Victor Hugo Aguila

Após quase três anos desde seu último lançamento, Luedji Luna retornou ao mundo da Música fazendo jus ao termo “artista”. Lançado no fim de abril de 2025, Um Mar Pra Cada Um abarca as angústias e prazeres do amor – ou da falta dele. Expoente da nova face do MPB e marcando o jazz e o neo soul com sua própria identidade, a indicada ao Grammy Latino utiliza o disco como uma resposta às questões íntimas que podem atravessar qualquer um que permita revelar humanidade. 

O quarto álbum de estúdio da cantora mostra a genialidade em abordar questões tão latentes – e muitas vezes dolorosas – de maneira tão sutil e imersiva: é quase possível tatear a lírica na voz aveludada. Ainda que em foco, Luedji Gomes Santa Rita compartilha as faixas com nomes igualmente talentosos e permite que reconheçamos o talento brasileiro como ele é: visceral e estrondoso.

Desde seu surgimento, com a estreia do primeiro disco, Um Corpo no Mundo (2017), a artista sempre manteve a poesia viva em seu trabalho e se destacou enquanto liricista. Acalanto, por exemplo, se apresenta como um manifesto de autonomia, sabendo os lugares onde se cabe e como navegar pelo mundo diante de um modo controverso de enxergar a realidade. 

Mesmo que temas como afeto e autoconhecimento sempre sejam recorrentes em suas obras, a musicista se mostra cada vez mais madura. Entre seu lançamento oficial e sua versão deluxe, em 2022, o LP Bom Mesmo É Estar Debaixo d’Água (2020) demonstra aspectos fundamentais da natureza humana: o desejo, a sensualidade e como ambos se influenciam. Além disso, em quesitos técnicos, evidencia também sua versatilidade ao produzir canções com gêneros mistos, onde R&B contemporâneo, pop e eletrônica marcam presença. 

Em Um Mar Pra Cada Um, Luedji começa de maneira performática apresentando sua estética em tons frios e aveludados. Os visualizers de cada faixa representam a delicadeza de sua Arte ao mostrar animais marinhos ressoando suas formas e luzes em um ambiente escuro, fruto da pesquisa do biólogo Álvaro Migotto, algo presente também na capa do disco. Curiosamente, a transparência dos invertebrados dão pistas sobre o teor do álbum, onde a própria artista se despe de sua carapaça e se mostra cruamente a quem tem o prazer de lhe escutar. 

Todas as canções são escritas e interpretadas por Luna, que obtém sua inspiração a partir de como vive e percebe a realidade que lhe contorna. Para a Rolling Stones, a compositora esclarece que, instigada pela carência, ela busca curar suas versões passadas reconhecendo a divindade presente no fato de ser, acima de tudo, humana. A humanização de sua própria identidade configura sua tentativa de se olhar e reconhecer enquanto digna de um amor puro e real, que abarque não somente suas bagagens e demandas já existentes, mas que as transmute para um novo percurso, permanecendo concreto durante as turbulências e celebrando fielmente suas conquistas.

Resgatando sua temporalidade, o disco transmite a sensação de como é ser confrontado pelo novo: inesperado, excitante e até melancólico. A escolha de elementos que intercalam saxofone, baixo e percussão, por exemplo, mostra a riqueza das influências e seu talento para além dos vocais e composições, uma vez que também assina a produção das faixas. De maneira límpida, ela toca em um lugar de curiosidade, deixando o ouvinte com desejo de ser parte do estúdio apenas para testemunhar a criação da melodia. 

Trançando um quebra-cabeças, as delícias e controvérsias do apreço se fazem presentes no corpo do trabalho, nos mostrando como tudo tem retorno – ou não – no que tange aos envolvimentos da vida. Ainda que saibamos os possíveis danos, o prazer e o desejo carnal são mais fortes. Indo contra o destino e a própria racionalidade, a artista destrincha o início avassalador de uma paixão, mostrando como é a euforia em estar perto de quem se ama. Emoldurando sua voz com uma uma variedade instrumental palpável e doce aos ouvidos, estes se alinham perfeitamente ao desejo do que quer dizer ser íntimo, proposta central do disco. 

A intimidade em questionar a própria racionalidade em detrimento do sentir é algo muito presente nas composições e melodias de Luedji, o que nos torna espectadores de uma janela onde se enxerga o que é atravessar o mundo enquanto se é atravessado pelo desejo de encontrar alguém. A liricista transparece a ânsia de ter alguém no seu próprio tempo e como a ausência pode nos deixar, de fato, perdidos e quase loucos. É uma moeda de troca forjada na insegurança de nunca ter ou encontrar essa pessoa.

Para além dos percalços e desejos presentes no sentir, a musicista aponta a figura do amor como algo mais profundo, sendo o cerne de seu entendimento não apenas enquanto o de alguém que ama, mas como sujeito no mundo. Através dele, é possível encontrar o novo e transformá-lo em familiar. Ao amar alguém, este se torna um guia, e, como a artista mesmo diz, há a sede em assumir uma estrada que nos norteia, ainda que os medos se façam presentes. 

De maneira profunda – e até arriscada – é possível encarar o teor do disco também sob a ótica da sexualidade: querer deslizar sobre o corpo do outro, atravessando e conhecendo cada esquina. Delicadamente, Luna elabora como, em uma relação, as inseguranças ainda estão presentes, mas é necessário se permitir viver para que ela continue existindo. Ao ecoar que se mantém aberta, apesar de seus temores, ela mostra que, em alguns momentos, se perder na paixão é a forma de se encontrar. 

Ao longo de toda construção do álbum, Luedji retorna ao que já é conhecido, uma vez que regrava a canção Dentro Ali, presente em seu primeiro disco de estúdio, dessa vez em parceria com a britânica Nubya Garcia. Na música, é abordada a profundidade presente em cada processo de autoconhecimento e a importância de ser reconhecida nesse momento, principalmente quando deseja compartilhar o que sente com outra pessoa. Enquanto entoa o desejo de aceitação de suas demandas, sua voz é abraçada pelo saxofone fascinante da musicista, alcançando um efeito único e melhor adaptado.

Sem se perder apenas nas delícias do afeto, a baiana também destrincha o desejo de ser amada reciprocamente ao longo de seu trabalho. Partindo de um ponto político, as vivências e desafetos que atravessam seu corpo e o corpo de outras mulheres são pautados no disco de maneira enfática e sem eufemismos, onde recortes sociais são colocados enquanto marcadores para aprendizados profundos e pessoais. Brilhantemente, Luedji soma o coletivo não apenas como um lugar de reconhecimento e compartilhamento de experiências comuns, mas também como um ponto de cura. É no coletivo onde há também a presença da ternura. 

Aprofundando-se na lírica e em aspectos da intertextualidade, é possível estabelecer um diálogo entre as canções de Luna e as de outros artistas. Em Harém, a música, acompanhada da voz de Liniker, relata a experiência compartilhada que é inventar um amor em um local onde ele não existe. Ressoando o verso “Me diz quem eu sou na sua festa, hein?”, ambas discutem esse lugar de legitimidade. Paralelamente, o clássico do samba A Loba (2001), de Alcione, se encontra no mesmo lugar de confronto: é possível ser tudo que alguém deseja, desde que isso seja recíproco e verdadeiro, sem precisar recorrer à fantasia. Como a grande dama do samba mesmo canta: “Não nasci pra viver num harém”.

Nessa mesma ótica, Gamboa pode ser descrita como uma das metáforas mais lindas escritas por Luedji, pois mostra a sensação de alívio que é adentrar um mar que lhe abraça: na reciprocidade, se afogar torna-se um prazer. Permitir ter seu mundo explorado através da coragem em sentir é o tema central da canção, completando de forma brilhante o que Liniker, amiga pessoal da cantora, já havia incitado em Psiu. Ao cantar “Pra quem não sabia contar gotas, ‘cê aprendeu a nadar” na canção de 2020, a artista agora é respondida por Luedji que, com firme certeza, ecoa “Eu que já sei nadar, mergulhei fundo”.

Na parte final do disco, a junção de sopros está ainda mais presente, se destacando no trompete de Takuya Kuroda. Além de explorar mais sua potência vocal, Luedji traduz de maneira linda a tropicalidade e como é navegar pelo corpo de alguém que se ama: molhado, salgado e puro êxtase. Mais uma vez, ela nos narra como é delicioso se perder no mundo de outra pessoa. 

Culturalmente, é inegável o impacto da brasilidade no trabalho de Luedji Luna e vice-versa, visto que a artista destaca suas referências de maneira enfática. Explicitamente, é mister destacar a valorização da Arte brasileira em elementos como o belo trabalho de Luiz Melodia, renomado cantor e compositor carioca, ou a poesia de Beatriz Nascimento, nascida no Sergipe, ambos marcando presença no disco da soteropolitana. Fazendo releituras que se encaixem em sua identidade, a cantora empresta sua voz e sua genialidade para tornar o que já era valioso em algo inestimável. 

Engana-se quem acredita que, por ter o uso de inteligência artificial, o disco perde sua credibilidade. Extraordinariamente, a tecnologia somada à mente de Luedji resulta em uma combinação potente e surpreendente: a voz de Beatriz Nascimento lendo seus próprios versos. Mostrando a profundidade de seu trabalho, Luna resgata esse saber ancestral e demonstra a força de seu ofício, não apenas por valorizar a cultura no qual está inserida, mas também por ecoar vozes de grandes nomes que, por vezes, podem passar despercebidos ao longo das décadas. 

Para quem acompanha o trabalho de Luedji Luna, é notável um dos pensamentos principais da artista: amar o amor. Em todas suas nuances e processos, Luna nos mostra a força presente em se permitir ser vulnerável para outrem e para si. Um Mar Pra Cada Um é um afago no peito cansado e um brilho de esperança em como amar é, de fato, algo lindo. Nos dando um recado ao longo de toda sua rica carreira, é conclusivo aquilo que ela sempre nos ensinou: somos, de fato, nossa própria embarcação. 

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Henrique Marinhos e Leonardo Pulcherio

Tinashe é uma artista que nunca escondeu sua sede por autenticidade em tudo o que faz. Após dois projetos lançados de maneira independente, BB/ANG3L (pronuncia-se “Baby Angel”) é o primeiro disco da cantora sob o selo da gravadora Nice Life Recording Company desde seu rompimento com a RCA Records, em 2019. Logo ao se ouvir o projeto completo pela primeira vez, sua liberdade para explorar a Arte livremente é perceptível. O grandioso álbum de sete músicas tem apenas 20 minutos de duração e mostra um lado mais vulnerável da artista, desde a capa sem grandes edições até composições que se comunicam com o ouvinte de maneira mais íntima.

O sexto álbum de estúdio – e possível primeira de duas partes – traz o gosto de uma produção completa, algo que não tem sido visto nos últimos anos da indústria musical. Conceitos misteriosos e fechados, que refletem sobre algo – si mesma, nesse caso – em uma obra estratégica, não têm sido o foco das tendências à la TikTok das novas gerações. Com um passo além, a cantora ainda o relaciona com suas últimas produções desde a saída da RCA. Em Songs For You, ela trata dos diferentes estágios do luto após um rompimento ruim. Em 333, aborda a espiritualidade e manifestação para se curar e sair de um lugar sombrio. E o mais recente BB/ANG3L, abraça a regressão e a humanidade assumindo seus erros atuais e futuros.

O single escolhido para abrir os trabalhos do projeto, Talk to Me Nice, resume muito bem todo o conceito em um R&B alternativo com toques de hip-hop e neo-soul. A música de quase quatro minutos de duração remete aos primeiros projetos da artista, sendo construída em dois momentos que se complementam perfeitamente em uma batida sóbria, envolvente e pouco comercial, em que ela explora os tons agudos e graves da sua voz em uma densa composição sobre autopreservação e autoconfiança dentro de um relacionamento. No clipe, diferentes elementos são utilizados de maneira subjetiva – pele falsa, copos d’água e chuva cenográfica – para explorar o conceito de identidade e a interpretação de terceiros sobre si. 

Ainda que viajando por diferentes gêneros, Tinashe não deixou o bom e velho R&B de lado, que aparece de maneira mais familiar em faixas como Uh Huh – que ganhou um clipe no dia de lançamento do álbum – e None of My Business. Ambas as canções são as mais comuns quando comparadas às demais, mas ainda assim não deixam a desejar. Enquanto a primeira esbanja sensualidade em uma batida hipnótica, a segunda mostra os vocais avassaladores da artista, que canta sobre estar viciada em um amor tóxico.

Durante o processo criativo de BB/ANG3L, Tinashe não temeu se aventurar no diferente. Grande parte da produção do álbum é assinada por ela e pelo produtor Machinedrum, responsável por trabalhos de Azealia Banks, Arca e Tanerélle. Juntos, a dupla explora fortemente o drum and bass, que dá o tom para canções como a romântica Gravity e a cinemática Tightrope. Treason, também produzida pelo duo, é um mergulho em seus sentimentos e traduz quase que sensorialmente a angústia descrita na letra. Rápida e direta, a canção já é considerada por vários fãs a melhor faixa de abertura até então.

“Dirigindo sem faróis
Estou ultrapassando todos os sinais vermelhos,
Descendo uma mão única e errada
Não há ninguém assustado aqui
E eu já sei como isso termina”

O alinhamento com suas vontades e desejos tem sido o foco da mídia e de toda sua carreira desde o começo na RCA, e isso vai além de suas produções. Quase como em um diário, as escolhas de Tinashe nos permitem ver não só um trabalho, mas a beleza e nuances de quem o faz. Em uma clara ascensão, desde a crítica às paradas musicais, a independência e a propriedade artística a caem muito bem. No single Needs, que debutou no Top 100 dos Virais Globais do Spotify, a artista mostra confiança e desejo, sem se deixar levar por ninguém. Ela também exibe sua versatilidade como cantora, compositora e dançarina, em uma mistura R&B, pop e dance. Com uma estética urbana e colorida, o clipe é um convite para se divertir e se libertar em clássicas – e ótimas – cenas de um mercadinho estadunidense.

Desde seus primeiros passos na indústria, Tinashe se mostrava como uma grande promessa no R&B alternativo. Seu primeiro single oficial, 2 On, foi um hit nos Estados Unidos e ficou na 24ª posição da maior parada musical do país. Nessa mesma época, a cantora participou de colaborações com nomes como Usher e Britney Spears. Entretanto, o insucesso comercial dos singles posteriores fez com que sua gravadora a colocasse em segundo plano e mal promovesse suas canções. Foi um período de cinco anos até lançar o seu segundo álbum de estúdio que, com uma recepção morna da crítica e público em geral, marcou o rompimento definitivo da cantora com a RCA Records. A partir disso, Tinashe lança a sua própria marca e volta a ter controle da sua carreira.

O primeiro disco independente da artista, o Songs For You, lançado em 2019, além de aclamado pela crítica e fãs por misturar diversos gêneros musicais de maneira coerente, chegou ao topo do iTunes Albums dos Estados Unidos na noite de lançamento, sendo primeiro álbum independente a conquistar esse feito desde Blonde, de Frank Ocean, em 2016. Já seu projeto seguinte, 333, mostrava ainda mais a versatilidade da cantora, flertando como nunca com gêneros alternativos.

No ao vivo, Tinashe também não decepciona. Como headliner do festivaltnic GRLS! em São Paulo, em Março de 2023, ela fez questão de receber seus fãs todos os dias em seu hotel. Sua performance completa, com coreografia impecável, nenhum desafino e até mesmo trocas de looks foi amplamente elogiada por vários veículos. A experiência proposta pela artista marcou a vida de muitos fãs, que vieram até de Belém (Pará), para conhecê-la, cumprindo suas expectativas e aglomerando a estação Armênia em uma chuva intensa na volta, dando uma passadinha em um after na ZIG para cantar as mais injustiçadas.

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Desde depoimentos em entrevistas até letras autorais em sua música, passando por coreografias e outras formas de expressão, uma das muitas vantagens da Arte é a própria tradução de quem a produz e a identificação de quem a recebe. Em termos técnicos, e principalmente comerciais, a entrega de sinceridade e a oportunidade de espaço para experimentações soam quase como uma utopia no que diz respeito ao mainstream. E ainda que ser uma artista independente confira poder, liberdade criativa e empoderamento, de nada adianta sem a coragem – e claro, um orçamento.

“Quem somos em um nível essencial, quando estamos sozinhos – crus e sem filtros, é o que eu quero que este álbum reflita.”

Depois desses quatro anos, sua nova fase na Nice Life Recording Company até então parece bem confortável. Citada como uma das figuras mais promissoras da Música, o dono da gravadora também tece elogios merecidos aos seus últimos dois álbuns e a deseja boas vindas ao novo lar, que descreve como uma comunidade de artistas que se consideram oprimidos, citando, particularmente, a cantora como um encaixe perfeito que ultrapassa limites e derruba barreiras. Agora com mais apoio, uma equipe maior e mais liberdade criativa, BB/ANG3L marca o pontapé de um novo começo na carreira de Tinashe.

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Vinícius Santos

“Muito bem, então, estou pronta.” – assim Adele termina a primeira música do seu novo álbum, 30. Acontece que, além dela, ninguém mais estava preparado para o que viria por aí. Lançado no dia 19 de novembro de 2021, este é o quarto CD da carreira da cantora britânica desde sua estreia em 2008 com o 19. Aclamado pelos críticos, Adele contou à Vogue, em outubro, que a obra era sua maneira de explicar seu divórcio ao filho e estava muito perto de seu coração, dizendo que ela “não estava desistindo deste”.

Mas ela não mentiu acerca do 30. Não é atoa que a complexidade de cada emoção, as nuances de sua produção e os mais diversos sentimentos transmitidos em cada letra do álbum fizeram deste seu trabalho mais ambicioso até hoje. Você pode pensar que esse é um discurso repetido e eu te digo que não está errado. Porém, é de se admirar a forma como Adele se reinventa a cada novo registro e traz, sempre, um novo pedaço de si. Quanto ainda falta para conhecermos 100% de Adkins? 

Analisando todas as suas produções, até o momento, esta é a que carrega a melhor nota da carreira da Adele no Metacritic, 88. Anteriormente, a maior média tinha sido 76 com o seu segundo disco. Isso é um triunfo para alguém cujo trabalho lançado em 2011 foi um recordista de prêmios e recordes. Porém, enquanto em 21 Adele se esforçava para ensinar o mundo inteiro a chorar, em 30 ela abre sua alma e se divorcia, não só de seu ex-marido, Simon Konecki, mas também de si mesma. É isso que faz da cantora londrina uma das estrelas pop mais admiradas universalmente – ela entrega seu coração ao ritmo e impede que ele fique preso no passado, cristalizado em âmbar. 

Sendo assim, é difícil imaginar algo mais pessoal do que as bombas de empatia que Adele normalmente deixa cair. Essa individualidade, por assim dizer, se dá pela enorme participação da cantora na escrita de todas as canções do disco, sem exceção. Mesmo assim, ela contou com a colaboração de alguns produtores e compositores, como Greg Kurstin, Max Martin e Shellback, que, inclusive, fizeram parte da produção do seu terceiro álbum, 25, e alguns nomes novos como o compositor e produtor de filmes Ludwig Göransson e Inflo, além de uma forte inspiração dos rappers Tyler, The Creator e Skepta. 

Como declarou a própria Adele em resposta à uma fã em uma live do Instagram, esse álbum “é sobre divórcio, babe, divórcio” e só isso já ditou tudo o que poderia vir por aí. A cantora nos contou uma história mais inesperada sobre o amor, infligiu essa dor em sua família, reconstruiu-se a partir do zero e agora tenta amar novamente. A forma como a jovem de 33 anos interage com suas tradições e entra em sincronia com o pop contemporâneo, R&B e hip-hop, a ajudou a chegar quebrando recordes e se consolidando como o álbum mais vendido de 2021. 

Fruto de uma colaboração com Göransson, Strangers By Nature abre as cortinas para o que vai ser o show de Adele. Inspirada pelas canções de Judy Garland, a cantora sente suas relações passadas de uma forma tão dramática e desesperada que mais parece uma mistura de Somewhere Over the Rainbow com os choros de uma divorciada consolada. “Vou levar flores para o cemitério do meu coração”, ela lamenta. 

Em nome de Adele, do Senhor e de seu filho Angelo, Deus abençoe a sagrada Easy On Me, a balada de piano com uma abertura sublime e que mais uma vez prova que Adkins pode fazer mágica com uma única sílaba. Essa culpa e esperança de ser compreendida por seu filho, inclusive, rende um dos materiais mais ricos do disco. My Little Love é de longe o diamante bruto do álbum – ela inclui gravações particulares de conversas ternas na hora de dormir entre Adele e Angelo à medida em que eles se ajustam ao divórcio. “Você sente a dor do meu passado?”, ela pergunta, quebrando seu coração.  

Essa é uma das cinco músicas em 30 que se espalham além da marca dos seis minutos. Ao final da faixa, temos a versão de Adele em uma nota de voz crua onde ela admite que, pela primeira vez em anos, se sente realmente e verdadeiramente solitária. É difícil ouvi-la assim, alguém que é facilmente capaz de superar um poço de emoções, admitindo de forma clara que está quebrada e aterrorizada.

“Estou tendo um dia ruim, um dia bastante ansioso

Me sinto paranóica, me sinto muito estressada

Hum, estou de ressaca, o que nunca ajuda, mas

Eu sinto que hoje é o primeiro dia desde que fui embora que me sinto solitária

E eu nunca me sinto solitária, eu adoro ficar sozinha

Eu sempre preferi ficar sozinha do que ficar com pessoas

E sinto que, talvez, eu esteja compensando

Ao sair e coisas assim, para manter minha mente longe dele

E sinto que hoje, estou em casa, e quero estar em casa

Eu só quero ver TV e me enrolar em uma bola

E ficar de pijamas e coisas assim

Eu me sinto realmente solitária

Estou com um pouco de medo de me sentir assim sempre”

Depois de todas essas reparações e desculpas, Adkins traz o que já estávamos acostumados, com duas faixas pop mais curtas sobre relacionamento, novamente. A primeira, intitulada Oh My God, mostra um refrão viciante e prova que os tiques vocais de Adele podem fazer muito para caracterizar uma canção. Certeza que você também vai se imaginar dançando em uma festa alternativa e cult ao som dessa faixa eletrizante. Se pode Ed Sheeran, por que não Adele? 

Felizmente, podemos dizer o mesmo de Can I Get It, uma produção um pouco fora da realidade dos profissionais Max Martin e Shellback, e com um refrão que expressa um relacionamento mal compreendido. Isso não é surpresa, já que muitas das grandes canções desse meio tratam do mesmo assunto, ainda mais em um álbum que caminha rumo à declaração de um alguém que procura entender os fenômenos e acontecimentos de toda uma história melancólica. Esta foi uma tacada certeira dos produtores, afinal, em uma track list como a de 30, a faixa pode ser o pedido certo em algumas rádios pop e talvez até country.

Generosa, fundamentada e com uma letra abundante em clichês, I Drink Wine pode muito bem ser uma canção de bar, ou até mesmo confundida com alguma produção de Elton John. Carregada de fortes tons evangélicos e um memorando de voz introspectivo no final, Adele serve a mesma receita que parece ter dado certo para a famosa Take Me To Church, do músico e cantor irlândes Hozier. A canção abre com um verso sobre sua infância como um meio de perspectiva sobre como ela se afastou de si mesma.

All Night Parking aparenta ser, para 30, o mesmo que Sweetest Devotion foi para o 25. É uma canção legal e que carrega bastante significado, mas parece que será esquecida no churrasco. Com humildade, Adele aterrissa firme e deliciosamente em uma melodia que acalma a alma – “Eu sei que é difícil, mas não é”. Já em Woman Like Me, ela veste um tom mais sério e amoroso em um neo-soul lentamente desabrochante, e acaba revelando mais sobre suas próprias prioridades. “A complacência é o pior traço a ter, você está louco?”, canta em uma voz baixa e segura, com uma pitada de decepção. 

Sobre Hold On não se tem muito o que falar. A faixa é mais uma das que se estende por mais de 6 minutos e é incrivelmente perfeita. Ao ouvir o álbum, você pode acreditar que a canção tem como objetivo o clímax emocional do 30, porém essa honra pertence à aclamada To Be Loved. Mais do que só uma música, a oração carrega uma performance vocal avassaladora, bem como All I Ask, do antigo 25. Aliás, ela declarou que não a performará ao vivo e que só a cantou algumas vezes, incluindo uma gravação de vídeo onde o poder de sua voz distorce o áudio. 

Co-escrita com Tobias Jesso Jr., To Be Loved é cantada para um Angelo adulto como uma explicação do porquê do casamento dos pais não ter funcionado. Adkins é no início digna, depois desesperada para transmitir os altos riscos do amor, e a performance é uma maravilha de controle e fraseado que faz comparações com as grandes como Whitney e Aretha. Isto é o que Adele faz de melhor: cria um mundo de sentimento a partir de pouco mais do que sua voz e depois o leva à beira do abismo. Ela é sábia o suficiente para oferecer um travesseiro suave com a faixa de fechamento Love Is A Game. Mas agora o dano já está feito!

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