Nathalia Tetzner

Em 2024, a mensagem “Enviado do meu Iphone” – que, normalmente, acompanha os e-mails dos usuários de dispositivos da ‘marca da maçã’ – passou a aterrorizar as pessoas. O motivo é a minissérie britânica Bebê Rena, sucesso da Netflix que disputa 11 categorias no Emmy 2024. A trama, inspirada no caso verídico de stalking ocorrido com o ator Richard Gadd, esbarra em temas extremamente sensíveis e coloca em discussão o modo como a obsessão corrompeu a nossa sociedade, principalmente com o avanço da tecnologia e a consequente deturpação do limite que separa o real do virtual.

Vivemos em um universo volátil. A cada dia que passa, novas oportunidades e evoluções florescem frente a nós. No começo da década de 2020, em especial, a inteligência artificial generativa deu ‘pano para manga’ no tópico do questionamento da realidade e das fronteiras éticas da relação entre homem e robô. Com isso, para além da banalização do termo ‘hiperfoco’ pelas redes sociais, é fácil ficarmos obcecados por qualquer coisa e, até mesmo, por pessoas – desde aquelas que conhecemos até as que nunca encontramos nem nos nossos sonhos mais fantasiosos, porém, que estão ali, há um click de nós.

No entanto, há quem desafie as leis dos direitos fundamentais e, por motivos psíquicos ou de má índole, interfira no cotidiano e nas relações dos seres humanos. Essa é a premissa de Bebê Rena, um retrato tão desconfortável que obriga a audiência a assistir todos os sete episódios o mais rápido possível, a fim de acabar logo com o sofrimento de acompanhar a trajetória de um alvo de stalking. Com altos e baixos dignos de um seriado de streaming – há momentos de dramatização excessiva –, a produção original do ‘Tudum’ faz valer a indicação de Melhor Série Limitada ou Antologia pela premiação mais tradicional da Televisão estadunidense. 

A relação de Donny (Richard Gadd) com sua stalker ultrapassa tempo e espaço. Em Baby Reindeer (no original), Martha (Jessica Gunning), não coincidentemente  tem muitas horas livres e mora na mesma cidade de sua vítima. O roteiro, escrito pelo próprio Gadd, faz um trabalho praticamente inédito em relação a abordagem do ‘stalking’; termo popularizado pelas produções hollywoodianas e criminalizado pela Lei brasileira 14.132/21, sendo definido como a perseguição e ameaça à liberdade comportamental da vítima em ir e vir. Assim, o humorista mostra as nuances da condição humana em um texto que não recai no maneirismo da vilã e do ‘mocinho’.

Justamente por não limitar o enredo a uma dualidade de perspectivas, a obra disputa a estatueta do Emmy de Melhor Roteiro em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme. Com chances de vitória significativas, os diálogos e linhas de raciocínio, ambos bem elaborados, são explorados pela visão invasiva e nem um pouco contemplativa de Weronika Tofilska e Josephine Bornebusch, que se dividem no comando dos capítulos. O modo nada delicado que elas adentram o mundo de Donny e o cercam com o enquadramento fechado, quando Martha se aproxima dele, também garantiu a nomeação de Tofilska e Bornebusch como Melhor Direção em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme.

“Stalking, na Televisão, tende a ser muito sexualizado. Tem um ar místico. É alguém em um beco escuro. É alguém que é muito sexy, muito normal, mas depois fica estranho aos poucos. Mas a perseguição é uma doença mental. Eu realmente queria mostrar as camadas disso de uma forma humana que eu nunca tinha visto em uma produção”.

– Richard Gadd em entrevista ao Tudum, da Netflix.

Já no campo das atuações, o elenco entrega uma performance impecável, capaz de despertar empatia e repulsa nos momentos certos. Cientes de que interpretam personagens redondas, os atores se alternam entre expressões faciais e corporais completamente diferentes, seguindo o ritmo da descoberta das fases distintas da vida do protagonista. Richard Gadd revive nas telas o que podem ser considerados os piores momentos de sua vida com uma coragem invejável, que o coloca no páreo pelo título de Melhor Ator em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme. Ao seu lado, Jessica Gunning se entrega para viver Martha, deixando para o telespectador uma entrega à Arte de mestre.

No papel de uma stalker sem escrúpulos, Gunning não mede esforços para destruir qualquer relação íntima do protagonista de Bebê Rena. Nesse caso, Teri (Nava Mau), interesse amoroso de Donny, é uma pedra em seu sapato. Os encontros entre as duas são tensos e extasiantes, deixando nítido que as atrizes realmente merecem as vagas em Melhor Atriz Coadjuvante em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme. Não menos genial, Tom Goodman-Hill – indicado como Melhor Ator Coadjuvante em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme – interpreta Darrien, um indivíduo desprezível, que funciona no roteiro como a personificação da maldade intrínseca à farsa da fama e status, um ideal que a indústria do entretenimento mundial sempre vendeu aos jovens artistas.

Ainda que a obra apresente algumas falhas de concepção, que justifiquem o fato de não agradar a todos os públicos, ela tenta vencer a superficialidade do meio em que se reproduz. Isso, por si, é um esforço notável e digno de reconhecimento. Apresentando os mesmos ‘erros’ que seu protagonista, como a representação um tanto quanto clichê das mulheres trans e a exposição pouco cuidadosa de temas sensíveis, Bebê Rena consegue abrir a discussão sobre questões fundamentais que percorrem a sociedade atual, entre elas, a urgência da obsessão, fator que nos corrompe como nunca antes. Afinal, pouco tempo após a viralização da produção nas redes sociais, a mídia logo voltou a atenção à mulher que inspirou Martha; uma prova do quanto estamos longe de compreendermos coletivamente o perigo do stalking, embora a minissérie tenha contribuído para colocar em xeque o imaginário popular, acostumado com abordagens levianas do tema.

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O segundo Emmy em tempos pandêmicos chegou e já foi embora. Com a retomada das atividades presenciais, sem máscaras à vista e com muitas vacinas no braço, o prêmio da Academia de TV adotou um formato mais intimista em 2021, coroando os melhores do ano sob a apresentação do rapper Cedric the Entertainer. A festa começou com um karaokê bem animado, na paródia de Just a Friend, em tributo a Biz Markie, falecido alguns meses atrás. O anfitrião puxou a canção, que foi entoada por uma porção dos nomeados da noite, incluindo os sempre estonteantes Anthony Anderson e Billy Porter.

Longe das reuniões em salas do Zoom e dos troféus entregues por funcionários vestidos como sobreviventes de um apocalipse nuclear, a edição de 2021 recebeu seus nomeados em dois lugares. Nos Estados Unidos estava a concentração de estrelas, enquanto o Reino Unido abrigava as joias da Coroa: boa parte do elenco de The Crown que, alerta de spoiler, quebrou uma porrada de recordes.

No ano em que uma maoria de artistas negros apareceu nas categorias de atuação, a Academia de Artes e Ciências da Televisão premiou 12 pessoas brancas, entre atores principais e coadjuvantes, nos campos de Drama, Comédia e Série Limitada. O retrocesso de diversidade acontece uma edição após a performance gloriosa de Watchmen, e no mesmo ano em que produções como Lovecraft Country, I May Destroy You, black-ish e The Underground Railroad se destacaram pela excelência técnica e artística.

Em Drama, The Crown se junta ao grupo de Angels in America e Schitt’s Creek, que agora são as três únicas séries a vencerem todas as categorias em uma noite. O episódio War, o final da quarta temporada, rendeu um prêmio de Roteiro (para o criador Peter Morgan) e outro de Direção (para Jessica Hobbs, em uma vitória histórica para as mulheres). Gillian Anderson (que foi perguntada, depois de vencer, se havia conversado com Margaret Thatcher sobre o papel na série) saiu como a Melhor Atriz Coadjuvante, enquanto a avalanche da Rainha premiou também o Ator Coadjuvante Tobias Menzies. 

O grande favorito na disputa, entretanto, era Michael K. Williams, que morreu no começo do mês e entregou em Lovecraft Country uma das interpretações mais fortes do ano passado. Antes de anunciar o destino, Kerry Washington honrou o amigo, lembrando de sua luz e presença com amor e saudade. Sua derrota evidencia uma frequente nada positiva: depois do Oscar fazer uso da imagem de Chadwick Boseman para atrair audiência e, na sequência, premiar um ator branco em seu lugar, o Emmy faz igual.

O segmento In Memoriam, apresentado pela ternura de Uzo Aduba e guiado pelas cordas sensíveis de Jon Baptiste e Leon Bridges, finalizava-se com um depoimento em vídeo de Williams, discursando sobre a sustentação que atores negros criam um para o outro. No fim das contas, a diversidade da lista de 2021 foi propaganda enganosa. Tobias Menzies venceu um Emmy pelo papel quase imperceptível do Duque de Edimburgo na 4ª temporada de The Crown. Michael K. Williams viveu Montrose Freeman com a garra de um campeão, e morreu sem prêmio algum da Academia.

A categoria de Ator, que deveria reconhecer Billy Porter pelo ano final de Pose (que só venceu na cerimônia técnica), acabou chamando o nome de Josh O’Connor, que deu vida ao monstruoso Príncipe Charles. Seu par, a Lady Di de Emma Corrin, foi surpreendida pela zebra Olivia Colman, a Toda-Poderosa-Rainha. Assustada, surpresa, emocionada e galante, Colman discursou com o magnetismo que virou sua marca registrada, mas a amargura de não poder assistir Mj Rodriguez fazer história no palco da Academia é grande demais para sorrir do “Michaela Coel, fuck yeah!”, que Colman soltou logo após homenagear o pai, vítima da pandemia.

Na semana anterior, The Crown havia vencido um importante indicativo do apoio da Academia: o Emmy de Atriz Convidada, para Claire Foy, que retornou em um flashback como a jovem Rainha (o episódio em questão, 48:1, também rendeu o prêmio de Olivia Colman). Contrariando especialistas, Charles Dance perdeu a categoria de Ator, que premiou Courtney B. Vance, na única lembrança “grande” de Lovecraft Country.

Melhor Série de Drama, que ano após ano fecha a cerimônia, foi a penúltima das categorias anunciadas em 2021. Na acertada decisão de reconhecer o prestígio das Séries Limitadas, o Emmy finalmente se curvou à Netflix e chamou a equipe de The Crown ao palco britânico, rendendo à pioneira do streaming seu primeiro prêmio de Série. Viu? Só precisou de uma pandemia, de atrasos gigantescos de produção e da HBO quase que de folga, para a Netflix ganhar os prêmios grandes. De fato, a emissora do ‘Tudum’ conseguiu 44 estatuetas e se igualou a um recorde da CBS, que venceu o mesmo número em 1974.

A categoria de Série Limitada dividiu mais suas honras que a de Drama, mas ainda assim houve uma aglomeração na cidadezinha de Easttown. Kate Winslet, Julianne Nicholson e Evan Peters subiram ao palco, agradeceram à HBO e ao elenco formidável de Mare of Easttown, sensação de 2021. Winslet venceu uma década depois de triunfar por Mildred Pierce, outra original da HBO com quem ela faz par romântico com Guy Pearce. Nicholson e Peters, nas categorias de Coadjuvante, venceram os primeiros Emmys da carreira.

A zebra veio em Ator, com o Visão levando rasteira do estilista mais sexy da Netflix: o próprio Halston. Em mês de Met Gala, Ewan McGregor foi recompensado por sua atuação extravagante e deliciosa na minissérie de Ryan Murphy. Com apenas essa nomeação na noite principal, McGregor exibiu seu charme inebriante, e na quarta nomeação, adicionou um Emmy à estante.

O prêmio de Roteiro em Série Limitada nos mostrou que ainda há bem no mundo. Michaela Coel, que sangrou suas dores em toda a concepção de I May Destroy You, confirmou um dos favoritismos mais merecidos do ano, e discursou sua poesia bruta e sincera. A festa parecia estar indo muito bem, até que Scott Frank foi chamado para receber o troféu de Direção, por seu trabalho milimetricamente calculado na desgastada O Gambito da Rainha. 

O discurso do diretor, que também criou e escreveu a série, se estendeu por três minutos e meio, e sua falta de carisma tornou a leitura do papel uma das experiências mais desgastantes de acompanhar na noite. Na mesma semana em que a Netflix é processada por uma enxadrista por difamação, Frank achou de bom tom evidenciar a força feminina da produção. 

Quando um produtor subiu ao palco, no fim da noite, para receber o Emmy de Melhor Série Limitada ou Antologia, ninguém aguentava o homem branco falando de diversidade, além de reduzir a atriz principal, dizendo que “Anya Taylor-Joy trouxe o sexy de volta ao xadrez”. Que sonho seria se Beth Harmon estivesse ali presente, para de uma vez por todas, dar, a mais um de seus adversários machistas, um xeque-mate.

Nos prêmios fora dos gêneros grandes, Last Week Tonight with John Oliver venceu Programa de Entrevistas e Variedades e Roteiro no segmento. O Saturday Night Live ficou, para surpresa de ninguém, com a categoria de Série de Esquetes, enquanto o programa eleitoral de Stephen Colbert triunfou na categoria de Especial de Variedades (Ao Vivo). Na parte de Variedades (Pré-Gravado), não deu outra: Alexander Hamilton! O musical filmado do Disney+ adicionou o Emmy à prateleira que já conta com 11 Tonys, 1 Grammy e 1 Pulitzer. 

Em Programa de Competição, RuPaul’s Drag Race venceu. RuPaul, premiado com seu 11º Emmy, se tornou a pessoa negra com mais estatuetas, e agradeceu à juventude, ao lado de Gottmik e Symone, os grandes destaques da décima terceira temporada do reality. A grandiosa Debbie Allen, atriz, diretora, coreógrafa e lenda da Televisão, foi homenageada com o Governors Award, prêmio que honra a excelência em carreiras. Allen se tornou a segunda pessoa negra a receber tal honraria, depois de Tyler Perry no ano passado, e a primeira mulher negra. No discurso, ela foi enfática: o futuro está na juventude.

Chegando, enfim, na parte de Comédia, o Emmy 2021 dividiu seus prêmios principais entre duas fortes produções. Hacks, original do HBO Max, ficou com Roteiro e Direção (marcando a primeira vez em 73 anos que diretoras vencem juntas em Comédia e Drama), além da vitória de Jean Smart como Melhor Atriz. Ovacionada, aplaudida de pé e feliz da vida com o reconhecimento de sua outra “família” (Mare of Easttown), Smart dedicou o Emmy ao marido, falecido meses atrás, no processo de filmagens da produção.

O resto dos troféus do gênero foi para Ted Lasso. Abrindo a noite, Hannah Waddingham e Brett Goldstein não esconderam o sorrisão ao ouvirem seus nomes chamados como os Melhores Coadjuvantes de 2021. O senso de companheirismo reinou na equipe esportiva da Apple TV+, que ainda foi celebrada em Melhor Ator (para o majestoso Jason Sudeikis) e em Melhor Série de Comédia, com direito a abraços e lágrimas, e claro, muito amor pelo AFC Richmond.

Com a promessa da diversidade, que ia da maioria negra em atuação principal de Drama à ascensão dos heróis, o Emmy 2021 jogou seguro. O conservadorismo dos votantes resultou na ausência de vitórias significativas para The Boys, The Mandalorian e WandaVision, expoentes da fantasia que lotaram a lista de indicados, para saírem com quase nada embaixo do braço. 

A oportunidade de fazer história com vitórias de Billy Porter, Mj Rodriguez, Michael K. Williams e I May Destroy You não foi páreo para a familiaridade da Coroa britânica ou do olhar masculino que hipnotiza uma partida de xadrez. Que o Emmy melhore, que o Emmy evolua e que o Emmy mostre, na prática, que as minorias que eles insistem em chamar para perder, enfim merecem a vitória. Abaixo, você lê tudo que aconteceu na 73ª edição do Oscar da TV pelas palavras da Editoria do Persona, que mergulha no passado, presente e futuro da televisão, comemorando recordes e lamentando injustiças. Até logo, Emmy 2021.

Melhor Série de Comédia: Ted Lasso 

Desde que a Maravilhosa Senhorita Maisel subiu ao palco do Emmy em 2018, a categoria de Melhor Comédia não repete um vencedor. E é esperado que os reconhecidos no prêmio máximo do gênero sejam as produções destaques de cada cerimônia da Academia. Fleabag sucedeu Maisel, e foi sucedida por Schitt’s Creek. Na onda das produções que nos fazem sentir bem, não tinha nome mais forte no Emmy 2021 do que os titãs de Ted Lasso.

Com 20 nomeações (se tornando a série de estreia mais nomeada da história), a original da Apple TV+ venceu em 7 categorias, incluindo 3 técnicas e 3 de atuação. Quem esperava uma surpresa de Hacks na disputa maior, acabou assistindo a um chocolate do time de Lasso, que só perdeu em Roteiro e Direção pela infame divisão de votos.

Sem susto na prorrogação ou falta para cartão vermelho, Ted Lasso se sagrou como a Comédia com C maiúsculo de 2021, condecorando os talentosos nomes de Brendan Hunt, Joe Kelly, Bill Lawrence e, claro, Jason Sudeikis. Visivelmente emocionado, o treinador mais querido desde o Felipão na Copa de 2002, o criador, roteirista e Melhor Ator em Comédia repetiu o que faz toda sexta, por meia-hora: escalou suas estrelas para brilharem. – Vitor Evangelista

Melhor Ator em Comédia: Jason Sudeikis (Ted Lasso) 

Na disputa menos tumultuada da noite, Jason Sudeikis jogou com o time reserva e mesmo assim goleou na categoria de Melhor Ator em Série de Comédia. Astro máximo da sitcom futebolística, Sudeikis recebeu as primeiras nomeações ao Emmy da carreira apenas esse ano, e das 4 menções, acabou premiado em duas. A derrota em Melhor Roteiro, onde concorria em dose dupla, foi causada, além da força descomunal de Hacks, pela divisão de votos.

Em seu discurso, Sudeikis aproveitou para agradecer à equipe por trás de Ted Lasso e também à Apple TV+, que, com menos de três anos de vida, já conseguiu vencer um prêmio de Melhor Série, tudo graças ao otimismo do técnico norte-americano. Cria do Saturday Night Live, Jason Sudeikis tirou sarro do lendário Lorne Michaels, esse que prometeu um futuro promissor para o querido Lasso no programa de esquetes (será que vem uma indicação como Convidado no Emmy 2021?). Sejamos como um peixinho dourado, pois se Ted Lasso deixou uma lição valiosa, é a de que devemos acreditar. – Vitor Evangelista

Melhor Atriz em Comédia: Jean Smart (Hacks) 

Se não fosse dela algo estaria errado. Jean Smart! A atriz que já era favorita na categoria cumpriu a sina de subir ao palco receber a estatueta de Melhor Atriz em Série de Comédia. Smart chegou sorrateiramente ao catálogo do HBO Max em junho, tirando todo e qualquer favoritismo de Kaley Cuoco, que era cotada por The Flight Attendant. A vitória pelo papel de Deborah Vance é a quarta da atriz, que na década passada também foi premiada por suas atuações em séries de comédia.

Jean Smart, que também estava indicada como Melhor Atriz Coadjuvante em Série Limitada, foi aplaudida de pé pelos presentes na premiação – e por mim na sala de casa – e iniciou seu discurso aplaudindo os colegas de Mare of Easttown. O prêmio foi emocionalmente dedicado ao marido de Smart, que faleceu durante as gravações do último episódio de Hacks. Jean Smart você mereceu esse prêmio, merecia o do ano passado por Watchmen e merece os que virão. Quebre a perna, Jean Smart. – Ana Júlia Trevisan

Melhor Direção em Comédia: Lucia Aniello – There Is No Line (Hacks) 

A noite do Emmy foi agitada para as produções de Comédia. Quando seu adversário está entre os esperados para marcar todos os gols da noite, como era o caso de Ted Lasso, é difícil ter muita esperança. Mas indo contra as especulações, a série Hacks conquistou seu espaço e levou o troféu por Melhor Direção em Comédia. Quem diria? Nem mesmo o cancelamento de Ava impediu a vitória. 

A responsável por garantir essa estatueta para o HBO Max foi Lucia Aniello. A diretora e roteirista, que criou a série junto com Paul W. Downs e Jen Statsky, vem recebendo indicações na premiação mais famosa da televisão desde 2014, e finalmente pode respirar aliviada sabendo que, dessa vez, ganhou. – Mariana Chagas

Melhor Ator Coadjuvante em Comédia: Brett Goldstein (Ted Lasso) 

Na sequência de golaços de Ted Lasso no Emmy 2021 não poderia faltar ele, que está em todo lugar. Brett Goldstein, o rosto amigável por trás do carrancudo Roy Kent, deu um carrinho já aguardado nos concorrentes do Saturday Night Live e até nos seus colegas de elenco – mas pelo menos garantiu uma estatueta para os Diamond Dogs. 

Na primeira indicação de sua carreira na premiação, o ator e também roteirista honrou a trajetória do seu personagem no primeiro ano da série, que deixa sua marca na narrativa e já é o rabugento que mais amamos no mundo. Ao subir ao palco para receber o prêmio, Goldstein não poupou agradecimentos para Jason Sudeikis e o restante do elenco de Ted Lasso, além de, é claro, não economizar nos palavrões. Afinal, Roy Kent não é Roy Kent sem falar ao menos 2 fuckings por minuto. – Vitória Silva

Dando o pontapé inicial às premiações da noite (e aos muitos YEEEEEEAHs de Ted Lasso), Hannah Waddingham foi reconhecida por seu trabalho como a antagonística dona do AFC Richmond na primeira temporada da série de comédia, recebendo a estatueta de Atriz Coadjuvante das mãos de Seth Rogen. Emocionadíssima com sua primeira vitória, a atriz agradeceu profusamente aos roteiristas da produção e seus colegas de elenco, deixando claro que se pudesse dividir a estatueta com Juno Temple, o faria num piscar de olhos.

A vitória marcou o início da noite glamourosa para o elenco de Ted Lasso, que prosseguiu para vencer todas as categorias de atuação nas quais estavam indicados. Embora Waddingham tivesse ficado de fora do Globo de Ouro, sua vitória na premiação inaugural da Associação de Críticos de Hollywood já dava sinais da vinda do Emmy para as mãos da britânica, que competia junto de Temple com outras cinco atrizes pelo prêmio: além de Aidy Bryant, Kate McKinnon e Cecily Strong, indicadas recorrentes por Saturday Night Live, Hannah Einbinder de Hacks e Rosie Perez de The Flight Attendant formavam uma categoria bem arredondada por novatas e veteranas da modalidade, em que a única certeza era a de que o otimismo contagiante de Ted Lasso vingaria. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Melhor Roteiro em Comédia: Lucia Aniello, Paul W. Downs e Jen Statsky – There Is No Line (Hacks) 

Mesmo com a queridinha Ted Lasso indicada duas vezes na categoria pelo episódio piloto e por Make Rebecca Great Again, foi Hacks quem levou o troféu por Melhor Roteiro em Comédia pelo episódio There Is No Line. 

Lucia Aniello, Paul W. Downs e Jen Statsky subiram ao palco para receber o prêmio diretamente das mãos de Dan Levy, Eugene Levy, Catherine O’Hara e Annie Murphy, atores de Schitt’s Creek, série que surpreendeu a todos ao levar 7 prêmios no Emmy de 2020. – Caio Machado

Melhor Ator Convidado em Comédia: Dave Chappelle (Saturday Night Live) 

Quando o assunto é programa de comédia, Saturday Night Live se garante. O seriado vem recebendo indicações desde 2010, e seus prêmios não são possíveis de contar nas mãos. A produção conseguiu, nesta edição do Emmy, bater 81 prêmios no total. Haja estante para guardar tudo isso. 

Quem garantiu o nome do programa na lista de vitoriosos desse ano foi Dave Chappelle. O comediante e ator já era conhecido por participação em outras obras como seu papel em Nasce Uma Estrela e seu Stand-up Chappelle’s Show. Sua comédia no episódio de SNL, com certeza, é outro marco na carreira do talentoso artista. – Mariana Chagas

Melhor Atriz Convidada em Comédia: Maya Rudolph (Saturday Night Live) 

Ganhar Melhor Ator Convidado em Comédia talvez não fosse o suficiente, então Saturday Night Live resolveu se garantir e levar também o de Melhor Atriz Convidada em Comédia. A comediante e cantora Maya Rudolph ganhou a categoria e se juntou a Dave Chappelle a atores negros que tiveram seu espaço por participações especiais. 

Vale lembrar que esta foi a oitava indicação de Maya, que antes já havia ganhado dois prêmios no Emmy, um por sua dublagem em Big Mouth e outra participação anterior no SNL. Assim como o programa que representou, a artista vem colecionando estatuetas. – Mariana Chagas

Melhor Programa de Competição: RuPaul’s Drag Race

Não teve para mais ninguém! Sem The Masked Singer na categoria – a única ameaça possível ao reinado de RuPaul –, a vitória era certeira. O reality de Mama Ru, fenômeno mundial, venceu pela quarta vez consecutiva o troféu de Melhor Programa de Competição, por sua 13ª temporada. 

Para receber a estatueta no palco, a Queen of Drag convidou sua amiga e fiel escudeira Michelle Visage, e as queens Symone, a vencedora mais recente do formato principal, e Gottmik, o top 2 moral. Concorriam com a corrida das loucas os programas The Amazing Race, Nailed It!, Top Chef, e The Voice. – Jho Brunhara

Melhor Especial de Variedades (Pré-Gravado): Hamilton 

Para a categoria de Melhor Especial de Variedades (Pré-Gravado), concorriam obras excelentes, como o melancólico Inside, do comediante Bo Burnham, e o magnífico David Byrne’s American Utopia, onde o músico fez um show incrível que refletia sobre o período atribulado no qual estamos inseridos, mas com esperança num futuro melhor.

No fim, o premiado foi Hamilton, a versão filmada do musical criado por Lin-Manuel Miranda e que foi inspirado na vida de um dos Pais Fundadores dos Estados Unidos. Ao subir no palco, o elenco do musical aceitou o troféu em nome de Lin, que não pôde estar presente na ocasião. Mesmo depois de seis anos de sua estreia nos palcos, a obra continua se mostrando relevante, sem nunca desperdiçar suas oportunidades. – Caio Machado

Melhor Série Limitada ou Antologia: O Gambito da Rainha 

Para a tristeza de alguns e felicidade de outros, O Gambito da Rainha deu a jogada final da noite e se consagrou como Melhor Série Limitada ou Antologia no Emmy 2021. A grande favorita da categoria conseguiu derrubar nomes de peso: Mare of Easttown, I May Destroy You, WandaVision e The Underground Railroad. Mas não chegou a surpreender ninguém de fato, por já ter levado a melhor nas categorias técnicas e ganhado a estatueta de Melhor Direção pouco antes.

Em seu discurso de agradecimento, o produtor executivo William Horberg parabenizou a protagonista Anya Taylor-Joy: “Você inspirou toda uma geração de meninas e jovens que perceberam que o patriarcado não tem como se defender das nossas rainhas”. Ironicamente, sua fala evidencia a maior contradição presente na obra, que se apoia em uma narrativa aparentemente feminista mas que em momento algum apresenta as dificuldades que uma mulher enfrentaria em um ambiente majoritariamente dominado por homens. 

Os méritos da série se devem quase por completo à atuação de Anya como Beth Harmon – e quem merece de fato todos os aplausos -, além de voltar os holofotes para um jogo pouco retratado na mídia. Apesar de somar 11 vitórias na premiação, O Gambito da Rainha facilmente se ofusca ao lado das concorrentes, e não carrega nem metade da força necessária para sustentar o legado deixado por Watchmen, sua antecessora na categoria. – Vitória Silva

Melhor Ator em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme: Ewan McGregor (Halston) 

E a maior zebra da noite é toda dele: Ewan McGregor, senhoras e senhores. Se enganou muito quem subestimou a força do eterno Obi-Wan Kenobi, que conseguiu derrotar o favoritismo de Paul Bettany e Hugh Grant. Até quem achou que a aclamação de Hamilton iria reverberar na vitória de Lin-Manuel Miranda ou Leslie Odom, Jr. errou feio. 

Levando o primeiro Emmy da carreira, e também o único da série na premiação, a conquista não poderia ser mais que merecida. McGregor assume não só o protagonismo de Halston, mas também sustenta a produção de Ryan Murphy nas costas, com uma narrativa que não condiz com o brilho de seu talento. E repete o feito semelhante ao de Mark Ruffalo em 2020, por conseguir dar a volta por cima e conquistar a estatueta da única indicação da série na cerimônia principal. – Vitória Silva

Melhor Atriz em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme: Kate Winslet (Mare of Easttown) 

Diferente de Drama e Comédia que já tinha seus vencedores previstos, Série Limitada trouxe as categorias mais recheadas, incertas e aguardadas de 2021. As atuações femininas foram um espetáculo à parte. Com o favoritismo dividido entre Kate Winslet e Anya Taylor-Joy; Michaela Coel, Elizabeth Olsen e Cynthia Erivo também tinham motivos de sobra para se consagrarem na noite de 19 de setembro.

Agradando os fãs da HBO e fazendo jus a performance, foi o nome de Kate Winslet que saiu da boca de Sarah Paulson e Beanie Feldstein. A eterna Rose foi uma leoa dentro e fora das telas, defendendo minuciosamente cada traço de sua personagem. A atriz interferiu na construção visual de Mare Sheehan, potencializando ainda mais a força e os dramas da detetive. Aplaudida de pé, Kate também foi agraciada nos discursos de Julianne Nicholson e Evan Peters e em seu discurso falou sobre a importância de as mulheres apoiarem mulheres. De todos da noite, esse prêmio com certeza foi um dos que chegou em melhores mãos. – Ana Júlia Trevisan

Melhor Direção em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme: Scott Frank (O Gambito da Rainha)

Não teve jeito de contornar o xeque-mate da Netflix. Prenunciando que alcançaria também a maior vitória da noite, O Gambito da Rainha garantiu primeiro o Emmy de Melhor Direção, coroando aquele que direcionou uma das séries mais assistidas da história do streaming. Dali em diante, a distribuição dos prêmios de Série Limitada ou Antologia foi equilibrada em sua obviedade, dividindo as honrarias entre o fenômeno protagonizado por Anya Taylor-Joy e a favorita da HBO Mare of Easttown, que venceu a adversária em todas as categorias de atuação.

Então, na segunda metade da premiação, um antipático Scott Frank subiu ao palco para agradecer o prêmio, que num mundo ideal, seria de Barry Jenkins, pelo trabalho magistral entregue em The Underground Railroad. Mas se nem a relevância do diretor de Moonlight foi suficiente para tirar os olhos da Academia de TV do jogo de xadrez de Beth Harmon, não seriam também os feitiços de WandaVision dirigidos por Matt Shakman ou a força de I May Destroy You nascida de Michaela Coel. É uma chatice: nenhuma direção da seleção mais rica do Emmy 2021 foi considerada diante do favoritismo exaustivo que a temporada conserva por O Gambito da Rainha. Todos caíram direitinho na maior jogada da Netflix. – Raquel Dutra

Melhor Ator Coadjuvante em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme: Evan Peters (Mare of Easttown)

Quem acredita sempre alcança: desde 2004 nas telinhas e oito temporadas de American Horror Story depois, Evan Peters finalmente abocanhou seu primeiro Emmy. Sair do cativeiro de Ryan Murphy fez bem para Peters, e foi na HBO, por seu papel em Mare of Easttown, que o Detetive Colin Zabel rendeu uma estatueta para ele como Melhor Ator Coadjuvante em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme.

O ator já é um ícone da cultura pop há muito tempo, e esse é mais um caso de uma estatueta não só para o papel na série indicada, mas também por sua carreira memorável. Também concorriam na categoria Thomas Brodie-Sangster, por seu papel em O Gambito da Rainha; Daveed Diggs, por Hamilton; Paapa Essiedu, por I May Destroy You; Jonathan Groff, por Hamilton; e Anthony Ramos, também por Hamilton. – Jho Brunhara

Melhor Atriz Coadjuvante em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme: Julianne Nicholson (Mare of Easttown) 

Kathryn Hahn, Renée Elise Goldsberry, Julianne Nicholson, Phillipa Soo, Moses Ingram e Jean Smart: as indicadas a Melhor Atriz Coadjuvante deste ano eram gigantes. Essa foi a categoria que mais dividiu entre razão e emoção. O Gambito da Rainha havia levado muitas categorias técnicas na semana anterior, Jean Smart já imaginava que sairia vitoriosa por Hacks em Comédia, Renée e Phillipa fazem parte do queridíssimo cast de Hamilton que poderia ser a zebra deste ano, mas a torcida estava mesmo entre a adorável e vilanesca Kathryn Hahn e o pilar de estruturação Julianne Nicholson.

A indicada de WandaVision tinha toda a torcida do coração e chances reais de garantir um Emmy para a Marvel. Mas, pensando racionalmente, essa estatueta foi para as mãos certas. Ela é, e tinha que ser de Nicholson, desde o início. Dona de uma das melhores cenas do ano, Lori Ross é uma personagem complexa e cheia de camadas, todas muito bem dominadas pela entrega da atriz. Mare of Easttown venceu a trinca em atuação e Nicholson ganhou o primeiro – espero que seja de muitos – Emmy da carreira. – Ana Júlia Trevisan

Melhor Roteiro em Série Limitada ou Telefilme: Michaela Coel (I May Destroy You) 

I May Destroy You já dava sinal de pelo menos uma vitória no Emmy 2021, tendo recebido 4 troféus no BAFTA deste ano. Michaela Coel era vista, de longe, como a favorita nessa categoria — tinha que ser dela, e não tem discussão. Baseado no caso de estupro que Coel sofreu em 2015, o seriado levou para casa o troféu de Melhor Roteiro em Série Limitada ou Telefilme. Com o prêmio, Coel tornou-se a primeira mulher negra a receber o Emmy nesta categoria. 

Em 2017, Michaela Coel recusou a oferta de 1 milhão de dólares da Netflix por I May Destroy You, pois a plataforma não permitia que a atriz, roteirista e produtora retivesse qualquer porcentagem dos direitos autorais, mesmo sendo um projeto autobiográfico. A série acabou indo para a HBO, e o Emmy também. O seriado ainda concorreu em outras 8 categorias na premiação, levando a estatueta de Melhor Supervisão Musical no dia das premiações técnicas, e encerrou essa edição com 2 troféus. – Bruno Andrade

Melhor Telefilme: Natal com Dolly Parton

Na categoria de Melhor Telefilme do Emmy 2021, deu zebra. Entre os indicados, Oslo, adaptação da HBO sobre as negociações secretas do Acordo de Paz da capital de Noruega, Uncle Frank, um drama independente sobre aceitação e pertencimento, adquirido pelo Amazon Prime Video, e Sylvie´s Love, o romance sessentista estrelado por Tessa Thompson e Nnamdi Asomugha, também comprado pela Amazon, figuravam entre os favoritos. Até o azarão Robin Roberts Presents: Mahalia, biografia da cantora gospel Mahalia Jackson (interpretada pela fenomenal Danielle Brooks), apresentava melhores chances do que o ganhador: Dolly Parton´s Christmas on the Square, o musical natalino da Netflix com a estrela country Dolly Parton.

A modalidade que condecorou Bad Education em 2020 premia os filmes lançados diretamente na TV e ganhou regras que levam em conta o Oscar: se a produção foi considerada na disputa de Cinema, não entra na de TV. Além disso, a categoria já passou por outras mudanças desde sua criação em 1992, como alterações de nomes e quando, em 2011, virou uma só com a junção com a de Minisséries. A decisão foi revertida em 2014. Já a edição de 2021 reflete o ano fraco: enquanto as Séries Limitadas estão em um de seus melhores e mais competitivos anos, a entrega dos troféus para os filmes televisivos foi do evento principal para a segunda noite do Emmy. – Vitória Lopes Gomez

Melhor Série de Drama: The Crown

Deus salve a Rainha porque The Crown levou a estatueta de Melhor Série de Drama, e deu à Netflix seu primeiro troféu de Melhor Série — O Gambito da Rainha foi a segunda série da plataforma a receber a honraria, ficando com o principal prêmio da noite. Introduzindo Lady Di (Emma Corrin) na trama, a temporada mesclou aspectos históricos com ficção, construindo uma narrativa envolvente e episódios esteticamente ricos. 

Em seu 4º ano, The Crown entregou a melhor temporada até aqui, não deixando dúvidas sobre os méritos dessa vitória. Explorando aspectos interessantes da realeza britânica, com Gillian Anderson interpretando brilhantemente a Dama de Ferro, Margaret Thatcher, a 4ª temporada do seriado emplacou todo o elenco principal em suas respectivas categorias, e a série levou para casa todos os prêmios em Drama, mantendo a hegemonia já antecipada no Globo de Ouro e no SAG Awards deste ano.

A série ainda proporcionou a vitória do brasileiro Adriano Goldman, que já havia sido indicado ao Emmy na 3ª temporada de The Crown, e ficou com a estatueta de Melhor Fotografia em Série de Câmera Única (Uma Hora) pelo episódio Fairytale, no dia das premiações técnicas. Depois das 11 vitórias no Emmy 2021, incluindo Olivia Colman como Melhor Atriz em Drama por interpretar a Rainha Elizabeth II, não é errado afirmar que The Crown, realmente, é a rainha do Drama. – Bruno Andrade

Melhor Ator em Drama: Josh O’Connor (The Crown)

A categoria de Melhor Ator em Drama contava com atores premiados anteriormente. Sterling K. Brown recebeu a estatueta em 2017, pela primeira temporada de This Is Us, e Billy Porter venceu em 2019 pela primeira temporada de Pose. 

Neste ano, quem subiu ao palco para receber o troféu diretamente das mãos da atriz Catherine Zeta-Jones foi Josh O’Connor, por sua atuação excepcional como Príncipe Charles na quarta temporada de The Crown. Levando em conta que a série já tinha sido coroada com cinco estatuetas em categorias anteriores, era de se esperar. – Caio Machado

Tinha como Olivia Colman sair de The Crown sem ser premiada pela sua Rainha Elizabeth? Não tinha. Em seu segundo ano como o centro da superprodução da Netflix, Colman sai das indicações do Oscar para entrar na corrida do Emmy mais uma vez, e como a mais silenciosa em meio às mais prováveis, venceu a estatueta de Melhor Atriz em Drama de 2021.

A expectativa para a noite do dia 19 de setembro, no entanto, era de que a Princesa vencesse a Rainha, já que o encanto e maestria de Emma Corrin como Lady Di roubaram todas as atenções do quarto ano de The Crown e algumas das premiações precursoras da temporada. Ou então, que o Emmy honrasse todo o significado de Pose ao reconhecer o mérito de Mj Rodriguez na última temporada de uma das produções mais importantes da história da TV. Até Elisabeth Moss poderia surpreender e repetir sua vitória de 2017 por de The Handmaid’s Tale, mas a força do nome e do trabalho de Olivia Colman é imparável, e numa possível divisão de votos entre as duas mais próximas da estatueta, ficou ainda mais forte. 

Assim, a Academia de TV perdeu a chance de coroar sua primeira mulher trans numa categoria principal de atuação, justo no ano em que notou o trabalho de uma maioria de atores e atrizes negros nas categorias de Drama. E por isso, um gosto amargo sempre vai acompanhar a apreciação do trabalho inquestionável de Olivia Colman em 2021. – Raquel Dutra

Melhor Direção em Drama: Jessica Hobbs – War (The Crown)

The Crown varreu o Emmy 2021. Se a Netflix rezava para conseguir a tão sonhada estatueta de Melhor Série de Drama, com certeza Jessica Hobbs acendeu todas as velas de sua casa para atrair o prêmio de Melhor Direção em Drama. E deu certo. A neozelandesa dirigiu os dois últimos episódios da quarta temporada, Avalanche e War, vencendo pelo segundo.

Essa é a quarta vitória da Netflix na categoria desde que começou a concorrer, em 2013, e a segunda vitória de The Crown. O ano atípico causado pelas consequências da pandemia no audiovisual pode ter favorecido a gigante do streaming, mas, agora, mais do que nunca, é melhor sempre ficar de ouvidos bem abertos no tudum. Na categoria também concorriam Julie Anne Robinson, Benjamin Caron, Liz Garbus, Jon Favreau e Steven Canals. – Jho Brunhara

Melhor Ator Coadjuvante em Drama: Tobias Menzies (The Crown) 

Depois de um belo discurso de Kerry Washington em homenagem a Michael K. Williams, ator falecido em 6 de setembro e que concorria na categoria por sua atuação avassaladora  em Lovecraft Country, a sensação era de que o prêmio já era dele. Seria a maneira perfeita de honrar a carreira de um ator brilhante que se foi cedo demais. 

No entanto, numa surpresa decepcionante, quem acabou levando a estatueta de Melhor Ator Coadjuvante em Drama foi Tobias Menzies, por sua atuação como Príncipe Philip na quarta temporada de The Crown. Foi o quarto prêmio seguido dado à série, numa noite histórica para a Netflix. 

Ao lado dele, também concorriam O-T Fagbenle, Max Minghella e Bradley Whitford por The Handmaid’s Tale, John Lithgow por Perry Mason, Chris Sullivan por This Is Us e Giancarlo Esposito por The Mandalorian. Pelo visto, nenhum deles foi páreo para o poder da família real britânica. – Caio Machado

Melhor Atriz Coadjuvante em Drama: Gillian Anderson (The Crown) 

Depois de Jessica Hobbs e Peter Morgan terem recebido as estatuetas de Direção e Roteiro, foi a hora dos intérpretes da terra da Rainha receberem o que lhes era devido pela quarta temporada de The Crown. Na categoria de Melhor Atriz Coadjuvante não deu outra, e Gillian Anderson subiu ao palco para receber o segundo Emmy de sua carreira (a atriz já havia sido reconhecido por seu papel como a querida Dana Scully de The X Files), agradecendo à Netflix e aos realizadores da série, mas dedicando o prêmio à sua colaboradora e amiga de longa data, Connie Freiberg.

A categoria estava claramente dividida entre The Crown e The Handmaid’s Tale, cada qual contando com três e quatro atrizes na disputa pela estatueta, com apenas Aunjanue Ellis competindo solitariamente por seu papel em Lovecraft Country. Interpretando uma das figuras mais infames da política britânica, a Margaret Thatcher de Anderson já estava no caminho para vencer desde que conquistou o Globo de Ouro e o SAG mais cedo na temporada de premiações. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Melhor Roteiro em Drama: Peter Morgan – War (The Crown) 

Peter Morgan, premiado roteirista britânico — que já recebeu um BAFTA pelo roteiro do filme O Último Rei da Escócia (2006) —, levou a estatueta de Melhor Roteiro em Drama por War, 10º e último episódio da 4ª temporada de The Crown. A série era uma das favoritas para levar o prêmio, e, como fez em toda a categoria de Drama, não deixou espaço para a concorrência.

 Morgan, que também é o criador da série, é conhecido no cenário das artes dramáticas como um dos principais roteiristas sobre histórias da realeza britânica, e roteirizou o filme The Queen, de 2006, que lhe rendeu uma indicação como Melhor Roteiro no Oscar, além da vitória na mesma categoria no Globo de Ouro de 2007. O episódio War — uma respeitosa Season Finale —, em tom sombrio, se inicia em 1º de novembro de 1990, data que marcou o fim da carreira política de Margaret Thatcher, e mostra a Princesa Diana como o principal rosto da família real. – Bruno Andrade

Melhor Ator Convidado em Drama: Courtney B. Vance (Lovecraft Country)

No primeiro domingo do Emmy 2021, quem levou a melhor como Melhor Ator Convidado em Drama foi Courtney B. Vance, por seu papel como George Freeman na cancelada Lovecraft Country. Vance ficou com o troféu nas duas vezes em que foi indicado: ele já tinha uma estatueta de Melhor Ator em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme na estante, por The People v. O.J. Simpson: American Crime Story em 2016.

Em 2021, a competição estava entre ele, Charles Dance, indicado por Lord Mountbatten em The Crown; Don Cheadle, por sua participação de 98 segundos como James Rhodes em Falcon and the Winter Soldier; Carl Weathers, por Greef Karga, em um episódio de The Mandalorian dirigido por ele mesmo; e Timothy Olyphant, pelo xerife Cobb Vanth, também em The Mandalorian.

Courtney B. Vance não enrolou para subir ao palco e agradecer à família, a HBO e a toda equipe de Lovecraft Country. Ele aproveitou as palavras da showrunner da série, Misha Green, a quem também agradeceu, para prestar homenagem ao seu colega de elenco falecido recentemente, o ator Michael K. Williams. “Michael fez tudo de coração aberto, com seu espírito infinito e com muito estilo. Que ele descanse em poder e nos deixe honrar o seu imenso legado sendo um pouco mais amoroso, um pouco mais infinito em pensamentos e um pouco mais ‘swaggy’ em ações”. – Vitória Lopes Gomez

Melhor Atriz Convidada em Drama: Claire Foy (The Crown)

Entre nomes recorrentes nas indicações de Melhor Atriz Convidada em Drama, foi Claire Foy quem fez história no Emmy 2021. A vitória da intérprete da Rainha Elizabeth II a consagrou como a primeira atriz a levar o prêmio em duas categorias diferentes pelo mesmo papel, tendo aparecido em Principal e Convidada. Foy já havia sido nomeada como Melhor Atriz em Drama pela primeira e segunda temporada de The Crown, em 2017 e 2018 respectivamente, e levou o troféu em 2018. 

A Rainha encerrou sua participação como protagonista na série da Netflix há duas temporadas, mas reviveu sua personagem em um flashback no episódio 48:1, no quarto ano da produção. O 1 minuto e 49 segundos de participação da atriz foi suficiente para desbancar performances marcantes das outras concorrentes, entre elas veteranas como Phylicia Rashad e Alexis Bledel. Rashad, indicada por três anos seguidos como Carol Clarke em This Is Us, saiu mais uma vez só com o reconhecimento da nomeação. Bledel, lembrada por Emily em The Handmaid´s Tale e uma das favoritas no ano, já havia sido indicada na categoria em 2017 e 2020, além da nomeação como Melhor Atriz Coadjuvante em 2018, mas continuou só com o troféu de 2017.

Das indicadas de primeira viagem, a injustiçada Sophie Okonedo recebeu um aceno por Charlotte, em uma performance que salvou Ratched, mas sequer figurou entre as favoritas. Por último, a jovem Mckenna Grace, que apareceu pela primeira vez na lista do Emmy aos 15 anos, foi reconhecida por seu papel como Esther em The Handmaid´s Tale e apresentou uma categoria na segunda noite da premiação. Ao final, a coroada foi a familiar Rainha. – Vitória Lopes Gomez

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Vitória Silva

Não há isca melhor para prender o telespectador do que uma boa história de suspense. Crie uma morte inesperada e um núcleo de possíveis suspeitos, ainda por cima, ambiente-a em uma cidade interiorana pequena. Pronto, tem aí a fórmula perfeita para causar um burburinho necessário. Mas não o suficiente para, de fato, ter uma narrativa interessante, em meio a tantas outras que utilizam os mesmos ingredientes, e muitas que acabam se perdendo. 

Mare of Easttown se apoia no gênero para criar sua trama. Ambientada na pequena cidade da Pensilvânia presente no título da série, a obra acompanha Mare Sheehan (Kate Winslet), uma policial durona de meia-idade, que se ocupa diariamente com a solução de diversos crimes que atingem a população local. Entre ter que resolver pequenos problemas de demais habitantes, como a implicância da senhora Carroll (Phyllis Somerville) com seu vizinho delinquente, a detetive também lida com a investigação do desaparecimento da jovem Katie Bailey (Caitlin Houlahan), caso até então não solucionado.

Mas o roteiro da produção não se limita apenas à realidade difícil na delegacia, e somos levados para dentro da casa da protagonista. Descobrimos que, além de policial, ela também é filha, mãe, divorciada e avó. Em um retrato claro de que, quando se é mulher, se carrega muito mais do que o peso de um distintivo. Além de conviver com uma mãe de forte personalidade, Helen, interpretada pela genial Jean Smart; compartilhar a vizinhança com seu ex-marido Frank (David Denman) – bem menos babaca que o Roy de The Office -, suportar a adolescência da filha Siobhan (Angourie Rice), Mare também enfrenta nas entrelinhas o luto pela morte de seu filho Kevin (Cody Kostro).

A protagonista de Kate Winslet não é fácil de se gostar. Sheehan é durona, egoísta, carrancuda e pouquíssimo afetuosa. Ainda sim, vamos nos aproximando cada vez mais da realidade da personagem e de sua jornada. Mare se posiciona como uma salvadora da cidade de Easttown, capaz de mover montanhas para resolver desde questões mínimas dos habitantes até outras maiores e mais complexas, com o único objetivo de trazer para a comunidade a estabilidade que falta em sua vida. Afinal, ela é a Miss Lady Hawk. 

Mas isso não a torna nenhuma espécie de Mulher Maravilha, e nem é isso que ela procura. Nem mesmo a adoração popular ou os calorosos braços de Richard – representados com todo o charme de Guy Pearce – seriam capazes de acalentar a maré de turbulências presente no cotidiano da detetive. Nada melhor para suportar a luta pela guarda do neto, questões mal resolvidas com a morte do pai e um vazio irreparável no coração de uma mãe do que tentar solucionar o que parece insolucionável, nem que para isso seja necessário quebrar todas as partes do corpo ou colocar sua credibilidade profissional em jogo, dando um espetáculo de anti-heroísmo. 

Por mais empoderador que possa ser ver uma mulher incorporar uma figura historicamente associada a personagens masculinos, não há nenhuma forçação de barra nesse sentido, Mare é fodona sem precisar se empenhar muito para isso. Devido a essas e outras, Winslet conseguiu uma indicação ao Emmy 2021 como Melhor Atriz em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme. 

Enquanto somos ambientados no ar da cidade e na rotina dos habitantes, também acompanhamos a vida de Erin McMenamin (Cailee Spaeny), uma jovem mãe solo, que tem uma rotina solitária e uma relação complicada com o pai alcoólatra e o ex-namorado abusivo. O pontapé inicial da trama, de fato, é o seu assassinato, nos minutos finais do primeiro episódio, que rende uma cena quase teatral. 

Assim surge mais um crime para ser resolvido na conta de Sheehan. Em uma cidade pequena onde as vidas de todos os habitantes se cruzam, ninguém ali deixa de ser um suspeito. E ela sabe bem disso, e embarca nessa empreitada ao lado de Colin Zabel, interpretado por Evan Peters, que finalmente saiu do cativeiro do Ryan Murphy para dar vida a um detetive extremamente bobão e carismático – e que também apresenta uma idade relacionável a do ator -, tendo como resultado nada mais nada menos do que sua primeira indicação ao Oscar da Televisão, como Melhor Ator Coadjuvante. 

Mesmo com um roteiro para lá de instigante – e que devidamente recebeu sua nomeação ao Emmy para o criador Brad Ingelsby – o arco da investigação do assassinato e da onda de sumiços de jovens garotas em Easttown fica facilmente em segundo plano. Por mais que o interesse pelo desfecho da trama seja grande, nos tornamos ainda mais obcecados e apegados à história de Mare, a forma que ela se agarra ao trabalho para não ter que enfrentar as batalhas da sua vida pessoal, sem perceber que se encontra numa situação que é uma via de mão dupla. 

De maneira alguma isso aumenta a densidade da narrativa ou a dosagem dramática, que é perfeitamente balanceada com a relação bem-humorada com sua mãe, que ainda rendeu uma indicação para Jean Smart como Melhor Atriz Coadjuvante, concorrendo na premiação também por Hacks. Não só no âmbito familiar, mas também na amizade, Mare forma um laço perfeito com sua colega de longa data Lori, em uma performance estonteante de Julianne Nicholson, que se garantiu ao lado de Smart na disputa pela estatueta de ouro. O balanço entre a sensatez e a inconsequência da dupla é o guia perfeito para nortear a descabida Mare of Easttown. 

E se tem uma coisa que a produção da HBO sabe fazer é criar laços. Os diversos rostos que aparecem de forma despretensiosa na trama podem parecer apenas uma distração ou mais um na extensa lista de possíveis criminosos, mas todos se posicionam perfeitamente na rede completa que constrói o arco final da série, com camadas e camadas de desenvolvimento. Nada é por acaso, nem mesmo os cortes aparentemente grosseiros, ou os enquadramentos peculiares da direção, que nos enganam de forma minuciosa e nada exagerada, devidamente executada por Craig Zobel, que, adivinha, disputa o Emmy por Melhor Direção.

Em meio a uma jornada tão profunda da nossa anti-heroína, a última coisa que Mare of Easttown precisava era nos dar uma reviravolta surpreendente, e ainda sim o faz de forma magistral. O desfecho da investigação – arriscado, quase absurdo e todos os outros adjetivos que você possa imaginar – é a peça final do quebra-cabeça que vem sendo construído desde o primeiro episódio, e sobre o que a série de Ingelsby realmente se trata: um encontro perfeito entre a maternidade e o luto. Ao final, a perda de Mare conecta-se com a de Lori, de Judy, de Dawn e de Erin. A conclusão é apenas uma, e é a mais bela que poderíamos ter. 

Mare of Easttown é a série do ano, da década, ou de qualquer outro recorte  temporal possível, e sua forte aposta no Emmy 2021 como Melhor Série Limitada ou Antologia é apenas um dos indícios disso. Não é todo dia que se reinventa um gênero que atravessa gerações, e ainda dá aula sobre como trabalhar uma narrativa com a profundidade e o significado que merece. Isso tudo em apenas sete episódios, que são muito mais que suficientes.

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Vitor Evangelista

Antes mesmo de lançar sua primeira série de TV, o Universo Cinematográfico da Marvel já usava a estrutura da telinha para contar histórias. Kevin Feige, a mente por trás do império, ligava os filmes entre si, como capítulos na grade semanal. Por conta disso, ao anunciarem a migração do início da Fase 4 para o Disney+, a empresa suscitou a curiosidade: como eles se comportariam frente ao formato propriamente dito? A Marvel seria capaz de sustentar uma narrativa difusa e não condensada nas duas horas e meia que acostumou o público a assistir, com óculos 3D e um baldão de pipoca com manteiga? O fim de WandaVision responde algumas dessas questões.

Foram oito semanas de exibição, passeando entre as eras da Televisão. Cada capítulo ganhava um título sugestivo de seu papel metalinguístico, e os créditos comiam boa parte da duração. As seis horas de conteúdo, prometidas no modelo Marvel televisivo, não passaram de balela. Essa foi a primeira mentira. A direção de Matt Shakman, de cara, soube extrair o ouro das inspirações cômicas na qual o cerne de cada episódio era construído em volta. I Love Lucy, A Feiticeira, The Brady Bunch, não havia maneira melhor de inserir o MCU na TV que não fosse homenageando esse meio.

Algo que Kevin Feige sempre teve em mente enquanto revolucionava o cinema blockbuster com a Saga do Infinito era a ciência de quais fontes beber. Os filmes da Marvel dosaram a mão para, na mesma medida, homenagear e criar cenas memoráveis o bastante para se tornarem referência no futuro. Nesta década de construção da tensão e do clímax de Thanos, a Televisão americana passava por sua própria ascensão. O apreço pelas minisséries tomou Hollywood de solavanco, grandes nomes das telonas fizeram TV e foram reconhecidos e premiados por isso. Estrelas do próprio hall dos Vingadores, como Mark Ruffalo, tiveram performances desafiadoras e ovacionadas. 

WandaVision começou como uma estranha sitcom que homenageava as sitcoms do passado. Cada capítulo mudava completamente o formato, a linguagem, a abertura e até o cenário. Era uma aula de história com personagens da Marvel, algo inédito para o Universo que já fez de tudo, desde romances shakespearianos até óperas especiais e comédias no Ensino Médio. Então, quando saímos do ambiente do Hex, o misterioso domo que abrigava Westview, para entender o que rolou no mundo de fora, a minissérie perdeu o fôlego e nunca mais conseguiu recuperá-lo.

Para quem estava investido em Wanda Maximoff (Elizabeth Olsen) e no Visão (Paul Bettany), de nada importava a quantas andavam as coisas depois do Blip. Mas, mesmo assim, o roteiro encheu a tela com a presença de Monica Rambeau, Jimmy Woo e Darcy Lewis. Coadjuvantes bons? Sem dúvidas! Mas no que eles agregariam à série de origem da Feiticeira Escarlate? Volta à nossa mente, então, que a Marvel já fazia TV e enfiava personagens onde podia para dar o nó narrativo e suspirar no fim: “olha aí, estava na nossa cara sempre”. Quando o último capítulo sobe as letrinhas, e nenhum desses rostos periféricos tem o mínimo de desfecho, WandaVision decepciona.

Uma cena entre créditos de Monica encontrando alguém que pode guiá-la à Capitã Marvel 2 ou à Invasão Secreta não é o suficiente para quem acompanhou sua jornada aqui. A Darcy (Kat Dennings, subaproveitada), coitada, que passa O Grande Final sumida e aparece atropelando o grande chefão do mal, nem ganhou segundos a mais de tela para criar uma ponte com Thor 4. Falando no vilão, que é bunda mole o bastante para nunca representar ameaça alguma, Hayward é o cuspe de todos os generais que a Marvel já usou de antagonistas: sem primeiro nome, sem carisma e sem motivação. Ele queria parar a Wanda, pois! Mas, e o motivo? Ah, porque sim.

Todo o enredo da corrupção da S.W.O.R.D. já foi feito melhor em Soldado Invernal. Os momentos fora do Hex e longe da série da Wanda ajudaram a tornar enfadonha a experiência de acompanhar uma história honesta sobre perda e dor, protagonizada pela personagem mais interessante da Marvel. No episódio 8, Wanda participa do Arquivo Confidencial do Faustão ao lado de Agnes, e a bruxa revê uma de suas primeiras interações com o futuro marido, logo após a morte de Pietro em Era de Ultron.

Quando expressa o vazio que sente, Wanda ouve um Visão, ainda confuso com as emoções humanas, declarar em forma de dúvida, “o que é o luto, se não o amor que persevera?”. A Marvel nunca antes havia mergulhado com vontade em temas inerentes ao comportamento social dos heróis. Essa fala do robô acontece uma semana depois da minissérie homenagear Modern Family para mostrar o estado depressivo da protagonista. A mudança das décadas entre sitcoms ajudou a denotar a fricção do modelo de família americana que os Estados Unidos representava.

O que começa com os anos 50, a esposa de saia rodada e com a capacidade de cozinhar uma refeição enorme em poucos minutos, se tornou uma desconstrução do papel das narrativas televisivas na vida de quem assistia. Ninguém é perfeito no mundo real, então isso não deveria ser feito na ficção. A casa muda de tamanho, os bebês nascem e crescem. O protagonismo é compartilhado. Quando chegamos nos anos 2010 e Modern Family vira o papel-carbono da semana na Marvel, eles falam sobre depressão, sobre medicamentos e sobre como aceitar essa condição é o primeiro passo para a melhora, por menor que seja.

Super-herói tem direito a terapia? A minissérie tinha tudo para responder isso, fugir do clichezão das lutas aéreas e justificar seu papel como precursora televisa, abrir a Fase 4 e reapresentar a Feiticeira nesse contexto pós-Thanos, sem irmão, sem marido e completamente instável. Ela vivia sua própria e autoinduzida quarentena, enquanto o mundo fazia o mesmo, mas sem o poder de escolha. Wanda Maximoff, uma mutante nos quadrinhos, era peça central das histórias dos X-Men, a minoria que lutava por respeito. O que é WandaVision, senão a Marvel finalmente adereçando temas sensíveis e usando heróis de collant e látex no processo?

Não houve equívoco maior. A razão está ligada ao vício da série em querer se justificar e explicar cada frase e cada cena. O Arquivo Confidencial do episódio 8 foi eficiente por revisitar os traumas em favor do desenvolvimento de Wanda. Assistimos o momento onde sua infância mudou para sempre. O passatempo da família em Sokovia era devorar séries americanas (a-há!), até que uma bomba explodiu os pais dos gêmeos, que passaram dias esperando um míssil Stark ser acionado e finalmente acabar com o sofrimento dos Maximoff, matando-os. 

A bomba nunca fez o seu trabalho. Agnes revelou que Wanda usou magia de probabilidade para salvar sua pele e a de Pietro. A Joia da Mente, na verdade, apenas despertou uma parte dormente dos poderes da jovem Wanda. Um artifício de retcon interessante e pertinente, colocando a jovem mulher como um receptáculo muito maior do que os filmes da Marvel nos mostraram. Numa conferência da S.W.O.R.D., Hayward pergunta enfaticamente se Maximoff tem algum ‘apelido engraçado’, para o que algum coadjuvante nega. WandaVision cai nas armadilhas que a própria Marvel tem feito de piada nas produções recentes, jogando a isca para Wandinha ser chamada do que sabemos que ela será chamada.

O que resulta no pensamento e terrível constatação que as personagens femininas necessitam de tramas engessadas e momentos de batismo clichês, pelo fato dos homens terem feito isso oito anos atrás, e, agora, essas batidas narrativas soam tão fracas e gratuitas (uma pausa para falar que a cena de Agnes nomeando Wanda é sensacional e não deve nada aos heróis babões dos Vingadores). Capitã Marvel, primeira mulher a ganhar um filme solo, só conseguiu o feito 2 anos atrás. Viúva Negra morreu e só terá história própria agora. Wanda era até anteontem pintada como a deusa, louca e feiticeira do grupo, sem personalidade própria ou tempo de tela suficiente para ganhar apelo para além do carisma de Olsen. 

Precisou uma pandemia mundial e o desgaste monstruoso do cinema para as mulheres ganharem o protagonismo e fugirem do arquétipo do par romântico, da maluca ou da personagem poderosa demais, mas estranhamente sem minutos suficientes para trabalhar com essas habilidades. E querer usar a Feiticeira como arma clichê do gênero não representa algo maléfico, mas WandaVision fez representar. A escolha de exibir semanalmente os curtos capítulos abriu espaço para um alvoroço e para a criação das mais mirabolantes teorias.

E elas foram a bênção e a maldição da série criada por Jac Schaeffer. Tudo começa com a notícia de que a trama WandaVision desembocaria diretamente em Doutor Estranho 2, que tem Multiverso no título. O que vem de antes, considerando a compra da Fox pela Disney, e lê-se aqui que os X-Men agora podem aparecer no MCU. Eis que, no meio de uma discussão entre o casal principal, alguém bate à porta. Ding-Dong. É um homem branco, jeito de moleque e de cabelos intencionalmente prateados. Evan Peters, que fez o Mercúrio na saga dos Mutantes anos atrás, dá as caras aqui vivendo o mesmo personagem, velocista alado e irmão da Wanda.

As pessoas perderam a cabeça. Dúvidas e teorias se multiplicaram como coelhos no inverno. A interpretação de Evan Peters remete ao ar jocoso do Pietro da Fox, mas toda sua origem é a da versão que morreu em Era de Ultron. Quais são os planos da Marvel? No fim, o estúdio apenas confirmou o receio já latente de que a simplicidade comanda o Universo. Esse Mercúrio, que era ponto central da história de WandaVision e uma demonstração física da estranheza proposital do seriado, some e nunca mais é dedicado a ele tempo para se justificar ou, ao menos, para existir ali

O que foi repetido pela presença de Agnes. A vizinha enxerida passa o começo da série citando seu marido Ralph e fazendo piadas de duplo sentido com o Inferno e o Diabo, mas nada evolui. Parece que o time de roteiristas tinha ideias, mas elas morreram no processo de solução dos mistérios e mesmo assim foram mantidas. Foi a Agatha o tempo todo! Ainda bem, pois o que não precisávamos era de mais um vilão genérico homem e sem qualquer carisma ou singularidade. A presença iluminada de Kathryn Hahn, acostumada ao formato de sitcoms na carreira, é o fator determinante do saldo positivo de WandaVision.

Um saldo positivo que a cada semana ia extraindo tudo de bom e focando nos fatores mais prejudiciais da série como série. A simplicidade ter reinado por 8 semanas não era um bom sinal. O que não significa que WandaVision precisava de cameos malucas, teorias confirmadas ou a aparição do Quarteto Fantástico, nada disso. A cultura da teoria tem reivindicado esse lugar de barulho, onde algo só é bom e vale a pena se o Luke Skywalker aparecer de surpresa e salvar o Baby Yoda de todo o mal.

A revelação da Agatha sozinha funciona por influenciar a jornada de Maximoff sem soar gratuita. A série da Feiticeira e do Visão não precisava de nada além da Feiticeira e do Visão. O que nasceu com a promessa de desvendar o luto, os traumas e as consequências da tristeza em alguém super humano, acabou renegando esse caráter de sensibilidade e força. Qual a solução que fica? O luto é passageiro e tudo vai dar certo porque seu marido robô ainda pode viver e os filhos mágicos estão em algum lugar por aí? WandaVision começa com Wanda sem controle dos poderes e buscando maneiras de controlar seus sentimentos, e acaba com ela tendo feito exatamente isso, mas pulando o momento de viver com a perda e entender o papel eterno e duradouro das ações de Thanos. 

A metamorfose das décadas televisivas em WandaVision não teve papel na narrativa, fora a estética e a graça de piscar para os nerds da TV. Se o Visão voltou, as crianças têm chance de retornar, e ninguém de Westview se revoltou contra a bruxa, então de que serviu a jornada dela por 9 episódios? Passar de superpoderosa descontrolada para superpoderosa controlada não é um arco narrativo satisfatório, e foi feito mesmo assim. E a parte triste é que a mente por trás dessa escolha tinha total ciência das consequências. Agora, aguardemos para ver Wanda ao lado do Doutor Estranho, torcendo para a Marvel não decidir jogar tão baixo novamente.

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Isabella Siqueira

Não é surpresa para ninguém que Anya Taylor-Joy é uma das atrizes mais promissoras da nossa época desde que estrelou A Bruxa. Uma das séries queridinhas de 2020, O Gambito da Rainha reafirma o talento da jovem que conquistou o público e a crítica, assim, a semelhança entre a protagonista da minissérie e de sua intérprete está justamente na característica de prodígio que ambas possuem. Com a implacável Beth Harmon nos mostrando como os jogos de xadrez podem ser tão interessantes quanto as lutas em Rocky (1976) ou Karate Kid (1984).

A produção da Netflix, que estreou no final de outubro, já é umas das mais assistidas de toda a plataforma, e não é por menos. Visto que, a jornada da protagonista leva ação e emoção para o que imaginamos serem partidas chatas de xadrez, sendo impossível não torcer para a jovem que prova seu talento contra todas as expectativas que atuam contra ela.

Logo no primeiro episódio já fica claro o inimigo da trama e de Beth: ela mesma. A prodígio de alguma forma consegue ser o empecilho em sua carreira, mas ainda sim o buraco é mais embaixo. Após o que parece uma cena da jovem de ressaca e atrasada para uma importante partida em Paris, somos levados ao passado conturbado da menina, que após a morte da mãe é enviada para um orfanato em meados de 1950. Sendo apenas mais uma entre várias meninas que esperam uma adoção, Beth logo começa a se esgueirar para praticar xadrez no porão do lugar.

Após essa primeira fase da série, a protagonista adentra mais um espaço familiar desestruturado, mas que ao mesmo tempo a permite ter liberdade para explorar seu talento nato. Adotada por um pai calado e que desaparece rapidamente, a protagonista estabelece uma relação de cumplicidade com sua mãe adotiva e aspirante a empresária, Alma Wheatley (Marielle Heller). A relação entre Anya e Heller é, inclusive, um dos pontos mais agradáveis da obra, mesmo que inicialmente reunidas por conveniência, com a junção desses indivíduos que enfrentam a solidão e o abandono comovendo pela sensibilidade.

Com muitas vitórias e uma certa arrogância, essa bem justificada, a trama acompanha Beth em uma jornada onde ela derrota e contesta todos que duvidam dela. E mesmo que a personagem recuse ser retratada pelo diferencial de ser mulher, o machismo clássico dos anos 60 se encontra em cada olhar dos que debocham da prodígio. Logo que começa uma tour por campeonatos pelo país todo, ela concorda em abrir mão de sua juventude e da realidade comum do colegial.

Ao longo dessas partidas e com a descoberta do desejo de derrotar o clássico inimigo russo, considerando claro o contexto da Guerra Fria, alguns nomes bem carismáticos vão ganhando caminho na vida da enxadrista. A exemplos dos jogadores Harry Beltik (Harry Melling) e Benny Watts (Thomas Brodie-Sangster), que apesar de tentarem entrar no mundo e coração fechado da moça, acabam frustrados pela verdadeira obsessão dela: o xadrez.

Contudo, apesar do caminho brilhante que traça em cada partida, O Gambito da Rainha mostra que a derrocada da personagem é inevitável. Os vícios que a acompanham também são o que garantem, na cabeça dela, suas vitórias. Para a protagonista, é impossível vencer sem a bebida ou as pílulas verdes, uma espécie de calmante que surge logo na infância como uma rotina para ela. Mas, o que ela não percebe é o quanto a situação vai se tornando insustentável ao passar do tempo, e como o preço da genialidade não é justo ou gentil.

A solidão da personagem se acentua pela negação em pedir ajuda e se conectar com outros, apesar dela superar as questões da adolescência como as crises de autoestima e a descoberta do sexo, as barreiras emocionais continuam sendo o demônio de Beth Harmon. Contudo, apesar da impressão de estar sempre sozinha, algumas figuras amigáveis adentram carinhosamente sua vida, como o Sr. Schaibel (Bill Camp), que foi quem lhe ensinou xadrez e por sua vez apostou em seu futuro, e Jolene (Moses Ingram), amiga do orfanato, que ressurge justo no fundo do poço em que a moça se encontrava.

Apesar da trama em si ser muito interessante e vitoriosa em prender quem assiste, a maestria de Anya Taylor-Joy é impecável. A atriz encara uma personagem muito peculiar, com jeitos e maneirismos característicos nas partidas e também momentos dançantes que exalam charme. Ao mesmo tempo chama a atenção a caracterização convincente dos anos 60, desde as roupas mais simples até os vestidos elegantes que ela ostenta na Europa, o amadurecimento da personagem é visível e claro, muito estiloso.

Por mais que O Gambito da Rainha se passe em suma nos Estados Unidos, curiosamente as gravações aconteceram em Berlim e no Canadá. O cenário deprimente do orfanato e as imponentes salas que abrigam as tensas partidas de xadrez também não passam despercebidas. Baseada na obra homônima de Walter Davis lançada em 1983, a adaptação da Netflix acerta também na fotografia e direção, realizada por Scott Frank e Allan Scott, que se complementam bem com o roteiro afiado e figurino belíssimo da produção.

Até para quem não entende nada de xadrez e desse mundo complicado de regras e estratégias, The Queen’s Gambit torna emocionante assistir cada partida. Os olhos da focada Beth Harmon são o destaque em diversas cenas, mesmo que não intencionalmente, e a expressão da atriz é um deleite para o público, que vibra a cada movimento, suspiro e por fim, vitória. Histórias sobre amadurecimento nunca saem de moda, e se tiverem a presença de Anya Taylor-Joy elas ficam melhores ainda.

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Letícia Machado e Rafaela Thimoteo  

Como um bastardo, órfão, filho de uma prostituta e pai fundador dos Estados Unidos presente na nota de dez dólares se tornou um dos maiores fenômenos na indústria dos musicais e plataformas de streaming de todos os tempos?

Hamilton: An American Musical é um musical composto, escrito e protagonizado por Lin-Manuel Miranda. Norte-americano de família porto-riquenha que nasceu em Nova York, em 1980, Miranda se inspirou na biografia de Alexander Hamilton do historiador Ron Chernow para criar essa peça.

Miranda estava férias de outro espetáculo que escreveu para a Broadway, In the Heights, em 2008, quando leu a biografia sobre Hamilton. Decidiu, então, não desperdiçar sua chance de fazer um musical totalmente inspirado na vida de um dos pais-fundadores dos Estados Unidos. 

O gênio por trás da obra já havia mencionado durante entrevistas que as pessoas subestimavam o potencial, a história e relacionamento de Alexander Hamilton com a cidade de Nova York. Foi a partir deste sentimento que o show começou a ser desenvolvido. 

Em maio de 2009, Miranda foi à Casa Branca, durante o evento Evening of Poetry, Music and the Spoken Word apresentar uma versão inicial da abertura do futuro espetáculo. Ele acabou surpreendendo e arrancando risadas dos convidados ao anunciar que faria um musical de hip hop sobre o primeiro Secretário do Tesouro dos EUA.

O musical estreou em fevereiro de 2015 off-Broadway (termo utilizado quando um musical é exibido em outros teatros profissionais menores que a Broadway), no Teatro Público de Nova York e tornou-se um sucesso de bilheteria e críticas positivas. Em agosto do mesmo ano, foi transferido para o Teatro Richard Rodgers na Broadway e os ingressos foram esgotados ainda na pré-venda. 

De acordo com a Forbes, após esta estreia a disputa por lugares foi tão acirrada que alguns ingressos chegaram a custar cerca de US$ 11 mil. Ainda em 2015, o musical rendeu a Lin-Manuel Miranda o prêmio History Makers Award pela New York Historical Society, assim como o de Melhor Música, Melhor Letra e Melhor Libreto de Musical no Drama Desk Awards. 

Em 2016, Hamilton obteve o recorde de 16 indicações ao Tony Awards, e conquistando 11 prêmios, entre eles o de Melhor Trilha Sonora Original, Melhor Ator, Melhor Figurino, Melhor Direção, Melhor Coreografia e o principal da noite: Melhor Musical. Hamilton também venceu como Melhor Álbum de Teatro Musical no Grammy e Lin Manuel Miranda recebeu o aclamado Prêmio Pulitzer de Drama.

Da Broadway diretamente para o streaming 

Após o sucesso estrondoso, Lin decidiu realizar uma versão do show para o cinema com o elenco original. As filmagens foram realizadas em 3 apresentações diferentes, o que gerou alguns erros pontuais de continuidade, como a mudança de detalhes na roupa de alguns personagens, mas que não atrapalharam o êxito da obra. 

Devido à pandemia de COVID-19, o lançamento do filme que estava previsto para 15 de outubro de 2021, foi antecipado para 3 de julho de 2020, diretamente na plataforma de streaming Disney +, que chegará no Brasil somente em novembro deste ano. O trailer de Hamilton alcançou mais de 4 milhões de visualizações na data em que foi lançado. 

Influências

Se na música introdutória Alexander Hamilton afirma que “há milhões de coisas que ele ainda não fez” o show segue na direção oposta e faz o que outros musicais premiados da Broadway como O Fantasma da Ópera (1986) e Wicked (2003) não fizeram. De uma forma super contemporânea, o musical explora uma mistura gêneros usando o hip-hop, R&B, o pop e o soul. 

Com raps que chegam a alcançar a marca de 19 palavras em 3 segundos, como acontece em Guns and Ships, o ator coadjuvante Daveed Diggs (que interpreta tanto Lafayette quanto Thomas Jefferson) possui o recorde de rapper mais rápido da Broadway. Sua performance foi tão excepcional que ele recebeu o prêmio de Melhor Ator Coadjuvante de Musical no Tony. O espetáculo entrega também um número difícil de ser batido: segundo o Five Thirty Eight, Hamilton apresenta uma média de 144 palavras por minuto, quando na média, musicais da Broadway apresentam de 58 a 77 palavras por minuto. 

O estilo musical de cada personagem também é individual, o que atrai ainda mais  à atenção para os mínimos detalhes. Enquanto o personagem Lafayette canta com um tom mais rouco em um rap rápido, certeiro, rimando várias palavras por estrofe em referência à rappers dos anos 90 como DMX, Ja Rule e Big Pun, Aaron Burr possui músicas com raízes no estilo musical popular jamaicano Dancehall.

Ao longo de quase 3 horas, os espectadores são capazes de se emocionarem com o R&B de Helpless e a balada romântica de Dear Theodosia, ou rirem do personagem Rei George III em You’ll Be Back e What Comes Next? no ritmo de um pop leve e divertido. 

Assim, o show apresenta músicas que atraem diversos tipos de público, que se emocionam, acredite se quiser, com a história de como o sistema econômico americano foi estabelecido. O sucesso das músicas também foi comprovado em 2016, quando o álbum The Hamilton Mixtape foi lançado e estreou em primeiro lugar na Billboard 200 com mais de 187 mil cópias vendidas.

A experiência visual

Um dos diferenciais que também garantiu pontos positivos para o filme foi a grande direção de Thomas Kail, cineasta norte-americano, também premiado com o Tony. A forma como as coreografias e o cenário foram meticulosamente montados colabora para que quem assista sinta a emoção dos atores. 

O terceiro dia de gravação do musical, que aconteceu sem a presença da platéia, garantiu cenas em planos fechados que detalham os sentimentos dos atores e até mesmo a saliva do Rei George III, interpretado por Jonathan Groff (Mindhunter), o que provoca uma experiência diferente até mesmo para quem já assistiu o musical no teatro.

O palco com o mecanismo circular móvel colabora para cenas em que as irmãs Schuyler andam pela “rua”, assim como em cenas no estilo Matrix no qual após um tiro a bala “caminha” lentamente pelo ambiente durante um monólogo.

Um dos destaques deste mecanismo está presente na música Satisfied, quando o movimento e a troca repetitiva de câmeras, combinados com as luzes e coreografia, provocam o efeito de retrospectiva e confusão de Angelica Schuyler. A personagem conta os fatos narrados na música anterior, mas desta vez do seu ponto de vista.

O palco da diversidade  

Além da inovar ao contar a história da independência dos Estados Unidos, um dos pontos mais marcantes de Hamilton é a inclusão de diversidade tanto nas letras das músicas quanto no elenco. Em alguns momentos da peça, as músicas falam sobre a questão dos imigrantes, sobre a busca por uma vida melhor e também fazem críticas à escravidão. 

Em Cabinet Battle #1, Hamilton enfrenta Thomas Jefferson em uma batalha de rap e critica o oponente dizendo que o Estado de Jefferson só possuía dinheiro suficiente para pagar as dívidas porque não distribuía salários, ou seja, seu lucro vinha da exploração de escravos.

O musical destaca atores negros, asiáticos e latinos para protagonizar os personagens da peça, quebrando paradigmas e mostrando que apesar da adaptação falar sobre figuras históricas que eram em sua maioria brancas, nada impede que sejam interpretados por pessoas de etnias diferentes.

A questão migratória também está muito atrelada a narrativa, tanto que em 2016, no lançamento de The Hamilton Mixtape, uma das músicas, intitulada Immigrants (We Get The Job Done), aborda a situação dos imigrantes, a injustiça que sofrem e critica o discurso xenofóbico.

A História está de olho em você

Mesmo recebendo prêmios e reconhecimento por contar de uma forma atual e dinâmica a história da independência dos EUA e a vida de Hamilton, é importante lembrar que o musical é uma adaptação de fatos reais, não um livro de História. Lin- Manuel Miranda alterou alguns elementos para desenvolver a narrativa. 

Em My Shot, Alexander fala sobre “um grupo de amigos abolicionistas” em referência a seus companheiros Laurens, Lafayette e Mulligan. Porém, mesmo participando de uma organização em prol da abolição e criticando Jefferson, alguns historiadores afirmam que Hamilton não tinha essa luta como prioridade. A família de sua esposa tinha escravos, assim como George Washington, de quem ele era muito próximo.

Em entrevista à Vanity Fair, Christopher Jackson, que interpreta George Washington, diz que como um homem negro, teve de conciliar estar na pele desse personagem e mostrar de alguma forma a vergonha de Washington em relação a escravidão, assunto que o personagem não cita diretamente durante a peça, mas que retorna em Who Lives, Who Dies, Who Tells Your Story.

Outro ponto de destaque é a presença das Schuyler Sisters: Angelica, Peggy e Eliza. Lin Manuel Miranda mudou pontos da história das irmãs, como ao escrever que Angelica era a mais velha e não tinha irmãos, portanto tinha que casar com um homem rico e subir socialmente ao invés de ceder à sua paixão pelo pobre Alexander.  

Registros históricos apontam que isso não é verdade. Angelica Schuyler tinha diversos irmãos, já era casada há anos e inclusive tinha filhos antes de conhecer Hamilton. Além disso, não estava presente quando ele e Eliza se encontraram. 

Miranda diz que ignorou esses fatores pois o musical seria dramaticamente mais interessante se Angelica não pudesse se casar com Hamilton por pressões sociais. Ele também buscava mostrar a personagem como uma intelectual, com visões feministas. Em The Schuyler Sisters, a atriz Renée Elise Goldsberry que interpreta Angelica, canta: “Eu tenho lido O Senso Comum de Thomas Paine e, por isso, os homens dizem que sou intensa ou louca”. 

Em Ten Duel Commandments os personagens falam sobre as dez regras que devem seguir durante os duelos armados. Apesar de pesquisas apontarem que existiam na verdade vinte, Miranda decidiu colocar apenas metade influenciado pela música Ten Crack Commandments do rapper Biggie Smalls.

Uma batalha de momentos marcantes 

É impossível falar desse musical e não destacar o trabalho do ator e cantor Leslie Odom Jr., que inclusive ganhou o Tony de Melhor Ator pelo personagem Aaron Burr. Seu papel como do rival de Hamilton evidencia a diferença na personalidade de ambos. Em Wait For It e Room Where It Happens conhecemos mais sobre o personagem, suas ambições e o porquê dele agir da forma que age.

A relação entre Alexander Hamilton e Aaron Burr ao longo da narrativa é um aspecto essencial na história. Somos apresentados aos personagens e descobrimos mais sobre a guerra, seguindo sempre um contraponto entre as opiniões de ambos. Burr é mais sucinto e contido, enquanto Hamilton sempre expõe suas opiniões.

Há sempre um paralelo entre os dois, como quando dizem que duelos são imaturos e não resolvem nada, mas no final acabam duelando entre si. Em Dear Theodosia, Burr expressa seu amor pela filha, enquanto Hamilton fala sobre seu filho. Por um momento a rivalidade entre eles dá lugar a um tom de delicadeza e emoção. 

E por falar em trechos emocionantes, a atriz de ascendência chinesa Philippa Soo, que interpreta Eliza, protagoniza um dos momentos mais marcantes do show na música Burn. Ressentida, ela canta enquanto põe fogo nas cartas que recebeu de Alexander.

Os paralelos entre as cenas continuam, a exemplo da primeira frase do musical: “como um bastardo, órfão, filho de uma prostituta…”, que surge quando Burr se refere a Hamilton. O protagonista também repete “eu imagino tanto a morte que parece mais uma memória”, pois um dos seus objetivos era deixar um legado antes de morrer. O mesmo paralelismo ocorre nas músicas mais voltadas ao desenvolvimento das batalhas, como em Right Hand Man e Yorktown. Em Non Stop trechos de várias outras músicas são cantadas ao mesmo tempo, em uma espécie de catarse. 

O fenômeno cultural Hamilton não apenas abriu portas para uma nova maneira de se contar um fato histórico, como também inovou o cenário teatral em aspectos como a construção das letras, ritmo musical, diversidade no elenco e interação com o público. Seguindo um modelo diferente das adaptações convencionais como Les Misérables (2012) e Cats (2019), Hamilton foi um dos primeiros musicais a ser disponibilizado por streaming em sua versão original, entregando para muitos fãs que ansiavam pelo lançamento e acompanhavam pelo Spotify, Twitter e Youtube, a sensação de assistirem diretamente da Broadway, da sala onde tudo aconteceu.

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