funcionarem como encarte audiovisual, uma das apostas do selo.

Recheadas de punchline, MÉXICO e CRIME são também as canções que carregam o versos mais contraditórios do rapper no álbum, e foram até alvo de críticas: “Quebrada e crime é que nem vírus chinês/Tá todo mundo exposto e a vacina ninguém cria” e “Ela diz que adora levar tapa/Ela tem descendência da Europa/Pra eu não me sentir mal/Pensei reparação histórica”. 

Os versos de Febem são, por vezes, propositalmente indigestos. Tanto é que o rapper chega a debochar disso nas letras, e consegue soar áspero e proeminente, mesmo com a voz baixa, bem longe do speed flow. O que pode ser encarado como provocação ao estilo de alguns colegas do selo antigo. Mesmo com as críticas, MÉXICO e CRIME trazem a drill music, subgênero do trap, inserções de áudios de WhatsApp ou de RADDIM e outros samples famosos ao fundo (marca registrada do BRIME! e de CESRV), junto a passagens totalmente inesperadas e inteligentes:

“E na vida algumas coisa é como um Golf GTI/

Não cura minha dor, mas mesmo assim vou adquirir”

– CRIME

A curtíssima SEM TEMPO, como o próprio nome sugere, tem a participação de Jean Tassy em menos de dois minutos de duração, e deixa a sensação de que poderia ter durado mais. O som mais comercial, assim como o dance-pop, da onírica e auto-tunada MARCHA, com Vulgo FK, fazem ambas soarem estranhas entre as mais agressivas e com grave bem marcado do resto do disco, mas acabam funcionando bem na sequência. Em JOVEM OG, Febem aproveita muito de palavras com duplo sentido e com a figuração e repetição de frases para construir coros pegajosos, o que poderia ser um exagero e cair na mesmice, se não fossem muito bem arranjadas.

Exemplo disso são CRIME, ME PAGA, com Djonga, e BALLA, produzida por MU540 e com participação de Kyan. Ao lado de ÁREA DE RISCO, com Tasha e Tracie, as quatro são donas dos refrões mais marcantes do JOVEM OG. Todas com inserções pesadas do funk e trap, tanto na letra, quanto nas batidas mais aceleradas, que por vezes remetem ao 140 e 150 BPM. BALLA sampleia trechos do som da Rave dos Fluxos, Passinho do Bota, produzido por DJ GBR e voz por Mc Lan, e chega a despertar memórias afetivas da época do clássico Baile de Favela, lançado por Mc João em 2016. Quem viveu, sabe. 

O resgate da cultura brasileira de quebrada e para a quebrada, vindo de um cara da Vila Maria, na metrópole de contrastes que é São Paulo, acima das referências de outros países, é o  acerto máximo do álbum. A principal proposta de CESRV e Febem, desde o CD colaborativo com Fleezus, o BRIME!, de 2020, é justamente essa. “No fim das contas foi um processo muito natural para nós. Só traduzimos a nossa realidade para dentro das músicas”, contou CESRV ao canal Rap TV. 

O segundo grande acerto é a dinâmica das colaborações, onde os versos destaque são quase sempre das participações, como é também o caso da ácida ÁREA DE RISCO e da gozação de ME PAGA. Mesmo com a experimentação diversificada, o trabalho mantém sua personalidade e essência, e entrega um resultado extremamente original. “Sou bipolar, mas pentacampeão, jogando descalço, sem boot e meião/Na frente da tropa igual Tutancâmon/Referência pros preto pique Conceição Evaristo/Filho de Jesus Cristo, só fiz o que ‘tava previsto’”, canta Djonga em ME PAGA.  

Em ÁREA DE RISCO, Tracie, com a dureza e assertividade costumeiras, denuncia: “Na Faria Lima foi pro Peri/Achou que ia pra Santa Cecília/Ele ficou em choque/Mó fita sabia que aqui o grave só não bate mais que a polícia”. Mesmo cantadas pelos convidados, as letras são uma amostra do trabalho de base, sem a ilusão na qual Febem acredita. Ao receber elogios pelo álbum inteiro, em entrevista ao PODPAH, o rapper é modesto e afirma que acabou de subir um degrau com o novo trabalho: “Eu acho que tá bom, eu evolui, é o que eu vivo na minha vida”. 

Modéstia a parte, JOVEM OG é um trabalho pesado, preciso e afrontoso. A produção do álbum durou um ano, e narra de maneira cativante a trajetória marginalizada de quem está no corre e sempre correu a vida inteira: JOVEM, como faixa de abertura, e OG, que precede o encerramento com ME PAGA, traduzem a justaposição estratégica do discurso de quem cobra com razão por esse corre que ainda vai muito além do dinheiro. 

O post Febem escreve certo por linhas tortas e, com JOVEM OG, mira e acerta todas as balas apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.