Guilherme Veiga

Se tem uma coisa que George R.R. Martin, DB Weiss, David Benioff e a HBO souberam criar, além de um mundo fantástico, foi uma tradição. Nos anos finais de Game of Thrones, uma religião praticamente nasceu em torno da série, na qual dominicalmente entoávamos o rito de sentar à frente das telas para passar a próxima hora imersos naquele mundo. Não é à toa que GoT se tornou um produto de seu tempo que influenciou e ainda influencia a cultura pop.

Graças ao seu final extremamente duvidável e a procrastinação do autor para finalizar os livros, é natural que a série deixasse alguns órfãos para além Westeros. O que não se esperava era que o próprio HBO Max fosse um desses abandonados. A emissora, dona de obras primas como The Sopranos e The Wire, não viu nenhuma produção ascender como a história dos 7 reinos, logo, estar vivendo seu ápice aos poucos coloca na produtora o medo de “como superar isso?”, o que ocasionou uma sombra gigantesca em suas produções. Para espantar essa dúvida, eclodiu do ovo de dragão a primeira série de spin-offs ambientados em Westeros: contando a história dos adorados Targaryen no início do que seria sua derrocada no trono, A Casa do Dragão alçou seu primeiro voo em 2022.

Se engana quem pensa que a série é um copia e cola de GoT ambientado em outra época. Essa era, talvez, uma das maiores preocupações da audiência, apesar da confiança que a HBO construiu em suas obras a partir dos anos. A história do reino dos dragões trouxe muita identidade para si e, já em seu primeiro ano, cravou seu lugar na Televisão, deixando para as próximas temporadas a expectativa de um novo fenômeno. A volta de R.R Martin como produtor executivo e roteirista – que tinha abandonado a jornada de Daenerys nas últimas três temporadas – é, sem dúvidas, o grande motivo disso. Ter a mente criadora, com conhecimento da narrativa na ponta dos dedos para explorar outro ponto de vista dos eventos, faz a série se destacar em seu próprio – e gigantesco – universo.

Diferentemente dos livros, que praticamente passeiam entre as rusgas diplomáticas quase como um observador externo, A Casa do Dragão analisa os conflitos reais a partir da própria nobreza. O jogo político entra mais em foco e, por conta de um elenco mais enxuto, consegue desenvolver e apresentar esse entrave de forma mais palatável e menos complexa (apesar dos vários nomes iguais dos Targaryen), porém igualmente truncada.

Tal artifício é mérito total da escrita, tão afiada quanto os dentes dos vários dragões. O roteiro de Martin, Sara Hess, Ryan Condal e Charmaine DeGraté teve suas deficiências, a principal ficando por conta de um velho fantasma dos anos finais de Game of Thrones: a correria com os episódios. O próprio Martin afirmou que o ideal seriam 13 capítulos, ao invés dos 10 que foram ao ar, e, cá entre nós, ninguém reclamaria de mais três semanas ouvindo a clássica abertura, graças à volta de Ramin Djawadi na trilha sonora. Isso, ainda mais em um temporada que depende de saltos temporais, incomoda levemente, pois mostra que a narrativa tinha muito mais para explorar. Ainda assim, o texto é o grande responsável por driblar os furos e criar um ritmo próprio e extremamente envolvente.

A série não dá respiros e vai direto ao ponto. Se Game of Thrones separava seus episódios políticos do tiro, porrada e bomba – um grande exemplo é o segundo capítulo da oitava temporada, que funciona como o momento de calmaria antes d’A Longa Noite -, House of the Dragon vai por um caminho diferente. A produção sabe mesclar os dois aspectos de forma única e amarrá-los através de traços de narrativa épica para o texto. Apesar de parte da história ser escanteada, a obra consegue criar de forma bem convincente seus personagens; de primeira, é possível entender o papel daquelas pessoas no anúncio de guerra, para futuramente desconstruir essa imagem estabelecida.

Com o design de produção, comandado por Jim Clay, sendo infinitamente melhor em questão de ambientação, House of the Dragon se parece com a prima rica de Game of Thrones. Essa diferença de forma alguma prejudica a obra anterior: pelo contrário, coloca as duas épocas em pontos distintos que, de certa forma, atraem uma coesão para o que foi o período entre guerras. O spin-off entrega um visual de encher os olhos e que condiz com toda a pompa e circunstância da qual se comprometeu.

Os efeitos especiais também são outro espetáculo à parte. Depois da HBO encher os bolsos, a emissora reverteu parte da grana em A Casa do Dragão. Ainda é possível notar alguns deslizes, principalmente nas cenas que envolvem os personagens humanos com os dragões, mas tudo é compreensível dada a grandiosidade que a série se propôs logo em sua estreia. Abandonando aos poucos o fundo verde já saturado pela indústria, a obra investiu nos painéis de LED para compor algumas de suas paisagens e, mesmo quando teve que usar o chroma key – até porque agora precisava imprimir 10 dragões em tela -, fez isso com um primor que mostra que cada vez mais a TV diminui o abismo com o Cinema, as vezes até o ultrapassando, como no caso da produção.

Sem dúvidas, o grande responsável pela série atingir o patamar que atingiu foi seu elenco, em convergência com o texto que soube exaltar seus personagens. A leva de 10 episódios pode tranquilamente servir como indicação ao Emmy para cerca de 90% do elenco principal. Diferente do que fez com suas outras obras, mais uma vez o HBO Max aposta em nomes menos conhecidos do público para o desafio de viver as personas (com exceção de Matt Smith, já conhecido por ser um dos Doctors em Doctor Who).

Tanto os personagens que perduraram pela temporada quanto os que foram trocados na mudança de fase – algo inédito em grandes produções como HotD – entregam atuações de suas vidas. Smith, por exemplo, sabe construir um Daemon cheio de malícia e imprevisibilidade, no qual só sua presença já impõe respeito. A australiana Milly Alcock e Emily Carey (Mulher Maravilha) nos papéis das jovens Rhaenyra Targaryen e Alicent Hightower, respectivamente, imprimem magistralmente essas figuras para suas próximas intérpretes, tanto é que parte das reclamações sobre a temporada ser apressada é porque seria maravilhoso ter mais tempo de tela das duas. Também não se pode esquecer das grandiosas performances de Rhys Ifans (Homem Aranha: Sem Volta para Casa) como Otto Hightower e Eve Best (O Discurso do Rei) como Rhaenys Targaryen, A Rainha Que Nunca Foi.

Mas os verdadeiros destaques ficam para o trio principal que movimenta a história. Olivia Cooke (O Som do Silêncio) entrega uma Alicent adulta sabendo transitar entre sua sede de poder e a subordinação ao pai. Emma D’arcy é deslumbrante e extremamente elegante, assim como um copo de negroni, e impõe uma força surreal para uma Rhaenyra buscando seu lugar, seja ele no trono ou como mulher em uma sociedade patriarcal. Porém, quem destoa completamente é Paddy Considine na pele putrefata de Viserys Targaryen. É difícil simpatizar com o rei de Westeros, mas o ator soube desenvolver as camadas de seu personagem de forma tão verossímil e complexa que é impossível não compadecer com suas dores naquele contexto, além de entregar algumas das cenas mais épicas da temporada.

Ficou claro que House of the Dragon ainda tem muito o que percorrer para se desvencilhar de Game of Thrones, mas o primeiro ano mostrou que essa tarefa não será tão difícil quanto imaginamos. Conhecendo os erros e acertos de uma produção fantástica, a série sabe onde investir e o que arrumar e ainda assim consegue desenvolver uma identidade para chamar de sua. Um dos pontos mais positivos é como trabalhou a força feminina. Enquanto em GoT, com exceção de Daenerys, foram anos para desenvolver algumas personagens, como Sansa, Arya e Cersei, aqui muitas mulheres já estrearam com uma força monumental.

A dança dos dragões começou a ser montada e esse xadrez se mostra tão intrigante quanto o que o inverno anunciava. Apesar dos deslizes, comuns em primeiras temporadas, o saldo de A Casa do Dragão é extremamente convincente e devolveu aos fãs traumatizados a esperança de uma ótima produção se desenvolvendo. A noite pode até ser escura e cheia de horrores em seu futuro, que só vem em 2024, mas o fogo dos dragões promete iluminar esse caminho.

O post A Casa do Dragão destrona pai, mãe, filha; eu também sou da família, também quero destronar apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Sabrina G. Ferreira

Quem nunca ouviu falar sobre uma história de um filho que tem uma relação complexa, quase incensuosa (ou melhor dizendo, de “estranha proximidade”), com a mãe, que ao perdê-la de forma repentina e trágica, passa a cometer assassinatos ao incorporar a personalidade da mulher? Este é o ponto de partida de Bates Motel, que chama a atenção dos amantes de Terror, principalmente pelo seu nome, que tem como referência uma história contada já a algumas décadas atrás, no clássico filme Psicose (1960), do aclamado diretor Alfred Hitchcock.

Criada pelo roteirista Anthony Cipriano (da série The Jersey), e produzida por Carlton Cuse (Lost), e Kerry Ehrin (de Friday Night Lights), a série conta, em cinco temporadas, a história de uma mãe, Norma Bates (interpretada de forma impecável por Vera Farmiga), que após a misteriosa morte do marido, muda-se para a pequena cidade de White Pine Bay, em Oregon, levando consigo seu filho adolescente de dezessete anos, Norman Bates (Freddie Highmore). Com o propósito de conseguir uma forma de sustento, ela adquire um velho e abandonado motel e o casarão ao lado (também antigo, claro!). Outro detalhe é a localização destes imóveis, que ficam em uma estrada remota, de difícil acesso aos motoristas, tornando o motel um local de pouca procura para hospedagem.

Logo no primeiro episódio, somos introduzidos ao protagonista: o jovem Norman Bates; e nos damos conta dos distúrbios mentais que o personagem enfrenta. Norman sofre de um transtorno de bipolaridade, que algumas vezes o fazia pensar ser a própria mãe, a tal ponto de se vestir e falar como ela. Nesses momentos de “apagões”, ele podia fazer coisas abomináveis com as pessoas que estivessem próximas a ele, e logo depois, quando voltava a si, não se lembrava de nada que havia acontecido, e ainda culpava a mãe por seus atos maldosos.

A mãe de Norman, Norma Bates, também sofre de evidentes distúrbios de bipolaridade, com seu humor alternando entre explosões de raiva e momentos de extrema delicadeza. Em alguns episódios, ela se mostra como uma mãe controladora do filho, mas em outros, ela se torna uma espécie de vítima, cujas ações nada mais são do que reflexos de tudo o que ela já passou. Estes elementos se manifestam na personagem de forma a construir uma mulher visivelmente angustiada, que guarda um segredo “a sete chaves”; ou até mesmo como alguém que vive perturbada por seus próprios demônios, pois consciente do comportamento psicopata de seu próprio filho, Norma tenta de todas as formas mantê-lo longe das pessoas.

Assim, alguns dos principais distúrbios comportamentais presentes nos genes de Noman também são visíveis em sua mãe. Filha de pai abusivo, quando jovem, Norma desenvolveu uma relação semelhante, porém, com seu irmão mais velho, Caleb (Kenny Johnson), e isso a atormentou por anos, pois ela teve que conviver com a constante culpa por ter, na época, amado seu irmão de volta. Este relacionamento violento e com abusos psicológicos de Caleb com Norma pode ser interpretado como uma Síndrome de Estocolmo. 

Analisando a dependência de Norman com sua mãe, podemos supor que, por não possuir uma figura paterna, o filho cria uma grande conexão com a materna, e da mesma maneira – como Freud explica -, acaba vinculando a sua libido a ela. Há até mesmo uma suposição de que Norman, quando criança, possa ter sido abusado pela sua mãe, e como consequência, passou a ter sentimentos conflitantes por ela, pois a confusão de sentimentos e a culpa são muito frequentes em crianças e adolescentes que sofrem este tipo de trauma.

Ademais, é válido salientar que além de se tratar de uma série de horror, Bates Motel traz também uma conscientização quanto aos distúrbios mentais em pessoas de uma mesma família, e os possíveis traumas que podem ser ocasionados em indivíduos, ainda em fase de desenvolvimento, vítimas de abusos, físicos e mentais, por exemplo. Na maioria das vezes, o abusador também já foi um dia abusado, igual Norma, que além disso, também não aprendeu, ainda na infância, sobre os limites de intimidade que precisam ser impostos entre familiares, e tem algumas atitudes equivocadas, como dormir na mesma cama do filho de dezoito anos de idade. No caso de Norman, há uma releitura moderna de Édipo, com momentos que alternam entre raiva e uma enorme dependência emocional pela mãe, assim, quando ela inicia um relacionamento amoroso com outro homem, Norman se sente ameaçado e manifesta medo em perdê-la. 

No decorrer das temporadas, vão surgindo outros personagens na trama, como a misteriosa Emma Decody (Olivia Cooke), que, possivelmente, é aquela em que o espectador mais poderá se identificar. No início, Emma era uma amiga próxima de Norman, e  pensamos até mesmo haver uma possível paixão entre os dois. Porém, após ela conhecer o meio-irmão (e primo) de Norman, Dylan (Max Thieriot), acaba se apaixonando por ele, e no decorrer das temporadas, acabam tendo uma relação estável, formando uma família juntos.

Sendo assim, a cada episódio, as “nuances” dos personagens se acentuam ainda mais, principalmente na terceira temporada, que é quando Norman se torna cada vez mais parecido com a sua versão no filme Psicose, uma vez que a personalidade de sua mãe passa a aparecer com mais frequência para ele. Desta forma, ele passa a ter a postura de enfrentá-la, ou assumir seus atos, que já não passam mais tão despercebidos para ele, e as máscaras começam a cair para Norman e Norma Bates.

Enfim, Bates Motel é uma série obscura, que não começa com um assassinato de uma jovem de cabelos loiros em um banheiro de motel, como no filme dos anos sessenta. A nível de comparação, só temos um vislumbre da personagem principal do longa, Marion Crane (desta vez, interpretada por Rihanna), em dois episódios da última temporada, e até mesmo o desfecho desta personagem na série, felizmente, é outro. Essa é uma história sobre a família Bates, ou seja, Norman e Norma, e nada mais. O que espanta, no entanto, é que ao contrário do que acontece no filme, aqui, criamos uma relação de empatia pelo psicopata, sentindo muitas vezes compaixão por ele, e passamos a vê-lo como alguém de “bom coração”, mas que sofre de uma doença mental que toma conta dele de forma involuntária. 

A série, assim como muitas, não é isenta de erros, como por exemplo, quando dá soluções rápidas e fáceis aos problemas que surgem nos episódios, quando poderia trabalhar na construção dos personagens e das situações aos poucos, a longo prazo. Mas de forma geral, no final temos um enredo muito bem construído, com um final surpreendente, e até mesmo aceitável, para a maioria dos personagens. Bates Motel explica de forma espetacular a doença de Norman e constrói uma rede em torno dele, dando um ressignificado para algo que foi a muito tempo contado, mas agora, com o jeito crível e detalhado de contar história, com capacidade para conscientizar o espectador, próprio da nossa geração.

O post Bates Motel é bem mais que uma série sobre as consequências de transtornos psiquiátricos apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Gabriel Fonseca

O Som do Silêncio, da Amazon Prime Video, prega uma inteligência emocional que todos gostaríamos de ter. O longa independente conta a história de um baterista de heavy metal que descobre no meio de uma turnê, que está ficando surdo. Esta premissa já nos faz esperar por um clichê de superação da deficiência, ou de obsessão artística, como em Cisne Negro. Mas, o que torna as coisas interessantes é a oposição do protagonista à própria adaptação.

O co-criador e diretor de primeira viagem (no cinema), Darius Marder, escolheu Riz Ahmed para dar vida ao protagonista Ruben Stone. Depois do boom na carreira com O Abutre e Rogue One, Riz sujou a carteira de trabalho com Venom, e agora é um dos produtores do longa que coleciona elogios da crítica sobre as atuações e a narrativa simples, mas funcional. Imagine o trabalhão em preparar o protagonista para tocar bateria, aprender a língua dos sinais e fazer o tipo esquentado, que não se enquadra.

O esforço do elenco rendeu indicações importantes a Sound of Metal. A performance de Riz foi indicada ao Globo de Ouro, ao SAG, Gotham Awards e ao Film Independent Spirit Awards, que também indicou Paul Raci para a categoria de Melhor Ator Coadjuvante. A dupla está aquecendo para – provavelmente – dar as caras no BAFTA e no Oscar 2021, desde o lançamento do filme no Prime Video, em dezembro. 

De cara, vemos um show de Ruben e Louise, interpretada por Olivia Cooke – com um ar mais adulto do que em Jogador Nº 1. Os dois tocam em uma boate escura, com gente curtindo a barulheira, até vermos a outra parte de suas vidas. Eles namoram e vivem juntos em um trailer, que não é descolado mas tem organização, é um cantinho só deles. O diretor Darius Marder é objetivo, numa hora estamos no show, depois no trailer, vemos a rotina do casal, marcas de corte nos pulsos de Louise, nos perguntamos se ela está bem, depois voltamos à turnê.

Antes de começar o show, Ruben fica parcialmente surdo. Sem explicações, somos sugestionados a acreditar que a exposição ao barulho da música é a causa, mas o filme não liga muito para isso. A mixagem de som aparece aí, ou nós percebemos a sua função, porque começamos a variar entre os sons dentro e fora da cabeça do baterista. Quando Ruben perde oitenta por cento de sua audição, nós perdemos com ele, ouvimos sons abafados e as batidas secas dos objetos ao redor. Mesmo com a perda parcial do sentido, ele toma a decisão de começar o show, mas, depois abandona o palco por causa da experiência assustadora. 

Mais tarde, Ruben descobre que sua audição só vai diminuir até a surdez completa, e que, a única maneira de voltar a ouvir é fazer uma cirurgia caríssima para colocar próteses. O seu primeiro plano é juntar dinheiro com a turnê para fazer a tal cirurgia, mas Louise rejeita a ideia por completo. Então as coisas ficam assim: ela parte para a casa do pai, mesmo com os problemas familiares, enquanto ele vai a contragosto para uma comunidade de surdos. A química entre Riz e Olivia é interessante, o relacionamento deles é real, ótimo e péssimo, ao mesmo tempo. Talvez por causa da dependência dele. 

No meio – e podemos dividir Sound of Metal em três atos tranquilamente -, Rubem tenta se adaptar à vida como surdo. Aos poucos ele se relaciona com as pessoas dentro da comunidade e se aproxima de Joe, o mentor interpretado por Paul Raci. O obstáculo para o jovem baterista é a própria aceitação, ele passa os dias preso ao seu passado e parece não aprender a lição essencial de Joe: “não precisa consertar nada aqui”. O veterano tenta ensinar que a surdez não é um problema, e que as pessoas da comunidade precisam ser lembradas constantemente disto. Por isso, quando vende o trailer e a bateria para fazer a cirurgia, Ruben é mandado embora.

É neste momento, quando é vendida, que nos lembramos da bateria. Não era para este ser um Whiplash com um protagonista surdo? A importância da carreira musical não desaparece, mas é deixada de lado, quase substituída pela relação entre ele e sua namorada, o que não é um problema pois O Som do Silêncio toma um rumo interessante a partir daí, começando pela visibilidade da cultura de pessoas surdas, a adaptação de quem não nasce surdo e a problemática da visão capacitista. A obsessão de Rubem em retornar à sua vida com Louise só revela o quanto ele está se enganando.

Por fim, Rubem cai na real, depois de visitar Louise na casa do pai ricaço. A namorada já está em outra fase de sua vida e as próteses não funcionam como o esperado, são ruidosas, não há beleza na música e a direção de Darius Marder nos passa a percepção de desarmonia ao redor do personagem. Então, terminamos a história de O Som do Silêncio com a impressão de que algo pode ser aprendido, sem os clichês de superação da deficiência, mas com a ideia de auto aceitação e até a visibilidade de uma comunidade que o cinema quase não ouve. 

O post O Som do Silêncio nos ensina a olhar para a frente apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.