Gabriel Gatti

A melancolia é um estado de morbidez em que a pessoa apresenta abatimento físico e emocional. Esse sentimento tão comum é capaz de afetar qualquer pessoa independente das condições em que esta se encontra. Com o pensamento na escatologia, a trama se aproveita dessa condição emocional abstrata objetificando-a em um gigante planeta azul em rota de colisão com a Terra. A partir dessa premissa, a obra apresenta uma análise comportamental sobre duas irmãs e suas percepções com o fim da vida.

Essa aproximação entre psicologia, morbidez e arte é muito comum na cinematografia do repulsivo diretor dinamarquês Lars Von Trier, que ficou conhecido por suas polêmicas. Seus filmes costumam representar mulheres em estado de vulnerabilidade e inferioridade aos homens, sendo retratado diversas vezes de forma asquerosa o abuso e a violência contra a figura feminina.

A misoginia do diretor já rendeu muitos problemas e sérios relatos de assédio sexual. Como se não fosse o suficiente, o criador do movimento Dogma 95 já causou polêmica ao referenciar o nazismo com declarações antissemitas. Os discursos sórdidos fizeram com que o Festival de Cannes vetasse sua participação, no ano em que Melancolia foi lançado. Mesmo com essa situação horrível, Kirsten Dunst ganhou o Copa Volpi de Melhor Atriz, enquanto que o cineasta recebeu o título de persona non grata pela Academia.

Essa postura repugnante do diretor se reflete em seus filmes. Melancolia, no caso, que é dividido em capítulos, se inicia com um prólogo em super slow motion. A cena já apresenta a amplitude da devastação que será abordada no decorrer da obra. Com Tristão e Isolda da ópera de Richard Wagner como trilha sonora, o longa trabalha a introdução de seu filme de forma dramática com Justine (Kirsten Dunst) vestida de noiva e presa a raízes e Claire (Charlotte Gainsbourg) desesperada com a colisão do planeta Melancolia com a Terra. O drama prepara o telespectador para as questões emocionais a respeito do medo da morte e a prisão ao casamento, que são abordadas por partes na película.

Após o prólogo introdutório, começa a parte um do filme, nomeada como Justine. O primeiro ato de Melancolia trata de uma mulher depressiva em seu casamento organizado pela sua irmã, Claire, que tenta contagiar a festa com sua felicidade. Durante o evento, a noiva não consegue se conter diante de sua frustração emocional, o que a distancia do convívio social. A cena demonstra o tratamento que pessoas no mesmo estado de Justine recebem da sociedade por meio do olhar de desprezo dos convidados. Outro simbolismo apresentado na história de Justine são as amarras do casamento, representadas pelas raízes na introdução do longa. Toda essa situação, que torna a vida da personagem melancólica, se desenvolve bem lentamente, quase como se  a obra quisesse contaminar o telespectador com o estado emocional da protagonista, mas esse ritmo se altera conforme o foco da trama passa a ser Claire.

O segundo ato, chamado de Claire, dá um novo rumo para a história. Focado na outra irmã, a história ganha um rumo interessante ao mostrar como esta lida com a ameaça do planeta Melancolia colidir com a Terra. O estado emocional de Claire passa da alegria para uma ansiedade melancólica, enquanto que Justine, já conformada com o fim súbito, se mantém serena frente a situação. Esse jogo psicológico do roteiro, em que as protagonistas mudam de papéis, projeta como as emoções são voláteis diante dos obstáculos enfrentados.

Outro personagem na trama é John (Kiefer Sutherland), marido de Claire. O cientista, frio e apático, apresenta-se sempre cético frente à órbita do planeta Melancolia cruzar com a da Terra. Esse movimento interplanetário, chamado de dança da morte, parece inconcebível para o homem convicto de seus cálculos. Por meio de suas certezas, ele tenta consolar a esposa, o que funciona até certo ponto, porém sua postura frívola acaba sendo ainda mais desestabilizante. Através do ceticismo de John, o filme se assemelha com outros do diretor, ao trabalhar a rigidez humana que se nega a enxergar o óbvio. 

Antes de contemplar a extinção humana com uma colisão espacial, a cinematografia do dinamarquês já havia trabalhado a questão da escatologia em Anticristo, o primeiro longa da Trilogia da Depressão, sucedido por Melancolia e Ninfomaníaca. Os três filmes não apresentam uma narrativa contínua, mas seu conteúdo apresenta certas similaridades, como a relação dos personagens com a violência, o niilismo e a animalização humana. Com o ideal pessimista da trilogia, Melancolia surge de Anticristo como marco da saída do diretor da depressão. Desse modo, a segunda película apresenta todo o ideal deprimente do cineasta, mas sem ser perturbador assim como os demais.

Desse modo, na ausência do sentimento de agonia e desconforto tão comuns nos filmes, Melancolia se arrisca pela antítese emocional das personagens para narrar sua história. A trilha sonora repleta de músicas clássicas, a fotografia de Manuel Alberto Claro e os efeitos visuais de Peter Hjorth contribuíram para elevar o sentimento dualístico abordado na obra. Mas apesar de todos esses êxitos na elaboração da peça audiovisual, a produção não atinge um nível profundamente psicológico esperado. O aspecto da exploração da mente humana já havia sido melhor trabalhado anteriormente em Dogville e Dançando no Escuro, mas o segundo filme da Trilogia da Depressão não vai além do jogo entre razão e emoção.

Mas apesar de não apresentar grande profundidade de simbolismos psicológicos, Melancolia constrói uma narrativa coesa repleta de similaridades com outras obras. A começar pelo prólogo dramático em super slow motion com uma colisão de planetas guiado pelas notas vibrantes de Tristão e Isolda, que apresentam grande similaridade com as características de filmagem utilizadas por Stanley Kubrick em 2001: Uma Odisseia no Espaço. Outro ponto é a similaridade na construção da personalidade Justine com Ofélia de Hamlet. Ambas as personagens flertam com o niilismo e com a atração pela morte, sendo esse o motivo da calmaria da protagonista de Melancolia com a aproximação do planeta desconhecido. Esse alinhamento cósmico, chamado de dança da morte, se aproxima também do conceito apresentado em O Sétimo Selo. Na película de Ingmar Bergman, em que a morte joga xadrez com um soldado das cruzadas que busca viver, o fim inevitável do ser humano recebe o mesmo nome que o cruzamento das órbitas da obra do dinamarquês. 

Essa aproximação com a Arte é muito presente nas produções de Von Trier, que sempre conciliou o lado artístico com a morbidez de seus filmes, repletos de violência extrema, sexo explicito e mutilação. Mas, apesar dos êxitos, é importante não separar o artista da obra, como no caso no caso do diretor, que sempre refletiu seu lado sórdido em seus trabalhos. Em Melancolia, mais especificamente, não há cenas chocantes como essas. O rito de passagem que ele criou como saída da depressão fez com que um longa tão pessimista fosse, ao mesmo tempo, um de seus trabalhos mais artísticos, com a fotografia de Manuel Alberto Claro impecável e uma trilha sonora comovente. A tragédia já anunciada no prólogo permite ao menos a contemplação da imensidão azul do planeta Melancolia.

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Humberto Lopes

Dançando no Escuro, Dancer in the Dark no idioma original, completa 20 de anos de legado como o musical mais triste de toda a história do cinema. A obra lançada em 2000 é a primeira produção do gênero da carreira de Lars Von Trier, polêmico diretor dinamarquês que assinou o roteiro e direção do longa-metragem estrelado pela cantora islandesa Björk.

A história se passa no interior dos Estados Unidos nos anos 60 e gira em torno da vida de Selma Jezkova (Björk), uma imigrante tcheca que está ficando cega. Ela trabalha arduamente em uma metalúrgica com o objetivo de juntar dinheiro para poder pagar uma cirurgia para o seu filho Gene (Vladica Kostic), que sofre da mesma doença hereditária degenerativa que leva, lentamente, à cegueira da personagem.

Em uma realidade miserável, Selma tem nos musicais de Hollywood a sua válvula de escape para o mundo trágico em que habita. A protagonista vive esses pequenos momentos de felicidade junto de sua amiga Kathy (Catherine Deneuve), que durante as sessões no cinema narra e representa com os dedos nas palmas das mãos de Selma o que está acontecendo nas cenas.

Entre operar máquinas em meio aos ruídos de uma indústria metalúrgica e juntar cada centavo em busca de curar seu filho, Selma foge do mundo em transes por meio dos musicais que ela mesmo interpreta com a ajuda do universo que a cerca, e aí entendemos a escolha de Björk para o papel. As cenas musicais são impecáveis, é quase inimaginável que outra atriz poderia encarnar tão bem a personalidade e peculiaridades de Selma, e a islandesa consegue isso com a maior entrega de toda a filmografia de Lars Von Trier.

Não foi à toa que o filme foi vencedor do prêmio de Melhor Atriz e da Palma de Ouro no Festival de Cannes, maior troféu da cerimônia. Mesmo aclamado, Dançando no Escuro foi e ainda é um filme difícil, e isso reflete em toda a situação que Selma é colocada. Com a piora da cegueira, que todos até então não sabiam, ela se desconcentra em um dos transes musicais e quebra uma das máquinas da operação, o que resulta em sua demissão.

Como em todos os filmes de Lars Von Trier, o sofrimento feminino é explorado ao máximo. Selma se vê traída por Bill (David Morse), policial que junto com sua esposa Linda (Clara Seymour) aluga um trailer para a operária morar com o filho.

Ao revelar a sua cegueira progressiva para o amigo e o segredo do dinheiro guardado para a cirurgia de Gene, surge o aspecto mais comum da crueldade humana que o diretor dinamarquês exibe constantemente em sua filmografia. Doce e gentil, Selma tem todo o seu dinheiro roubado e não tem outra opção que não seja tentar recuperar a única forma de salvar o seu filho do terrível destino que o espera.

A cena do confronto entre os dois se desenrola em um clima lento de suspense que leva ao inevitável, Selma mata Bill e entra em mais um transe, protagonizando um de seus mais peculiares delírios até então. O dueto musical que se desenrola entre o cadáver e a imigrante soa estranho, mas é preenchido de um presságio. Tudo vai piorar.

Mesmo conseguindo fugir da cena do crime com o dinheiro e pagar a cirurgia de Gene, a imigrante já tinha o futuro traçado pela desgraça, e é presa acusada de homicídio. A prisão aconteceu durante o ensaio do musical A Noviça Rebelde (The Sound of Music), que ela seria a protagonista. Neste momento é perceptível como o comportamento de todos em relação a ela muda.

A crítica de Lars Von Trier aos Estados Unidos e o modo de vida do país é constantemente colocada em cena, mas seu ápice é demonstrado no julgamento de Selma, que é acusada de ser uma cruel assassina e simpatizante do comunismo, por conta da origem tcheca. Até a cegueira de Selma é colocada em xeque diante do júri, que sentencia a imigrante à morte.

Com a progressão da cegueira e sozinha na prisão esperando a morte, ela pode contar apenas com a confiança de Kathy e Jeff (Peter Stormare), que é apaixonado por ela. Selma aceita o implacável destino, diante que seu filho tenha a chance de fazer a cirurgia.

No ambiente silencioso e solitário da cela Selma entra em seu último transe, e a versão mais triste já gravada de My Favourite Things, do musical A Noviça Rebelde, é cantada aos prantos por uma mulher que sabe que não há volta, mas tenta mesmo assim buscar em sua fatalidade o mínimo de felicidade.

O clímax do filme avança em uma angustiante nuvem de tristeza, e apesar da mínima chama de esperança, que em nenhum momento o filme cria, mas é inevitável ao telespectador, temos uma Selma que se dirige contando passo a passo o seu rumo em direção a forca, e ao entoar uma última canção, em desespero, uma mulher inocente morre.

A cena é horripilante. Björk canta a plenos pulmões “Eles dizem que essa é a última canção, eles não nos conhecem, sabe. É apenas a última canção, se deixarmos que seja” e o corpo de Selma caí pendurado na forca. É o fim de uma trajetória.

É um final devastador e combina com toda a estética do longa-metragem, gravado nos moldes do Dogma 95, movimento de Lars von Trier e Thomas Vinterberg. Juntos, criaram uma série de regras com o objetivo de produzir filmes com o máximo de realidade possível, fugindo dos aspectos comerciais das produções da época.

A filmagem crua, despida de efeitos e iluminação especial, com cenas gravadas a mão e tremidas causam estranhamento à primeira vista, mas são essenciais para entender o movimento. Este impactou a produção independente dinamarquesa com a realização de filmes de baixo custo e colocou no mundo clássicos como Festa de Família (Festern), de Vinterberg, e Os Idiotas (Idioterne), dirigido por Lars von Trier, ambos lançados em 1998.

Apesar de ser influenciado pelo Dogma 95, Dançando no Escuro não se encaixa em todos os parâmetros da escola, o principal motivo deles é ser um musical. Entretanto, em sua essência o filme certamente trabalha com todas as outras características que fazem dele um produto do gênero tão único.

Em seu lançamento, em 2000, a produção já gerava reações conflitantes de quem foi até os cinemas chorar a dor de Selma, mas a discussão em torno do longa só cresceu nos últimos anos, especialmente no que se refere ao diretor. A história do esgotamento físico e psicológico que Björk sofreu durante as gravações já era conhecida há anos. Durante as filmagens, que aconteceram na Suíça, a atriz chegou a fugir sem deixar pistas, só retornando devido à insistência de amigos.

Mas a história completa por trás dos motivos da fuga de Björk só foi revelada em 2018. Devido a influência do movimento #MeToo, que mobilizou diversas atrizes a relatarem casos de assédio em Hollywood, a protagonista de Dançando no Escuro finalmente quebrou o silêncio sobre a experiência com o diretor Lars Von Trier.

No post, em sua página do Facebook, a cantora manifestou apoio ao movimento e citou o seu caso de assédio com um cineasta dinamarquês. Após o diretor negar as acusações, Björk deu detalhes sobre o caso de assédio que sofreu nas gravações.

Na época do lançamento do filme, Björk prometeu que nunca mais voltaria a atuar, talvez devido aos traumas da gravação, mas 20 anos depois ela divulgou sua volta aos cinemas em The Northman, do diretor Robert Eggers, previsto para ser lançado no próximo ano. O mundo terá mais uma chance de ver a islandesa mostrar o seu talento, que em Dançando no Escuro é fora do convencional, com uma entrega emocional que tem a marca visceral da cantora.

Sem dúvidas Dançando no Escuro é um musical para chorar de tristeza, não há no filme a mesma válvula de escape que Selma encontra nos clássicos. E na filmografia de Lars Von Trier, o longa é mais um na lista de sadismos do diretor, que não perde a oportunidade de criar uma obra com mulheres que sofrem o pior, assim como as suas atrizes. Mas, apesar de toda a polêmica, é certo que sem Björk esse filme nunca poderia ter acontecido, nem deveria ser cogitado, e o sentimento catártico gerado pelo talento da atriz faz com que a experiência de assistir, pelo menos uma vez, seja obrigatória.

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