Jhenifer Oliveira

Wicked: Parte II, um dos lançamentos mais esperados do ano, chega às telonas trazendo o desfecho da história que marcou a Broadway e encantou diversas pessoas em sua adaptação para o cinema. O diretor Jon M. Chu, que transformou Wicked – Ato I em uma das experiências cinematográficas mais arrebatadoras de 2024, agora amplia esse triunfo em 2025 ao explorar o espetáculo com mais profundidade emocional e maturidade estética.

A sequência chega um ano após o primeiro, que conquistou o público com seu impacto visual e emocional, e garantiu duas estatuetas no Oscar. Esse legado brilhante cria um cenário de expectativas que se torna o ponto de partida do novo filme, exigindo que a continuação não apenas corresponda, mas também expanda o que já havia sido feito.

É justamente nessas esperanças que o trabalho de Jon M. Chu se sustenta. No segundo longa, o diretor tem o grande desafio de se manter fiel ao espírito da peça original e ter a audácia visual para reinventar cenas icônicas. A iluminação nos efeitos (Alice Brooks), a encenação dos números musicais e a paleta cromática dos personagens são monumentos essenciais para dar sensação de profundidade e carga emocional que a narrativa carrega. Nesse sentido, a equipe de direção de arte (Jordana Finkel e Sarah Ginn) se destaca ao unir a magia do espetáculo ao vivo com a ambição estética das produções atuais.

Enquanto a direção concentra esforços no espetáculo visual, são as atuações de Ariana Grande e Cynthia Erivo que realmente sustentam a dimensão emocional que o filme tenta alcançar. A construção de suas personagens é retratada com tanta precisão que se torna difícil dissociá-las das artistas por trás dos papéis. Ao longo da obra, a conexão e intensidade que as duas expressam é genuína, fazendo com que o público se sinta tocado a cada cena compartilhada. Ambas possuem energias e posturas diferentes, mas que se completam para dar realidade ao papel de Glinda e Elphaba. Não por acaso, elas foram indicadas no primeiro filme ao Oscar de Melhor Atriz e Melhor Atriz Coadjuvante.

A trilha sonora (Stephen Schwartz) funciona bem ao resgatar faixas icônicas como No Good Deed e For Good, porém o excesso de números musicais torna o desenvolvimento cansativo, já que algumas sequências poderiam ser melhores como encenações contínuas. Em partes, isso é por conta da adição das músicas No Place Like Home e The Girl in the Bubble, compostas especialmente para o longa, que surgem para suprir momentos dramáticos. Já Thank Goodness, presente no musical original, foi transformada em Every Day More Wicked no segundo ato, o que ajuda a dar mais coerência e fluidez à narrativa. 

“Então deixe-me dizer antes de nos separarmos: muita coisa em mim / É feita do que eu aprendi com você.” – Wicked: For Good, 2025

Apesar de haver algumas inconsistências que mostram a fragilidade da obra, a narrativa se dispersa ao acompanhar múltiplos personagens em cenários (Nathan Crowley) distintos, resultando em acontecimentos que passam rápido demais, sem aprofundamento real e esvaziadas do impacto intenso que deveriam carregar. A história de Boq e Nessa (interpretados por Ethan Slater e Melissa Bode, respectivamente) é um grande exemplo de como o desenrolar de alguns acontecimentos são ligeiros e pouco explorados. Na peça, o enredo funciona de forma natural devido aos elementos da arte cênica e da troca imediata com o público, porém no filme se dilui em cenas que nunca se encaixam verdadeiramente no todo.

Além disso, o desenvolvimento paralelo da história de Dorothy acrescenta camadas interessantes ao diálogo com O Maravilhoso Mágico de Oz (1904), de Baum, todavia sua inclusão dentro do universo de Wicked acaba soando um pouco desconexa. O longa que amplia esse mundo compartilhado deixa certos elementos excessivamente subjetivos, o que se revela confuso para quem não conhece profundamente a obra original. Essas escolhas reforçam a sensação de que o filme, apesar de sua ambição, nem sempre consegue unificar todas as suas propostas em um conjunto plenamente coeso.

No fim, Wicked: For Good (na língua original) se mostra menos épico e emocionante que o primeiro, mas ainda preserva sua grandiosidade visual. Embora desta vez seja mais profundo e escuro — com traços de humor e doçura menos presentes —, ele cumpre o que se propõe: concluir a história com sensibilidade suficiente para que o público compreenda a transformadora relação entre Glinda e Elphaba.

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Vitor Evangelista

É uma pena que o filme mais comedido de Christopher Nolan tenha em sua bagagem a maior negatividade de sua carreira. Longa que, segundo o cineasta, salvaria o cinema depois da pandemia e das salas fechadas, Tenet traga a ingratidão de um realizador ególatra e de um público que já dá o play com desgosto nas entrelinhas. A obra por si só se diverte em tudo que Nolan construiu desde que estourou com Memento, no início do século: o tempo vira gelatina nas mãos e nas lentes do britânico, fascinado pela auto indulgência de sua falsa genialidade.

A personagem de Clémence Poésy até tenta explicar os conceitos de reversão temporal e inversão de ações para o protagonista, papel levado com honestidade e só um tiquinho de canalhice por John David Washington. A cientista loira, todavia, falha no primeiro momento que o soldado a questiona mais a fundo. É então que Christopher Nolan, até o momento ostentando uma ação de primeira qualidade e firulas magnéticas, parece botar o rabo por entre as pernas. “Você não precisa entender, só sentir”, escreve no corpulento roteiro de Tenet.

O filme é complicado, não restam dúvidas quanto à isso. Nolan não solta o osso na hora de embaralhar suas narrativas, seja na amnésia (que não é amnésia coisa nenhuma) da tradução de Memento, ou na maneira como o diretor injetou a megalomania do Coringa no ecossistema quase sedativo do nicho ‘filme de heróis’ em O Cavaleiro das Trevas. Um mestre em ser desgostado, ele nunca pareceu se abalar às críticas quanto à sua visão ou tato artístico, que são traços que afastam a audiência, o cinema de arte sendo vomitado no cinema popular. ‘Gêneros’ esses ridículos por natureza, já que não existe cinema que seja popular ou difícil, existem sim interpretações, níveis de entendimento e camadas.

Tenet é uma cartada de gênio por saber de todo o histórico de banana do realizador. Não existe respiro na sequência inicial, o filme começa antes de sequer conseguirmos nos acostumar com a barulheira que virá a seguir. Nolan, adepto religioso ao som de cinema e à ‘experiência de tela grande’, levou um chute na bunda quando percebeu que o lançamento de seu novo sucesso acabou coincidindo com o coronavírus, que fechou o mundo e, até hoje, não deu margem para uma volta segura aos estofados vermelhos, baldes de pipoca e curtos trailers de filmes que nunca vamos ver.

É fato que várias salas já reabriram e estão exibindo as duas horas e meia de Tenet, com direito à confusão e a gritaria, as frases de efeito soltadas a cada treze minutos e a elegante participação de Michael Caine, que interpreta, bem, um personagem chamado Michael. John David Washington nem esconde o sorriso de ledice quando se despede do eterno mordomo do Batman de Bale. Tenet é recheado desses atores de estimação de Nolan, dessa vez com papéis mais fora do convencional que o costume.

Se Kenneth Branagh passava Dunkirk (2017) inteiro olhando pro horizonte e explicando o que rolava para o resto do elenco, em Tenet ele assume o papel de vilão com sotaque europeu. E aí entra outra tecla que o filme bate tanto que até quebra o teclado: esse filme é uma aventura do James Bond que se esconde de ser uma aventura do James Bond. Fazem tantos anos que petições são assinadas implorando para Idris Elba pegar o papel do 007, e o filho de Denzel Washington chamou a responsa para si sem ninguém se dar conta. 

Branagh é o antagonista casca dura e astuto, e Washington dá vida à um genérico (mas carismático) agente tão secreto que esconde até suas motivações. O personagem sequer chega a ganhar um nome, e sempre é referido como ‘o protagonista’. Quer punheta cinematográfica mais digna de Nolan que isso? Só se mais cientistas aparecessem explicando conceitos básicos de física para outros cientistas, mas isso o diretor já fez em Interestelar. Para fechar o quarteto fantástico, Robert Pattinson e Elizabeth Debicki atuam sempre em suporte ao protagonista, mas a melação salda positivamente.

O ex-vampiro e futuro morcego é um ajudante de primeira, numa atuação que jogava seguro até demais para o que Tenet cultiva. As viradas temporais e a conceituação chegam aos montes, e se piscar, perdeu, mas a emoção e o coração nesse momento ficam maiores que a mente. Pattinson dá pirueta, corre da galera e dá tiro de tudo quanto é arma, guardando o maior deles para os segundos finais do filme, que no fundo adora um melodrama. Elizabeth Debicki, a próxima princesa Diana de The Crown, é o papel de quem assiste, ambiciosa e refém, a mulher se mostra uma joia rara, tanto dentro de Tenet quanto fora dele.

A humildade da obra não vai levar ele para longe, infelizmente. Tenet é o filme com que Nolan forçou abertura de cinemas com o coronavírus comendo solto, e sempre vai ser. Qualquer sonho de indicações principais no Oscar 2021 podem ser feridas por todos esses fatores, que dizem muito mais sobre a falta de caráter do diretor do que sobre os méritos do produto final. E, se relógio parado acerta duas vezes por dia, Christopher Nolan molda uma história labiríntica que não se sente na obrigação de esquentar a cuca de quem só quer se divertir.

A trilha sonora de Ludwig Göransson não nos faz sentir falta de Hans Zimmer, e a música de Travis Scott que embala os créditos finais coroa Tenet, não como o melhor filme de Christopher Nolan, nem mesmo o mais grandioso ou bem resolvido. Tenet é a prova de que o cineasta consegue brincar de fazer cinema, consegue filmar bem pra caramba sequências de ação e consegue cativar na breguice e na modéstia. Depois de Tenet, tenho esperança.

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