Lucas Barbosa

Para alguns, Deftones tem certos períodos primordiais ao longo da sua trajetória. Primeiramente com Around the fur e todo seu som pesadíssimo que era condizente com o Nu Metal da época; White Pony, um dos álbuns que revolucionaria o Metal de sua época, e o período entre Saturday Night Wrist e Diamond Eyes, onde a banda faria uma revolução, mas na sua própria maneira de fazer Música. 

Para entender Diamond Eyes, primeiramente tem que compreender todo o contexto que antecedeu o registro. A banda estava já em períodos finais de produção do seu sexto álbum de estúdio, que foi chamado de Eros. Músicas basicamente definidas e em processo de finalização, o sucessor de Saturday Night Wrist, lançado em 2006, já estava se encaminhando para ser lançado no começo de 2009. Entretanto, no dia 4 de novembro de 2008, o baixista da banda, Chi Cheng, se envolveu em um gravíssimo acidente em Santa Clara na Califórnia, que o deixou em coma durante um grande período (Chi veio a falecer em 2013, pelas complicações do incidente), com a tragédia, a banda decidiu entrar em um hiato e cancelar o lançamento de Eros.

Após alguns shows feitos em 2009, o grupo decidiu entrar no processo de criação de um álbum totalmente novo. Para substituir Chi, Sergio Vega, que era baixista do Quicksand e amigo pessoal do baixista e do vocalista Chino Moreno, se juntou a banda para a produção do disco, e, com a produção de Nick Raskulinecz, em Maio de 2010, Diamond Eyes é lançado, sendo o álbum de reinício pessoal do Deftones. O instinto do Nu Metal ainda foi assegurado com riffs pesados, mas existe toda a emoção da perda, da dor, e da saudade de não ter quem se ama por perto.

A crítica e o público recebeu muito bem o disco, que teve quatro singles bem sucedidos: Diamond Eyes, You’ve seen the Butcher e Sextape, chegou também em #6 na Billboard 200. Stephen Erlewine disse na época que era um álbum muito maduro, que era uma resposta óbvia à tragédia. Diamond Eyes foi um novo amanhecer pro grupo, o acidente de Chi foi um ponto de mudança inesperado, mas que teve uma relevância gigantesca pessoal e profissional para a banda. O hiato, o cancelamento de Eros e uma produção totalmente do zero foram importantes para que alcançassem um novo patamar em sua musicalidade. 

Existia um sentimento melancólico na banda, sabendo das condições do seu amigo que estava na banda desde 1998. Faixas como Beauty School e Prince, demonstram que a tristeza era muito presente, mas a Música se tornou uma terapia para todos, uma válvula de escape para a ‘injustiça’ que o mundo proporcionou a todos eles, do mesmo jeito que um entusiasmo em homenagear Chi Cheng, trouxe o calor e a vibração de um álbum completamente cativante e cheio de energia.

Em entrevista para a LOUD!, O baterista Abe Cunningham, diz sobre a evolução da banda com a produção de Diamond Eyes: “é o som da banda se reencontrar, de ter todo mundo ali para partilhar o mesmo estado de espírito e, acima de tudo, a vontade de continuarmos a fazer música juntos”, todos sabiam que mais do que produzir músicas, eles precisavam estar juntos, entender como cada um estava passando por aquele momento, viverem a dor de forma unida, e ver se aquilo ainda era o que cada um queria, e foi exatamente isso que aconteceu.

Diamond Eyes tem uma experiência única nas suas duas versões. Quando não se sabe o que ocorreu para que esse álbum acontecesse, existe uma profundidade nas letras, na interpretação do Chino, nos acordes das canções, que diferem do que a banda já fez algum dia. É um sentimento que todo mundo sabe o que está fazendo, e que percebeu o quão grande isso se tornaria. E quando já entende todo o ocorrido, dá pra compreender porque o peso de cada acorde, de cada letra, um disco de agradecimento, uma melancolia que envolve e faz refletir sobre perdas.

Depois de 15 anos, Diamond Eyes ainda é um álbum emotivo e cativante. A responsabilidade de homenagear uma pessoa amada, é difícil, dolorosa e tem vários percalços no caminho, mas é lindo ver a ideia cumprida. As músicas condizem com o momento que a banda passava, a pancadaria do som do Nu Metal combinando com as letras que transmitem dor e saudade, entretanto enexalam também carinho e admiração. Nesse disco, o Deftones dá a mesma voz para a amizade, a tristeza, a saudade e a esperança.

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Maria Vitória Bertotti 

Eles estão em sua forma mais animalesca possível e com fome por Música. Foi com essa premissa que, há 10 anos, a banda norte-americana Linkin Park lançava seu sexto álbum de estúdio, The Hunting Party. A obra pode ser lida como um retorno às origens do rock mais pesado, que beira o visceral mas não esquece dos testes melódicos e eletrônicos de seus outros registros. Com mensagens certeiras e um ritmo perfeitamente equilibrado, o projeto é facilmente um dos melhores álbuns da discografia da banda.

Voltado para o rock e metal alternativo, o disco passa longe das influências eletrônicas, com efeitos e sintetizadores, muito exploradas nos dois anteriores – A Thousand Suns (2010) e LIVING THINGS (2012). Sendo o primeiro álbum sem a produção de Rick Rubin desde o Meteora (2003), quem tomou as rédeas da produção foram Mike Shinoda e Brad Delson, e, talvez por isso, a nostalgia dos velhos tempos tenha batido forte em seus corações para retornar ao nu-metal.

A riqueza do trabalho se deve, em parte, pelas participações especiais de músicos tão talentosos quanto o próprio Linkin Park. Alguns dos convidados para compor o disco são: Page Hamilton, guitarrista veterano da banda Helmet; Rakim, rapper estadunidense considerado um dos melhores de todos os tempos pela Billboard e Tom Morello, guitarrista do Rage Against the Machine e ex-Audioslave. Percebeu alguma coisa em comum entre eles? A escolha de chamar vários guitarristas para a composição do The Hunting Party é justamente para acrescentar mais agressividade através deste instrumento. Nada é por acaso.

A ideia do nome The Hunting Party não foi a primeira que surgiu à mente. Inicialmente, o álbum se chamaria Carnivores, de carnívoros mesmo, mas isso seria muito óbvio para a intenção que eles queriam. A analogia veio de uma conversa onde o herbívoro estaria ligado à passividade e, de acordo com as vontades da banda no momento, eles queriam ir contra a maré que os músicos do rock estavam se dirigindo. O carnívoro estaria ligado à ideia de ir atrás das suas necessidades, dos seus objetivos, já que um selvagem vive assim porque precisa, não porque quer. Já o hunting party é um grupo de caça e, ao contrário do carnívoro, ele faz a escolha desse estilo de vida. Eles escolheram, pela paixão de fazer diferente, voltar para seus instintos selvagens.

Keys to the Kingdom funciona como uma prévia do que o Linkin Park quis trazer. A maior parte dos elementos do disco já estão nessa faixa, que chega assustando os desavisados com os gritos de Chester Bennington, cheios de efeito vocal. Existe um equilíbrio entre o rock e o rap, onde a melodia cai bem entre a explosão de Bennington e as rimas de Shinoda. Já a letra soa um pouco agressiva, sem sentido e, em alguns momentos, como uma ameaça para quem subestimá-los. A guitarra se faz muito presente e, junto com a bateria comandada por Rob Bourdon, elevam a faixa para um outro patamar, mostrando para o que vieram.

Seguindo a vibe de começos estranhos, All for Nothing entra nessa categoria, uma vez que não é possível decifrar o que faz barulho em seu início. Apesar da dúvida, a guitarra fortíssima de Delson entra em seguida para destruir qualquer devaneio que invade a cabeça antes da música começar. Além do guitarrista original, não podemos esquecer da participação brilhante de Page Hamilton, que contribuiu para o espetáculo acontecer na faixa. Além dos riffs, o rap falando sobre honra também está sob holofotes e, logo no final, surge uma trilha sonora de filme dramático fazendo ponte para a próxima faixa. 

Com 45 minutos de duração, divididos entre 12 faixas, cinco delas foram escolhidas a dedo – e provavelmente, com dificuldade – para serem singles. Guilty All the Same é o primeiro deles; arrebatador, traz toda a força da união entre guitarra e bateria nos primeiros segundos. É importante destacar o que essa guitarra faz durante a canção, já que há solos por toda a duração da faixa; os melhores solos de todo o álbum, inclusive. Além do básico para fazer um bom rock and roll, a banda utiliza efeitos eletrônicos para compor a melodia. Chester Bennington conduz os vocais de maneira calma até a chegada da parte rimada, que expõe uma letra bem política. Eles dão o recado e o veredito final, o sistema é culpado.

O recurso de faixa introdutória, aquela que seria uma mais curta, utilizado pela banda em álbuns anteriores (como em Wake, do Minutes to Midnight) também deu as caras no disco. The Summoning funciona como um respiro para o público se recuperar do estrondo que as três primeiras canções fazem. No pós recuperação, War destrói a calma recentemente instaurada para dar lugar ao bate cabeça pesado. Na música, existem vários elementos interessantes, como a mudança de ritmo entre o refrão e o restante da faixa, os vários gritos, o drive na voz e, para variar, mais um solo de guitarra. 

Fazendo jus ao retorno pro rock raiz dos primeiros discos, Wastelands é música para os ouvidos de quem curte o gênero. Ela carrega um equilíbrio entre o rap e os detalhes eletrônicos de Joe Hahn, além da identidade fortíssima da bateria de Rob Bourdon. Sua letra é bem representativa para os jovens de hoje em dia vivendo em meio ao caos climático e humanitário: “o futuro escapa/e sua esperança se transforma em medo”.

Until It’s Gone é uma das canções mais ‘comuns’ do álbum, sem grandes experimentações evidentes, apesar de ser um single. Ela pode parecer meio batida para o estilo deles, um pouco ‘mais do mesmo’, e ainda assim tem seu valor. Todos esses adjetivos são porque a faixa é mais calma e não tem nenhum rap, mas, novamente, quem brilha é Bourdon, juntamente com o baixista Dave Phoenix.

Longe do conceito comum, Rebellion é mais uma das músicas que remetem ao nu-metal da década de 2000. A introdução, já com um solo de Brad Delson logo de cara, só aumenta o frenesi que a faixa carrega consigo. E parte dessa energia visceral se dá pela participação do ícone Daron Malakian, da banda System Of A Down. O guitarrista incorpora muito do estilo que toca originalmente, com mais peso nas guitarras e bateria, e o resultado disso é achar que está ouvindo uma música do próprio ‘SOAD’. E isso é um elogio! O single é brutal, tanto em ritmo quanto em letra; é uma constante entre gratidão e insatisfação pelos que não são sortudos como nós somos.

A criação visual do álbum e ilustrações foram feitas com base na ideia dos carnívoros, de ferocidade e instinto, tanto é que a própria capa do disco e demais conteúdos disponíveis são quase que indecifráveis. Os responsáveis pelo desenvolvimento artístico são Joe Hahn, Rickey Kim, diretor criativo da banda, e Frank Maddocks, vice-presidente criativo da Warner Records. A Arte é minimalista e combina com a estética escolhida pelo Linkin Park para essa produção, mas não deixa de ser uma incógnita sobre o que está em destaque. É uma criatura fictícia? Um humano ou um monstro? As respostas são subjetivas para o imaginário de cada um de nós. 

Muito instrumental, Mark the Graves tem foco em mostrar a força e delicadeza dos elementos utilizados na gravação. Um exemplo disso é a diferença – literalmente – gritante entre o início e o fim da faixa, alternando entre uma voz doce para uma bem rouca. Ela pode parecer um pouco entediante no meio, porém ainda é agradável de se ouvir. Já Drawbar é outra música com aspecto de ‘ponte’, nos levando para as canções finais, que têm uma pegada mais diferente do restante do disco. Mesmo sem vocais, ela nos mostra o resultado do experimentalismo dos últimos álbuns. 

Enquanto isso, Final Masquerade, último single do The Hunting Party, soa um pop rock à la Linkin Park. Além da letra mais romântica, que mostra uma desilusão, as cordas aparecem de maneira muito mais suave em comparação com o restante do álbum, mas fazem diferença ao trazer esse tom mais melódico. A bateria também tem grande destaque, e, nos momentos mais silenciosos da faixa, quem dá as caras são os efeitos sonoros em cima de instrumentos como o teclado. 

Para uma música de seis minutos e meio, A Line In The Sand é verdadeiramente apoteótica. Mike Shinoda se destaca, tanto rimando quanto nos vocais, dando um recado através da letra, lembrando que o karma não falha. Com efeitos eletrônicos bem encaixados entre o rap, há uma variação grande entre os ritmos durante a faixa e a gente pode ouvir: calmaria, gritos, rimas, solos de guitarra e a presença estrondosa da bateria. Inclusive, esses dois últimos instrumentos, rápidos da maneira que foram tocados, são os responsáveis por retomar esse ritmo totalmente contagiante. O rock pesado volta para encerrar a canção e o álbum com o melhor do que o Linkin Park pode dar ao público. 

Pela internet, a repercussão do disco foi positiva tanto entre fãs quanto com a crítica. Pelo lado dos admiradores, a satisfação se deve pelo retorno ao rock pesado que a banda fazia na década de  2000 – reclamação que era feita desde o álbum Meteora, quando o Linkin Park deu um tempo para experimentar novos ritmos e migrar momentaneamente para o EDM.

Nos charts, The Hunting Party estreou na terceira posição do US Billboard 200, ranking estadunidense, e conquistou o pódio na categoria Álbuns de Rock da Billboard. Os críticos culturais do jornal britânico The Guardian também elogiaram o trabalho da banda e a volta para suas origens mais agressivas, concedendo três estrelas de cinco para a produção. 

Após o experimentalismo das produções anteriores, a banda evolui e resgata suas origens, mas sem abrir mão da inovação que descobriram no meio do processo criativo. Quem realmente se destaca durante os 45 minutos de som agressivo é o guitarrista Brad Delson, que merece palmas por manter tão bem o ritmo contagiante durante seus incontáveis solos. Ainda que Kid Abelha diga em sua canção, Como Eu Quero (1984), ”solos de guitarra não vão me conquistar”, os desse álbum já conquistaram muitos. 

The Hunting Party é saudosista bem como inteligente; resgata o público antigo e mantém os fãs alinhados com a ideia mais voltada para o eletrônico/pop. É uma das produções mais pesadas da banda, tanto em sonoridade quanto em letras e, para quem é do rock, o disco é um chamado para gritar com o instinto mais brutal que existe dentro de cada um.

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Maria Vitória Bertotti 

11:58:20. O relógio do juízo final, criado em 1947 e atualizado em 2020, nos dá pouquíssimos minutos antes da meia-noite para repensarmos nossas atitudes antes do fim. Levados por essa simbologia, a banda californiana Linkin Park lançou, em 2007, o Minutes to Midnight, seu terceiro álbum de estúdio que chegou ao público após uma longa espera. Ao contrário dos dois primeiros discos, esse funcionou como uma rachadura, diferenciando com o experimentalismo, o som que a banda já estava acostumada a fazer há 15 anos.  

Conceituado como rock alternativo e nu-metal, ainda seguindo nos gêneros de costume, o álbum traz músicas semelhantes às de seu antecessor, Meteora (2003). Porém, inova ao incluir um tom mais eletrônico e melódico em algumas faixas. Na época, esse desvio de ritmos causou um alvoroço entre os fãs da banda, que alegavam uma transformação do Linkin Park “raiz”  em uma baladinha. Apesar dessa questão ter causado certa rejeição, a banda teve grande retorno no mercado musical com o lançamento de Minutes to Midnight em maio de 2007, apresentando as melhores vendas do ano e entrando em primeiro lugar no ranking Billboard 200.

De suas 12 faixas, Wake segue o modelo introdutório já presente no álbum anterior, porém mais longa desta vez. Ela apresenta o início da “revolução” tecnológica que o grupo propõe, com batidas agradáveis aos ouvidos e mantendo a bateria numa tensão crescente, que se dissipa ao final de seus quase 2 minutos. Com mais elementos, ela cumpre sua função transitória para o início das vozes e inova o conceito do Linkin Park. 

Em seguida, Given Up agita qualquer um que estiver sem ânimo. Sendo uma das únicas músicas do disco que possuem os famosos gritos de Chester Bennington, ela relembra a fase anterior à mudança, voltando às origens do Hybrid Theory (2000), sem muitas inovações. Com base no metal, a característica que mais se destaca é a presença marcante da guitarra de Brad Delson. Apesar de ter um tom mais agressivo no ritmo, sua letra ainda carrega melancolia; dessa forma, o screaming só serve pra colocar essa angústia e raiva para fora. 

Num conceito completamente diferente de Given Up, a canção Leave Out All the Rest pode ser comparada a um pop levemente triste, mas gostoso de ser ouvido. Trazendo um lado mais melódico e eletrônico, ainda acrescenta a orquestra de cordas de David Campbell, sendo a primeira faixa do álbum a introduzir a sonoridade de violinos e baixos. Mesmo que a música aborde um tema já recorrente, a depressão, ela inclui uma segunda pessoa na história, aquela a quem as lembranças seriam deixadas após a partida. Ouvi-la nos dias de hoje nos faz repensar sobre o legado de Chester, que, ao contrário do que escrevia, conseguiu deixar inúmeras razões para ser lembrado.

Com participação dos seis membros nas composições, a produção ficou por conta de Mike Shinoda e o convidado Rick Rubin – conhecido por atuar em discos de outras bandas famosas, como System of a Down e Slayer. Levando em consideração os recursos e a cena do rock alternativo na época, que já contava com vários nomes no nu-metal, do qual o Linkin Park foi precursor, a qualidade musical de Minutes do Midnight é excelente. E ainda, a parceria com Rubin estendeu-se pelos próximos dois álbuns, sendo determinante para o caminho que trilharam enquanto músicos. 

Contrariando as novas tendências experimentalistas, a faixa Bleed It Out é outra que relembra um som mais pesado, com o protagonismo contagiante da guitarra e do baixo de Dave Farrell. É a primeira a realizar uma pequena transição entre o seu final e o início da música seguinte. Além disso, ela estreou o rap do disco, que trouxe o ritmo necessário para embalar o público, sendo o destaque da canção apesar dos vocais serem agressivos e certeiros. O conjunto consegue transmitir o exato sentimento com que foi escrita: “Foda-se, isso dói, não vou mentir/Não importa o quanto eu tente”, ou seja, você pode estar mal, mas consegue seguir em frente, nem que seja na força do ódio. 

Já Shadow of the Day se assemelha ao pop rock, novamente tentando mostrar o lado bom da vida em meio à escuridão. Agradável aos ouvidos, mas sem muito para agregar: o famoso “só o básico”. O que a diferencia das outras é o efeito 8D de quase 40 segundos no final, proporcionando uma espécie de transe sensorial. Uma das mais memoráveis faixas do disco é What I’ve Done, que tomou grandes proporções após aparecer como trilha sonora no filme Transformers (2007), além de render a participação da banda em toda a trilogia. Com ela retornando ao rock alternativo, o single do álbum também está disponível no jogo Guitar Hero World Tour, justamente pelo destaque dado à guitarra – contando com um solo magnífico – e a aparição do teclado, que conduz certa leveza durante o decorrer da trilha. 

A outra canção em que Mike entra como rapper é Hands Held High, cheia de críticas sociais. Apesar de ter sido escrita uma década atrás, ela continua completamente atual, abordando com muita clareza e indignação a violência mundial e a intolerância religiosa. Novamente, o teclado e efeitos eletrônicos dão as caras, comandados por Joe Hahn, que faz um excelente trabalho ao acrescentar  vocais de coro de igreja ao ritmo da rima. É importante ressaltar, ainda, o apoio que a bateria de Rob Bourdon oferece para a composição dessa vibe espiritual. Hands Held High fala, sem medo, dos líderes demagogos e do estrago que causam na sociedade: “Quando o rico aposta na guerra, é o pobre quem morre”. É considerado o rap de maior valor para o álbum e um dos maiores da carreira da banda em questão de representatividade. A canetada de Shinoda foi certeira.

O single No More Sorrow esquece a sutileza e coloca tudo pra quebrar com mais guitarras e baterias de estourar os miolos. Os gritos de Chester marcam presença nessa música, onde o descontentamento com o sistema é explícito, estando corrompido por ganância e mentiras. O grito – “Ladrões e hipócritas!” – é a voz da população lutando contra o que há de errado. 

A falta de transição gradual entre uma faixa e outra é um dos erros cometidos no disco, já que canções super agitadas pulam para outras mais sossegadas. É o que acontece com Valentine’s Day: não recebe bem o astral da anterior e não repassa energia suficiente para a próxima. Tirando isso, ela é bem mediana, melancólica a maior parte do tempo e animada só no final, quando não há mais necessidade de ser. A intitulada In Between começa com um arranjo semelhante ao de uma marcha fúnebre, e continua nesse rumo. O que mais chama a atenção é que, partindo de sua metade, há uma sobreposição das vozes de Mike e Chester, formando uma bela sintonia até gostosinha de se ouvir. 

Em pedaços esfacelados e distantes do que o Linkin Park costumava ser, In Pieces combina o pop ao eletrônico, deixando o rock apenas no solo de guitarra do final da canção – o que acaba dando um toque especial na experiência. O beat relembra um pouco a icônica Breaking the Habit, do anterior Meteora, pela mixagem e semelhança de ritmos, mas não tem tanto sal pra ser um single – e por isso mesmo não é. Serviria como um ótimo hit de verão (e isso é um elogio). 

Para encerrar com chave de prata, a última música no lançamento global do álbum é Little Things Give You Away. Com efeitos do Mr. Hahn, a batida eletrônica mescla bem com o que lembra um violão, e ainda conta com a Orquestra de Campbell para abrilhantar ainda mais o instrumental, sendo a metade da faixa para o encerramento seu ponto alto. As cordas parecem imperceptíveis, mas criam a atmosfera melódica que se mistura perfeitamente às vozes intercaladas de Chester, Dave e Mike. Ela merece essa classificação por resumir a intenção da banda de inovar conceitos, mas peca por ser longa demais e atrativa de menos.  

Uma das injustiças de Minutes to Midnight é não ter incluído No Roads Left na edição padrão. A música bônus, também indisponível no Spotify, pode ser considerada uma das mais chamativas de todo o disco, mas só foi revelada ao mundo na edição de venda do iTunes. Ela é inteiramente cantada por Mike, que se desvencilha do rap e mostra muito talento como vocal principal. Foi produzida com strings em conjunto da guitarra, transformando a canção numa experiência única ao ser ouvida, e as cordas, apesar de estarem num segundo plano, fazem toda a diferença no resultado final. É uma pena que tenha sido, e ainda seja, negligenciada e deixada às traças dessa forma. 

Disponível no canal do YouTube da banda, o documentário The Making of Minutes to Midnight traz grande parte do processo de produção do álbum durante os anos que antecederam seu lançamento. Desde a composição das letras até a gravação dos instrumentos, o vídeo mostra além da Música, abrangendo o nível pessoal que o Linkin Park faz questão de imprimir em todas as suas obras. Além disso, a amizade e parceria entre os membros só deixou os fãs com ainda mais saudade dos seis juntos. 

Como fruto dessa vontade de mudança, a evolução da sonoridade foi alcançada com sucesso. Ao misturar elementos do lírico, rap e metal com os da Música eletrônica, é visível o esforço que o Linkin Park fez para sair da zona de conforto. Após gravar dezenas de vezes as mesmas faixas, a combinação dos ritmos com as letras reflexivas e críticas deu certo. As contribuições individuais também rendem elogios, como os encaixes perfeitos arranjados por Joe, os solos de Brad e Rob (que apesar de poucos foram inesquecíveis), o baixo de Dave e os vocais de Mike e Chester.  

Transitando de um rock mais agressivo para origens suaves, muitos fãs da época não curtiram nada essa inovação: queriam a antiga banda que fazia “som de verdade”. Ignorando as opiniões mais adversas, o disco até que envelheceu bem, tanto por parte do público que viria a gostar dos trabalhos, quanto por parte da própria banda, que conseguiu se desvencilhar do cansaço de replicar o mesmo som. Com poucas músicas realmente memoráveis, Minutes to Midnight ainda causa controvérsia nos riscas-faca do mundo todo.

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