Mariana Bezerra

O novo filme de Emerald Fennell, diretora de Saltburn (2023) e Bela Vingança (2020), provocou agitação nas redes sociais desde o primeiro anúncio. Inspirado no homônimo clássico da literatura inglesa de Emily Brontë, publicado em 1847, o nome na direção gerou estranheza, afinal, a diretora é conhecida pela estética e erotismo extravagantes, que pouco conversam – ao menos à primeira vista – com o estilo gótico do livro. No entanto, foi o anúncio do elenco que aqueceu o debate: Jacob Elordi foi escalado para interpretar Heathcliff, um personagem descrito como não branco – cuja etnia é incerta – e a sua cor e origem são motivos de uma série de abusos, que o tornaram um homem cruel e violento.

A diretora e roteirista explicou que o longa não era de fato uma adaptação, mas a sua interpretação da história, o que poderia explicar as aspas no título. No entanto, o recurso gramatical nesse caso não funciona como algo sofisticado e respeitoso à obra original, e sim como uma estratégia defensiva. Ela parece justificar o esvaziamento do filme diante das mudanças no enredo, que não servem para facilitar a sua adaptação, por exemplo, e sim reduzir discussões centrais de uma narrativa extremamente potente. 

A primeira parte do longa, assim como a do livro, é voltada para a infância dos protagonistas Heathcliff (Owen Cooper) – que não possui sobrenome – e Catherine Earnshaw (Charlotte Mellington), que dividem a infância no Morro dos Ventos Uivantes. Apesar de ela ser a filha do dono da casa e ele, um empregado, ambos desenvolvem um forte laço de amizade e afeto fortalecido pelo sentimento de proteção nutrido diante das violências, sofridas por ambos, de formas distintas, e pelo clima hostil desse ambiente marcado por tons agressivos, abuso de álcool e problemas financeiros.

Em ambas as obras, a união entre os dois, durante a infância e a adolescência, não anula o caráter mimado e egoísta de Catherine, cujas versões adolescente e adulta são interpretadas por Margot Robbie. Seu jeito caprichoso coloca em evidência a posição de inferioridade do companheiro e o desejo dela de ascender socialmente e garantir um maior status social, que claramente não seria atingido com o homem que desejava. Nesse cenário, a cenografia (Suzie Davies) e os figurinos (Jacqueline Durran) são fiéis à época, a iluminação é baixa, não há nada de alarmante. Diante disso, no início do filme, Fennell imprimiu o seu DNA através do erotismo: alimentos e movimentos sugestivos entram em jogo, acompanhados de uma cena de masturbação e uma tensão sexual entre os protagonistas. 

Nesse primeiro momento, há sim uma discussão interessante sobre classe, algo que a roteirista havia feito anteriormente em Saltburn, uma outra parceria entre ela, Elordi e Robbie, a qual atua na produção. Além disso, o afeto entre os protagonistas gera empatia no espectador e, inclusive, o tom sexual cai muito bem à narrativa original, carregada de tensões e provocações – em que nada erótico é citado explicitamente. No entanto, as mudanças adotadas para a primeira parte começam a cobrar o seu preço a partir do momento em que os novos personagens, Edgar (Shazad Latif) e Isabella (Alison Oliver), entram em cena. Ele, um homem sem origem nobre, que fez fortuna no ramo dos tecidos; ela, sua pupila, e possivelmente irmã, o que no filme não fica claro. 

Insatisfeita com a indiferença dos novos vizinhos, a jovem mulher interpretada por Robbie vai até a Granja dos Tordos, desafiando as normas impostas a uma dama, e encanta Edgar, que a pede em casamento. Nesse momento, há um contraste gritante entre o novo cenário, marcado por tecidos marcantes, cores intensas e elementos absurdos, quase psicodélicos, no estilo Alice no País das Maravilhas (2010), à exemplo de um morango gigante e uma casa de bonecas aos moldes da granja.

Apesar da inadequação à época, os figurinos (incluindo um de plástico) e a direção de arte, de Suzie Davies, são um deleite para os olhos. Além disso, a trilha sonora, também fora da caixa, assinada por Anthony Willis, e composta por músicas originais de Charli XCX figura uma escolha interessante, que orna bem com o contraste envolvente. Além disso, a cinematografia (Linus Sandgren) também é um destaque, que, em um primeiro momento capta os sentimentos intensos e o estado emocional dos personagens.

Quando Heathcliff retorna após um período de fuga e distanciamento diante da notícia do casamento, ele parece um novo homem: rico, debochado e perverso, um perfil que destoa muito do homem bruto, porém sensível visto no início, graças a performance precisa de Elordi e, novamente, a caracterização impecável. O roteiro (Emerald Fennell) não explora a dimensão da humilhação e do aniquilamento social sofrido por Heathcliff e reduz a sua crueldade à dinâmica de um relacionamento tóxico.

O protagonista se casa com Isabella apenas para atormentar Catherine, e os abusos psicológicos e sexuais são fetichizados com um ar de 50 Tons de Cinza (2015). É ultrajante que Fennell tenha transformado Isabella em uma caricatura estereotipada de uma mulher irritante, enquanto, na visão de Brontë, no século XIX, ela, apesar de ingênua no início, é destemida a ponto de fugir para criar sozinha o filho do seu marido violento. Aqui, isso não é complexo; é cruel.

Apesar da improbabilidade da combinação entre a diretora e a escritora, era de se esperar que a cineasta conseguisse trabalhar a ambiguidade dos seres humanos, uma vez que, em Bela Vingança apresentou uma personagem moralmente complicada. Infelizmente, Fennell almeja, de certa forma, inocentar o seu Heathcliff ao romantizar e justificar suas atitudes, além de não deixá-lo atingir o seu máximo potencial. Nessa supérflua toada romântica, é construído quase um arco de redenção, um apelo emocional, que cria uma armadilha barata para que os protagonistas sejam vistos mais como Romeu e Julieta, do que como os seres detestáveis que são – no filme e na obra original.

O longa apresenta a figura de uma vilã na personagem de Nelly (Hong Chao), a dama de companhia de Cathy, que é usada por Fennell como uma peça desse xadrez maluco, que parece estar sempre interrompendo a felicidade da ama, ou mesmo desejando o seu mal, enquanto no livro, ela é uma narradora enviesada, que envolve seus julgamentos pessoais e preconceitos em seus relatos. No entanto, O Morro dos Ventos Uivantes nunca precisou de um vilão, pois a maldade e a discriminação sistemáticas para com uma crianca já é suficentemente cruel. Até porque, independente do desejo de Nelly, o casal não poderia ficar junto.

A diretora tem direito a liberdade criativa, evidentemente – e a ser julgada pelo trabalho que entregou. O problema é que foi entregue um material superficial. Ela insiste na construção de um grande romance sobre um terreno instável de uma história trágica. Não somente a do livro, mas também as partes dela presentes em seu roteiro. Fennell ignora as nuances da trama que escolheu contar e se perde na própria narrativa. Quanto a sua proposta revolucionária, as cenas de sexo, uma atrás da outra, na segunda parte do filme, não desafiam qualquer padrão e pouco acrescentam ao conflito central. 

O erotismo serve muito bem em outras produções como o próprio Saltburn (2023), mas aqui é usado como uma forma de preencher lacunas. É possível fazer algo inovador com uma proposta coerente, como prova As Patricinhas de Beverly Hills (1995), inspirado em Emma (1815), de Jane Austen. A cineasta explica que a obra de Brontë não pode ser, de fato, adaptada. Não que seja fácil, mas para transmutar algo desse tipo para o cinema é preciso um mergulho profundo em seus labirintos morais. O que vemos aqui é a busca por atalhos fáceis, que pouco dizem respeito aos conflitos da existência humana.

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Lara Fagundes

Um garoto de 13 anos é acusado de assassinato. A pergunta que fica é: como alguém tão novo poderia cometer algo tão cruel? É com essa premissa que Adolescência, da Netflix, traz à tona temas como masculinidade tóxica, rejeição e sentimentos reprimidos. A série prende a atenção, não apenas pelo mistério, mas pela forma como o desenvolve. Intensa e desconfortável, a trama lembra o drama Defending Jacob (2020), da Apple Tv, porém com um diferencial: em vez de manter um final aberto, possui um desfecho com a confissão, que tira qualquer um da zona de conforto.

Com 13 indicações para o Emmy de 2025, incluindo Melhor Minissérie ou Antologia, a obra se destaca em categorias técnicas e de atuação. A linguagem visual é um dos pontos fortes, contada inteiramente por planos-sequência. Cada episódio é filmado em uma única tomada, sem nenhum corte. A simulação de tempo real favorece o mergulho nas situações de tensão, assim, a imersão é imediata: sentimos que estamos acompanhando os personagens, vemos o caminho completo de uma cena para outra, sem qualquer respiro.

A técnica do plano-sequência exige, não apenas precisão técnica da produção, como também do elenco que precisa sustentar os personagens por horas sem pausa, e tudo isso funciona muito bem em Adolescência. Com cinco intérpretes indicados ao Emmy em 3 categorias diferentes de atuação – Melhor Ator, Melhor Ator Coadjuvante e Melhor Atriz Coadjuvante em Minissérie –, os papéis são feitos com competência ao transmitir realismo e impacto emocional. O ator Owen Cooper, que interpreta o acusado, Jamie, chama atenção em especial ao se tornar o mais jovem indicado na categoria de Melhor Ator Coadjuvante, com apenas 14 anos na gravação da série.

A estrutura da narrativa também merece destaque (a premiação concorda, com uma indicação a Melhor Roteiro em Minissérie). Em apenas quatro episódios, a compreensão do caso de Jamie é explorada por várias perspectivas. O primeiro foca no acusado, seu interrogatório é o ponto de partida do mistério e já começa fazendo o espectador se perguntar: ele é inocente como diz? Ou está escondendo algo? Um garoto de 13 anos cometeria um assassinato sem qualquer sinal de ser capaz disso?

O terceiro episódio é o que cria mais discussões. Acompanhamos a consulta do adolescente com uma psicóloga e os sentimentos do garoto em relação à vítima vêm à tona. A construção de tensão é progressiva, um plano longo que fica apenas dentro da sala de interrogatório, cinza, pequena, com uma atmosfera claustrofóbica e ameaçadora. É um capítulo que transmite uma agonia crescente e a sensação de estar diante de um garoto perigoso, mas, ainda assim, muito novo e humano.

Mais do que um drama policial, Adolescência é uma crítica social gritante. A série reflete de forma incisiva sobre masculinidade tóxica e a cultura de isolamento social em jovens, principalmente na dificuldade de processar e expressar sentimentos dos meninos. Jamie não é retratado como vilão, embora a história permita que o espectador sinta medo do que o garoto poderia ter feito. Ela também mostra como a sociedade afetou e influenciou seu comportamento, como um produto de um ambiente silenciosamente violento. 

A obra nos força a encarar algo que ignoramos: a agressividade não surge do nada,  pode estar inserida em escolas, entre adolescentes. O desenvolvimento do caso mostra como Jamie não é o único afetado, mas também sua família, afinal, como manter uma aparência de normalidade quando seu filho está sendo julgado por assassinar uma colega de sala? O último episódio traz essa reflexão ao acompanhar o dia de Eddie (Stephen Graham), pai do suspeito, que, na tentativa de comemorar seu aniversário com a esposa e a filha, é ‘presenteado’ pela confissão do crime.

É impossível sair indiferente ao assistir Adolescência. O desconforto que transmite não vem apenas do crime ou da construção dos personagens, e sim de como a narrativa é tratada de forma realista e pela reflexão de um tema que pode ser facilmente reconhecido no mundo em que vivemos. É uma produção forte, com uma direção impecável, indicada ao Emmy de Melhor Direção em Minissérie, e um formato marcante, que consegue abordar um assunto delicado com muita técnica e profundidade emocional. Afinal, a adolescência é vista como a fase mais complicada da vida por um motivo e é partindo desse ponto que a obra certa.

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