Victor Hugo Aguila

As relações familiares e os princípios que as circundam ganham uma nova face em Dolores, novo longa-metragem dirigido e escrito por Marcelo Gomes e Maria Clara Escobar, que compõem a seção Mostra Brasil na 49ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo. Com fortes elementos da cultura brasileira, o filme é um expoente do protagonismo feminino e seu impacto diante e fora das câmeras. Antes mesmo da sua primeira exibição, a presença forte do elenco e da produção já antecipava o agridoce da obra que o espectador estava prestes a presenciar.

Em um domingo gélido, característico da realidade paulistana, o Espaço Petrobras de Cinema obteve a grata presença dos amantes da Arte cinematográfica. A sessão lotada foi um indicativo não apenas do volume daqueles que se entregam e mergulham ao assistir qualquer produto audiovisual, mas também dos que reconhecem o valor de uma das nossas maiores preciosidades: o Cinema nacional. Contudo, o sentimento de gratidão não permeia apenas os fãs, como também a própria produção do longa. Sara Silveira, produtora, reiterou seus agradecimentos ao espaço. “Eu queria agradecer à Mostra. É sempre uma oportunidade para o nosso filme estar aqui. Sempre digo que os festivais servem de plataforma para dizer coisas, principalmente para nós, produtoras, que estamos sempre atrás das câmeras, e, para nos ouvir, temos que gritar muito alto”. 

Na ansiedade do que as retinas iriam presenciar, as conversas e risadas que pairavam na sala antes da exibição contrastavam com o enredo forte – e até angustiante – que seguiria. Na trama, Dolores (Carla Ribas), no seu aniversário de 65 anos, decide abrir um cassino – ainda que lute contra o vício em apostas. Sua filha, Deborah (Naruna Costa), lida com a agonia de esperar pela liberdade do namorado, confinado em uma penitenciária da cidade de São Paulo. Já a neta, Duda (Ariane Aparecida), deixa a ingenuidade falar mais alto ao acreditar nas falsas promessas de ir morar nos Estados Unidos, feitas por seu patrão. Neste Persona Entrevista, a atriz Ariane Aparecida comenta sua visão sobre Cinema, representatividade e as expectativas de seu novo trabalho. 

A gente viu agora a linda exibição do filme Dolores. O que significa para você, enquanto atriz, alguém que faz parte dessa obra, tê-la sendo exibida na Mostra?

Ariane Aparecida: “Eu gosto muito da Mostra porque é um lugar muito acessível de assistir filmes, principalmente para as pessoas que vêm de favela, como eu, e que são apaixonadas por Cinema. Dolores estar aqui é muito especial pra mim, porque é o maior longa-metragem que já fiz até então. Estar na minha cidade, com as pessoas que eu amo, com a minha família e meus amigos, é uma das coisas mais emocionantes que eu já vivi na vida. Tô muito feliz”. 

Enquanto discorria sobre esse fato, o sorriso de Ariane abarcava toda a atmosfera do saguão do Espaço Petrobras: gratidão e entusiasmo estavam emoldurados nas paredes. Antes da entrevista, a atriz estava conversando com as amigas que vieram prestigiá-la, além de celebrar com suas colegas de elenco. Durante o filme, ela permaneceu sentada nas poltronas da frente, ao lado de sua equipe e distante do restante da audiência. Naquele momento, a atenção de todas as pessoas estava voltada a se concentrar no seu trabalho, e não na sua presença, o que tornava esse distanciamento uma ponte encantadora entre uma emoção e outra. Tudo era genuíno e palpável. 

Falando um pouco sobre a representatividade do filme, a gente viu a história de diversas mulheres e diversas formas de exercer essa mulheridade. Como você acha que esse filme pode impactar as famílias que são majoritariamente constituídas por mulheres e as visões que se têm das relações entre elas? 

Ariane Aparecida: “O Brasil tem uma energia feminina muito forte, né? As nossas famílias são famílias femininas. Acho que tem essa coisa de ser uma família composta por mulheres na periferia de São Paulo. A Duda é um retrato muito bonito, porque muitas vezes a gente é um pouco injusto com as imagens que a gente cria das jovens periféricas dentro do Cinema e do audiovisual. Acho que é realmente um grito de meninas pretas e faveladas. É um retrato muito justo, fiel e cuidadoso em relação ao que nós somos, o que nós pensamos e o que nós queremos. A Duda é humana, intensa e verdadeira. Ela é real”. 

Ao analisarmos, de fato, Duda é uma personagem real. Apesar de sua força – evidenciada pela atuação brilhante de Ariane – é possível perceber a ingenuidade presente na fase em que se encontra. A jovem adulta, na busca compreensível de mudar sua realidade, acaba sendo vítima de uma narrativa cruel que permeia a vida de tantas mulheres da periferia de São Paulo. Apesar dessa transcrição do imaginário social ocorrer de maneira potente, há também delicadeza no roteiro, expressa tanto pelos olhares da atriz quanto da personagem. 

A Sétima Arte, vista muitas vezes enquanto um campo de disputas, onde várias abordagens podem se confrontar ao tentar serem ouvidas, nesse cenário, se forma um tabuleiro de alianças. Em uma conjuntura social ainda patriarcal, Dolores representa o sucesso presente na história de mulheres contada por outras mulheres. Ao colocar a personagem-título em uma posição de sensualidade – como quando ela beija um homem mais novo no banheiro do cassino – a produção e direção do longa, dentre diversas outras cenas, acerta e comprova como o olhar feminino é primordial para tais projetos. 

Além da representatividade feminina diante das câmeras, há também por trás das câmeras, com a produção e a direção do filme também sendo feitas por mulheres. Como você acha que isso pode impactar futuras produções e a vida de futuras mulheres que estão nessa carreira?

Ariane Aparecida: “Eu acho que a gente pegou as mulheres mais fodas do Cinema nacional e colocou num mesmo projeto. Esse resultado é uma causa disso. No olhar da Joana Luz, nossa diretora de fotografia, você consegue encontrar como retratar mulheres de um jeito que não é muito óbvio dentro do Cinema, que não é um olhar sexualizado ou um lugar subalterno. Todas as mulheres são deslumbrantes, gigantes e fortes. Elas têm vozes muito fortes dentro do filme. Eu acredito que isso não seria possível sem, por exemplo, a Maria Clara, sendo diretora do filme, sem a Joana, sendo diretora de fotografia, sem a Sara na produção. Isso faz com que o filme tenha o resultado que ele tenha. O filme em si tem uma presença feminina muito forte, e isso é muito legal”.

Fora a sua exibição em São Paulo, Dolores também obteve êxito navegando no mar carioca, sendo apresentado no Festival do Rio deste ano, e nas águas do Mediterrâneo, no Festival de San Sebastián, na Espanha. Ao cruzar fronteiras, o longa atesta seu sucesso e seu protagonismo no cenário cinematográfico contemporâneo. Através da honraria de assistir ao filme em um ambiente tão mágico como as salas de cinema, é possível compreender como Chico Teixeira, autor do roteiro original da obra, estaria orgulhoso e satisfeito com a forma majestosa que seu trabalho ganhou vida.

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Victor Hugo Aguila

Desejar mudar sua realidade é a aposta mais arriscada – e vantajosa – que alguém pode ter. Na seleção da Mostra Brasil da 49ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, Dolores apresenta a história de três mulheres da mesma família, em diferentes gerações. Ao abordar o sentimento de ambição compartilhado entre neta, mãe e avó, o longa mostra uma nova maneira de enxergar a relação entre mulheres. 

Com a vontade de abrir um cassino prestes a completar 65 anos, a personagem-título, interpretada por Carla Ribas, é a representação perfeita do agridoce da impulsividade. Lutando contra o vício em apostas, a protagonista encara ao longo do filme a disputa que é desfrutar de seus desejos sem perder a racionalidade. Ainda que seja fiel a si mesma, a aniversariante peca vorazmente ao ser consumida pela ânsia e pela pressa, frustrando não apenas suas relações interpessoais, como também as expectativas que possui de si mesma. 

Para além da individualidade das personagens, a obra expõe brilhantemente o abismo emocional que existe entre a sexagenária e Deborah (Naruna Costa), sua filha, e como os vínculos familiares refletem suas identidades. Ao ser abandonada e furtada por seu namorado, após a saída do rapaz da prisão, a primogênita se encontra em uma posição de vulnerabilidade emocional e financeira. Em análise, é perceptível como esse movimento é recorrente em sua vida, uma vez que sua mãe a coloca na mesma posição depois de vender a casa que ambas tinham sem seu consentimento. A partir disso, é destrinchado verdadeiramente o que constrói sua personalidade e como isso afeta – ou não – sua forma de se ver e se portar no mundo que lhe cerca. 

Duda (Ariane Aparecida), por sua vez, tenta se desvencilhar da realidade que a contempla ao acreditar nas falsas promessas de seu patrão, que desperta sua fantasia de ir morar nos Estados Unidos. A neta, com uma postura forte e audaciosa, recai na ingenuidade permeada pela idade ao aceitar fazer parte de um esquema de tráfico de armas. Ainda que a personagem represente fielmente o contexto social de muitas mulheres da periferia de São Paulo, o modo de transcrever o imaginário social ocorre de maneira delicada e potente, combinada a atuação exemplar de Ariane. 

Além dessa ótica, o enredo representa fielmente a lógica cruel e patriarcal que ainda persiste atualmente: o condicionamento de mulheres a lidar com as consequências de ações cometidas pelos homens. A presença marcante de Dona Ida (Teca Pereira), por exemplo, corrobora essa perspectiva. Ao narrar para Deborah como deixou a profissão que tanto amava por pressão do marido – que a abandonou durante sua gestação –  é evidenciado o apagamento da sua individualidade e do seus desejos em prol de uma relação. A obra com roteiro original de Chico Teixeira se consagra enquanto forte expoente da poesia cinematográfica a partir da abordagem séria, crítica e sutil. 

Esteticamente, o filme triunfa na fotografia. Com os tons da cidade de São Paulo ao seu favor, a direção de arte, feita por Juliana Lobo, e a montagem, de Joana Luz, são os pulmões das cenas, oxigenando o espectador a cada movimento. Além desse aspecto, elementos culturais característicos da brasilidade trazem familiaridade e conforto ao serem desfrutados – como a cena dos brigadeiros sendo decorados para a festa de aniversário de Dolores. O apreço em se identificar afetivamente com determinados momentos do longa demonstra a ternura para além das câmeras. 

Ainda, é primordial destacar a produção e direção enquanto algo digno de engrandecimento. Dirigido por Maria Clara Escobar, além de Marcelo Gomes, e produzido por Sara Silveira, Eliane Bandeira e Maria Ionescu, o longa abarca a representatividade feminina para além das câmeras. Ao portar figuras femininas em posições de destaque, e com orientações de outras mulheres, Dolores pode ser definido como coerente. Mais que valorizar tais vozes, é efetivada sua proposta inicial e mais importante: enxergar a mulheridade através de uma perspectiva de sujeito, e não objeto. 

Sob uma perspectiva contemporânea, o filme se mostra relevante ao usar elementos da era vigente para sua composição. A presença de músicas de artistas atuais como Afreekassia transmite ao espectador a sensação de lucidez, mostrando a possível atemporalidade da obra e atestando sua permanência. Além da trilha sonora, o próprio roteiro inova ao destacar a sensualidade de Dolores, uma mulher idosa, na cena em que ela beija um homem mais novo no banheiro do cassino. Nessas construções de cena, ceder o protagonismo da sexualidade a uma mulher mais velha é, além de disruptivo, extremamente necessário. 

Dolores é um escopo magnífico e orgulhoso do cinema nacional. De um ponto de vista crítico, questões como vaidade, prazer e coragem ganham um ambiente fértil para desabrochar sem cair num conto raso e estereotipado. A partir de recursos visuais ricos e com uma estética característica e identitária, a obra garante seu prestígio ao ousar para além do texto e do que se espera de histórias contadas por e para mulheres. De maneira inata e já sendo um prodígio, o longa é o exemplo perfeito de que a cinematografia brasileira tem tudo para ser um sucesso.

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Vitor Evangelista

Paloma trabalha colhendo mamões em uma plantação, faz bico de cabeleireira, namora com Zé e, junto dele, cria a pequena Jenifer no interior do Pernambuco. Ela é espirituosa, bondosa e amada por todos da cidadezinha, e no fundo, tem um desejo próximo ao coração: se casar na igreja, vestida de noiva, com buquê e chuva de arroz. Mas, quando enfim toma coragem e chega ao padre com o singelo pedido, ouve um sonoro ‘não’. Por ser uma mulher trans, o sonho de Paloma não pode ser concretizado. 

Na trama, presente na seção Mostra Brasil da 46ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo e inspirada por acontecimentos reais, quem interpreta Paloma é a grandiosa Kika Sena. Arte-educadora, diretora teatral, poeta e performer, graduada em Licenciatura em Artes Cênicas pela Universidade de Brasília (UnB) e mestranda em Teoria em Prática das Artes Cênicas pela Universidade Federal do Acre, Sena é pesquisadora nas áreas de gênero, sexualidade, raça e classe, e autora dos livros Marítima (2016) e Periférica (2017) e da zine Subterrânea (2019).

Sena fez história no mês de Outubro, quando se tornou a primeira pessoa trans a vencer o Troféu Redentor de Melhor Atriz no Festival do Rio 2022, premiação que também agraciou o longa com a honraria máxima da Première Brasil. O diretor Marcelo Gomes subiu ao palco e agradeceu, e depois da passagem de Paloma por Munique e pela Cidade Maravilhosa, a Mostra de São Paulo recebe de braços abertos esse que foi um dos finalistas para representar o Brasil no Oscar 2023.

A história, escrita a seis mãos por Gomes, Armando Praça e Gustavo Campos, é um mergulho no cotidiano de Paloma e nas tentativas de revolucionar sua vivência batalhando pelo mínimo de respeito e pelo básico de direitos. Embebidos pelo íntimo da protagonista e de seu amado, o pedreiro Zé (Ridson Reis), de cara somos apresentados à imagem de uma mulher apaixonada pela filha Jenifer (Anita de Souza Macedo), a quem carinhosamente se refere como ‘coração’, e pela vida que construiu ao lado do companheiro.

O sonho de casamento, que estampa tanto a sinopse quanto o belíssimo e refinado pôster do filme, surge como motivação e agente de consequência na direção de Gomes, cineasta que tem envolvimento nos roteiros dos recentes Acqua Movie e Divino Amor. Em Paloma, a força de Sena se dá no carisma e na primazia de esconder muito de suas verdadeiras emoções e empatias por baixo de um sorriso e uma expressão de entendimento tristonho.

Mas, quando o pavio está em completo estado de combustão, a artista convence como alguém levada para além do ponto de retorno. Afinal, para alguém querida e amada na cidade que habita, de que maneira ela deve encarar o cerceamento de sua individualidade e de seus almejos se não expressando angústia, medo e um bocado de raiva? A dita má fama que recai sobre o local assim que a notícia do matrimônio rompe a grande mídia é o suficiente para que a simpatia dos residentes se transforme no ódio presente na vida brasileira longe da ficção.

Transferindo violências para as vidas e os corpos que circulam Paloma, o filme ganha forma na amargura da felicidade, na virada do sorriso para as lágrimas e, principalmente, na descarga de terror que preenche a meia-hora final. Temas de exercício da religião, extensão da liberdade e desejo são a trinca que guia a mulher pelos campos de mamoeiros, trajetos esburacados e pelo deserto coletivo em que se localiza, assolada e atingida por todas as frentes, mas nunca em completo estado de devoração, como captura a fotografia de Pierre de Kerchove e ordena a montagem de Rita M. Pestana.

Diferente de um específico deserto particular que evoca margem para a existência do outro em estado de independência e permissão, o coletivo de Paloma é espaço para descascar um país imutável, impassível. E ela tem sede nesta seca. Sede de amor, de afeto, de trocas recíprocas e de respeito. Ela começa sua jornada clamando em um silêncio sorridente na estrada doce em que caminha, para logo se sentir literal e figurativamente atravessada pela amargura e pelo azedume, levando consigo todos aqueles que se emocionaram com sua história de feitos e invenções em nome do otimismo. 

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