Lucas Barbosa

Turnstile já tinha uma consolidação como uma das maiores bandas do Hardcore, o som pesado com riffs e baterias imponentes, sempre foi uma comprovação do valor da banda formada em Baltimore. Os dois últimos álbuns, Time and Space (2018) e Glow On (2021) serviram como uma ligação entre o punk e as paradas de sucesso, com uma mistura psicodélica de Metal, R&B e Funk mantendo sua originalidade. Então, lançam Never Enough, um disco natural, maduro e promovendo uma experiência nova e surpreendente aos ouvidos.

Durante o processo de criação do novo disco, mudanças dentro da banda ocorreram, a saída do guitarrista e fundador Brady Ebert em 2022 foi uma mudança que pegou os fãs de surpresa, pois era o próprio Brady que escrevia a maioria dos riffs de guitarra. Em seu lugar veio a Meg Mills, que já tinha uma reconhecimento por tocar junto da Big Cheese e da Chubby & The Gang, e a união ajudou a formar o que foi concretizado dentro de Never Enough.

O lançamento de Never Enough foi feito em duas partes em meados de 2025. A banda produziu um álbum visual – o Turnstile: Never Enough –, que foi apresentado no dia 5 de junho, dentro do Festival de Cinema de Tribeca, e um dia depois o álbum musical saiu nas plataformas de streaming e formato físico. O disco foi aclamado pela crítica, recebendo 83/100 no Metacritic, nono lugar na Billboard 200 e em primeiro na Top Hard Rock Albuns, o maior feito da Turnstile.

Never Enough é uma experiência psicodélica, onde é possível ouvir em qualquer momento, ou evento, do mesmo jeito que é possível fazer mosh punk com os amigos, ou escutar fazendo um churrasco com a família. Impressionou como dentro da música, ritmos como funk, R&B e uma pitada de soul, transformaram as músicas em uma coisa com uma intensidade astronômica e uma leveza surpreendente.

Ótimo exemplo disso são Sole, onde tem um ritmo dançante cheio de vibe latina, com um hardcore pulsando dentro da letra e dos riffs, e um lambadacore que te influencia a sair pulando e dançando. I Care e Seein‘ Stars tem um ritmo muito alternativo, uma sonoridade que te manda para os anos 1980 e te diverte ouvindo. Turnstile consegue apimentar todas as músicas com uma leveza fácil e muito madura, conseguindo fluir entre ritmos e ainda sim ser um som pesado.

Dull e Birds são as músicas com a sonoridade mais pesada, riffs secos, e uma bateria que pulsa muito. Sunshower é psicodelia pura, 40% de hardcore e 60% loucura. No geral, Never Enough é uma experiência que te proporciona várias sensações e te leva a diversos lugares, onde todos escutam, dançam, se emocionam e ficam completamente alucinados. É insano, é exotérico, é Turnstile.

O grupo deu um tom diferente para o gênero. Never Enough é a aprimoração de um estilo; não é um rock comum com as pancadas dos graves da bateria e os riffs pesados de uma guitarra; ele tem uma fluidez rítmica que destoa dos demais, quanto mais você escuta, mais estilos musicais é perceptível, o que é o maior diferencial da banda, e assim chegam ao topo, com som híbrido e musicalidade complexa, mas excelente nos ouvidos.

Turnstile chegou para o Grammy com 5 indicações, e ganhou dois gramofones, Melhor Álbum de Rock com o Never Enough e Melhor Apresentação de Metal com Birds. Mesmo disputando com Deftones, Youngblud e Linkin Park, era considerado favorito. Tanto pela musicalidade que é incrível, pelas apresentações, ou pela repercussão do disco ao longo dos meses que antecederam o Grammy. Mostrando ao público que é totalmente possível fazer um som original, pesado e com muita musicalidade.

https://open.spotify.com/intl-pt/album/52yD51X7yDinwlg6tbCtpP?si=6bdc16354e184262

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Lucas Barbosa 

É legal em um domingo à tarde, pós almoço, você sentar no sofá com a família e ver um filme aconchegante, Nonnas é isso: faz da dor da saudade e do luto, uma maneira de se reencontrar na vida. O longa do diretor Stephen Chbosky (cineasta de As Vantagens de Ser Invisível – 2012) se baseia na história de vida de Joe Scaravella. O filme tem uma gama de personagens que são puro carisma, e um roteiro que fala sobre amor, luto, tradição e redescobertas.

A produção inicia com Joe (Vince Vaughn), um homem de meia idade que trabalha como mecânico de ônibus. Após perder a mãe, começa a fazer as receitas antigas da família durante o período de luto. Um dia, depois de receber o dinheiro da herança, resolve comprar um restaurante e transformá-lo em um lugar especial, e para isso, contrata quatro mulheres na flor da idade com receitas magníficas para o projeto.

Os primeiros momentos do longa são tomados por uma tristeza profunda, por meio da paleta de cores em tons azuis e a trilha sonora suave e serena. Tais escolhas técnicas vão de encontro à solidão do protagonista, que viveu a vida toda ao redor do núcleo familiar, nesse momento, montar um restaurante virou uma forma de alento do luto, e para isso precisava juntar mais amores, e histórias para chegar ao seu maior objetivo: reviver os momentos que fizeram sua vida feliz.

O filme tem uma narrativa gostosa de se ver: a necessidade de renovação depois do luto é um caminho simples, sem tentativas de forçar situações e eventos. Tudo ocorre de forma natural, desde o desenvolvimento de Joe até as brigas das senhoras são orgânicas, o que dá margem para a evolução das personagens, que falam sobre a idade e a vontade de viver dentro de uma Nova York que destoa do habitual, diverge entre o colorido e o monocromático, se relacionando com cada momento da produção.

O imbróglio de Nonnas é que mesmo com a fluidez da história e da construção dos seus personagens, há uma certa previsibilidade dos acontecimentos e suas milagrosas resoluções até se tornam banais diante do roteiro previsível escrito por Liz Maccie (Siren: A Lenda das Sereias – 20020). Algumas cenas pareciam pouco desenvolvidas na edição, algumas cenas com um CGI um pouco forçado, talvez para deixar alguns momentos em um foco para deixar uma emoção a mais, o que não aconteceu.

O elenco não deixa nada a desejar: Vince Vaughn demonstra a dor da perda, com o calor de uma vida nova ao redor dele, é sincero no que fala e nas suas reações nos momentos de mais emoção no filme. Susan Sarandon, Talia Shire, Lorraine Bracco e Brenda Vaccaro, nomes de peso do cinema e que fizeram seus papéis com muita dinâmica, entenderam completamente qual era a narrativa que tinham que produzir, e conseguiram realizar além do esperado: fizeram personagens concisos e concretos.

Nonnas, que concorreu ao Emmy 2025 na categoria de Melhor Filme para Televisão, é uma escolha acolhedora, longa tranquilo, com uma boa história e ótimos atores no elenco. O maior problema não é o conteúdo em si, mas as falhas técnicas no roteiro. É uma indicação concisa, chegou na Netflix no top 10 global e conseguiu boas notas nas críticas, como um 82% no Rotten Tomatoes.  É um filme bem feito, simples, como arroz e feijão, ou melhor, como um bom Cacio e Pepe.

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Lucas Barbosa

Para alguns, Deftones tem certos períodos primordiais ao longo da sua trajetória. Primeiramente com Around the fur e todo seu som pesadíssimo que era condizente com o Nu Metal da época; White Pony, um dos álbuns que revolucionaria o Metal de sua época, e o período entre Saturday Night Wrist e Diamond Eyes, onde a banda faria uma revolução, mas na sua própria maneira de fazer Música. 

Para entender Diamond Eyes, primeiramente tem que compreender todo o contexto que antecedeu o registro. A banda estava já em períodos finais de produção do seu sexto álbum de estúdio, que foi chamado de Eros. Músicas basicamente definidas e em processo de finalização, o sucessor de Saturday Night Wrist, lançado em 2006, já estava se encaminhando para ser lançado no começo de 2009. Entretanto, no dia 4 de novembro de 2008, o baixista da banda, Chi Cheng, se envolveu em um gravíssimo acidente em Santa Clara na Califórnia, que o deixou em coma durante um grande período (Chi veio a falecer em 2013, pelas complicações do incidente), com a tragédia, a banda decidiu entrar em um hiato e cancelar o lançamento de Eros.

Após alguns shows feitos em 2009, o grupo decidiu entrar no processo de criação de um álbum totalmente novo. Para substituir Chi, Sergio Vega, que era baixista do Quicksand e amigo pessoal do baixista e do vocalista Chino Moreno, se juntou a banda para a produção do disco, e, com a produção de Nick Raskulinecz, em Maio de 2010, Diamond Eyes é lançado, sendo o álbum de reinício pessoal do Deftones. O instinto do Nu Metal ainda foi assegurado com riffs pesados, mas existe toda a emoção da perda, da dor, e da saudade de não ter quem se ama por perto.

A crítica e o público recebeu muito bem o disco, que teve quatro singles bem sucedidos: Diamond Eyes, You’ve seen the Butcher e Sextape, chegou também em #6 na Billboard 200. Stephen Erlewine disse na época que era um álbum muito maduro, que era uma resposta óbvia à tragédia. Diamond Eyes foi um novo amanhecer pro grupo, o acidente de Chi foi um ponto de mudança inesperado, mas que teve uma relevância gigantesca pessoal e profissional para a banda. O hiato, o cancelamento de Eros e uma produção totalmente do zero foram importantes para que alcançassem um novo patamar em sua musicalidade. 

Existia um sentimento melancólico na banda, sabendo das condições do seu amigo que estava na banda desde 1998. Faixas como Beauty School e Prince, demonstram que a tristeza era muito presente, mas a Música se tornou uma terapia para todos, uma válvula de escape para a ‘injustiça’ que o mundo proporcionou a todos eles, do mesmo jeito que um entusiasmo em homenagear Chi Cheng, trouxe o calor e a vibração de um álbum completamente cativante e cheio de energia.

Em entrevista para a LOUD!, O baterista Abe Cunningham, diz sobre a evolução da banda com a produção de Diamond Eyes: “é o som da banda se reencontrar, de ter todo mundo ali para partilhar o mesmo estado de espírito e, acima de tudo, a vontade de continuarmos a fazer música juntos”, todos sabiam que mais do que produzir músicas, eles precisavam estar juntos, entender como cada um estava passando por aquele momento, viverem a dor de forma unida, e ver se aquilo ainda era o que cada um queria, e foi exatamente isso que aconteceu.

Diamond Eyes tem uma experiência única nas suas duas versões. Quando não se sabe o que ocorreu para que esse álbum acontecesse, existe uma profundidade nas letras, na interpretação do Chino, nos acordes das canções, que diferem do que a banda já fez algum dia. É um sentimento que todo mundo sabe o que está fazendo, e que percebeu o quão grande isso se tornaria. E quando já entende todo o ocorrido, dá pra compreender porque o peso de cada acorde, de cada letra, um disco de agradecimento, uma melancolia que envolve e faz refletir sobre perdas.

Depois de 15 anos, Diamond Eyes ainda é um álbum emotivo e cativante. A responsabilidade de homenagear uma pessoa amada, é difícil, dolorosa e tem vários percalços no caminho, mas é lindo ver a ideia cumprida. As músicas condizem com o momento que a banda passava, a pancadaria do som do Nu Metal combinando com as letras que transmitem dor e saudade, entretanto enexalam também carinho e admiração. Nesse disco, o Deftones dá a mesma voz para a amizade, a tristeza, a saudade e a esperança.

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Lucas Barbosa

No espaço democrático do samba, quem o cantava com amor e carinho era valorizado nas ruas e na avenida. O Jovem Luiz Antônio sabia muito bem disso, filho de músicos, aos 10 anos, ganhou um concurso de Música cantando um samba do seu ídolo Jamelão, o prêmio foi uma lata de goiaba. Ali, ele entendeu que o samba não seria seu maior amor e, sim, a sua vida.

Sua voz era impactante onde passava e, em 1970, estreou como puxador do bloco Leão de Nova Iguaçu, que estava começando no carnaval nessa década. Já em 1971, estreou como um dos intérpretes do lendário bloco Cordão da Bola Preta, na época, o carnaval ainda era disputado na Estrada Intendente Magalhães, as escolas de samba não eram iguais às atuais e os blocos de carnaval ainda eram presentes nos desfiles (algumas até se tornaram agremiações posteriormente, como a Leão de Iguaçu).

Neguinho da Vala, como era conhecido, foi ganhando destaque não apenas por ser um dos melhores cantores, mas por ter um carisma que alegrava e trazia destaque para a escola e seu samba, que era mais valorizado. Neguinho foi rejeitado pelo Salgueiro (a sua favorita na infância), Império Serrano, Portela e Mangueira para compor a ala de compositores, entretanto, Silvestre David da Silva, conhecido como Cabana, e um dos primeiros compositores da Beija-Flor, estava a procura de um novo intérprete e compositor após a morte de Bira Quininho e viu um potencial no jovem sambista. Em 1975, foi o início de uma das mais duradouras e premiadas uniões do Samba: Neguinho e Beija-Flor.

Nos primeiros anos como compositor e intérprete da Beija-Flor, conquistou de cara um tricampeonato. Em 1976, venceu com Sonhar com Rei Dá Leão, enredo inspirado no jogo do bicho; em 1977, com Vovó e o Rei da Saturnália na Corte Egipciana, sobre a história do carnaval; em 1978, com A Criação do Mundo na Tradição Nagô, que tratava da criação do mundo na cultura Iorubá. 

Sua trajetória no samba já era grandiosa, com títulos e prêmios no carnaval carioca, mas isso era pouco para Neguinho, que se tornou um dos maiores cantores do Samba, sendo O Campeão, o seu maior sucesso – cantado por, basicamente, todos os times em seus estádios, unificando as torcidas apenas pelo “Domingo, eu vou pro maracanã, vou torcer pelo time que sou fã”. Também foi, por longos anos, o intérprete da música do Carnaval Globeleza, que foi composta por ele e Jorge Aragão. Porém, entre tantos sucessos, o maior desafio foi na vida pessoal.

Em 2008, descobriu um Câncer de estágio três no intestino e precisou passar por uma complicada cirurgia para retirada do tumor e de parte do intestino. Mesmo com as sessões de quimioterapia, em 2009, foi para a Sapucaí e, antes de desfilar com a escola, se casou com Elaine Reis em plena avenida. Nesse ano, Beija-Flor terminou o carnaval na segunda colocação, perdendo apenas para o Salgueiro.

No fim de Novembro de 2024, Neguinho anunciou sua aposentadoria da Beija-Flor após 50 anos de avenida, ininterruptos, dentro da escola onde formou a sua família, seu nome, seu apelido – que, aliás, hoje faz parte do nome oficial de registro –, sua fama, sua Música e, principalmente, seu samba. Sua despedida não poderia ser diferente, o 15º título veio com um enredo de homenagem a Laíla, um dos maiores nomes da Beija-Flor, e um dos seus melhores amigos.

O fim da trajetória de Neguinho no carnaval foi um dos mais belos possíveis dentro da Sapucaí. Em 2026, não haverá mais o “Olha a Beija-Flor aÍ, gente”, que puxa o povo na avenida. Para a Beija-Flor, fica a dificuldade de suprir o buraco deixado na escola e, para Neguinho, as maiores palmas, as eternas notas 10, os maiores estandartes e o maior respeito do mundo para quem conseguiu fazer do samba, a sua vida.

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Lucas Barbosa

Cinco anos após o primeiro filme, Coringa: Delírio a dois não correspondeu às altíssimas expectativas que pesavam sobre o longa-metragem que carrega a continuação da história problemática e exotérica de um dos maiores seres vilanescos do universo dos quadrinhos. Sendo a sombra de uma das melhores películas de 2019, garantindo até Oscar de melhor Ator para o Joaquim Phoenix, a continuação deixou lacunas mal resolvidas, questionamentos desnecessários sobre a história e aquele velho pensamento se uma continuação de uma obra amplamente premiada é realmente necessária.

Dentro do longa, a continuação é historicamente correta. Arthur Fleck (Joaquim Phoenix) está preso dentro do Asilo Arkham, esperando seu julgamento que o sentenciará a morte. Com o desenrolar da história, acaba conhecendo dentro do asilo a personagem interpretada pela Lady Gaga, Harleen Lee Quinzel, que é completamente apaixonada pelo protagonista, e assim a história se desenrola entre o amor dos dois.

Um destaque positivo é a Fotografia, Lawrence Sher novamente deixa o ar noir de uma Gotham City devastada pela violência e desigualdade social, que era um ponto positivo do primeiro filme, e consegue ser primoroso nas cenas que Coringa e a Harleen estavam em evidência. A trilha sonora também merece elogios. As canções interpretadas pelos protagonistas e as trilhas, feitas pela compositora Hildur Guðnadóttir, complementam e aliviam a tensão de toda a jornada do casal do filme.

Gaga e Joaquim Phoenix tentam ao máximo trazer bons momentos de atuação dentro do filme, até mesmo nas sequências de musical, onde conseguem explorar de uma ótima forma a história de amor e loucura dos dois personagens. Entretanto, mesmo com todas as qualidades dos atores, o roteiro fica apenas rodeando entre o psicótico amor entre os dois e deixa de explorar outros bons personagens que o filme introduz, como o Harvey Dent (Harry Lawtey) – o Duas Caras –, que é utilizado apenas nas cenas do julgamento do Arthur e poderia ter mais tempo de tela, mesmo em contato com o Coringa. Outra ótima atuação é de Catherine Keener, interpretando a advogada Maryanne Stewart que, acima de tudo, tentou, minimamente, dar humanidade ao protagonista.

Mesmo com a sequência da fuga do julgamento, que foi a melhor, os momentos finais deixam não apenas um sentimento de dúvida para quem assiste, como também criam uma sensação de desconexão entre as cenas desse longa e do primeiro Coringa, que é aflorado ainda com os últimos momentos do filme. É até possível distinguir em algumas partes se é Arthur ou seu alter-ego falando, entretanto, quando discorre o relacionamento com a Harleen e a percepção de que, mesmo com o julgamento, o seu futuro já está praticamente decretado, o real e a ilusão da personalidade do protagonista entram em conflito. 

Todd Phillips, em Outubro de 2024, deu uma declaração dizendo que Arthur Fleck nunca foi realmente o Coringa, ele era apenas um ícone involuntário que não queria mais toda aquela farsa, e esse é um problema que o roteiro não consegue sustentar por completo, principalmente quando o relacionamento do Arthur e da Harleen começa. A força dele é o desejo de Lee pelo vilão e, assim, o alter-ego do protagonista toma conta durante certo tempo. A cena da demissão da advogada é o ápice da imprevisibilidade e insanidade do protagonista, e no momento que ela vai embora do tribunal, é quando a personalidade do Arthur retorna, se tornando um personagem fraco, solitário e dependente de qualquer tipo de amor.

Arthur Fleck se mistura com o seu alter ego psicótico em certos momentos do filme, onde a solidão e a ruptura dos valores morais e sociais entram em colapso. O Coringa está isolado mesmo com o apoio da multidão e Arthur é solitário pelas suas próprias dificuldades que o seu próprio universo impõe. Quando ocorre essas misturas, é exatamente o momento que as necessidades emocionais dele são supridas, e as loucuras do Coringa são exploradas. O amor por Harleen aflora o delírio dele, e os diálogos com a Dra. Stewart, tentam explorar a humanidade e as fraquezas do réu.

O filme chegou às plataformas de streaming norte-americanas menos de um mês depois  de sair dos cinemas. A estimativa de prejuízo foi de US$ 200 milhões de dólares. As notas ruins nos sites de críticas e o destaque dentro do Framboesa de Ouro, com simplesmente 7 indicações, deixam uma triste realidade. Infelizmente, Coringa: Delírio a dois não correspondeu às expectativas e, mesmo com decentes atuações de seu elenco, o roteiro frágil deixa diversas pontas soltas – que devem ser utilizadas para um spin-off dentro deste universo – que nunca terão soluções. Dessa forma, se consagra o longa entre uma das mais fracas continuações do universo DC Comics.

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