Costanza Guerriero

No primeiro semestre de 2023, as redes sociais foram invadidas por vídeos de composições simétricas, cores pastéis, filtros saturados e rostos inexpressivos. Ao som de Obituary, do compositor Alexandre Desplat, os internautas retratavam  os  seus dias cotidianos, no que parecia ser uma viralização do estilo característico do diretor Wes Anderson. O fascínio da mídia espontânea pelo visual característico do cineasta prova o encantamento que suas produções podem causar no telespectador, por meio da intrínseca relação que suas  narrativas encontram com sua estética. Asteroid City, a última obra de Anderson, entrega um pouco desse fascínio. 

Três meses após a estreia no Festival de Cannes, o longa chegou no Brasil em Agosto, fazendo pouco barulho em meio ao rebuliço de Barbie e Oppenheimer. A narrativa se passa, no início dos anos 1950, na pacata e desértica cidade fictícia que dá nome a trama, local marcado pela presença de uma cratera de meteoro. Lá ocorre a Convenção Júnior de Observadores de Estrelas e Cadetes Espaciais, na qual famílias se reúnem para prestigiar suas crianças cientistas prodígios. Tudo ocorre normalmente – ou melhor, “wesanderionamente” – até as personagens precisarem ser submetidas à quarentena pelo exército, após entrarem em contato com um extraterrestre.

Mais uma vez, Roman Coppola colabora com Wes Anderson na criação do roteiro, no qual exploram um ótimo equilíbrio entre elementos que de fato estavam  presentes na década de 1950, com seu modo de contar história, que pouco se preocupa com fatos reais. O clima de corrida espacial e expectativa de ir à Lua, na qual a geração boomer cresceu, é introduzida com as ideias de alienígenas e de crianças que possuem mais conhecimentos do que a própria inteligência das forças armadas americanas. A estética artificial e de elementos pouco credíveis são intencionais, e pode-se dizer que é o mais proveitoso de Asteroid City.

A tônica sideral é o que compõe, em partes, essa narrativa. Em partes porque a história sobre extraterrestres é, na verdade, uma peça de teatro, dirigida pelo personagem de Edward Norton (O Grande Hotel Budapeste). Não é estranho a Anderson dividir as cenas dos seus filmes como atos de uma peça teatral. Porém, dessa vez, além da demarcação explícita dos capítulos, também há cenas que se dedicam a mostrar os bastidores por detrás da obra dentro da obra. O que pode não ter funcionado muito bem nesse modelo é a excessiva troca de uma trama para a outra, marcadas por interlúdios do narrador, sendo um pouco difícil de se conectar com as personagens.

Bem como em A Crônica Francesa, a obra foca em diversos núcleos de personagens de maneira simultânea, mas diferentemente do antecessor, Asteroid City tem dificuldade em juntar todas essas histórias em um desfecho comum. A narrativa mais bem desenvolvida talvez seja o quase romance entre o fotógrafo de guerra Augie, bem interpretado por Jason Schwartzman (Três é Demais) e a atriz Midge Campbell, vivida por Scarlett Johansson (História de um Casamento). 

Em contraste a esse drama romântico, o tom cômico e particular do diretor é explorado no conflito de gerações, retratando crianças que se comportam mais como adultos do que os próprios pais, assunto já explorado pelo diretor em Moonrise Kingdom. Aqui são as crianças que resolvem todos os problemas enquanto seus pais não conseguem superar os próprios fantasmas. 

Além de Schwartzman e Norton, outros atores que já tiveram experiências anteriores com a direção de Anderson retornam para essa produção, como Tilda Swinton (Moonrise Kingdom), Adrien Brody (A Viagem para Darjeeling), Tony Revolori (O Grande Hotel Budapeste) e até mesmo Seu Jorge (A Vida Marinha). Willem Dafoe (O Fantástico Senhor Raposo) aparece em uma das cenas para apenas bater ponto com o diretor. O cineasta é conhecido por sempre trabalhar com um elenco de peso, e como visto, nessa obra não foi diferente. Dos atores que estrelam com ele pela primeira vez destacam-se Tom Hanks (O Pior Vizinho do Mundo) e Maya Hawke (Stranger Things). A escolha de Steve Carell (Querido Menino) foi para muitos inusitada, já que possui um estilo tão particular quanto o próprio diretor. Contudo, a combinação deu certo, mantendo a originalidade de ambos.

Fica óbvio que design de produção é um dos pontos de destaque no filme por se tratar, é claro, de uma obra de Anderson. O recurso em preto e branco é utilizado nas cenas que contam sobre os bastidores do teatro, enquanto as familiares e perfeitamente balanceadas cores no tom pastel são escolhidas para as cenas que contam a peça em si. Aqui também vai uma menção honrosa à designer de figurino Milena Canonero, que complementou a excentricidade do cenário montado, com figurinos que refletem a essência dos anos nos quais o longa se passa.

No quesito fotografia e personagens excêntricos, Asteroid City é um exemplo perfeito para compreender que é impossível assistir a um filme do Wes Anderson sem se lembrar de outro filme do Wes Anderson. Apesar da falta de profundidade na história em si, a obra acaba funcionando como uma espécie de metalinguagem, no qual o diretor reverência a fusão das Artes do Teatro e do Cinema. Ainda que seja uma produção que não chegou aos holofotes da temporada de premiações, é um bom entretenimento e até mesmo, objeto de estudo para os novos fãs do cineasta que chegaram, via redes sociais, buscando o encanto estético que seus filmes apresentam.

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Layla de Oliveira

Ah, a Revolução Francesa. Marcada em nossas memórias do Ensino Médio como o momento de estrelato da guilhotina, mas ela é claramente muito mais do que isso. A grande desigualdade social e econômica resultou em um nível de pobreza nunca antes visto no país, enquanto os aristocratas esbanjavam em festas e novos palacetes. Resultando na Queda da Bastilha, um símbolo da opressão francesa, a Revolução determinou o fim da monarquia absolutista na França, e influenciou muitos outros países a seguirem o exemplo, além de dar início à Idade Contemporânea na história ocidental.

Mas Sofia Coppola não poderia ligar menos para tudo isso. O filme Maria Antonieta, que completa 15 anos desde sua estreia (conturbada) no Festival de Cannes neste 24 de maio, não conta a história de Maria Antonieta (Kirsten Dunst), a rainha absolutista e Madame Déficit como muitos outros filmes, séries, livros e documentários fazem; ela simplesmente nos faz acompanhar a vida de Maria Antonieta, uma jovem de 14 anos que foi obrigada a adaptar-se em um novo ambiente, com muitas expectativas e deveres a rondando sempre. E muitas cores pastéis, também.

Baseando-se na biografia Marie Antoinette: The Journey de Antonia Fraser, o enredo é claro: desde seu casamento, arranjado para melhorar as relações entre Áustria e França, com o então delfim francês Luís XVI (Jason Schwartzman); sua chegada ao Palácio de Versalhes e o deslumbramento com todas as riquezas e pessoas que a cercavam; a antipatia do povo e da própria nobreza para com ela; festas, vestidos e joias; até culminar em sua fuga do palácio, nos auges da Revolução. O que mais importa aqui é como tudo isso é contado e mostrado a nós, humanizando a última rainha da França. 

Coppola é uma mestra em manifestar delicadeza e sensibilidade. Seus filmes são compostos, em maioria, por protagonistas femininas em momentos de fragilidade e de mudança (e até os dois juntos), e Maria Antonieta é o melhor exemplo disso. Desde que chegou a Versalhes, Maria Antonieta foi tratada com desdém por conta de sua nacionalidade, sendo até chamada de L’Autre-chienne, um trocadilho entre as palavras autrichienne, que significa “mulher austríaca” e autre-chienne, “outra cadela”. 

Além de se sentir deslocada no palácio, a mãe de Maria Antonieta a pressionava para engravidar, o que consolidaria de vez a aproximação austríaco-francesa. A expectativa em cima da ainda adolescente rainha da França rendia diversas crises de choro, melancolia, e como estamos falando desta personagem, compras. O conceito de “vazio do excesso” mostra que bens materiais apenas trazem uma felicidade momentânea e a falsa impressão de realização de desejos, enquanto incita o consumidor a comprar cada vez mais, e podemos dizer com toda a certeza que Maria Antonieta não tem escrúpulo nenhum ao gastar.

Quando Maria Antonieta finalmente engravida e tempo depois, dá à luz à primeira filha do casal, há uma mudança comportamental e visual na monarca. Ela troca os grandiosos vestidos coloridos e pomposos por simples vestidos brancos feitos de algodão e uma vida idílica em seu Petit Trianon, um palácio particular (é, ela não ficou tão humilde assim). Porém, isso não diminuiu a antipatia do povo e da corte por ela, que inclusive crescia cada vez mais; essa tensão foi mostrada em diversos momentos, desde pequenas cenas em um teatro, onde ela começa a aplaudir ao final da apresentação e ninguém a acompanha (diferentemente da primeira vez, onde todos juntaram-se a ovação) até a invasão em Versalhes, quando os revoltosos a procuravam para matá-la e toda a família Bourbon. E o final, bom, todos nós sabemos.

Só que a trajetória de Maria Antonieta e seu final trágico não foram bem recebidos na estreia do filme em Cannes, em 2006. Bom, ao menos pela visão de Sofia Coppola. Apesar da indicação à Palma de Ouro no festival, os poucos aplausos dos críticos logo foram sobrepujados por vaias e assobios de desaprovação, além de resenhas ambíguas feitas por jornalistas, que resumiam o filme em algo “bonitinho, mas vazio”. Coppola disse que as críticas negativas provavelmente vieram, em maioria, dos franceses, já que o enredo não segue exatamente o panorama histórico.

No entanto, esse anacronismo torna-se um dos maiores charmes do filme. Desde o figurino, que foi representado de uma maneira bem mais leve e colorida, sem perder silhuetas marcantes dos vestidos do século 18 apesar do uso de alguns tecidos impensáveis para a época; até a música utilizada na trilha sonora que, ao invés da música clássica sempre usada nos filmes de época, faz uma mistura e representa a juventude de Maria Antonieta por meio de sons derivados do punk, como o new wave e o pós-punk. Como exemplo, temos a icônica cena de compras ao som de I Want Candy, da banda Bow Wow Wow, e a aparição infame do All-Star lilás.

Essas decisões foram tomadas para aproximar a rainha do público, especialmente dos jovens, já que ela mesma era uma quando se casou. K.K. Barrett, diretor de arte do filme, explica que decidiram “superenfatizar o fato que ela tinha 14 anos quando chegou lá pela primeira vez, e fazer com que parecesse um novo mundo, e não um velho e deselegante”. Enquanto isso, a figurinista Milena Canonero recebia uma caixa de macarons de Coppola para a paleta de cores dos 66 figurinos que Kirsten Dunst utilizou no filme, o que a fez conquistar um Oscar de Melhor Figurino. Isso sem contar os pares de sapato Manolo Blahnik.

Os filmes de Sofia Coppola sempre relatam pessoas privilegiadas que se perdem no seu mundo ideal, e acabam se desconectando da realidade. No caso de Maria Antonieta com a França pré-revolucionária, a população sentia o grande abismo da desigualdade, enquanto ela se deliciava com doces, passeios e festejos. E nós também.

A falta de visão e perspectiva em relação aos franceses que sofriam com a crise econômica do país parece ser extremamente calculada. Tirando momentos pontuais, ela simplesmente é esquecida, porque ficamos tão fascinados com as intrigas e fantasias dentro do palácio que ficamos imersos naquele mundo. 

Transformando eventos históricos em eventos relatáveis e atraentes para o público, Sofia Coppola conseguiu realizar o quase impossível: fazer com que, mesmo depois de 15 anos da primeira exibição de Maria Antonieta, sintamos comoção por meio de rosas pastéis e músicas dos anos 80 de uma jovem rainha rica, sem noção do sofrimento que a rondava, pois ela estava imersa demais no seu próprio. 

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