Ana Beatriz Zamai

Em 1998, Carrie Bradshaw (Sarah Jessica Parker) apresentou aos telespectadores tudo sobre a vida sexual – dela e dos outros, em Nova Iorque. Sex and the City, a série, foi um sucesso que durou seis temporadas, vencendo oito Globos de Ouro e seis Emmys. Quatro anos após a finalização da produção original, a protagonista e suas três amigas retornam para um longa, Sex and the City – O Filme (2008), que se entende bem como um episódio extenso e de qualidade questionável do seriado. As personagens lidam com praticamente os mesmos problemas que enfrentaram ao longo dos seis anos, e isso inclui a relação conturbada entre a loira e Mr. Big (Chris Nott), que, enfim, se casam, mesmo depois de algumas ‘complicações’ do dia especial. E é a partir daí que Sex and the City 2 segue.

Apenas dois anos vivendo a vida de casada foi o suficiente para Bradshaw sentir o desgaste do convívio diário. Enquanto Big entende que o matrimônio é um ponto final na vida de solteiro que tinha – com festas, encontros, jantares fora, bebidas, e se torna um homem que gosta de ficar em casa assistindo televisão e pedindo delivery, Carrie, apesar de amá-lo, sente falta da agitação de ser solteira, quando encontrava seu grupo em um brunch ou drinks no meio de semana.

Possivelmente, esse comportamento já era algo esperado pelo telespectador, que acompanhou durante as seis temporadas as atitudes confusas e questionáveis da colunista. A decepção, porém, vem da percepção de que a personagem não evoluiu, muito menos aprendeu com seus erros. O esposo, por exemplo, demonstra mais maturidade, no sentido de perceber que envelheceram e não tem como a vida continuar igual.  

As outras três amigas também lidam com dificuldades em suas jornadas. Entretanto, a sensação que Michael Patrick King, diretor e roteirista do filme, passa, é de que o desenvolvimento pessoal de cada uma foi feito por alguém que conhece apenas o básico da série, como se estivessem seguindo estereótipos, e não por uma pessoa já familiarizada com o universo criado. A transição da TV para o cinema deixou as personagens mais ‘vazias’, fúteis, ficando mais fácil de gostar dos personagens, visto que não tem muito a ser analisado. 

Samantha (Kim Cattrall) é um grande exemplo disso. Ao longo da obra original, a profissional de relações públicas mostra-se uma mulher que pode ser enxergada como um exemplo a ser seguido, sendo completamente independente, poderosa, dona de si mesma, sexualmente ativa e, talvez por tudo isso, a que menos se relaciona emocionalmente com homens. Porém, quando se relacionou, encontrou o melhor entre todos que já apareceram na série: Smith Jerrod (Jason Lewis), que, diferente da maioria dos personagens masculinos da série, aparenta ter uma grande responsabilidade afetiva pela namorada.

Nos filmes, Jones é reduzida apenas a uma caricatura de uma mulher que tem sua vida sexual como prioridade. Esse estereótipo da executiva ser tão independente a fez terminar com Smith, o que foi uma pena, visto que a relação dos dois era a mais madura entre as personagens principais. Além disso, apesar de ser a mais velha do grupo, a loira aparenta ser imatura o suficiente a ponto de embarcar em uma ‘aventura libidinosa tropical’ na praia de Abu Dhabi, com alguém que mal conhecera, onde mulheres precisam estar sempre cobertas, ser presa por isso, e achar que está certa. Talvez durante o seriado fosse mais cômico, mas no longa, no qual a personagem já tem mais de 50 anos, chega a ser desrespeitoso com a cultura do país. Causa estranheza ao ver alguém tão dona de si não perceber que isso é vergonhoso.

Durante a série, Charlotte (Kristin Davis) sempre foi considerada a ‘princesinha’ do grupo. A mais delicada, que queria encontrar o marido perfeito, ser a esposa impecável e ter filhos encantadores. Infelizmente, seu arco no longa foi resumido apenas em sua preocupação de perder o marido para a ‘babá sem sutiã’ que cuida de suas duas filhas, seguindo seu roteiro de esposa graciosa. 

Seis anos após o fim da série, a personagem não mostra ter perdido sua essência, porém, também não apresentou evolução alguma, o que talvez seja frustrante para seus fãs. No começo do seriado, vemos a garota, ainda novinha, sendo curadora de uma galeria de arte em Nova York, com sua formação em História da Arte. Entretanto, nada disso foi aproveitado ou sequer mencionado, o que é uma pena, visto que, inicialmente, a amiga de Carrie nos foi apresentada como alguém independente e certa de si mesma, e que não largaria tudo para ser ‘só’ esposa. 

Já Miranda (Cynthia Nixon) aparenta ser a única a ter algumas mudanças corajosas. Na primeira parte, assistimos o inesperado (ou não!) casamento de Stanford (Willie Garson) e Anthony (Mario Cantone), os melhores amigos gays de Carrie e Charlotte, respectivamente. Na cerimônia, a advogada está como sempre vimos – pensando em trabalho, deixando seus prazeres pessoais para resolver pendências com seu chefe através do celular, presa em sua obsessão pelo dever profissional, como uma verdadeira workaholic. Porém, com o crescimento de seu filho Brady (Joseph Pupo), que, inclusive, é pouco explorado pelos roteiristas, ela percebe que pode perder a vida –  e de sua família – por trabalhar demais, e toma uma atitude fora do seu padrão: sai da empresa que não a respeita como mulher, mãe e funcionária, para uma em que é valorizada. É um ato inesperado que evidencia desenvolvimento em meio a tantos personagens estagnados. 

Por fim, ela, a nossa estrela: Carrie Bradshaw. A protagonista sempre foi uma personagem complexa, o que torna difícil ter uma opinião concreta e absoluta sobre a sua personalidade. Ora sentimos pena, ora sentimos raiva, ora amamos e ora odiamos. No filme, mais uma vez, a colunista oscila entre o trágico e o irritante. Dá para sentir pena, porque depois de seis temporadas, Carrie tem o que queria: o amor de Mr. Big. Mas também dá para ter raiva porque a personagem não sabe o que fazer com isso. 

A loira passou a série em um vai e vem com Mr. Big. Experimentou, enfim, o casamento no primeiro longa, mas descobriu que a vida à dois com o homem misterioso que tanto se humilhou para ter não era bem o que ela pensava. Eles tinham pensamentos diferentes sobre o que significava essa cumplicidade, e a ideia do marido – terem dois dias de ‘folga’ da aliança, é tão absurda quanto conveniente para os dois, já que o companheiro poderia fazer o que a jornalista não gostava (ficar no sofá comendo delivery) e ela o que sentia falta: sair com as amigas. 

Talvez de forma previsível, a primeira preocupação da colunista não foi pensar que ela e seu amado não combinassem tanto assim, e sim em como ela iria contar isso para as meninas, já sabendo que pessoas normais não tiram férias do casamento (toda semana!). Ela mesma sabe, pelo seu histórico de situações duvidosas, que as amigas iriam julgar. 

Em um dado momento, Carrie comenta que “nunca se sentiu tão longe de casa, ou de si mesma”. Na verdade, a personagem estava sendo tão ela quanto sempre foi: insatisfeita em seu relacionamento com Big, tendo discordância com as amigas, pensando apenas em si mesma e tomando decisões impulsivas. A cereja do bolo neste filme de terror foi quando, no meio de um mercado de temperos em Abu Dhabi, a mais de mil quilômetros de distância, Carrie encontra Aidan (John Corbett), seu antigo namorado. Adicionando mais uma decisão questionável para sua lista, a jornalista decide sair com o ex e eles acabam se beijando. 

Esse ‘detalhe’ foi mais um fator desnecessário, já que não teve desdobramentos – Carrie e Aidan não ficaram juntos, Big e a colunista não brigaram, foi um acontecimento sem desenvolvimentos ou consequências. Serviu apenas para reafirmar o padrão Carrie de decisões: faz algo no impulso, se arrepende e não tem nenhuma consequência. A incapacidade dela de lidar com a estabilidade que tanto dizia querer é notório. 

Para além do desenvolvimento das personagens, ou a falta dele, a produção também peca em diversos sentidos. Sex and the City sempre foi lembrado por seus looks estonteantes, com roupas de grife e sapatos caríssimos. Dessa vez, porém, é uma das questões mais chamativas, só que de forma negativa. Patricia Field foi a responsável pelo guarda-roupa da obra, assim como da série e do longa anterior, mas deixou muito a desejar. Roupas extremamente bregas, com muitas (muitas!) estampas e acessórios fazendo hora extra. 

Outro fator negativo foi a mudança de cenários tão abrupta. A primeira ambientação foi o casamento de Anthony e Stanford, que, inclusive, contou com a participação especial completamente aleatória de Liza Minnelli, o que deve ter aumentado o orçamento, assim como a de Miley Cyrus, ambas legais, mesmo que desnecessárias. De repente, a obra vira de cabeça para baixo e o segundo cenário é nos Emirados Árabes Unidos, graças às parcerias de Samantha e sua formação em relações públicas. Fez-se uma grande piada: desde comentários irônicos sobre as roupas e a cultura do local, a apreciação sutil dos Estados Unidos ou o desrespeito com as regras do país, tudo pareceu errado. 

Sex and the City 2 nos deixa com a sensação de que os produtores não souberam a hora de parar. Como na famosa citação de Batman: O cavaleiro das trevas (2008), “Ou você morre como herói, ou vive o suficiente para se tornar o vilão”, a série era o herói, e deveria ter morrido ali. Tudo que veio depois – os dois longas-metragens e a série And Just Like That — são os vilões, e mal construídos por sinal. 

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Ludmila Henrique

Em 1998, o seriado de Sex and the City regressou às telinhas norte-americanas e, em poucos minutos de exibição, metamorfoseou toda a próxima geração de dramaturgias dos anos 2000. O impacto de quatro mulheres com personalidades opostas, falando abertamente sobre sexo e seus relacionamentos complicados, estava fortemente vinculado com a nova linhagem de jovens adultos que procuravam incessantemente realizar seus propósitos profissionais na atribulada e glamurosa cidade de Nova York. O sucesso na Televisão foi tão grandioso e aceito pelo público que, após o encerramento de suas gravações, o roteiro de um filme sequencial da série havia sido confirmado, este que, há 15 anos, foi eternizado pelo olhar do cineasta Michael Patrick King. 

Baseado no livro homônimo de Candace Bushnell, Sex and the City – O Filme chegou ao Cinema dando continuidade a narrativa das melhores amigas que vivenciam cotidianamente o fragmento mais seduzente do centro de Manhattan, com enormes filas de brunchs, idas e vindas amorosas e a maior lista de compras que o West Village pode proporcionar. Nesse cenário brilhantemente exagerado de Nova York, encontramos a nossa protagonista e narradora Carrie Bradshaw (Sarah Jessica Parker), renomada colunista sobre paixões desesperançadas do jornal The New York Star. Bradshaw passa aproximadamente seis temporadas dedicando o seu tempo escrevendo textos sobre como encontrar o amor… mas, o que acontece depois de o alcançar? 

Quatro anos se passaram desde o fim do seriado e as vidas de Carrie Bradshaw, Samantha Jones (Kim Cattrall), Miranda Hobbes (Cynthia Nixon) e Charlotte York (Kristin Davis) mudaram de água para cosmopolitan. Jones deixa a badalada cidade nova-iorquina e segue para Los Angeles com seu parceiro e ator Smith Jerrod (Jason Lewis), Hobbes transita para o Brooklyn juntamente ao seu noivo Steve (David Eigenberg) e seu filho Brady (Joseph Pupo), e York tem finalmente o seu desejado casamento dos sonhos com Harry Goldenblatt (Evan Handler). Agora, após 10 anos de encontros e desencontros entre Bradshaw e Mr. Big (Chris Noth), ambos finalmente parecem ter encontrado uma maneira certa de se amarem e, claro, talvez estejam preparados para passar a vida juntos. Ou era isso que a audiência esperava dos dois. 

Sim, o pedido de casamento aconteceu, mas não exatamente da forma que era esperado. Se você imaginava que o momento fosse digno de um conto de fadas da Disney, pensou errado. Toda composição foi realizada de modo mais íntimo e significante, como uma conversa entre dois amigos. Algo que foi se deteriorando no momento em que a editora-chefe de Bradshaw decide dedicar um artigo inteiro sobre seu matrimônio, intitulado de A Última Garota Solteira. A proposta que antes era até um pouco simplista, ganhou o glamour que estava faltando em uma narrativa de Sex and the City e tudo isso foi ditado pelo esplêndido vestido nupcial da grife Vivienne Westwood. 

Assim como no seriado, o figurino do longa-metragem foi deixado nas mãos de Patricia Field, designer renomada pelos seus trabalhos em O Diabo Veste Prada (2006) e a atual série queridinha da Netflix, Emily em Paris (2020). Field presenteia a trama com a mesma essência de moda presente na Televisão, mas as roupas são bem mais luxuosas que anteriormente, idealizadas e montadas para uma obra hollywoodiana. Mesclando alta-costura com vestimentas do cotidiano, todas as personagens evoluíram seu senso fashionista, exibindo suas inúmeras bolsas, jóias e saltos da última estação.

Embora essa novo aspecto elegante tenha sido importante para mudar todo o planejamento do noivado, a demasiada relevância que os cerimonialistas e convidados atribuíram em propaganda do artigo para Vogue norte-americana contribuiu para que o evento adotasse um caráter inteiramente comercial, como se a união entre eles estivesse em segundo plano. Isso gerou um certo espanto para os telespectadores, visto que a ocasião inicial era para ser mais modesta, e também um insight na mente de Big, que simplesmente decidiu fugir daquele ambiente e, consequentemente, abandonar Carrie Bradshaw no altar. Evidentemente, essa não foi nem de longe uma das melhores decisões dele, que irá implorar pelo perdão da protagonista até o final da obra. Por vez, do outro lado da moeda, ela se vê novamente sozinha e magoada pela mesma pessoa que acreditava que iria passar o resto de sua vida junto. 

Outro arco marcante do filme é dedicado à figura de Miranda Hobbes. Assim como Bradshaw, ela passa por um processo de reavaliar seu relacionamento com Steve após descobrir uma traição por parte dele. A desculpa que o filme usou para justificar a deslealdade foi de que Hobbes estava dedicando a maior parte do seu tempo para o trabalho e não ao seu parceiro. Tudo bem, no momento que um sujeito está inserido dentro de um relacionamento, obviamente seu acompanhante necessita de um certo cuidado, mas, se essa atenção for reduzida, isso concede um passe livre para a infidelidade? 

Ao trazer essa questão para dentro do roteiro, Michael Patrick King procurou fomentar o debate sobre as inúmeras mulheres que são profissionais incríveis e que quando fazem parte de um relacionamento, essencialmente heterossexual, recebem uma obrigação externa de deixarem suas vontades e sonhos isolados para satisfazer e manter seu acompanhante interessado, sendo que a outra parcela não muda inteiramente a sua rotina para isso acontecer. Essa problemática também circunda a vida de Samantha Jones. A personalidade com o maior senso de liberdade do universo de Sex and the City se encontra estacionada em Los Angeles apenas administrando a carreira brilhante de seu namorado, enquanto ele segue com seus inúmeros trabalhos e quase nunca concede parte do seu dia para permanecer com Jones. 

Por outro lado, a vida de Charlotte York é quase um suspiro para as pessoas que torcem pelo amor e que acreditam que a união entre dois indivíduos pode ser tranquila e feliz. Apesar de não ter tanto destaque nas filmagens em relação às outras, a personagem de Kristin Davis é surpreendida ao descobrir, após anos de tentativas, que está esperando uma filha. Um momento que ela sempre sonhou e acreditou ser impossível, e tudo isso aconteceu com um acompanhante que estava a cada instante ao seu lado. 

Independente do teor caótico da comunhão entre as protagonistas, no final, Mr. Big pede novamente a mão de Carrie Bradshaw em casamento, não de forma clássica, com buquê de flores e aliança, mas com um par de sapatos Manolo Blahnik na cor azul royal. E como já era de se esperar de Bradshaw em relação a sapatos, ela aceita o pedido. Celebrar o aniversário de 15 anos de Sex and the City – O Filme é perceber como o amor pode ser mutável e estar sempre em transformação. Igualmente às noites nova-iorquinas, algo que antes parecia certo não é mais evidente ou algo que era impossível pode acontecer inesperadamente. Em todo o caso, a questão é estar sempre preparada com um bom martini em mãos no momento em que a vida tenta nos surpreender com os acasos.

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Ana Júlia Trevisan

O que esperar quando dois grandes nomes da cultura pop como Meryl Streep e Anne Hathaway se juntam em um filme? Nada menos que uma produção tão calorosa quanto o inferno. Dirigido por David Frankel e adaptado de um livro de mesmo nome (esse escrito por Lauren Weisberger), O Diabo Veste Prada é um dos maiores marcos de 2006, eternizando a toda-poderosa Miranda Priestly, a jornalista recém-formada Andrea Sachs e os corredores da revista Runaway.

É ao som de Suddenly I See, música da britânica KT Tunstall, que uma das produções mais marcantes dos anos 2000 começa a ganhar vida, mostrando Andrea como uma completa desleixada – por Deus, produção. Era só um suéter grande e uma saia que não combinava. E sim, ela estava magríssima, mas o filme insiste em dizer o contrário. A jovem não vive imersa no mundo da Moda, muito menos conhece o arrebatador trabalho da indomável Miranda Priestly. Por esse motivo, a personagem não se intimida ao encarar Miranda, e assim consegue o estágio na editoria de Moda, que muitas pessoas venderiam a alma para estar no lugar.

Os elementos que constroem a narrativa são inspirados na inatingível Vogue America. A Runaway é a recriação da revista de Moda e Miranda Priestly faz a Arte imitar a vida da mitológica Anna Wintour. A personagem é uma completa tirana, cheia de si, que dita todas as regras do mundo da Moda e possui o maligno poder de autoridade sobre tudo e todas. Basta um olhar para que todos seus pensamentos críticos da megera que lançou o Halston sejam expostos. Uma mordida nos lábios, e uma coleção completa vai parar no lixo.

Meryl Streep é uma das maiores atrizes do planeta, não há personagem complexo o suficiente que ela não consiga dominar. Todos os filmes que a gigante toca, vira ouro e reluz. Não dá pra definir a imensidão da atriz em apenas uma personagem, mas Miranda Priestly é, sem dúvidas, um dos maiores destaques de sua filmografia. A chefe infernal não precisa nem ser primeiramente apresentada para entendermos a pressão que faz no local. Toda correria no escritório da Runaway deixa claro que a chefe é uma força da natureza. E a simplicidade da produção nos leva a prever que a jornada do herói está prestes a começar para desafiar a diabólica.

Além das protagonistas, os coadjuvantes são essenciais para o filme permanecer em foco. Emily (Emily Blunt), Nate (Adrian Grenier) e Nigel (Stanley Tucci), respectivamente, exercem os papéis de: a estagiária que sonhava com o reconhecimento da editora-chefe, o namorado da Andy e o braço direito da Miranda. E não podemos esquecer de Serena, interpretada por Gisele Bündchen – ok, essa última não rouba cena, mas é extravagante ver uma atuação brasileira em um dos longas mais icônicos dos anos 2000. Emily e Nigel estimulam as atitudes e a evolução de Andy e Miranda no enredo simples porém ardiloso de O Diabo Veste Prada. O escudo criado na personalidade de ambos para sobreviverem à dissimulação de Priestly faz com que a inocente Anne Hathaway ganhe a simpatia e o carinho total do público.

“Um brinde a empregos que pagam o aluguel”: é assim que Andy comemora seu novo e pavoroso trabalho. Diferente de tudo que ela almejava conquistar, a Runaway carrega seu maior desafio: o de sobreviver às ordens de Priestly. O trabalho é sem limites, o salário é terrível e as tarefas saem do âmbito jornalístico para entrar até na vida pessoal de sua chefe. Na revista, não apenas se trabalhava para Miranda, era necessário viver a Miranda. E é a partir daqui que O Diabo Veste Prada vira pauta de perfis do Instagram, portais e mesas de bar. A produção de 2006 cresce ao lado de uma sociedade que está passando por transformações e reflexões a respeito de suas relações de trabalho e amorosas, e isso faz com que aquele roteiro Sessão da Tarde seja como whiskey: ganhando mais sabor ao ser envelhecido.

Em 2006, Miranda Priestley ficou pintada e bordada como a grande vilã (praticamente a Carminha deles). Em 2021, a discussão ganha outro ponto de vista, apontado como tóxico o comportamento de Nate, que não suportava ver sua namorada crescer profissionalmente. “Mas quem é o verdadeiro vilão de O Diabo Veste Prada?” É uma pergunta impossível de ser respondida. Por maiores que sejam as tentativas, essa é uma questão em que o próprio filme coloca inúmeras variáveis que impedem a resposta. 

Em momento algum se pode colocar Miranda em um pedestal, até mesmo porque ela já está esquecida em cima dele. É sempre importante salientar que a personagem de Meryl Streep é sim uma chefe nociva, que causa medo não apenas em seus funcionários, mas em todos que de alguma maneira se relaciona com seu trabalho. Entretanto, essas características não são inovadoras da produção, qualquer filme que tenha um homem nessa posição o torna um mero coadjuvante dentro do roteiro. A postura de Miranda pode ser interpretada como um mecanismo de defesa adotado por mulheres em posições de poder. Esse olhar não é uma tentativa de endeusar trabalhos tóxicos, mas sim, de amenizar a vilania por proteção.

Do outro lado da moeda, temos Nate. Aqui, o problema tem nome e sobrenome: falha de comunicação. Entre todos os cansativos julgamentos, que fez com que o público criasse birra pelo personagem, Nate nunca usou a posição de namorado a seu favor, ajudando sua companheira a se livrar das garras da chefe. Não há como sair de uma relação tóxica, seja ela pessoal ou profissional, sem uma rede de apoio. Ele não está nem perto de ser nenhum coitadinho abandonado. Seu personagem serve para melhor ilustrar como a vida pessoal de Andy está caminhando pela estrada que Miranda abriu. Ele é chato? Sim. Egoísta? Também. Mas não tem tempo de tela suficiente para carregar a titulatura de vilão – o que também não faz dele alguém sem culpa.

Entre glamour, viagem para Paris e muita obstinação, apoiado em um humor inteligente, agudo e irreverente, O Diabo Veste Prada tem material para suscitar discussões por anos e anos. Seus silogismos fazem com que a trama tenha um final fechado após uma grande quebra, e é esse segmento de saber onde quer chegar e quais decisões textuais tomar para gerar combustível para o filme alcançar o patamar que ocupa hoje. As mudanças nas personagens são notáveis porque a direção quer deixar claro as convicções delas, com o objetivo de fomentar reflexões sobre nada ser duradouro.

A produção não massacra Nate e tampouco vangloria Miranda. O mundo cobra mais das mulheres, e sempre cobrou mais da diaba que se importou com a sua carreira, mesmo na ânsia de conciliar seus valores maternais. Meryl Streep dá toda força necessária para a construção dessa mulher afetada pelo ambiente inóspito – que mais tarde, ela mesma acabou recriando. A chefe é intimidadora sem levantar a voz, fazendo com que todos tenham que se inclinar para ouvir. A imortalidade da personagem vem de sua maneira passiva-agressiva de agir, que quebra qualquer caricatura da mulher descompensada que grita para mandar.

A visão sobre o filme amadurece com o tempo. A definição do verdadeiro vilão de The Devil Wears Prada fica a cargo dos valores de quem o assiste. Mas essa procura pelo culpado é banal em um roteiro que engendra suas figuras com camadas consistentes e humanizadas. Colocar cada personagem em sua caixinha com o rótulo de mocinha ou vilão é desleal com o texto sobre pessoas falhas que buscam progredir na vida. Dentro do longa, as personagens que funcionam separadamente, e a condecoração de vilão a um não imuniza o outro. Assistir e reassistir O Diabo Veste Prada é um confronto consigo mesmo e com o mundo.

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