Raquel Freire

Tudo o Que Respira começa com uma paisagem escura enquanto uma câmera se move sobre o solo repleto de lixo na cidade de Nova Deli. Enquanto outros animais se espreitam no fundo, a imundície da rua serve como alimento para os ratos que se apressam em uma moldura desfocada, e o barulho que eles fazem fica mais alto à medida que mais deles se alimentam. Ao que o ruído faminto cresce em volume, os faróis dos carros ficam mais brilhantes à distância – um sinal de humanidade que impacta diretamente a existência deles, e a cena termina ao passo que é dominada pela ultrapassagem de uma luz branca. Essa é apenas a primeira de muitas imagens de tirar o fôlego que estão presentes no mais recente documentário de Shaunak Sen.

Sen foca no cotidiano de Nadeem Shehzad e Mohammad Saud, dois irmãos que têm dedicado duas décadas de suas vidas ao cuidado de aves feridas, especificamente daquelas conhecidas como milhafre-preto. Nova Deli é uma das cidades mais poluídas do planeta e a presença da indústria, juntamente com o processo de urbanização, são fatores que afetam profundamente a vida selvagem. Com a qualidade e a visibilidade do ar extremamente impróprias, os milhafres foram obrigados a se esforçar para fazer o que nunca exigiu esforço: voar. O diretor enquadra regularmente as aves contra uma nuvem de fumaça ou uma paisagem urbana coberta pela névoa, de forma a tornar essa situação tão visível como observar um animal que se afoga.

O destaque do documentário gira totalmente em torno da direção e fotografia. Tudo o Que Respira não é uma produção tradicional sobre a vida selvagem ou sobre a mudança climática e não conta com a presença de especialistas nem com fatos dispostos na tela. As informações obtidas sobre a situação dos milhafres vêm de Nadeem e Saud, que enfrentam seus próprios desafios ao mesmo tempo que tentam permanecer alertas em uma região do mundo cada vez mais tensa quando se trata de questões sociais, políticas e de classe. A obra entende profundamente que cuidar de tudo o que respira não é tão fácil quanto uma boa intenção faz parecer. Muitas vezes, o cuidado requer sacrifício e compromisso intensos; apesar de tudo, isso não é uma tarefa impossível.

Durante todo o documentário, os diretores de fotografia Ben Bernhard e Riju Das fazem uso da técnica conhecida como cinéma vérité, ou cinema verdade, que combina a improvisação com o uso da câmera para mostrar a verdade ou enfatizar assuntos que se escondem por trás da realidade. Além disso, All That Breathes (no original) é formalmente projetado em uma horizontal, para que se possa ver panoramicamente o que acontece quando toda a natureza se reúne ao nível da rua. Essa junção faz com que aquilo que está sendo observado dê lugar a algo a mais, seja em primeiro ou segundo plano, enfatizando como, em nenhum momento, é insinuado uma hierarquia de importância entre o trabalho de Nadeem e Saud e as crises enfrentadas pelo país, como a poluição crônica do ar e a crescente violência islamofóbica.

Sendo o primeiro a ganhar o prêmio de Melhor Documentário tanto em Sundance quanto em Cannes, não é de se surpreender que a direção de Shaunak Sen esteja na disputa pelo mesmo reconhecimento no Oscar 2023. A House Made of Splinters, All The Beauty and The Bloodshed, Navalny e Vulcões: A Tragédia de Katia e Maurice Krafft são os longas que também buscam levar a estatueta dourada para casa. Apesar de não ser o favorito ao troféu, os poéticos 96 minutos de duração de Tudo o Que Respira são essenciais e de extrema importância na medida em que uma história micro é utilizada para fazer uma crítica relevante e valiosa sobre um contexto macro.

Há muitas boas razões para que o documentário seja considerado como um dos melhores lançados no ano de 2022. A obra leva seu próprio tempo para passar por todo o conteúdo apresentado, e a paciência de Sen é essencial para capturar momentos tão mundanos (e tão bonitos) que fazem da obra o que ela é. Apesar do esgoto que inunda o chão dos irmãos e a ameaça de uma guerra nuclear que ecoa das televisões, o longa se mostra como um retrato vivo de que a vida deve continuar. E continua, deixando uma faísca de esperança sobre o futuro, no que eles continuam a marchar e resgatar aves que caem do céu.

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Raquel Dutra

A metamorfose de Filho das Monarcas é sugerida desde sua primeira cena. Quando um pesquisador curioso rompe cuidadosamente o casulo de uma borboleta logo antes de uma voz ancestral explicar um dos muitos significados atribuídos àquele processo, Alexis Gambis sussurra ao público da 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo que sua história existirá em algum lugar entre as ideias de modernidade e tradição, ciência e arte, natureza e tecnologia, relações e separações, mudanças e raízes.

O gancho de Filho das Monarcas – e apenas ele – é simples: a obra relaciona os significados do processo migratório de uma espécie de borboleta repleta de sentidos para a cultura latino-americana com as experiências e ciclos da existência humana. O vetor dessa transmutação narrativa é Mendel (Tenoch Huerta Mejía), um biólogo mexicano vivendo em Nova York que precisa retornar à sua cidade natal, situada nas florestas de borboletas de Michoacán. O motivo é dizer adeus à sua avó, que foi responsável pela criação dele e de seu irmão Simón (Noé Hernández) depois da morte de seus pais em uma enchente de uma mina na região, e a consequência é enfrentar traumas do passado e lidar com o desencadear de uma profunda reflexão sobre sua identidade.

Como alertado, a história de Filho das Monarcas (Hijo de Monarcas, no original) traça um rumo ao contrário do que é esperado em obras do gênero. Antes de contextualizar a vida de Mendel como pesquisador e imigrante na metrópole estadunidense, para desenvolver gradativamente o nosso conhecimento sobre o personagem a partir de um ponto de partida, o filme nos coloca primeiro diante no momento delicado que ele vive em seu núcleo familiar, gerando um incômodo narrativo que harmoniza perfeitamente com o efeito que o filme mantém até o final.

A escolha de Filho das Monarcas em mostrar primeiro os traumas do protagonista para depois apresentar a forma como ele segue a vida apesar deles é o que fortalece seu impacto. Seja na interpretação fascinante que Mejía faz do complexo Mendel (vista nos momentos de conflitos da relação com o irmão e nas interações dele com os demais familiares e amigos) ou na riqueza metafórica do roteiro de Gambis (que atinge seu ápice quando ele faz o personagem tatuar borboletas nos braços usando a própria tinta de uma delas), a dimensão psicológica do protagonista não é nada sutil ao público, mas parecem ser despercebida pelos personagens do filme.

Assim, Filho das Monarcas é (des)orientado por paradoxos. Indo de uma aproximação com uma estética documental até flertes com o realismo mágico, a produção detém uma linguagem experimental e muitos cantos poéticos de reflexões sociais, filosóficas, culturais, artísticas e científicas. O encanto das imagens sobrevoa o peso do roteiro, que tenta se encaixar na leveza de seu elenco. E se a fotografia de Alejandro Mejía perde o fôlego nas paisagens naturais, não demora a recuperá-lo na observação controlada das borboletas em microscópios, enquanto a trilha de Cristóbal MarYán persegue um som que liga melodias eletrônicas e tecnológicas à harmonias acústicas e clássicas.

A fascinação do cineasta venezuelano pelos contrastes aparece também de forma mais direta no filme. O fio narrativo não é linear nem no tempo presente, e à sua construção temporal, Filho das Monarcas ainda mistura flashbacks repentinos. Neles, a obra ilumina a infância de Mendel com uma criança doce e curiosa, que incomoda seu irmão mais velho com algumas questões mais difíceis da vida. 

Então, de repente, saímos da frieza nova-iorquina para tomar parte de mais um rito de luto da família de Mendel, onde ele ainda encontra tempo para trazer o tema da imigração que é indissociável da história em críticas ao governo de Donald Trump. Não contente em compreender um mundo em 97 minutos, o filme também adota num ritmo lento, apostando alto em sua experiência.

Mas pelos ciclos de Filho das Monarcas, vale a pena esperar. É fato que o filme tem dificuldade em coordenar tantos elementos temáticos, narrativos e técnicos, mas – sem desfazer a graça de identificar as metáforas da obra – não existe outro processo a ser adotado diante de uma história repleta de poder figurativo além de abraçar tudo num casulo e observar a sua evolução.

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Vitor Evangelista

O efeito Netflix alavanca produções, populariza obras e abre espaço para um reconhecimento, tanto de crítica quanto de público, que seria impensável fosse qualquer outro nome envolvido se não a gigante de streaming. Sem trajetória em festivais, Professor Polvo vem arrematando elogios e congratulações desde que foi lançado. O documentário, focado na amistosa relação entre um mergulhador e uma polvo-comum na África do Sul, sensibiliza, mas deixa de lado seu papel de conscientização e respeito, largando às traças a responsabilidade do Cinema.

Craig Foster era um homem desiludido com a vida. O cineasta, que aqui atua como protagonista e tem seu nome creditado na indicação ao Oscar, guia os noventa minutos de rodagem quase que com apenas sua voz. Narrando sua rotina depressiva até o primeiro encontro com a polvo, que não ganha nome próprio para não ser ainda mais humanizada, e desenrola em cima da longa relação entre eles e a construção de um vínculo que ultrapassa os limites entre homem e natureza. 

Enquanto desbrava aquela área selvagem e populosa, o mergulhador registra o que pode, filmando sequências tão bonitas que soam sobrenaturais, registros poéticos do ciclo da vida aquática, que Foster gentilmente se refere como ‘a floresta’. No âmbito estético, My Octopus Teacher (erroneamente traduzido no masculino) é show de bola. Cada enquadramento (departamento comandado por Roger Horrocks) daria uma bela capa do caderno Tilibra de 10 matérias para começar bem o ano letivo na oitava série. Mas o buraco é mais embaixo.

Despreocupado em estudar o animal com atenção, ou melhor, em relevar esse estudo para quem assiste, Craig Foster continua cavoucando o Oceano até a polvinha ganhar a confiança dele e vice-versa. O aspecto turista do filme glamouriza a vida marinha e o ecossistema representado, dando a entender que qualquer um pode comprar uma bomba de oxigênio e a Canon mais potente e desatar a mergulhar para encher os pacovás do polvo alheio.

Não que Professor Polvo tenha qualquer obrigação ética e moral de dar aula sobre os temas, a ironia do título está ligada ao caráter egoísta de seu protagonista (e não se engane, o polvo está no nome, mas a rodagem é inteira sobre Foster). As ’aulas’ ministradas são para o homem: o animal se machuca, mas é o mergulhador que sente a dor; o animal se estressa, mas quem sai de cena bravo é o humano. É como se Foster quisesse gravar sua própria cinebiografia mas, sem exercer qualquer papel relevante para tal, resolveu contextualizar tudo usando a figurinha carismática do polvo.

Assistimos a um verdadeiro drama de Craig Foster, motivado e potencializado às margens ilustres do animal, que só está tentando viver sua curta vida numa boa, mas continua sendo objeto de fascínio e auto adulação. Falta material para documentar o ciclo da vida do polvo, falta pesquisa e falta foco. Professor Polvo se finaliza nos contando que Foster não mergulha mais sozinho, e agora fundou uma organização que luta pela proteção da região, mas sem nunca impedi-los de lucrar em cima dela, aparentemente.

Tratando de maneira tão simplória do tema da vida selvagem e do humano intervindo no mundo animal, é de se espantar que o filme esteja rapando todos os prêmios que teve direito. Depois de surpreendentemente vencer o Sindicato dos Produtores, o dos Montadores e o BAFTA, Professor Polvo se encaminha para a glória do Oscar, em uma categoria recheada de temas sociais relevantes, representatividade frente e atrás das câmeras e, honestamente, em uma seleção de documentários que respeitam seu formato, caráter e alcance, ricos em informação, opinião e melhores desenvolvidos.

Olhando o cenário do ano passado, com 4 potentes filmes diversos e a escolha de premiar o único estadunidense metido a besta do bando, 2021 tem os mesmos princípios nas mangas. Entre uma denúncia jornalística na Romênia, uma investigação sobre a velhice no Chile e dois filmes dos Estados Unidos que lidam com a comunidade negra e com a comunidade das pessoas com deficiência, é claro que o Oscar penderia para glorificar o documentário que amacia o ego de seu realizador, enquanto emociona o público com registros naturais dos animais selvagens. Na verdade, não há surpresa alguma no previsto resultado.

O trabalho de Pippa Ehrlich e James Reed na direção e no roteiro não é de todo negativo, já que o filme oferece doses cavalares de ternura e medo, com foco nas sequências em que o polvo luta por sua vida e se salva por um triz (pelo menos três vezes), nos colocando no banco do motorista, ou no kit de mergulho ao lado, nessa jornada impressionável. O porém está na motivação, que poderia de fato mergulhar nas vivências do bichinho e deixar a emoção se erguer naturalmente, mas Professor Polvo opta pela fabricação datada de carinho, apreensão e de falsa simpatia, o que é uma pena.

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Gabriel Brito de Souza

A dona da voz suave e encantadora que nos acompanha em MUSIC FOR THE FELLOW WITCHES OUT THERE é Aurora Aksnes, mais conhecida apenas por AURORA. A cantora, compositora e produtora norueguesa, iniciou sua carreira em 2012 com seu primeiro single Puppet, mas foi em 2015 que realmente estreou na indústria musical com Runaway, alcançando um milhão de streams no Spotify do Reino Unido, e Runaway with The Wolves, que após seu lançamento disparou nas rádios locais, recebendo atenção principalmente pela BBC Radio. Agora em seu atual projeto, AURORA está complementando sua discografia com o mais novo EP de compilados de sua trajetória.

Após seus primeiros singles emplacados, a cantora chegou a participar de grandes festivais musicais como Lollapalooza e Coachella. Além de já ter lançado três álbuns gravados em estúdio e que foram bem recebidos pelas críticas dentro do gênero indie, sendo All My Demons Greeting Me as a Friend (2016), Infections of a Different Kind of Human – Step 1 (2018) e A Different Kind of Human – Step 2 (2019), quais os dois últimos fazem parte de um mesmo projeto, mas que foram divididos em títulos diferentes. Fora esses grandes feitos, AURORA conta ainda em sua carreira com seis prêmios e participações em trilhas sonoras, como para a novela brasileira Deus Salve o Rei em 2018, com o cover da música tema Scarborough Fair, e em Frozen II, onde cantou junto com Idina Menzel a faixa Into The Unknown.

Em 2020, a cantora lançou o single Exist for Love, que será a faixa principal do seu quarto álbum ainda em produção. Porém, em meio aos processos criativos para seu próximo disco, com previsão para lançamento em 2021, a artista está trazendo ao seu público um novo projeto que conta com EPs temáticos organizados pela mesma. Segundo AURORA, o compilado de suas produções estão seguindo um vínculo que há entre elas, são como músicas irmãs, que de alguma forma estão conectadas por seus significados e elementos espirituais.

O EP MUSIC FOR THE FELLOW WITCHES OUT THERE é a primeira coleção feita por AURORA e descrita em live como um convite às almas livres para celebrarem juntas os elementos místicos da natureza e do luar. O primeiro single, Soulless Creatures, é uma das músicas favoritas da cantora, onde retrata a mãe Terra pedindo para a humanidade a chance de prosperar novamente após tanta exploração, o que a cada batida nos faz sentir sua súplica ficar mais intensa e tocante. A próxima canção, In Bottles, é uma continuação da história contada em In Boxes, que relata a vivência incompreendida de uma mulher solitária em busca de companhia, questionando sobre a tristeza e a solidão que há em nós.

A faixa seguinte, Soft Universe, discute sobre as dores de viver nesse mundo, mas que com o amor podem ter seus pesos sobre nós aliviados, transformando-se em um universo suave e adorável. Já em The Seed, AURORA nos alerta em uma melodia forte e agressiva sobre a ganância do homem e de como a Terra está morrendo a cada dia mais, impactando com o refrão que faz referência ao provérbio indígena: “quando a última árvore for cortada, o último peixe pescado, o último rio envenenado, só então perceberemos que não se pode comer dinheiro”. Ainda em tom de crítica, o single Churchyard fala sobre alguém poderoso que usou seu poder de forma errada fazendo mal às pessoas, mas que assim como todos nós em vida, no final terá que lidar com o karma de suas ações, nos lembrando que o mal é um péssimo caminho a ser seguido.

Para finalizar esse compilado, a faixa All is Soft Inside é um depoimento pessoal da cantora, onde descreve um momento da vida em que se sentiu indefesa, mas que, com apoio e ajuda, as barreiras do medo foram quebradas revelando seu  verdadeiro interior e entendendo sua vulnerabilidade. Essa música, em principal, é uma das características que ela sempre buscou trazer para seu público, pois pensamos que as pessoas que admiramos são sempre fortes, mas às vezes nos esquecemos que elas também são humanas e tem suas dores. Ao longo deste projeto de EPs, AURORA expande ainda mais a sintonia que há entre suas produções e conosco, seus ouvintes, nos lembrando que cada música tem para si um significado pessoal e que nos auxiliará como guia para a luz e o amor.

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