Lucas Barbosa

Após 72 anos da sua última grande produção nos cinemas, A Odisseia volta a grande tela com a magnitude de um poema épico da Grécia Antiga, o texto de Homero conta através de memórias a saga de Odisseu, Rei de Ítaca, que após a Guerra de Tróia, fica 10 anos na tentativa de voltar para sua terra natal. Coube a Christopher Nolan a responsabilidade de produzir, roteirizar e dirigir uma das maiores obras da humanidade. E para quem fez Interestelar (2014) e Oppenheimer (2023) é a garantia de um filme com todo o esplendor que a história precisa: Grandes navios, armaduras gigantescas, monstros grotescos, e uma fotografia primordial. O problema disso? A obra se simplifica em um filme de ação e em certo modo foge do épico mitológico do poema homérico.

Nolan tinha uma obra complexa para produzir, com uma estrutura narrativa que foge da ordem natural de três atos que já estamos acostumados a ler em livros e ver nos filmes. É um poema pautado em flashbacks e em relatos subjetivos, e assim o longa foi produzido. O filme propõe uma história que se baseia nas lembranças tanto de Odisseu (Matt Damon), quanto dos personagens que o acompanharam antes, durante e depois da guerra. Porém, o roteiro enfraquece certas relações entre o próprio protagonista com as divindades dentro da obra, foi mais adaptável a um conceito muito mais contemporâneo de herói e vilão, enfraquecendo uma relação lógica de Odisseu, que não era o guerreiro mais forte, mas que tinha mais astúcia dentro do campo de guerra, habilidade essa que foi pouco explorada, deixando exposta apenas uma força física que praticamente não existia.

Existe um problema que aconteceu também em outros filmes roteirizados pelo Nolan: a dificuldade em escrever personagens femininos. Penélope (Anne Hathaway) não é a personagem passiva que chorava pela saudade de Odisseu, toda a narrativa dos pretendentes pela mão da Rainha de Ítaca é uma das mais importantes para toda a obra, não teve nada além de uma personagem que sofria pela partida do marido sem explorar a complexidade e inteligência da Rainha. A presença de Atena (Zendaya) também é muito enfraquecida dentro do longa, se tornando uma personagem de suporte emocional para Odisseu, ao invés de uma divindade importante para a obra.

Por final, a trajetória de Odisseu se transformou quase em uma jornada do herói, com as suas lembranças sendo o principal motor para o entendimento do filme, mas essas memórias reaparecem de forma distintas, pela relação de 7 anos de prisão do Odisseu pela Calipso (Charlize Theron) na Ilha de Ogígia, em que ele frequentemente comia Flor de Lótus. E quando acontece seu retorno a Ítaca, descobre que seu filho Telêmaco (Tom Holland) será atacado pelos pretendentes da mão de sua esposa a mando de Antínoo (Robert Pattinson) que pode ser declarado como o grande vilão do filme. E no fim, após conseguir salvar o filho, voltar a Ítaca e vencer o desafio do arco, elimina os rebeldes do seu reino, conseguindo sua redenção e partindo para o mesmo oceano que foi o seu maior desafio.  

A montagem feita pela Jennifer Lane é esplêndida, os momentos no palácio de Ítaca tem a tensão de um reino sem rei, a trilha sonora feita pelo Ludwig Göransson, é um ápice em toda a trajetória da Odisseia, consegue transmitir o vazio do oceano e também a tensão de uma guerra, tudo em uma mesma singularidade, os figurinos mesmo não sendo os mais fiéis a história e sua época, conseguem ser emblemáticos, a exemplo da Armadura de Agamenon (Benny Safdie), que mesmo sem nenhuma fala, sua postura e sua armadura emblemática são autoexplicativas.

Nolan sabe como produzir filmes que tem uma ação contínua e envolvente, o terror em todas as cenas com o cíclope polifemo é agoniante e sombria, e os momentos da Guerra de Tróia são violentos e sustentam uma velocidade dinâmica ao longa. Ao mesmo tempo, reduz partes drásticas da história para defender um simbolismo não apenas heróico, mas uma meia culpa sentida por Odisseu no momento em que ele percebe que a construção do Cavalo foi o estopim para o fim da Era do Bronze e um começo da Era de Escuridão.

A Odisseia de Homero é uma história muito complexa, e seus personagens trazem uma profundidade imensa que o poema necessitava, A Odisseia de Nolan é uma guerra dos pensamentos de um herói arrependido, onde todos ao seu redor ficaram rasos, sem a expressão necessária para um poema épico, como um filme de ação é excelente, empolgante e tem uma tônica que uma guerra precisa, mas a história falha na tentativa de fazer de uma pessoa ardilosa, um cavaleiro heróico.

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Eduardo Dragoneti

Sete anos separam Star Wars: A Ascensão Skywalker (2019) de O Mandaloriano e Grogu (2026). Nesse intervalo, a Lucasfilm abandonou os cinemas para investir nas produções do Disney+, onde O Mandaloriano (2019) nasceu como a aposta mais bem-sucedida da franquia desde a trilogia original de George Lucas. A série transformou Din Djarin (Pedro Pascal) e Grogu numa dupla amada globalmente, e o anúncio do longa foi recebido com uma expectativa alta, já que Star Wars não passava nas telonas desde as sequels, que deixaram um gosto amargo na boca dos fãs.

O problema central de O Mandaloriano e Grogu está na sua própria existência, e não na execução. A terceira temporada de O Mandaloriano encerrou o arco de Mando e Grogu com satisfação e as poucas pontas soltas sobre o tão misterioso planeta Mandalore foram ignoradas nesse filme. Bo-Katan e outros personagens interessantes que foram aclamados pelo público na série, também não retornam para o longa. O fanservice de inserir Zeb Orrelios, figura que até então só tinha aparecido nas animações desse universo, também não funciona por falta de aprofundamento na história do personagem. Poderia ser qualquer outro piloto da galáxia ajudando Mando, e o enredo continuaria o mesmo.

O roteiro assinado por Jon Favreau, Dave Filoni e Noah Kloor divide a história em blocos que se surtem como capítulos soltos de uma quarta temporada descartada. A missão de explodir uma base remanescente do Império, a busca por um Hutt desaparecido, ou estar fugindo de outro caçador de recompensas são aventuras que se assemelham com as da série. Uma Nova Esperança (1977), em tempo semelhante de projeção, construía um universo inteiro e apresentava personagens inesquecíveis. A comparação com os sucessos da franquia é inevitável quando se fala no retorno de Star Wars aos cinemas.

A impressão que fica ao fim do primeiro ato é de que o filme acabou, já que a missão que abre a história é resolvida com competência e ritmo. Quando a trama recomeça numa nova direção, já com quase uma hora, fica evidente que o roteiro (Jon Favreau e Dave Filoni) não tinha material suficiente para sustentar um longa-metragem. As cenas que preenchem esse segundo bloco existem para ocupar o espaço entre uma aventura e outra, sem agregar nada ao arco dos personagens nem ao universo de Star Wars, e o longa é autoconsciente disso. As cenas estão ali simplesmente para preencher tempo de tela.

Grogu continua sendo um acerto inegável, e Favreau usa o personagem como uma segurança. O ‘baby Yoda’, construído digitalmente pela equipe da ILM, ganha uma expressividade que o streaming não permitia fazer, e o diretor o usa com generosidade numa sequência central do segundo ato que remete aos clássicos de aventura como Gremlins (1984) e Willow: Na Terra da Magia (1988). A trilha sonora (Ludwig Göransson) sustenta os furos do roteiro e repete a fórmula: músicas icônicas da franquia e de O Mandaloriano, que preservam a identidade sonora de Star Wars.

Pedro Pascal entrega exatamente o que sempre entregou como Mando, nem mais nem menos. O personagem não desenvolve nada além do que já havia sido construído nas três temporadas anteriores, e o roteiro não lhe oferece nenhuma cena que exija algo diferente do que o ator já demonstrou saber fazer. A produção técnica, por outro lado, é impecável. Para as cenas com armaduras, perseguições e combates, Favreau contratou dublês e pilotos profissionais para evitar o excesso de CGI, e o resultado aparece na tela com fisicalidade, que as produções da Disney+ raramente são capazes de replicar.

Rotta, o Hutt, dublado por Jeremy Allen White (O Urso, 2022), é o caso mais sintomático do filme. O personagem tem uma trajetória com potencial, um jovem tentando escapar da sombra do pai, Jabba, para construir uma identidade própria, e Allen White entrega o que pode sob todo o CGI. O problema é que ele explica o posicionamento do personagem pelo menos três vezes em menos de 30 minutos, retirando qualquer espaço para o espectador descobrir por conta própria. A Coronel Ward, interpretada por Sigourney Weaver (Alien, 1979), também poderia se tornar uma nova grande peça para a Nova República, mas a trama rasa simplifica o trabalho da renomada atriz.

O Mandaloriano e Grogu funciona como convite para a série, mas peca em ser uma porta para o universo Star Wars. Uma Nova Esperança e O Império Contra-Ataca (1980), continuam sendo portais de entrada para qualquer espectador, independente de bagagem prévia. O novo longa exige três temporadas de investimento emocional para funcionar, e mesmo quem às assistiu sai sem nada novo e se quer se emociona. Alguém sem conhecimento da franquia provavelmente sairá com curiosidade sobre a série, porém dificilmente com vontade de mergulhar no universo que George Lucas constrói desde 1977.

A decisão de transformar O Mandaloriano em franquia cinematográfica diz menos sobre a história de Din Djarin e Grogu do que sobre o estado atual de Star Wars como propriedade intelectual. O sucesso da franquia é eterno, com boas produções saindo, como Andor (2022). Porém, após o fracasso de Han Solo: Uma história Star Wars (2018) e o fim da trilogia sequel em 2019, a Disney precisava de uma aposta segura para recolocar a saga nas telas. Mando e Grogu eram essa aposta, mas filmes feitos para não errar raramente acertam de verdade.

Star Wars ficou sete anos longe dos cinemas. Os fãs que suportam os episódios VII, VIII e IX, que acompanharam a série semana a semana e se encantaram com Grogu desde seu primeiro aparecimento no streaming, mereciam um retorno à altura dessa espera. O Mandaloriano e Grogu não é ruim, é confortável, competente e, em vários momentos, genuinamente divertido. No entanto, isso não é suficiente quando a franquia mais amada da ficção científica volta aos cinemas pela primeira vez em anos. Jon Favreau tinha os melhores ingredientes possíveis, mas optou por fazer um misto quente com achocolatado.

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Pâmela Palma 

O novo filme de Christopher Nolan (Tenet) estreou de um jeito diferente de tudo produzido pelo cineasta até hoje. Oppenheimer chegou às telas com um teor crítico e extremamente didático, algo raramente produzido por outros grandes nomes da atualidade. De forma densa, realista e rica em detalhes, a obra nasce com a intenção de retratar biograficamente a vida do físico e cientista J. Robert Oppenheimer, responsável pelo Projeto Manhattan e pelas duas grandes bombas atômicas utilizadas pelos Estados Unidos nas cidades de Hiroshima e Nagasaki como ultimato para cessar a Segunda Guerra Mundial em 1945.

Para facilitar a compreensão das três horas densas, Nolan constrói uma versão dupla, dividindo as cenas em duas partes: as coloridas, que representam a visão de Oppenheimer (Cillian Murphy), e as que possuem tratamento preto e branco, que, ao invés de relatarem fatos passados, teletransportam o público para o presente, em uma visão externa dos acontecimentos, fazendo com que o filme ganhe um caráter inédito e uma construção visual impecável. Apesar disso, em alguns momentos, o diretor parece ter dificuldade para encaixar os contextos em suas respectivas linhas do tempo, já que o longa aborda diversos personagens para seguir com a história.

O secreto Projeto Manhattan deu origem a Los Alamos, cidade financiada pelo governo americano que foi usada como berço para a bomba atômica. A arma, responsável por aniquilar cerca de 265 mil pessoas, foi construída em segredo no local, liderada por Oppenheimer com a participação de outros renomados físicos, que também ganharam pequenos momentos na trama. Entretanto, o grande elemento de análise é J. Robert Oppenheimer, vivido de forma impecável por Murphy, concorrendo à estatueta de Melhor Ator no Oscar.

Polêmico, ambicioso, confuso e covarde (quando não se tratava de física) são palavras que resumem bem a personalidade do cientista. Embora dono de uma mente genial, ele já possuía comportamentos problemáticos desde a academia. No que diz respeito à construção pessoal do personagem, a trama entrega ótimos resultados, principalmente nos primeiros momentos, ao abordar o fascínio de Oppenheimer pelos elementos químicos, em uma jornada para provar a si mesmo que ele pode fazer mais. É nítido que Cillian Murphy dá a vida e todo o charme necessário para trazer todas as nuances esperadas para o papel. 

Muito da obra gira em torno do caos político que pairava sobre a época. Neste contexto, Oppenheimer se afeiçoa pelo comunismo, logo quando se torna um professor renomado. Sua família não faz diferente: o irmão, Frank (Dylan Arnold), era membro ativo do Partido Comunista, e para a cereja do bolo, o protagonista se casa com Katherine (Emily Blunt), também alinhada ao movimento. Mesmo deixando a organização após se casar, por saber das complicações que causaria na trajetória do marido, os rastros desse passado os perseguem para sempre, se tornando o grande estopim para a carreira brilhante do físico ir ladeira abaixo.

Um ponto alto que merece o devido reconhecimento é o papel que Emily Blunt interpreta durante o desenrolar da história, crucial tanto para a trama, quanto para o descanso dos telespectadores e também reconhecida com uma nomeação da Academia, como Melhor Atriz Coadjuvante. É ela quem traz os principais momentos de emoção, já que a história conta com atuações totalmente racionais e frias. Por outro lado, Florence Pugh, que vive Jean, a amante do protagonista, não teve a mesma sorte e fez o melhor que pôde com seus poucos minutos de tela, que, na maioria, são apenas cenas de cunho sexual. Entre os saltos dessas relações, é nítido quão confusa é a mente de Oppenheimer, vivendo em uma relação morna com ambas as mulheres de sua vida, sem transparecer a sensação de um amor profundo. A morte de Jean surge apenas para tentar trazer uma entonação emocional para o personagem, mas acaba sendo irrelevante. Cillian Murphy e papéis sentimentais na mesma frase são coisas quase impossíveis.

À medida que o projeto se desenvolve e a tão esperada data do grande teste chega, nota-se a evolução do quadro perturbador do pai da bomba atômica. Além disso, algo muito importante vem à tona: o início das movimentações de Lewis Strauss (Robert Downey Jr.) para fazer com que Oppenheimer perca seus acessos confidenciais logo após a entrega da arma. Essa virada de chave é o primeiro passo de Nolan para a tentativa de segurar a curiosidade do espectador para o restante da trama.

Trinity, o momento que todos aguardavam ansiosamente, chega com um apoio gigantesco da trilha sonora de Ludwig Goransson. Composta por pianos, violinos e harpas, ela sustenta o suspense nos minutos antes da explosão, quando surge a grande reviravolta: o silêncio interminável, ao invés do barulho estrondoso de uma bomba, tudo que se pode ouvir é a respiração profunda de Oppenheimer. Nolan faz questão de projetar a cena desta maneira para lembrar que o filme é sobre a visão do personagem e não mais uma história sobre o ataque como outras mil que já existem. É o silêncio que permite captar as emoções de medo e ansiedade do físico, que seguem pelo momento em que os caminhões levam as verdadeiras bombas ao campo de batalha, no qual o vemos desmanchar em arrependimento.

Com um sucesso monstruoso, Oppenheimer acumulou estimados US$ 700 milhões nas bilheterias pelo mundo. O favorito da crítica lidera a lista de filmes indicados ao Oscar com 13 indicações, superando Pobres Criaturas, que possui 11 indicações na premiação mais aguardada do ano. Além deste grande êxito, o filme ainda levou várias estatuetas de premiações renomadas do cinema, como Globo de Ouro, SAG Awards, BAFTA (o Oscar britânico) e Critic’s Choice Awards. No Oscar, consolida sua corrida com Melhor Diretor, para Christopher Nolan, Melhor Filme e Melhor Som, entre outras nomeações.

Seguindo com as explosões. Quando o projeto final é entregue nas mãos das autoridades americanas, as suspeitas de Oppenheimer ser um espião soviético já estão no auge, já que uma operação comandada por um comitê forjado tem investigado a fundo seu passado. Vem a tona que tudo isso é armado por seu até então colega Lewis Strauss (Robert Downey Jr.). A atuação de Downey Jr. entrega uma performance avassaladora, talvez a melhor de sua carreira, digna de um Oscar de Melhor Ator Coadjuvante.

Como nem tudo na vida é perfeito, ainda faltando cerca de uma hora de Oppenheimer, após o ponto alto que foi o teste Trinity, Christopher Nolan assume o desafio de terminar de contar o restante da história de maneira que prenda a atenção do público. O que sobrou foi um emaranhado de questões políticas que decidiram o destino da carreira de J. Robert Oppenheimer. Os momentos de julgamento parecem intermináveis, contudo, necessários para a finalização do longa, que termina relatando nada mais e nada menos do que a realidade de uma mente brilhante que foi usada pelas autoridades da época e praticamente esquecida depois, reduzido a um homem comum colecionando medalhas.

Trazendo todos os elementos importantes para que possamos chamá-lo de um ‘‘super filme”, Oppenheimer não é para amadores. Longo, denso e detalhista, é uma obra-prima quando se trata de estrutura, uma vez que todos os elementos visuais e sonoros são excepcionalmente bem empregados. Ainda que o elenco possua grandes nomes para tentar suavizar a densidade, a história exige atenção máxima nas três horas de duração e ainda não superou outras grandes produções de Christopher Nolan, como A Origem e Interestelar. Ainda assim, é evidente que é um dos maiores lançamentos de 2023.

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Henrique Marinhos

Black Panther: The Album, trilha sonora de Pantera Negra, é composto por 14 faixas e foi produzido pela Top Dawg Entertainment, mesma gravadora de Kendrick Lamar. A obra se consolidou como um dos aspectos mais elogiados do filme lançado cinco anos atrás, apresentando uma fusão de influências africanas e afro-americanas que resulta em uma sonoridade autêntica e independente da produção audiovisual. 

O compositor Ludwig Göransson é quem assina a trilha e recebe seus prêmios, destacando como a música tradicional africana, o pop moderno e elementos orquestrais foram as fontes primárias de inspiração para as composições e para o projeto como um todo. Enriquecido também pela participação de artistas como Kendrick Lamar, SZA, Travis Scott e Anderson Paak.

O hip-hop do trabalho assume um papel proeminente no conjunto de faixas, assim como Lamar, o produtor e protagonista do disco. Ainda assim, felizmente, mantém espaço para a diversidade de gêneros que conversam entre si. Além do rap, há influências de R&B, soul e funk, mesmo que em frações do que poderia ser. All The Stars, destaque e single do álbum que marca a colaboração de Kendrick Lamar e SZA, recebeu uma indicação ao Oscar de Melhor Canção Original e um processo por plágio.

A trilha sonora é habilmente utilizada em diversas cenas do filme, amplificando as emoções e criando uma atmosfera única para passagens específicas – o que estranhamente não se traduz em toda obra audiovisual. All The Stars acompanha uma luta no cassino em Busan, na Coreia do Sul, enquanto Pray for Me preenche o fundo na invasão de Wakanda por Killmonger (Michael B. Jordan). Black Panther: The Album intensifica as emoções no retorno de T’Challa (Chadwick Boseman) ao país após a morte de seu pai, mas, de certa forma, todas parecem desconexas de uma narrativa única.

Apesar disso, é notável que Lamar não apenas produziu a soundtrack, mas também se inspirou nos personagens e nas temáticas do longa. Em várias faixas, ele se personifica como T’Challa e Killmonger, protagonistas e rivais da trama, explorando suas visões de mundo, conflitos e motivações. Ao menos, é o que ele tenta, o que nem todos os artistas convidados aparentam fazer, como no verso de PARAMEDIC!: “Eu sou um assassino / Ninguém é perfeito / Mas todos tem seu valor / Nós não merecemos tudo que o céu e a Terra são”.

Mesmo  que haja predominância de vários artistas do continente africano, como da África do Sul e da Nigéria, por exemplo, a mistura de elementos tradicionais africanos com batidas modernas soam sempre mais afro-americanas e ocidentais que as originárias. Em contrapartida a minoria de nomes consagrados do rap e do R&B estadunidense, como 2 Chainz, Schoolboy Q, Vince Staples e The Weeknd.

Esse conjunto de fatores propõe a plena validade da discussão sobre autenticidade quando os Estados Unidos premiam a trilha sonora de um filme estadunidense sobre um herói africano criado por eles mesmos. O que reflete na predominância de seus elementos em detrimento dos africanos, que são fragmentados, seja por não serem tão cativantes ao público alvo ou até estereotipados, em tempo que boa parte das faixas poderia tranquilamente ser confundida com alguma de DAMN. 

Essa observação suscita questionamentos sobre a representação autêntica da cultura africana no Cinema, além de pontuar o quão intrigante é o destaque do personagem de Michael B. Jordan como o antagonista Wakandiano – criado nos EUA – em defesa de sua cultura originária. Isso acontece em oposição ao herói da realeza, que segue uma trama não tão complexa e habitual de valores e narrativas culturais americanizada, mesmo sequer tendo conhecido a fundo o país de primeiro mundo pelo qual luta.

Em suma, Black Panther: The Album é uma obra musical impressionante que combina influências africanas e afro-americanas, de forma agradável e se mostrando um álbum completo. No entanto, sua conexão com o filme e a representação da cultura no audiovisual levantam questões interessantes sobre autenticidade e identidade.

Toda a complexidade dos personagens personificados no conjunto musical, especialmente o antagonista interpretado por Jordan, destaca a dualidade entre as duas narrativas ideológicas. Mais uma vez, o disco consolida a reflexão, ainda que não proposital, de que a representação da cultura para além do entretenimento ainda tem um longo caminho a percorrer.

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Vinícius Santos

“Muito bem, então, estou pronta.” – assim Adele termina a primeira música do seu novo álbum, 30. Acontece que, além dela, ninguém mais estava preparado para o que viria por aí. Lançado no dia 19 de novembro de 2021, este é o quarto CD da carreira da cantora britânica desde sua estreia em 2008 com o 19. Aclamado pelos críticos, Adele contou à Vogue, em outubro, que a obra era sua maneira de explicar seu divórcio ao filho e estava muito perto de seu coração, dizendo que ela “não estava desistindo deste”.

Mas ela não mentiu acerca do 30. Não é atoa que a complexidade de cada emoção, as nuances de sua produção e os mais diversos sentimentos transmitidos em cada letra do álbum fizeram deste seu trabalho mais ambicioso até hoje. Você pode pensar que esse é um discurso repetido e eu te digo que não está errado. Porém, é de se admirar a forma como Adele se reinventa a cada novo registro e traz, sempre, um novo pedaço de si. Quanto ainda falta para conhecermos 100% de Adkins? 

Analisando todas as suas produções, até o momento, esta é a que carrega a melhor nota da carreira da Adele no Metacritic, 88. Anteriormente, a maior média tinha sido 76 com o seu segundo disco. Isso é um triunfo para alguém cujo trabalho lançado em 2011 foi um recordista de prêmios e recordes. Porém, enquanto em 21 Adele se esforçava para ensinar o mundo inteiro a chorar, em 30 ela abre sua alma e se divorcia, não só de seu ex-marido, Simon Konecki, mas também de si mesma. É isso que faz da cantora londrina uma das estrelas pop mais admiradas universalmente – ela entrega seu coração ao ritmo e impede que ele fique preso no passado, cristalizado em âmbar. 

Sendo assim, é difícil imaginar algo mais pessoal do que as bombas de empatia que Adele normalmente deixa cair. Essa individualidade, por assim dizer, se dá pela enorme participação da cantora na escrita de todas as canções do disco, sem exceção. Mesmo assim, ela contou com a colaboração de alguns produtores e compositores, como Greg Kurstin, Max Martin e Shellback, que, inclusive, fizeram parte da produção do seu terceiro álbum, 25, e alguns nomes novos como o compositor e produtor de filmes Ludwig Göransson e Inflo, além de uma forte inspiração dos rappers Tyler, The Creator e Skepta. 

Como declarou a própria Adele em resposta à uma fã em uma live do Instagram, esse álbum “é sobre divórcio, babe, divórcio” e só isso já ditou tudo o que poderia vir por aí. A cantora nos contou uma história mais inesperada sobre o amor, infligiu essa dor em sua família, reconstruiu-se a partir do zero e agora tenta amar novamente. A forma como a jovem de 33 anos interage com suas tradições e entra em sincronia com o pop contemporâneo, R&B e hip-hop, a ajudou a chegar quebrando recordes e se consolidando como o álbum mais vendido de 2021. 

Fruto de uma colaboração com Göransson, Strangers By Nature abre as cortinas para o que vai ser o show de Adele. Inspirada pelas canções de Judy Garland, a cantora sente suas relações passadas de uma forma tão dramática e desesperada que mais parece uma mistura de Somewhere Over the Rainbow com os choros de uma divorciada consolada. “Vou levar flores para o cemitério do meu coração”, ela lamenta. 

Em nome de Adele, do Senhor e de seu filho Angelo, Deus abençoe a sagrada Easy On Me, a balada de piano com uma abertura sublime e que mais uma vez prova que Adkins pode fazer mágica com uma única sílaba. Essa culpa e esperança de ser compreendida por seu filho, inclusive, rende um dos materiais mais ricos do disco. My Little Love é de longe o diamante bruto do álbum – ela inclui gravações particulares de conversas ternas na hora de dormir entre Adele e Angelo à medida em que eles se ajustam ao divórcio. “Você sente a dor do meu passado?”, ela pergunta, quebrando seu coração.  

Essa é uma das cinco músicas em 30 que se espalham além da marca dos seis minutos. Ao final da faixa, temos a versão de Adele em uma nota de voz crua onde ela admite que, pela primeira vez em anos, se sente realmente e verdadeiramente solitária. É difícil ouvi-la assim, alguém que é facilmente capaz de superar um poço de emoções, admitindo de forma clara que está quebrada e aterrorizada.

“Estou tendo um dia ruim, um dia bastante ansioso

Me sinto paranóica, me sinto muito estressada

Hum, estou de ressaca, o que nunca ajuda, mas

Eu sinto que hoje é o primeiro dia desde que fui embora que me sinto solitária

E eu nunca me sinto solitária, eu adoro ficar sozinha

Eu sempre preferi ficar sozinha do que ficar com pessoas

E sinto que, talvez, eu esteja compensando

Ao sair e coisas assim, para manter minha mente longe dele

E sinto que hoje, estou em casa, e quero estar em casa

Eu só quero ver TV e me enrolar em uma bola

E ficar de pijamas e coisas assim

Eu me sinto realmente solitária

Estou com um pouco de medo de me sentir assim sempre”

Depois de todas essas reparações e desculpas, Adkins traz o que já estávamos acostumados, com duas faixas pop mais curtas sobre relacionamento, novamente. A primeira, intitulada Oh My God, mostra um refrão viciante e prova que os tiques vocais de Adele podem fazer muito para caracterizar uma canção. Certeza que você também vai se imaginar dançando em uma festa alternativa e cult ao som dessa faixa eletrizante. Se pode Ed Sheeran, por que não Adele? 

Felizmente, podemos dizer o mesmo de Can I Get It, uma produção um pouco fora da realidade dos profissionais Max Martin e Shellback, e com um refrão que expressa um relacionamento mal compreendido. Isso não é surpresa, já que muitas das grandes canções desse meio tratam do mesmo assunto, ainda mais em um álbum que caminha rumo à declaração de um alguém que procura entender os fenômenos e acontecimentos de toda uma história melancólica. Esta foi uma tacada certeira dos produtores, afinal, em uma track list como a de 30, a faixa pode ser o pedido certo em algumas rádios pop e talvez até country.

Generosa, fundamentada e com uma letra abundante em clichês, I Drink Wine pode muito bem ser uma canção de bar, ou até mesmo confundida com alguma produção de Elton John. Carregada de fortes tons evangélicos e um memorando de voz introspectivo no final, Adele serve a mesma receita que parece ter dado certo para a famosa Take Me To Church, do músico e cantor irlândes Hozier. A canção abre com um verso sobre sua infância como um meio de perspectiva sobre como ela se afastou de si mesma.

All Night Parking aparenta ser, para 30, o mesmo que Sweetest Devotion foi para o 25. É uma canção legal e que carrega bastante significado, mas parece que será esquecida no churrasco. Com humildade, Adele aterrissa firme e deliciosamente em uma melodia que acalma a alma – “Eu sei que é difícil, mas não é”. Já em Woman Like Me, ela veste um tom mais sério e amoroso em um neo-soul lentamente desabrochante, e acaba revelando mais sobre suas próprias prioridades. “A complacência é o pior traço a ter, você está louco?”, canta em uma voz baixa e segura, com uma pitada de decepção. 

Sobre Hold On não se tem muito o que falar. A faixa é mais uma das que se estende por mais de 6 minutos e é incrivelmente perfeita. Ao ouvir o álbum, você pode acreditar que a canção tem como objetivo o clímax emocional do 30, porém essa honra pertence à aclamada To Be Loved. Mais do que só uma música, a oração carrega uma performance vocal avassaladora, bem como All I Ask, do antigo 25. Aliás, ela declarou que não a performará ao vivo e que só a cantou algumas vezes, incluindo uma gravação de vídeo onde o poder de sua voz distorce o áudio. 

Co-escrita com Tobias Jesso Jr., To Be Loved é cantada para um Angelo adulto como uma explicação do porquê do casamento dos pais não ter funcionado. Adkins é no início digna, depois desesperada para transmitir os altos riscos do amor, e a performance é uma maravilha de controle e fraseado que faz comparações com as grandes como Whitney e Aretha. Isto é o que Adele faz de melhor: cria um mundo de sentimento a partir de pouco mais do que sua voz e depois o leva à beira do abismo. Ela é sábia o suficiente para oferecer um travesseiro suave com a faixa de fechamento Love Is A Game. Mas agora o dano já está feito!

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Vitor Evangelista

É uma pena que o filme mais comedido de Christopher Nolan tenha em sua bagagem a maior negatividade de sua carreira. Longa que, segundo o cineasta, salvaria o cinema depois da pandemia e das salas fechadas, Tenet traga a ingratidão de um realizador ególatra e de um público que já dá o play com desgosto nas entrelinhas. A obra por si só se diverte em tudo que Nolan construiu desde que estourou com Memento, no início do século: o tempo vira gelatina nas mãos e nas lentes do britânico, fascinado pela auto indulgência de sua falsa genialidade.

A personagem de Clémence Poésy até tenta explicar os conceitos de reversão temporal e inversão de ações para o protagonista, papel levado com honestidade e só um tiquinho de canalhice por John David Washington. A cientista loira, todavia, falha no primeiro momento que o soldado a questiona mais a fundo. É então que Christopher Nolan, até o momento ostentando uma ação de primeira qualidade e firulas magnéticas, parece botar o rabo por entre as pernas. “Você não precisa entender, só sentir”, escreve no corpulento roteiro de Tenet.

O filme é complicado, não restam dúvidas quanto à isso. Nolan não solta o osso na hora de embaralhar suas narrativas, seja na amnésia (que não é amnésia coisa nenhuma) da tradução de Memento, ou na maneira como o diretor injetou a megalomania do Coringa no ecossistema quase sedativo do nicho ‘filme de heróis’ em O Cavaleiro das Trevas. Um mestre em ser desgostado, ele nunca pareceu se abalar às críticas quanto à sua visão ou tato artístico, que são traços que afastam a audiência, o cinema de arte sendo vomitado no cinema popular. ‘Gêneros’ esses ridículos por natureza, já que não existe cinema que seja popular ou difícil, existem sim interpretações, níveis de entendimento e camadas.

Tenet é uma cartada de gênio por saber de todo o histórico de banana do realizador. Não existe respiro na sequência inicial, o filme começa antes de sequer conseguirmos nos acostumar com a barulheira que virá a seguir. Nolan, adepto religioso ao som de cinema e à ‘experiência de tela grande’, levou um chute na bunda quando percebeu que o lançamento de seu novo sucesso acabou coincidindo com o coronavírus, que fechou o mundo e, até hoje, não deu margem para uma volta segura aos estofados vermelhos, baldes de pipoca e curtos trailers de filmes que nunca vamos ver.

É fato que várias salas já reabriram e estão exibindo as duas horas e meia de Tenet, com direito à confusão e a gritaria, as frases de efeito soltadas a cada treze minutos e a elegante participação de Michael Caine, que interpreta, bem, um personagem chamado Michael. John David Washington nem esconde o sorriso de ledice quando se despede do eterno mordomo do Batman de Bale. Tenet é recheado desses atores de estimação de Nolan, dessa vez com papéis mais fora do convencional que o costume.

Se Kenneth Branagh passava Dunkirk (2017) inteiro olhando pro horizonte e explicando o que rolava para o resto do elenco, em Tenet ele assume o papel de vilão com sotaque europeu. E aí entra outra tecla que o filme bate tanto que até quebra o teclado: esse filme é uma aventura do James Bond que se esconde de ser uma aventura do James Bond. Fazem tantos anos que petições são assinadas implorando para Idris Elba pegar o papel do 007, e o filho de Denzel Washington chamou a responsa para si sem ninguém se dar conta. 

Branagh é o antagonista casca dura e astuto, e Washington dá vida à um genérico (mas carismático) agente tão secreto que esconde até suas motivações. O personagem sequer chega a ganhar um nome, e sempre é referido como ‘o protagonista’. Quer punheta cinematográfica mais digna de Nolan que isso? Só se mais cientistas aparecessem explicando conceitos básicos de física para outros cientistas, mas isso o diretor já fez em Interestelar. Para fechar o quarteto fantástico, Robert Pattinson e Elizabeth Debicki atuam sempre em suporte ao protagonista, mas a melação salda positivamente.

O ex-vampiro e futuro morcego é um ajudante de primeira, numa atuação que jogava seguro até demais para o que Tenet cultiva. As viradas temporais e a conceituação chegam aos montes, e se piscar, perdeu, mas a emoção e o coração nesse momento ficam maiores que a mente. Pattinson dá pirueta, corre da galera e dá tiro de tudo quanto é arma, guardando o maior deles para os segundos finais do filme, que no fundo adora um melodrama. Elizabeth Debicki, a próxima princesa Diana de The Crown, é o papel de quem assiste, ambiciosa e refém, a mulher se mostra uma joia rara, tanto dentro de Tenet quanto fora dele.

A humildade da obra não vai levar ele para longe, infelizmente. Tenet é o filme com que Nolan forçou abertura de cinemas com o coronavírus comendo solto, e sempre vai ser. Qualquer sonho de indicações principais no Oscar 2021 podem ser feridas por todos esses fatores, que dizem muito mais sobre a falta de caráter do diretor do que sobre os méritos do produto final. E, se relógio parado acerta duas vezes por dia, Christopher Nolan molda uma história labiríntica que não se sente na obrigação de esquentar a cuca de quem só quer se divertir.

A trilha sonora de Ludwig Göransson não nos faz sentir falta de Hans Zimmer, e a música de Travis Scott que embala os créditos finais coroa Tenet, não como o melhor filme de Christopher Nolan, nem mesmo o mais grandioso ou bem resolvido. Tenet é a prova de que o cineasta consegue brincar de fazer cinema, consegue filmar bem pra caramba sequências de ação e consegue cativar na breguice e na modéstia. Depois de Tenet, tenho esperança.

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Vitor Evangelista

Onze anos já se passaram desde que o mundo assistiu à finalização da trilogia do Homem-Aranha, dirigida por Sam Raimi, e foi apresentado ao alienígena parasita que antagoniza as aventuras do Amigão da Vizinhança. Agora, Venom rouba o holofote para si, protagonizando uma aventura solo cinematograficamente dispensável. Numa sucessão de blocos narrativos sem consistência no roteiro frágil e na direção caduca de Ruben Fleischer, a coprodução Sony e Marvel patina ao tentar contar a história de origem do (anti-herói?) vilão do Homem-Aranha. Herói, inclusive, que nem citado é. Venom funcionaria perfeitamente como um derivado dos filmes de Sam Raimi, quinze anos atrás.

Talvez esse sendo o principal equívoco do longa, sua temporalidade. Venom parece ter sido enfiado num buraco de minhoca lá na era pré-Marvel e cuspido agora. Nenhuma das decisões criativas da produção condiz com o histórico referencial que a Casa de Ideias cimentou na última década. A direção de Fleischer opta por filmar o monstro sempre no escuro, economiza na computação gráfica e priva a audiência da melhor característica do filme: o próprio Venom. O caráter animalesco, a sede de sangue (censurado, para tristeza dos fãs de Deadpool ou Logan). O alter ego de Eddie Brock (Tom Hardy) se comporta como sua contraparte alucinante dos quadrinhos, traços que lembram King Kong e até mesmo o Hulk.

Indo na contramão do Mercenário Tagarela e do Velho Logan, o filme do Venom abaixou a censura, deixando de fora das telas o banho de sangue que o simbionte invoca nas páginas dos gibis. Cabeças são decepadas aqui e ali ao longo das quase duas horas e meia da produção, mas sempre fora do alcance das lentes.

A relação a la Médico e o Monstro de Venom e Brock é fator primordial para o julgo da qualidade do longa. Novamente por problemas na sala de roteiristas, a persona megalomaníaca de Venom ora atua na loucura e no primor da bestialidade, ora funciona como terapeuta de Brock. Não sendo algo necessariamente prejudicial ao filme, esse deslize só releva certo descaso em estabelecer a parceria entre ambas partes de forma crível àqueles que assistem em tela os puxões de orelha e as críticas ácidas que Venom faz do humano.

Michelle Williams faz o par romântico disfuncional de Brock, a advogada Anne Weying. Mal aproveitada, a personagem é alavanca do jornalista e de seu parasita. Outro fator que corrobora para a falta de preocupação em situar o longa no tempo atual. Num cenário em que existem produções como Mulher Maravilha (2017) e Capitã Marvel (que chega ano que vem), um filme de herói com a figura feminina subjugada soa estranho.

No advento de decisões erradas chegamos ao vilão. Riz Ahmed murcha seu currículo com a interpretação do Dr. Carlton Drake, o dono da fundação que abriga os alienígenas simbiontes. Mascarado em camadas de superficialidade e jargões do gênero de heróis, o antagonista de Venom não convence nem encanta. Nem mesmo o embate final entre criaturas consegue empolgar.

O que empolga mesmo é a primeira cena pós-créditos. Acende a luz de esperança aos fãs do Teioso e do anti-herói ao focar em outro nome dos quadrinhos, tudo indicando que Venom ganhará uma sequência. Fica a esperança de mais sangue, um pouquinho de Homem-Aranha e muito mais do monstro preto e branco que adora devorar cabeças no café-da-manhã.

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