Ana Júlia Trevisan

“Eu não quero mais saber de desamor”: Liniker abre Remonta, seu primeiro disco, lançado em 2016, sendo categórica e exteriorizando seu pedido de ‘basta!’. A cantora araraquarense de, na época, apenas 21 anos, não estava sozinha nessa viagem imersiva e sentimentalista. É ao lado da banda Caramelows, que contava com a voz de Renata Éssis, o contrabaixo elétrico de Rafael Barone, a guitarra de William Zaharanszki, a bateria de Péricles Zuanon, o trompete Márcio Bortoloti, as teclas de Fernando Travassos, as percussões acústicas de Marja Lenski e (ufa!) o saxofone de Éder Araújo; que Liniker dá luz às suas composições. O amor visceral é usado como a substância vital na construção do trabalho que transformou a artista numa das maiores representantes da dita Nova MPB.

A primeira aparição de Liniker e os Caramelows aconteceu em 2015. O trabalho que colocou a banda no radar de muitos brasileiros foi o EP Cru. Contando com três músicas, o trabalho deu uma palinha das emoções que transbordavam no coração da letrista Liniker. A sinceridade de suas composições fez dela uma das maiores revelações daquele ano. Seu deleite sentimental e suas experiências amorosas formam a ogiva que desemboca no intrínseco Remonta. O título do disco é verbo, é ato, é o reparo das feridas irremediáveis.

O processo de cura de antigas feridas necessita de uma volta ao passado. É entender que o certo pode ser turbulento e reconhecer cada uma de suas dores. Entre a ferida, o sangue e a aceitação, Liniker deu a mão a seu eu de 16 anos, e retornou à árdua tarefa de processar dúvidas e sentimentos. O trabalho começa com uma Intro que já ambienta o ouvinte no cenário arraigado que é criado para Remonta. A sequência é dominada pela faixa-título que narra o processo que a cantora está encarando sem medo nem amarras. Liniker não está enfrentando nada fácil, muito menos simples, está lidando com uma dor que atravessa e encara isso com sobriedade, e também com o bom humor de quem acredita que o pior já passou.

Liniker, enquanto eu-lírico, tinha todos os motivos do mundo para chutar o balde e sair gritando ‘inferno’ mas, escolheu manter o tom apaixonado, independente da história por trás da canção. Remonta vai além da intensidade romântica, Remonta é potência! Muito do que é transbordado nas músicas jazzísticas representa a vivência da cantora. A melhor parte do disco? Não tem rancor envolvido. É tudo encontro e desacerto nos altos e baixos da montanha-russa de sentimentos humanos, e a artista consegue transformar cada ferida, das abertas às cicatrizadas, em poesia. Sem Nome, Mas Com Endereço fala sobre momentos, enquanto Tua fala sobre sensações, e é nessa passagem ótica da existência sentida por vários ângulos e de maneiras mudáveis que Remonta se torna um álbum com a alcunha de imersivo e memorável.

No quesito sonoridade, a black music tem forte presença no disco. Um dos pilares de sua intensidade é a oscilação que Liniker faz entre o funk, o soul e o R&B. O maior representante da soul music no Brasil, Tim Maia, é referenciado nos versos do disco. Prendedor de Varal, que passou de bossa nova a groove, faz homenagem direta ao gênio em seu verso “E como já diziam/Não adianta vir com guaraná/Que eu quero chocolate”. Liniker e os Caramelows sabem ponderar os arranjos da banda e a voz rouca da cantora gerando assim o ritmo que compassa cada batida do coração apaixonado.

Na trilha do álbum, a artista encontra espaço para se remontar através das personas de Lina X e Louise Du Brésil. A primeira é dedicada à Linn da Quebrada, atriz, cantora e amiga de Liniker. Foi Linn quem ajudou Liniker no início do processo de transição, quando as duas moravam juntas em Santo André. Já a segunda imprime toda a feminilidade da artista com um jeito mais descontraído, mas com alto som. Remonta não precisa ser direto para ser um álbum político. Suas entrelinhas e as figuras por trás de sua concepção já deixam claro seu viés.

Ao entrar em um de seus pontos mais altos, descobrimos que a pessoa pra quem Liniker canta ainda é matéria viva, e presente. Por meio de sua poesia, a cantora concretiza cada dor e cada amor abstrato. Ela não tem o menor problema em olhar para a cara do cidadão e falar Você Fez Merda. Remonta é um álbum confessional daquelas experiências que Liniker viveu e decidiu não apenas guardar pra si e também das emoções que nós sentimos e decidimos não contar pra ninguém. Liniker e os Caramelows acalentam o coração, mostram apoio e oferecem o ombro amigo.

Próximo a findar a maré, os Caramelows ganham espaço exclusivo em Funzy. A faixa é o maior registro da presença da banda. A partir daqui, o álbum que já é intimista ao máximo desde seu início, entra em catarse absoluta. Em momento nenhum Remonta se traduziu a um copo meio cheio ou meio vazio, mas sim ao movimento da mudança e a sua própria companhia independente da maré.

Zero, a faixa mais íntima do disco, envolve e comprova que Liniker não tem medo de se revelar inteira por meio de palavras, e contar ao mundo qual o compasso de seu coração. Ralador de Pia carrega uma carga dramática cantada por uma voz calma, provocando uma viagem interna ao ouvinte. Ao mesmo tempo que Liniker coloca os consumidores de sua arte em uma posição de confronto consigo mesmos, ela afaga com seu otimismo. Isso nos livra de qualquer ansiedade que possa surgir durante o processo de imersão durante os quarenta e nove minutos de disco.

Remonta nasceu no mesmo momento em que o país começava dar seus primeiros sinais de retrocesso e conservadorismo. Mas para Liniker, o Brasil sempre foi um lugar hostil de viver. Mulher trans, negra, pobre e periférica, foi com batom forte, brincos grandes e turbante que Liniker conquistou seu espaço com suas letras emotivas. A artista se desnudou, cantou sobre o afeto que é tão negligenciado à mulheres negras e mudou a forma como pessoas trans são vistas no país. Desde o primeiro álbum, passando pelos os trabalhos sequenciais e chegando no registro solo Indigo Borboleta Anil e em Manhãs de Setembro, Liniker foi e continua sendo revolucionária.

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Ana Júlia Trevisan

Como continuar a carreira após um hit? Como produzir o segundo álbum quando o   primeiro conta com a música que estourou nas rádios e marcou toda a trajetória da discografia? Era nesse embate que os Los Hermanos se encontravam após seu disco de estreia ter emplacado Anna Júlia, a famigerada fim de festa que tirou o Grammy de Chico Buarque e, até hoje, é responsável por registros em cartório (vide a pessoa que vos escreve).

É em meio às brigas da banda, confusão com a gravadora e uma aliança fiel com fãs que, em 2001, nasce Bloco do Eu Sozinho, reforçando ainda mais a parceria musical entre Marcelo Camelo e Rodrigo Amarante, e marcando toda a escola de MPB unida ao rock alternativo construída pelos cariocas. Quebrando os próprios padrões, um dos discos mais importantes da música nacional alternativa foi criado e dita até hoje o rumo do gênero, servindo como fonte, direta ou indiretamente, dos trabalhos nacionais que o sucedem. 

Se no começo de Los Hermanos o rock se faz presente e memorável, em Bloco do Eu Sozinho a banda aposta na poesia com um leve toque de samba. Mesmo sem abandonar as guitarras e bateria, o álbum se desprende daquilo que havia sido proposto no anterior, não forçando a repetição da fórmula mágica dos singles que os levaram para as paradas nacionais e para os principais programas de TV. 

Solidão, términos conturbados, paixões, indiretas, são esses os cordões que o Bloco segue. Os sentimentos, tratados de maneira menos mercadológica, passam a sensação de liberdade em amplos aspectos. Se, em 1999, a primavera se foi levando o amor, em 2001 somos tomados pelas cicatrizes e traumas desse fim. As canções crescem conforme o álbum avança, e a melancolia envolvida aos sons do baixo se mantém do início ao fim.

Os instrumentos de Bruno Medina e Rodrigo Barba tem sua incontestável importância dentro da produção. Não é qualquer um que faz o trabalho de Barba, que tocou o samba miudinho na bateria. Mas, são Marcelo Camelo e Rodrigo Amarante que constroem toda a imensidão do disco. Juntos, a dupla divide as composições, guitarras e os vocais, que são a peça-chave do diferencial irresistível de Bloco do Eu Sozinho. É o desalento misturado ao amargo sabor da saudade e traduzida nos exatos arranjos que nos aproxima das lembranças de Los Hermanos.

Sentimental é a canção que melhor explica a tese. Marcada como um dos momentos mais tensos do álbum, a letra quase biográfica nos invade a cada belo verso melodramático e cresce exponencialmente até chegar em seu refrão, que é o grito dos sofridos e apaixonados. É na pergunta “Quem é mais sentimental que eu?” que fãs e artistas se misturam em um ser só. É a exatidão da música explicando aquilo que não temos palavras para definir.

A gritante ruptura de Bloco do Eu Sozinho começa logo em sua primeira faixa. Quem esperava por uma música seguindo todos os padrões do mainstream e  intitulada com nome feminino foi surpreendido por Todo Carnaval Tem Seu Fim. Nela, o rock, o indie e o ritmo carnavalesco se mesclam para formar uma das melhores canções da banda. Ela chega com os dois pés na porta mostrando para que o álbum veio ao mundo, encerrando toda a produção do disco de 1999 e declarando que, a partir dela, os instrumentais serão mais completos, complementares e melódicos.

Todo Carnaval Tem Seu Fim é seguida por A Flor, que, carregada de beleza, traz uma sonoridade diferente, reiterando a dedicação e a destreza que a banda teve em construir o Bloco. Os metais que abrem a música ajudam a composição da letra a explodir. O choque entre o coração de Marcelo Camelo e a razão de Rodrigo Amarante reverbera em seus versos nada sutis, que contam a história de uma desilusão amorosa. 

Após as duas canções deixarem suas digitais, quem ganha espaço é a absurda Retrato Pra Iaiá. Com sua simplicidade, ela é o primeiro respiro do álbum, trazendo uma melodia mais despojada, sem perder toda a beleza que é marca registrada de Bloco do Eu Sozinho. É essa tríade que abre o disco e prende o ouvinte de maneira intimista, dançando entre personalidades e fazendo brotar todos os questionamentos da dualidade entre presente e futuro.

O desamor também é decorrente do Bloco do Eu Sozinho. Assim Será e Adeus Você doem em lugares diferentes. A falsa superação de alguém que não consegue enganar a si próprio é um tapa na cara de quem se envolve na suave sonoridade das duas canções. Tão Sozinho traz o mesmo tema de forma mais drástica. A mão pesa no instrumental e o rock vem veloz e furioso. Aos que já estavam se sentindo viúvos de um bom barulho dos Los Hermanos, a música, que destoa do resto do álbum, é encarada como um presente. 

Mas é na leveza que o Bloco se encontra. A letra de Casa Pré-Fabricada revela toda a sensibilidade de Marcelo Camelo. De forma simples e direta, a guitarra serve apenas de adereço para a poesia da canção. Já no sambinha Veja Bem Meu Bem, o eu-lírico conversa diretamente com o ouvinte. Somos descaradamente trocados pela saudade, que ganha seu desprazeroso espaço causando uma quebra inesperada na letra da canção, reafirmando que o disco é composto por versos ímpares.

Com um álbum tão pessoal e de desagrado do mercado, o Los Hermanos não perde a oportunidade de criticar a indústria fonográfica. Cadê Teu Suin? é uma das mais sagazes da banda. Com uma letra rápida e recheada de jogo de palavras, a música pode soar estranha na primeira vez, mas ganha seu sentido quando conhecemos a história de Bloco do Eu Sozinho. Com a primeira versão do disco rejeitada pela Abril Music, os Los acertam em criticar o andamento insano da gravadora, que prejudica a originalidade dos compositores.

Os caras ainda fazem bonito e cantam alguns versos em francês (aposto um rim que essa foi ideia do Rodrigo Barba). Ok que o francês de Amarante beira a precariedade, mas a engraçada Cher Antoine é um alívio na porradaria emocional que o conjunto dessa obra representa. Mais uma Canção tenta lidar com todo o sentimentalismo de uma maneira mais sóbria. Os sopros quase esquecidos durante o álbum servem para acalmar a melodia dessa faixa, que conta a história de maneira literária e simbólica.

Para entender todo o dinamismo do álbum e o porquê dele ter mudado o rumo da Música brasileira em 2001, Fingi na Hora de Rir basta. A música sintetiza o jogo instrumental em letras românticas – com intenso toque sombrio – que é proposto nesse trabalho de Los Hermanos. Com uma composição que facilmente se encaixaria num samba, os arranjos não lineares e com forte apoio no baixo resumem a transformação provocada por Bloco do Eu Sozinho no dito indie brasileiro.

O que hoje entendemos como rock alternativo brasileiro – ou, até mesmo, como a nova MPB – deriva desse álbum carnavalesco melancólico, que completa seus vigésimo aniversário em um ano que não enchemos nosso corpo de glitter nem fomos para a rua, beijar e comprar quatro latas de cerveja por dez reais. É, mais uma vez, o destino gostando de ser poético com um povo sofrido. 

Los Hermanos criaram quatro álbuns distintos, fugindo da sonoridade das Primaveras e Anna Júlias. Cada trabalho da banda tem seus destaques com efeito de suas particularidades, e Bloco do Eu Sozinho conquista seu espaço por ser um disco definitivo da carreira. Quem decidiu acompanhar os Los mesmo depois desse álbum, fugiu das mesmices do rádio e presenciou a supremacia das rimas amorosas que influenciaram toda uma geração. Bloco do Eu Sozinho ainda é responsável por abrir as portas para aquele que é o melhor disco da banda: Ventura.

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