Nathalia Tetzner

Mais do que uma cinebiografia, Sob o Céu Cinzento é um retrato fiel dos maiores obstáculos do exercício do jornalismo: a censura e opressão de governos autoritários. Não importa o país ou a cultura, em algum momento da história, todas as diferentes sociedades do mundo conviveram com a repressão sobre a imprensa. No caso do longa-metragem, acompanhamos a trajetória de uma jornalista bielorussa em busca de liberdade.

Pod Szarym Niebem (no original) se inspira nas vidas reais de Igor Ilyash e Katsiaryna Andreyeva, essa última, presa em 2020 por televisionar a brutalidade das Forças Armadas durante uma manifestação contra as eleições presidenciais na Praça das Mudanças, em Minsk, que resultou na morte de Raman Bandarenka. Com mudanças para adequar a narrativa às telonas, o filme integrou a 48ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo.

Dirigido e roteirizado por Mara Tamkovich, também jornalista, Sob o Céu Cinzento é sua estreia no audiovisual. Competindo na seção Novos Diretores na Mostra SP, a cineasta abusa um pouco do tom dramático mas faz um trabalho decente que perturba. É terrível sabermos que histórias como essa ainda ocorrem na atualidade e, provavelmente, sempre acontecerão. Afinal, o que é o jornalismo se não a busca por uma verdade que aterroriza os poderosos?

Com atuações pouco expressivas, a Fotografia de Krzysztof Trela se sobressai. Colocando em ação cores frias e angustiantes, que fazem mais pela criação de uma atmosfera sombria do que os atores, muitas vezes, presos em si mesmos. É difícil encontrar qualquer tipo de conexão entre o casal principal da trama, Lena (Aliaksandra Vaitsekhovich) e Ilya (Valentin Novopolskij), separados pelos altos muros do presídio ou não.

Embora tenha seus momentos de dramatização elevada que nem mesmo os atores principais conseguem acompanhar, Sob o Céu Cinzento traz uma denúncia alarmante sobre o passado, a atualidade e o futuro do jornalismo; profissão constantemente ameaçada por regimes totalitários. E, se visitar o passado ajuda a compreender e evitar os mesmos erros no futuro, o longa-metragem, ao menos, traz uma boa reflexão para o público.

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Nathalia Tetzner

Representando nas telonas o imaginário popular da região Sul do Brasil, Bicho Monstro fez parte da seleção da 48ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo na seção Novos Diretores. O diretor, Germano de Oliveira, coloca em perspectiva uma narrativa sobre o Thiltapes, um animal perigoso que vive nas florestas mais densas dos lugares ocupados por imigrantes alemães no país. Acontece que a ave sanguinária não é, nem de longe, o aspecto mais aterrorizante do filme.

Bicho Monstro é, inicialmente, cativante. No entanto, a dinâmica contemporânea do pequeno vilarejo segue sendo interrompida, da pior maneira, pelo passado. Entre a curiosidade de uma pequena garota no século XXI e a gana pela descoberta científica de um botânico alemão há centenas de anos atrás, o telespectador se enxerga confuso e dividido, sem conseguir compreender qual é a ligação entre tudo isso ou, até mesmo, o objetivo do longa-metragem.

Em meio a um cenário que dialoga muito com vivências no interior enquanto repele a audiência com contornos confusos de narrativa, nem mesmo o afago de vó consegue reprimir o sentimento de decepção que o Bicho Monstro causa. O roteiro, escrito pelo cineasta gaúcho junto de Igor Verde e Marcela Ilha Bordin, perde fôlego, ritmo, encantamento e o interesse do público quando desvia a atenção para flashbacks confusos que pouco dialogam com o presente do arco principal.

Com alguns outros aspectos técnicos em risco, como a óbvia regravação de falas na pós-produção, o filme brasileiro merece aplausos por se tratar de uma ideia interessante e relevante, principalmente por se tratar de um resgate de parte do imaginário popular. Porém, a execução, que deixa a desejar, também ocasiona um gosto amargo. Ao final, Bicho Monstro seria realmente incrível caso se apoiasse no passado apenas para compreender o presente, e não se perder em um caminho já trilhado anteriormente.

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Nathalia Tetzner

Não existe criatura mais honesta e transparente do que uma criança. Usufruindo dessa característica intrínseca dos ‘pequeninos’, o documentário Bangarang apresenta o cenário quase apocalíptico vivido pela comuna italiana Taranto e seus habitantes. Nessa película de tons alaranjados e muita poeira, todos os seres vivos são afetados pela poluição oriunda da Ilva, uma usina siderúrgica em atividade desde a década de 1960. Contudo, no universo do cineasta Giulio Mastromauro, apenas infantos e animais compõem as cenas.

A obra, que integrou a seção Novos Diretores da 48ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, retrata o abandono e descaso das autoridades com um dos maiores desastres ambientais e sanitários da história da Europa. Segundo o Instituto Nacional de Estatística (Istat), em pesquisa realizada em 2018, cerca de 1500 pessoas morrem por ano na cidade em decorrência de tipos de cânceres que, pela ciência, podem ser originados ou potencializados pela contaminação do meio ambiente. 

Dessa forma, a escolha de deixar a posse da mensagem nas mãos de crianças é, ao mesmo tempo, uma bênção e maldição. Entre muitas risadas e ‘dancinhas’ do TikTok, Mastromauro coloca nas telonas o microcosmo dos moradores mais novos de Taranto; um universo em que a ‘pancadaria’ é organizada pelas meninas e em que os dias sem vento são aproveitados ao máximo, uma vez que são impedidos de sair de casa quando a ventania dissemina ainda mais os dejetos da maior fábrica de aço do continente europeu.

Traduzindo em cores esse inferno na terra, Sandro Chessa faz um ótimo trabalho na Fotografia de Bangarang. É difícil não se sentir impactado pelas escolhas de perspectivas e tons que cercam os infantos na terra e os animais na água, ambos extremamente poluídos. Por outro lado, a montagem feita pelo diretor e por Cristina Barillari peca um pouco no ritmo e na inserção de depoimentos. Aos poucos, a paisagem, naturalmente exaustiva, fica ainda mais insuportável com a alternância entre muito barulho e contemplação.

Em resposta a uma pergunta feita pelo Persona, ao final de uma exibição na Mostra SP, Giulio Mastromauro e a produtora Virginia Gherardini comentaram sobre como as crianças que participaram do documentário reagiram ao assisti-lo. A dupla afirmou que foi exatamente como a ingenuidade retratada no longa. Todos são muito inocentes para compreenderem a gravidade em que se encontra o local, apesar dos ‘pequeninos’ terem, inconscientemente, representado muito bem a realidade cruel da província.

No entanto, embora não tenham, por hora, plena consciência crítica sobre a fábrica de aço – que além de destruir tudo e todos lentamente com a poluição, é também o ‘ganha pão’ de suas famílias –, as crianças sabem muito bem que “o TikTok acabou com nossas cabeças”. Ao som de falas audaciosas recheadas de gargalhadas, Bangarang age como Gonzaguinha na faixa O Que É O Que É?, do disco Caminhos do Coração (1982): “Eu fico com a pureza/Da resposta das crianças/A vida é bonita”. 

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Henrique Marinhos

Em competição na seção Novos Diretores da 48ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, Todo Mundo (Ainda) Tem Problemas Sexuais é uma Comédia que explora as delícias conflituosas dos relacionamentos contemporâneos. São quatro histórias que, apesar de independentes, se conectam por suas temáticas: trisal, anal, se apaixonar no ambiente profissional e com quem vamos ficar no final. O filme, dirigido por Renata Paschoal, brinca com as inseguranças e desejos humanos sem pudores.

A sequência de histórias tem uma pegada leve, mas nem sempre. Em alguns momentos, soa um pouco forçado, quando repete um estilo de piada muito perto da anterior, no entanto, na maioria das vezes, arranca boas risadas quando você embarca no tom do filme desde o começo. As situações nos deixam levar pelo ridículo das circunstâncias, nos identificando com aqueles momentos de vulnerabilidade que todos já passaram, mas preferem esquecer.

Não dá para esquecer que estamos falando da seção Novos Diretores – há sim alguns amadorismos na construção do filme. Por sorte, esses deslizes acabam dando um certo charme à produção. As atuações são ingênuas e deliciosas. Júlia Maggessi, ex-atriz mirim de Laços de Família, está aqui em sua estreia no Cinema e se destaca em meio a um elenco que mistura rostos conhecidos da Televisão e da internet, como Letícia Lima, Hélio de La Peña e outros atores novos, cada um trazendo uma abordagem única e divertida para os dilemas dos seus personagens.

O título Todo Mundo (Ainda) Tem Problemas Sexuais faz alusão ao original de Domingos Oliveira, Todo Mundo Tem Problemas Sexuais (2008). Mesmo depois de tantos anos, é engraçado (e um pouco amargo) perceber que os dilemas continuam os mesmos. Apesar de todo o progresso, ainda estamos presos aos nossos desejos, inseguranças e incertezas. No fim, os problemas amorosos e sexuais são universais e atemporais – e isso é o que torna o filme tão identificável e próximo de quem assiste.

Nesse, as quatro histórias são breves explorações de diferentes aspectos dos relacionamentos. A primeira trata de um casal que se torna um trisal – Sophia Abrahão interpreta a que chegou depois –, com óbvios sentimentos inesperados; a segunda traz à tona traumas e preconceitos íntimos; a terceira é uma aula sobre os efeitos da paixão na ereção; e a quarta fala sobre a busca por novas experiências antes do compromisso definitivo do casamento.

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Renata Paschoal nos faz refletir sobre as inseguranças e vulnerabilidades de qualquer relação, de um jeito leve – visão que, muitas vezes, esquecemos de ter. Potencializada pela montagem de Duda Benevides, as histórias prendem nossa atenção do começo ao fim, com uma troca ágil que mantém o filme com um bom ritmo, não há como não ficar curioso para o que virá a seguir. 

No fim das contas, o longa nos lembra que problemas amorosos e sexuais sempre existirão e que isso faz parte da jornada – a graça está em saber rir de nós mesmos. Mesmo que o humor às vezes seja um pouco demais, a honestidade da narrativa é o que torna Todo Mundo (Ainda) Tem Problemas Sexuais tão divertido e relacionável. Afinal, no jogo do amor, ainda estamos todos tentando descobrir as regras.

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Vitória Gomez

O Cinema, enquanto Arte, amplia horizontes. Seja ao apresentar pontos de vistas únicos que fazem o espectador pensar duas vezes ou retratar uma cultura diferente, entrar em contato com o desconhecido pode também ser desafiador. Na 47ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, A Sibila é um desses desafios para um público desavisado: o longa, presente na seção Novos Diretores do festival, adapta o romance homônimo de uma importante escritora portuguesa, Agustina Bessa-Luís.

No entanto, diferente de outros escritores portugueses, Bessa-Luís não virou leitura obrigatória no Ensino Médio ou nos vestibulares, e a adaptação de sua obra, tida por muitos como impossível de ser realizada pelo tom de monólogo, instiga o público a pensar em como a Literatura e o Cinema se constroem, se conectam e se sobrepõem (se é que o fazem). Em pouco mais de uma hora, Eduardo Brito, diretor estreante em longas-metragens, assume o desafio e questiona esses limites.

Assim como no livro, A Sibila se passa no interior de Portugal em meados do século XX, em um charmoso casarão rústico, com móveis de madeira, janelas altas e paredes amarelas claras. Nele, Germana (Joana Ribeiro), sentada em uma cadeira de balanço, conta a história da vida da tia, Maria Joaquina (Maria João Pinho) a um amigo. Quina, como a familiar era conhecida, foi a única das irmãs que não se casou e teve filhos e, por isso, criou uma afeição em especial com Germa (a sobrinha).

No entanto, como qualquer narrador, a mais nova tem suas opiniões e o monólogo em off não a deixa mentir. Porém, é através das farpas e dos comentários duvidosos proferidos pela sobrinha que o espectador analisa as situações, equilibrando o que se escuta com o que se vê. Nesse caso, o que se vê são as ações de Maria Joaquina, já que, passeando entre os tempos em uma linguagem cinematográfica dinâmica, o longa mescla a contação de Germa, no presente, às ações de Quina, no passado. A semelhança física entre as duas atrizes tornam a experiência ainda mais curiosa, ao, em um primeiro momento, tentar distinguir quem é quem.

Indo e voltando entre tempos da narrativa, mas sem sair da mesma sala da Casa da Vessada que foi herdada por Quina, A Sibila impõem um ritmo que frequentemente se contrapõem à narração. Enquanto a caracterização bucólica e a sensação de isolamento prevalecem entre ambos – essa segunda parte graças à fotografia de Mário Castanheira, que filma amplos ambientes internos e externos destacando a ausência de corpos -, a condução em forma de monólogo pede um passo atrás.

Isso porque a obra se constrói em um texto que parece tirado diretamente do livro base. Com uma língua afiada e um punho fechado, a protagonista reproduz falas literárias que fascinam pela riqueza de vocabulário e construções frasais únicas – embora afastem o espectador, que, pelo menos nas sessões da Mostra de São Paulo, não recebeu uma legenda adaptada para o português brasileiro e pode ter perdido parte da complexidade da narrativa. Tamanho é o floreio na escrita, em um roteiro também de Eduardo Brito, que é como assistir um filme narrado pelas irmãs Brontë ou Jane Austen – ou por Agustina Bessa-Luís.

Para além da condução, a narração e a atuação das duas protagonistas engrandecem o roteiro de Brito: desde o início, Germa retrata Quina de uma forma manipuladora, mas também extremamente esperta e resistente às adversidades de uma sociedade que a subjugava. Descrita como “possuidora de todo o puro enigma do ser humano”, na voz de Joana Ribeiro a mais velha ainda ganha tons de mistério, como se seus negócios nada secretos tivessem motivos alternativos por trás, uma espécie de feitiçaria. No entanto, o que se mostra na tela é uma Maria Joaquina simples, com desejos que não passam de ganância.

As dualidades vividas intensamente por Maria João Pinho retratam uma personagem solitária, que não se tornaria submissa a um homem apenas por convenção, mas que, pelo desejo por propriedades, jóias e outros bens materiais, afastou o afeto e comprava o amor da família. Germa foi uma das agraciadas: a sobrinha, uma criança curiosa e questionadora que se afastou da tia na infância, se reconectou com ela posteriormente. Na idade adulta, as diferenças – a mais nova foi viver na cidade e estudar artes, enquanto a mais velha defendia a vida no interior e os ensinamentos dos deveres de casa – criam uma relação magnética de admiração, mas também de ciúmes e ainda mais ganância.

A complexidade da protagonista ganha novos tons em sua relação com Custódio (Raimundo Cosme), criança moradora da Casa da Vessada antes de Quina herdar a posse do lugar. Adotado afetivamente, ele foi criado com a mesma sede por riqueza que ela. Porém, sob sua rigidez, se tornou um jovem ocioso e dependente, que, sem planos de vida, espera somente o testamento da mais velha. O filho adotivo, assim como os outros homens da trama – pais, irmãos e maridos – são os donos daquela Portugal arcaica e rural, mas, em A Sibila, a visão feminina de Germa sobre a tia a coloca em um local de superioridade ao gênero oposto: eles podiam ditar as regras no mundo, mas nas terras herdadas por Quina, especialmente no Casarão da Vessada, ela quem mandava.

Jogando um olhar sob uma Portugal patriarcal, A Sibila subverte uma lógica simplista ao retratar duas personagens decididas, cheias de nuances e defeitos (que podem tornar até difícil a conexão), mas sempre dispostas a bater de frente com quem fosse para conseguir o que queriam – inclusive, uma com a outra. Com um texto extremamente literário, o envolvimento depende da disposição em decifrar um idioma homônimo ao nosso, porém com poucos traços de similaridade prática. Em um exercício de como a linguagem cinematográfica pode corroborar com a adaptação literária, Eduardo Brito mostra que ambas Artes andam de mãos dadas.

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Davi Marcelgo 

Antes de estrear na direção, Su Qiqi foi co-produtora de obras prestigiadas, como Uma Nuvem no Quarto Dela (2020), vencedor do Festival de Roterdã na categoria de Melhor Filme. Agora, ela dirige, escreve e atua em Conversas pela Noite, filme selecionado para a seção Competição Novos Diretores da 47ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo.

Quando em um relacionamento, antes de dormir, os parceiros deitam-se para conversar sobre o dia, a rotina, acontecimentos e o que está na cabeça. Este momento sucinto é de suma importância para conectar casais e desafogar do caos cotidiano. Mas quando o momento desaparece e é engolido junto aos problemas, o que resta? 

Do mesmo modo, outros cineastas já responderam essa dúvida, à exemplo de Richard Linklater em a trilogia do Antes, que percorre as etapas de um relacionamento, a energia dos primeiros encontros, o amadurecimento e o esfriamento da paixão. Conversas pela Noite destaca esse momento longínquo que só acontece com amores que duram mais de mil e uma noites. 

O casal protagonista está há bastante tempo juntos, moram na mesma casa e tem uma filha, que ainda é criança. Qiqi, interpretada por Su Qiqi, está passando por um momento delicado na carreira, mas prefere não comentar com o marido porque tem medo que ele rebaixe seus sentimentos. Essa adversidade não merece tanta atenção assim. O marido Ma Yuebo é um poeta, tem facilidade de expressar os sentimentos, seja escrevendo uma poesia ou lendo junto a esposa, para que ela compreenda o que o assombra. Para ela, um carro em movimento é o suficiente para fazê-la vomitar e perder a noite de sono. 

No olho do furacão, o par não está mais em sintonia. Ao comer na mesa, eles se distraem com celulares e não se conectam entre os intervalos do trabalho, um dos poucos momentos que podem ficar juntos. Só se dispõem a falar após um almoço com amigos, em que discutem sobre diversos temas e acabam se tornando espelhos para Qiqi e Yuebo. Logo, descobrimos quais questões sobre a vida os incomoda nessa fase da vida: arrependimentos, o medo de não ter mais tempo para nada, tornar-se anacrônico. E como cada um deles enfrenta impasses: o marido legitima o lúdico, as poesias; a esposa se isola ou fala com outras mulheres.

O filme de estreia de Su Qiqi é cheio de marcas autorais que, junto à fotografia de Zhang Zhengan, podem já definir características da sua direção. Os planos longos sem cortes, o estilo contemplativo, as grandes linhas de diálogo e a aposta nas cores preto e branco para dar vida ao seu casal. As inclinações para contar a história são articuladas por uma consciência sobre unidade fílmica e como elementos funcionam em conjunto numa estrutura. 

Quando dedica tempo para passear e conhecer a casa, os espaços e os móveis, a diretora permite a familiarização do lar. Ao abandonar o colorido, Qiqi abraça um registro cru da vida adulta, que de repente a magia das borboletas na barriga já não batem mais suas asas. Unindo as técnicas com a temática de um coming of age da vida adulta, a diretora cria uma atmosfera inquietante, silenciosa e cheia de estilo que conclui numa estrada infinita, em que os protagonistas precisam atravessar para virar a página. Se a cineasta também seguir por este caminho, sua visão continuará promissora. 

Su Qiqi não dá a solução ou dicas de como superar fases difíceis, mas, assim como no título, Conversas pela Noite, os diálogos são foco central e moradas de alívio. É através dela que trama e desenvolvimento das problemáticas avançam. Esfriar a relação após tanto tempo juntos faz parte do jogo. A escritora e diretora mergulha seus personagens em diálogos que ultrapassam a noite e permite que o casamento veja mais uma vez a luz do dia. O casal continuará a passear por parques, cômodos da casa e estradas vazias até que consigam trazer as noites de conversa de travesseiro. 

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Guilherme Veiga

Estude muito, leia livros de negócios, invista em você mesmo, tenha educação financeira, trabalhe enquanto eles dormem. Com a proliferação dos coachs tal qual uma doença moderna, o discurso (e a falácia) da meritocracia estão cada vez mais em voga e iludindo milhões que acreditam que, ao invés de degenerar, o trabalho dignifica o homem.

No papel, nas palestras e nos podcasts, ele é lindo, mas também demonstra como uma certa parcela está totalmente descolada e alheia à sociedade da qual faz parte e das mazelas que ela carrega. É a partir desse cenário que Uma Vida de Ouro, documentário presente na 47ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, busca traçar um estudo de como a busca por uma vida melhor funciona na prática em uma região devastada pela miséria.

A obra conta a história Rasmané, um jovem de 16 anos que trabalha no garimpo artesanal da região de Bantara, em Burkina Faso. A produção é capitaneada por Boubacar Sangaré, diretor natural do Mali que aqui estreia em longa-metragens tratando de algo que lhe é muito próximo. Além de cineasta, Boubacar também é formado em Direito e, por mais que essas duas profissões muitas das vezes não conversem entre si, fica nítido como ele advoga por uma causa e desenha seu argumento com as câmeras.

Rasmané tem a idade perfeita para estrelar um coming of age, porém o longa faz questão de exaltar, retratando sua vida no campo de mineração, que parte importante de sua vida foi usurpada, ou sequer lhe foi dado o direito de vivê-la. O adolescente age, fala, se porta e tem o comportamento de alguém que há décadas está calejado pela jornada de trabalho, mas que, numa representação nada fantasiosa de Benjamin Button, está em um corpo de criança.

Essa filmagem é feita de forma muito passiva. O mensageiro não vai até a câmera explicitar a crítica como já estamos acostumados em documentários. Pelo contrário, usando do Cinema direto, Uma Vida de Ouro, através da fotografia de Isso Emmanuel Bationo, nos coloca como intrusos se esgueirando por aquela vida, como moscas que pairam pelo local. Desse modo, a narrativa diminui completamente o ritmo e nos coloca para contemplar a situação, seja nos planos tortos e não convencionais para retratar as pessoas, ou nos planos abertos para exaltar a paisagem que de tão inóspita, se torna bonita. E só quando também desaceleramos, que conseguimos pensar e captar a mensagem sem qualquer direcionamento da produção, deixando seus personagens puramente humanos, em um ambiente que a humanidade não tem peso e valor nenhum.

Essa escolha criativa incomoda até certo ponto e nos coloca no limiar de sempre pensar que aquilo, na verdade, é uma ficção sobre algo que ocorre no território africano, como foi Capitão Phillips e Beasts of No Nation. De fato a obra instiga tal dúvida ao máximo, principalmente com as tomadas extremamente bem filmadas nas incursões embaixo da terra, que conseguem transmitir todo o sufocamento da situação, sem abrir mão de uma composição muito bem elaborada. Porém, toda a jornada guiada pelo documentário tem uma recompensa no final.

Durante grande parte da produção, se assume que ela seguiu uma abordagem para contar a história. No entanto, a parte final serve para subverter a própria obra e trazer uma nova ótica para si. Se antes ela optava por não se envolver com seus personagens, agora está mais próxima do que nunca – e é aqui que percebemos que todo o cuidado e primor do documentário não era resultado somente do talento da produção, mas sim por conta de Sangaré também ter sido um adolescente do garimpo no passado. Se antes, o foco era falar com adolescentes da região de Bantara, especialmente Rasmané, que tiveram sua juventude transviada pelo ouro, agora ele conversa com cada um de nós, que precisou vender um pedaço de sua alma para um sistema.

Gonzaguinha já dizia que “fica com a pureza e a resposta das crianças” e é através das respostas delas que Uma Vida de Ouro evidencia que, nesse planeta perdido e assolado por (e pela falta de) dinheiro, algumas coisas brilham mais e tem a pureza mais valorizada do que a própria infância. Porém, o documentário não perde tempo remoendo culpa, pois o mundo cão é implacável e há sempre mais coisas para se preocupar, há sempre alguém para nos apontar o dedo.

Por isso, a obra conscientemente opta por apontar a câmera, sem julgamentos e sem indução, como se fosse o espelho mais nítido de uma parcela que nunca sequer teve um holofote para si. A produção é um zoom que alcança a alma e, através do microcosmo de seu documentado, consegue discutir um macro que importa a todos: o viver. E na pureza da criança que sabe que nem tudo que reluz é ouro, que entendemos que a vida, apesar dos seus contratempos, é cruelmente bonita.

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