Laís David

Com centenas de lançamentos por mês, é cada vez mais fatigante encontrar uma série adolescente interessante na Netflix. De clichês entediantes até os cancelamentos iminentes, a plataforma luta para conversar com esse público da maneira correta. Um dos maiores acertos dos últimos anos, no entanto, foi a excelentíssima Sex Education. Com sua despretensiosa narrativa teen e complexa gama de personagens, a obra conseguiu conquistar seu espaço na lista de melhores produções do streaming e, em 2021, entrega sua terceira temporada com ainda mais encanto.

Se as duas primeiras temporadas de Sex Education representam a introdução ao universo divertidíssimo de Otis (Asa Butterfield), Maeve (Emma Mackey) e Eric (Ncuti Gatwa), a terceira dá espaço a todos os outros personagens de forma igualitária e conexa. O início do primeiro episódio nos traz de volta ao infame colégio de Moordale, agora conhecido nacionalmente como Escola do Sexo. A célebre clínica sexual de Otis e Maeve e o inquietante surto de clamídia na escola causaram um escândalo midiático, que, como sempre, desagradou os superiores do local.

É aí que o problema começa: na tentativa de reverter a reputação da instituição, os investidores de Moordale resolvem demitir o irascível Michael Groff (Alistair Petrie) e contratam uma nova diretora para substituí-lo. Apresentada inicialmente como uma líder feminista e intuitiva, Hope Haddon (Jemima Kirke) tenta convencer os jovens a se renderem a regras milenares com sua personalidade jovial e leviana.

Em poucos momentos, já é possível enxergar as verdadeiras cores da diretora. Hope se revela uma mulher racista, homofóbica e preconceituosa. Seja ao assumir que Adam Groff (Connor Swindells) era o líder estudantil apenas por ser branco ou ao reprimir a individualidade dos alunos do colégio, as microagressões de Hope nos fazem até sentir falta do carrasco Michael Groff. Quem diria que Sex Education conseguiria captar as nuances problemáticas do feminismo branco de forma tão simples?

A terceira temporada de Sex Education também introduziu Cal, a primeira personagem não-binárie da série. Cal (Dua Saleh) é artística, liberal e independente. Seu romance com Jackson Marchetti (Kedar Williams-Stirling) trata de dúvidas importantes sobre pronomes, gênero e orientação sexual de maneira leve e delicada. É raro encontrar representações tão justas e respeitosas na mídia, e a série acertou em cheio. Outro momento enternecedor da temporada é a cena íntima entre Maeve e Isaac (George Robinson): narrativas que retratam pessoas com deficiência como sexualmente ativas são quase inexistentes, e a equipe de roteiristas repara esse histórico com cuidado e compostura.

O impacto do abuso sexual em Aimee (Aimee Lou Wood) também é formosamente trabalhado ao longo dos oito episódios. Longe de reduzir a personagem a seu agressor ou apagar o problema de sua existência, Sex Education dialoga com as consequências psicológicas de um assédio e também prova que, no final do dia, Aimee é muito mais do que seu trauma.

Os episódios também serviram para desenrolar excelentes tramas que não tinham tanto espaço no passado. O verdadeiro destaque da temporada vai para Ruby (Mimi Keene), que desconstrói o arquétipo de Queen Bee da melhor forma possível. Sua perversidade unilateral nunca a representou por completo; pelo contrário, sua identidade fascinante finalmente teve tempo de ser desenvolvida. Impossível não se emocionar ao ver a jovem se declarar para Otis, para, então, ser rejeitada. 

Se Eric foi o grande destaque das primeiras duas temporadas, aqui ele fica de escanteio. No entanto, sua narrativa não deixa de ser cativante: a viagem familiar de sua família até a Nigéria reflete muito bem sua necessidade de liberdade, atributo que seu atual relacionamento não tem nada. A dualidade entre a recente descoberta da bissexualidade de Adam e a extensa experiência e aceitação de Eric como homem homossexual é deslumbrante, e, ao mesmo tempo, desastrosa.

A série também não se reduz a tramas adolescentes, e isso a eleva a um outro patamar. Os dilemas da gravidez de risco de Jean (Gillian Anderson) ou a independência recente de Maureen Groff (Samantha Spiro) encantam tanto quanto qualquer problema dos estudantes de Moordale. Gillian é excepcional e rouba todas as cenas – por aqui, fingimos que seu recente prêmio Emmy de Melhor Atriz Coadjuvante em Série de Drama foi também pela sua impecável atuação como a matriarca e terapeuta sexual de Sex Education.

O que deixa a desejar é a necessidade persistente do romance intragável de Otis e Maeve. O casal até era interessante nas primeiras temporadas, mas agora ele é nada mais que o resultado da narrativa incessante que os colocou ali. Os anos 2000 já se foram, e ninguém mais espera por um relacionamento de idas e vindas como Ross e Rachel ou Lorelai e Luke: a dualidade de Otis e Ruby, por exemplo, entretém muito mais do que o relacionamento maçante do jovem com Maeve.

O que mais encanta em Sex Education é a graciosidade em seus personagens. Se afastando da dicotomia entre pessoas bons e ruins, ela trata dos piores assuntos da forma mais humana possível. A desestigmatização de diversas pautas identitárias não soa como um plot device involuntário, mas sim uma narrativa natural e coesa.

Depois de três excelentes temporadas, ficou claro que Sex Education é uma das melhores produções originais da Netflix. Sexualmente positiva e insanamente irreverente, a série se equilibra entre o humor e o drama e entrega um excelente produto final: um excerto fantástico e agridoce do melhor que uma série adolescente tem a oferecer.

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O mês de outubro foi o mais agitado de 2021 aqui no Persona. Iniciado com o especial para o Mês do Horror e intermediado pela cobertura intensa da 45ª Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, os últimos 31 dias também viram o nascimento do nosso Clube do Livro, que aqui no site se materializou na Estante do Persona, nosso novo quadro mensal literário. Entre todas essas atividades, não deixamos de acompanhar o mundo da Música, e agora, chegamos para comentar tudo o que rolou no décimo mês do ano no Nota Musical.

Tudo começou com um misterioso número 30 surgindo nas principais cidades do mundo. Como um bat-sinal, Adele criou um momento no início de outubro para a divulgação de seu retorno, que acontece depois de seis silenciosos anos que sucederam seu último disco, 25. Agora, seremos apresentados aos 30 da artista, e o single Easy On Me foi mestre em nos introduzir ao novo estágio da vida de Adele, que encontrará seu lugar no mundo em forma de disco no próximo dia 19 de novembro.

Enquanto Adele ressurgia com os seus números, Ed Sheeran retornava com os seus sinais. Como anunciado pelas variáveis e constantes de Bad Habits e Shivers, o novo disco do cara mais legal do pop chegou para continuar sua concepção musical pautada na matemática. Agora, +, × e ÷ tem a companhia de =, e para o bem ou para o mal, a música de Ed é assumidamente definida pelo símbolo de igual. 

Por outro lado, as sábias operações musicais de Lady Gaga e Tony Bennett decidiram apostar tudo num jazz que coloca o amor à venda. Da mesma forma, Hans Zimmer, por sua vez, concluiu na trilha do novo 007 que não temos tempo para morrer, The War on Drugs percebeu que precisa de um novo lugar no indie rock, e Brandi Carlile criou sua aclamada música country a partir de dias silenciosos.

Há também os que buscam a maior abstração possível. É assim com Coldplay e seu novo disco Music of the Spheres, que inventa de buscar outras formas de vida e de expressão distanciando-se do que nos conecta uns aos outros aqui na Terra. Mas nem tudo está perdido: as viagens atmosféricas de outubro funcionam sob a condução de Felipe de Oliveira, Tirzah e Black Country, New Road. Quem quiser acompanhar as belezas descobertas pelos artistas em ascensão, pode conferir os discos Terra Vista da Lua e Colourgrade e o single Chaos Space Marine.

Se alguns embarcam em direção ao exterior, outros mergulham no interior. Na MPB, essa foi a direção de Caetano Veloso em Meu Coco, e de Ney Matogrosso em Nu Com a Minha Música. No rock, o movimento nos entrega o melhor de Sam Fender em seu segundo disco, Seventeen Goin Under. No pop, foi a tática de importantes estreias: lá, FINNEAS descobriu um otimismo agridoce e PinkPantheress resolveu mandar tudo pro inferno.

É da dimensão íntima que outros grandes nomes trazem grandes coletâneas. Silva comemorou seus dez anos de carreira com De Lá Até Aqui; Megan Thee Stallion presenteia seus fãs com Something for Thee Hotties; Elton John traz sua música de quarentena em The Lockdown Sessions; Nick Cave & The Bad Seeds desenterram alguns tesouros em B-Sides & Rarities (Part II); e Madonna disponibiliza sua experiência ao vivo de Madame X nas plataformas de streaming. 

Assim, outubro também foi um mês de retornos. Primeiro, The Wanted movimentou a internet com seu comeback anunciado através de Rule The World, primeiro lançamento da banda desde sua separação em 2014. Depois, Agnes chega para o revival da era disco em seu quinto álbum, Magic Still Exists, que finaliza um hiato de quase dez anos. Já Tears For Fears viveu um intervalo um pouco maior, mas agora o jejum iniciado em 2004 está encerrado com The Tipping Point, faixa-título do novo álbum da dupla britânica, cujo lançamento está previsto para o início de 2022.

Quando o assunto é novidade, também estamos bem servidos. Em terras brasileiras, o pop viu o encontro de ANAVITÓRIA e Jorge & Mateus, teve mais uma chance de reconhecer Johnny Hooker, finalmente recebeu a estreia de Priscilla Alcantara e o terceiro álbum de Jão. O funk juntou Valesca Popozuda e Rebecca, o rap esteve com Karol Conká e WC no Beat, e a MPB ganhou a companhia de Jorge Drexler na nova canção de Marisa Monte, mas o maior destaque de outubro vai para a Imaculada Alice Caymmi.

Fora do país, o nome segue sendo o de Anitta, que esse mês, apareceu junto de Saweetie em Faking Love. Mas desta vez, a Girl From Rio não representou o Brasil sozinha na música internacional. Nas tabelas, A QUEDA de Gloria Groove significou ascensão, e a drag brasileira estreou na parada global da Billboard. O mesmo sucesso e apreço não pode ser encontrado na colaboração entre Jesy Nelson e Nicki Minaj, já que o lançamento de Boyz veio encharcado de polêmicas da líder Barbz nas redes sociais, e episódios de blackfishing por parte da ex-Little Mix.

Ainda bem que a Música pode contar com a honestidade de Phoebe Bridgers, que usou That Funny Feeling para levantar sua voz em oposição à legislação antiaborto mais restritiva dos Estados Unidos que avança no Texas. O cover da artista esteve no radar mensal do indie, que também tem novidades preciosas no novo disco de Lana Del Rey e nas canções de Mitski e Michael Kiwanuka. 

Por fim, outubro ainda trouxe um belo descarte de Ariana Grande, novos contornos para a Conan Gray, clipes de Troye Sivan, Kacey Musgraves e Olivia Rodrigo, e o encontro gigante de The Weeknd com Swedish House Mafia. Foi um mês e tanto, mas o Persona nunca deixa de se atentar às novidades e decepções que a Arte nos oferece. Na décima edição do Nota Musical, nossa Editoria e nossos colaboradores se reúnem para vasculhar os CDs, EPs, músicas e clipes que ecoaram por aí em Outubro de 2021.

CDs

Lana Del Rey – Blue Banisters

Quando Lana Del Rey anunciou que Blue Banisters sairia ainda em 2021, sobrancelhas arquearam. A mesma cantora que, poucos meses atrás, havia mergulhado sem bote salva-vidas no tênue rio de expectativas que foi Chemtrails Over the Country Club, agora decidira lançar uma nova coletânea de batidas lentas e composições afiadas. Para a surpresa da audiência, Lana se ausentou das redes sociais, teve o disco vazado (aparentemente sob a supervisão da gravadora) e cumpriu o calendário. Em 22 de outubro, pudemos nos apoiar nos corrimões azuis.

Acompanhada de dois belos cachorros serenos, Lana olha ao seu redor. Ela inspira o ar puro, ela observa o farfalhar das folhas. Ela decide cantar não apenas sobre a velha Hollywood e sobre relacionamentos complicados, mas também sobre sua família. Convidando membros do clã Del Rey até para o papel de compositores, tirando sarro da irmã e da vida moderna, Blue Banisters dá certo pois Lana entende o que deve ser feito.

Se Chemtrails frustrou pela exaustão dos temas que fizeram de Norman Fucking Rockwell! o melhor disco de 2019, em sua segunda rodagem de 2021, a artista acerta a mão na refrescância de si mesma. Em Text Book, ela nos convida ao passeio. Em Arcadia, apresenta uma terra mágica (e um pedido inusitado, mas bem-vindo). Em Dealer, grita os pulmões para fora do tórax e em Sweet Carolina reconfigura sua própria ideia de como ser uma cantora de sucesso. Quase como um manual de instruções que resulta no sucesso, Lana Del Rey dá conta do recado. – Vitor Evangelista

Hans Zimmer – No Time To Die (Original Motion Picture Soundtrack)

A trilha de No Time To Die, novo filme da franquia de James Bond, chegou às plataformas de streaming. A despedida de Daniel Craig no papel de agente mais famoso do Cinema vem sob as canções imersivas e expansivas de Hans Zimmer, conceituado músico alemão que dá sequência a seus trabalhos em trilhas sonoras, cujo mais recente, The Dune Sketchbook (Music from the Soundtrack), foi lançado ainda no mês passado. A pedido de Zimmer, Billie Elish canta, de forma brilhante, a faixa-título do filme, e entra para a história como a artista mais jovem a gravar para a franquia. No começo deste ano, a canção rendeu um Grammy. 

Os longas do Agente 007 oferecem ao público um aspecto interessante. Embora sejam filmes de ação, mesclam elementos do Cinema cult, e compõem uma aura de clássico acessível. Por essa razão, suas trilhas sonoras têm a difícil missão de mesclar essas características, e, geralmente, são indicadas nas principais premiações. A franquia possui 15 indicações ao Oscar, das quais 11 são em categorias de som. Da lista, o mais recente foi o de Melhor Canção Original por Writing’s on the Wall, em 2015, cantada por Sam Smith. Para esse filme, inicialmente, a música tema seria Spectre, composta pelo Radiohead. Os britânicos produziram a canção, que foi recusada por ser considerada muito melancólica. 

É possível que se tenha encontrado a mistura perfeita entre o clássico, o melancólico e o acessível em No Time To Die. Mais do que aumentar o clima de tensão nas cenas de ação e suspense, as canções captam a sensação de perda emocional constante, elucidando as complexidades de James Bond. No fim das contas, há uma fórmula que não pode ser alterada, e Zimmer permanece dentro dos limites — mas tudo, claro, sem perder o estilo. – Bruno Andrade

Jão – PIRATA

Finalmente Jão parou de sofrer por amor (mas não muito). Depois dos doídos LOBOS e ANTI-HERÓI, PIRATA, o terceiro álbum do cantor e compositor, superou as persistentes desilusões e lamentos sobre o amor e, para além de seu recorrente tema, cresceu também em sua sonoridade. O novo trabalho inaugura uma nova fase do artista, já começando pelo seu grandioso lançamento: ao invés de uma apresentação intimista do projeto, Jão reuniu os fãs em um teatro para ouvirem o álbum com exclusividade.

Agora mais ousado, otimista e confiante, as composições autorais do artista continuam charmosas e confessionais. Ninguém sabe o que aconteceu em 2013 para Jão, a quem pertence o dragão nas costas da pessoa que vai parar na cama dele ou o porquê o banco do carro o lembra da nuca de sabe se lá quem, mas mesmo assim, as letras pessoais foram feitas para serem cantadas alto por todos. As batidas animadas e os ritmos festeiros de Pirata, que se anima até quando abaixa o tom para sofrer um pouquinho (não pode faltar), também convidam para dançar até enquanto pronunciamos com convicção “é claro que eu não te amo”.

Falando em ânimo, Jão se arrisca com novas sonoridades e até na produção. Se de primeira algumas faixas como Clarão e Doce soam como um esforço para inovar que deu errado demais, as novidades crescem no ouvido depois que as expectativas iniciais se quebram. Chega de violões sofridos e de chororô, agora a desilusão virou uma dançante EDM para comemorar os fins. O sofrimento de PIRATA é quando este, depois de rápidos 34 minutos, chega ao seu. – Vitória Lopes Gomez

Tony Bennett & Lady Gaga – Love For Sale

Dedicar um álbum inteiro a Cole Porter não é novidade no mercado fonográfico norte-americano. Em 1956, por exemplo, o mundo era presenteado com o clássico Ella Fitzgerald Sings The Cole Porter Song Book. De lá para cá, no entanto, os parâmetros musicais mudaram mais de uma vez, e, na atualidade, nenhuma realização similar à de Ella parecia ser capaz de fazer tanto barulho. Nenhuma, até o público finalmente conhecer Love For Sale. Afinal, com o brilhantismo da dupla Lady Gaga e Tony Bennett, tudo é possível. E ambos foram capazes de transportar os clássicos do jazz para os dias de hoje, sem deixar de lado o brilho original das canções, ou fazer com que o projeto soe pouco inovador.

Incorporando uma roupagem característica do duo super carismático a sucessos imortais, Love For Sale foi aclamado antes mesmo de nascer, recebendo 5 estrelas do jornal Financial Times. Além disso, vale ressaltar que o projeto não surgiu da noite para o dia, pois vinha sendo planejado desde meados da era Cheek To Cheek. Inclusive, para quem desconfiava que o álbum de 2014 era tão somente uma jogada de marketing, ou simplesmente torcia o nariz para a Mother Monster no jazz, o novo disco de Tony e Gaga evidencia de modo inigualável a sinceridade e química que há nessa dupla, o que talvez modifique um pouco a opinião de um grupo sisudo, que gosta de ter controle sobre o que é ou não Arte.      

Em relação aos destaques do CD, It’s De-Lovely é a abertura perfeita para o álbum: carregada de belos vocais e muita poesia, como já esperado, a faixa é um deleite à primeira ouvida. E indo da contagiante faixa-título à extasiante Do I Love You, uma das performances solo de Gaga, não podemos deixar de mencionar Let’s Do It. Para os brasileiros, talvez seja impossível não associar essa canção à memorável versão Façamos (Vamos Amar), de Elza Soares e Chico Buarque. Para finalizar, não foram inesperadas as reações da internet à música You’re The Top – já que alguns versos dessa faixa ganham outro sentido na comunidade gay, num jogo entre os termos passivo e ativo. Portanto, não restam dúvidas de que, ao lado de Lady Gaga, Tony Bennett se aposentou em grande estilo. – Eduardo Rota Hilário      

Ed Sheeran – Equals

Simples, íntimo e sem erros. É assim que Ed Sheeran orquestra = (Equals), em cada nota e ritmo de seu quinto álbum solo. Sem desapontamentos, o britânico entrega mais do que o esperado nas 14 músicas, harmonizando cada parte de sua era matemática em um único exemplar. Sentimos cada detalhe de suas emoções, transitando entre energias positivas e mais dramáticas. 

Ainda que o cantor permaneça no pop comercial, ele sempre traz seu diferencial com músicas acústicas em meio as mais dançantes. A menção honrosa vai para Tides, deixando explícito que, mesmo com as mudanças significativas em sua vida, o artista permanece o mesmo. Em sua nova fase, Ed Sheeran nos mostra o quanto ainda podemos ser iguais. – Júlia Paes de Arruda

Priscilla Alcantara – Você Aprendeu A Amar?

“Eu começo onde eles dizem ser o meu fim”, era a mensagem de Priscilla Alcantara quando iniciou de vez sua caminhada rumo ao pop num processo de ruptura com as suas raízes no gospel. O momento da mudança de carreira – e de postura diante das cobranças de quem se achava no direito de questionar a forma como seguia sua vida – foi marcado pelo single Correntes, lançado em novembro de 2020, que hoje é peça fundamental no primeiro disco de Alcantara fora da música religiosa. E bem antes do lançamento de Você Aprendeu A Amar?, Priscilla já é um fenômeno pop há muito tempo. 

De ícone da TV infantil dos anos 2000 à perfil influente nas redes sociais, recentemente ela até saiu vencedora da primeira edição do The Masked Singer Brasil. Assim, Alcantara não tem medo de ser cringe logo de cara, e apesar da boa produção, Boyzinho pode não ser a melhor forma de abrir o disco, que guarda coisas muito mais interessantes nas próximas faixas. Vide Primavera na segunda posição da tracklist, apresentando um lirismo que o pop nacional apreciava muito em Sandy & Júnior, agora fresco e repaginado pela expertise de uma artista que conhece bem o público e a música que busca. 

As referências do gênero que foi a primeira formação musical de Priscilla Alcantara estão por toda parte, e ainda que ela tenha dificuldade em coordenar sua individualidade junto do estilo secular e sua voz potente, nada aqui significa uma artista contida. Ela aposta alto e sem retorno em Você É Um Perigo e Beat Triste, enquanto o auge do álbum é quando ela se solta na balada Eu Não Sou Pra Você, brilhando forte a assinatura musical junto da participação de Lucas Silveira (que também assina a produção do álbum). Em seguida, Tem Dias mostra o melhor do pop de Alcantara no trabalho que ainda tem a participação de Projota e uma vindoura colaboração com Emicida (!). Como ela disse, Você Aprendeu A Amar? é só o começo. – Raquel Dutra

Silva – De Lá Até Aqui (2011-2021)

Silva resolveu comemorar seus dez anos de carreira musical do melhor jeito: com mais música. No álbum De Lá Até Aqui, o cantor, compositor e produtor revisita canções e celebra seus trabalhos anteriores em, não por coincidência, dez faixas. Além dos áudios, ele tornou a produção também visual e todas as músicas ganharam clipe, filmados diretamente de sua casa no Espírito Santo. Com novos arranjos e interpretações, Silva se aproveita da habilidade no violão para brincar com os estilos e mudar pegadas, em releituras que não tornam o trabalho somente um ‘Maiores Sucessos’. 

Regravadas no ‘voz e violão’, como as faixas foram primeiramente concebidas, o artista pretendia focar na essência das composições ao invés de produções grandiosas. Amantes, por exemplo, que já tinha sido apresentada ao vivo no Bloco do Silva, mas nunca chegou a ser lançada, foi disponibilizada oficialmente em uma versão completamente diferente. Outras, as animadas Pra Vida Inteira, colaboração com Ivete Sangalo, e Um Pôr do Sol na Praia, com Ludmilla, ganharam uma versão solo, repensadas no formato acústico e ao teclado. Até Não É Fácil, presente no Silva Canta Marisa, teve sua própria releitura da releitura, já que, no álbum de covers, o artista performa sua visão de sucessos de Marisa Monte.

Entre as dez faixas, Silva ainda deixa espaço para uma inédita, Pra Te Dizer Que Tô Feliz Assim, que já abre o trabalho significativa. “Meu caminho não é reto pra lá/ninguém me falou onde é que ia dar”, ele inicia, com a voz calma e melódica que, com certeza, marcou sua carreira. De Lá Até Aqui relembra canções desde o primeiro álbum, Claridão, até o mais recente, Cinco, e homenageia os dez anos de trajetória mostrando que, mesmo depois de uma década, Silva sabe muito bem como se renovar. – Vitória Lopes Gomez

Ney Matogrosso – Nu Com a Minha Música

Para o bem da legião de apaixonados por Música brasileira, Ney Matogrosso adiantou o lançamento do álbum Nu Com a Minha Música, antes previsto para sair somente em novembro deste ano. Composto pelas quatro canções já apresentadas no EP homônimo de agosto, além de outras oito faixas, o novo disco de Ney é, antes de tudo, uma celebração da liberdade. Não à toa, desde a escolha do repertório, o artista satisfez sensivelmente as próprias vontades. E o resultado foi, como sempre, um belo CD, com produção musical divida entre Leandro Braga, Marcello Gonçalves, Ricardo Silveira e Sacha Amback. 

Felizmente, o “medo” de não conseguir cantar aos 80 anos, depois de ficar um ano inteiro sem essa prática, não passava de um temor. Jogando um pouco de luz sobre um país tão dizimado, Ney Matogrosso parece expressar sua relação íntima com a Música ao cantar “eu ouço cada palavra/de cada frase não dita”. Nesses versos de Noturno, canção ampliada por Vitor Ramil, a pedido do próprio intérprete, temos certeza de que Ney enxerga além do lugar-comum de suas escolhas. Prova disso é Sua Estupidez, que, nas mãos do ex-Secos & Molhados, fascina até quem não aprova muito os compositores Roberto e Erasmo Carlos. 

Sem muita surpresa, Mi Unicornio Azul, do cubano Silvio Rodríguez, permanece, de agosto até aqui, como um dos auges das novas gravações. E falando em destaques, o expurgo poético de Estranha Toada nos encanta com os versos de Martins e PC Silva: “Eu tô gastando canção,/minha função principal,/derramando verso a quem não vale uma vogal”. De fato, percorridas oito décadas de vida, é urgente assumir que Ney Matogrosso não precisa mais provar sua expressividade e relevância. As renovações tornam-se, da mesma forma, desnecessárias para quem pode muito bem gravar porque quer gravar. E cantar – até o fim.  – Eduardo Rota Hilário

Brandi Carlile – In These Silent Days

Vencedora do Melhor Álbum Americana com By The Way, I Forgive You, além de conquistar outras 2 vitórias com o hino do country queer, The Joke, Brandi Carlile foi a mulher mais indicada ao Grammy 2019 e para ela, Música e ativismo são inseparáveis. Lésbica assumida desde os 15 anos de idade, a cantora-compositora redefine o gênero através da experiência como pessoa LGBTQIA+, dando plataforma à comunidade. Carlile foi pioneira, enfrentou as tensões de ser diferente dos padrões na indústria country, se tornando expoente de um conjunto de artistas que vêm transfigurando o Americana como forma de protesto.

Dando sequência ao sucesso do último registro, no sétimo e mais recente álbum, In These Silent Days, Carlile mais uma vez reafirma a filosofia pessoal de encontrar beleza nas fraquezas – explorada simultaneamente na produção de seu livro de memórias, Broken Horses. Aqui, a artista revela as influências dos ídolos com quem desenvolveu relações estreitas após By The Way, I Forgive You, permeando entre o intimismo de Joni Mitchell em You and Me On The Rock à teatralidade de Elton John em Sinners, Saints and Fools.

Com a pressão de superar o triunfo do álbum antecessor, a norte-americana aposta na mesma sonoridade passada: a instrumentação acústica, os vocais protuberantes e o destaque dos refrões continuam presentes em In These Silent Days. Ainda, a inspiração do rock setentista se manifesta ao longo das dez faixas, nas quais Carlile aparenta estar segura, satisfeita – mesmo quando versa sobre assuntos obscuros. Carlile não busca metamorfose, mas o refinamento de suas qualidades já existentes, finalmente aceitando as próprias imperfeições. – Ayra Mori

Felipe de Oliveira – Terra Vista da Lua 

É perfeitamente compreensível que Felipe de Oliveira, ao participar do The Voice Brasil 2016, tenha recebido elogios de Ney Matogrosso. Em primeiro lugar, porque o novo álbum de estúdio do intérprete mineiro abre com Descasos, composição de Juliano Antunes que, na voz de Felipe, lembra bastante a forma de cantar do ex-Secos & Molhados – sem deixar de lado uma roupagem única, que o singulariza como cantor. Em segundo lugar, porque as habilidades vocais e interpretativas de Oliveira, assim como seu bom gosto para seleção de repertório, são notáveis.  

Com título inspirado na canção Lunik 9, de Gilberto Gil, Terra Vista da Lua também abraça o tropicalista baiano ao apresentar uma regravação de Balada do Lado Sem Luz: jogo de brilhos e sombras que se encaixa muito bem na voz de Felipe. Mas o auge do disco está mesmo em Cara da Esquina, música composta por Dé de Freitas e Guilherme Borges. “A gente inventa tanta esquina/pra falar que importam/as minúcias dessa vida”, diz uma das passagens mais belas desse momento sensível, reflexivo e maduro, trecho ímpar de um álbum igualmente poético do início ao fim.

Sem perder a qualidade estética, Terra Vista da Lua ainda aborda temas urgentes, como “aqueles homens que se escondem/atrás de tanto ódio” – parte da atualíssima faixa Aqueles Homens, com autoria de Nobat. Já em Encontro Nosso, Felipe consolida o único feat do CD, ao lado da artista baiana Laila Garin. Inquestionável, no entanto, é dizer que, ao fim desta jornada produzida pelo baixista Barral Lima, com direção artística do próprio cantor mineiro, Terra Vista da Lua mostra-se belo e sensível como um todo, desde sua capa até as letras e sonoridades mais diversas. – Eduardo Rota Hilário    

The Driver Era – Girlfriend

O aguardado segundo álbum da The Driver Era, a banda formada pelos famosos irmãos Ross e Rocky Lynch, chegou tímido: das quinze faixas que compõem Girlfriend, somente quatro são inéditas. A escolha da dupla de dividir o trabalho em duas partes (a primeira com sete canções frescas, três delas disponibilizadas antecipadamente como singles, e a segunda com faixas lançadas avulsamente durante 2019 e 2020), destaca o progresso na experimentação musical dos irmãos, mas soa familiar demais. Não que isso seja ruim: apesar de mais da metade do álbum não ser novidade, a identidade autêntica de The Driver Era continua marcante. 

A união das canções atuais e antigas serve para mostrar a evolução de Ross e Rocky, que estão notavelmente mais confiantes e confortáveis agora, tanto nas composições, quanto na produção das faixas. E nas mãos dos irmãos, a sonoridade multi-gêneros de Girlfriend, que coexiste nos rótulos de indie pop, rock e alt, contrapõe os vibrantes solos de baixo e os dançantes teclados, que são os destaques de canções como Heaven Angel, #1 Fan e When You Need a Man, diante dos introspectivos solos e riffs de guitarra de OMG Plz Don´t Come Around, Fade e Take Me Away. Algumas faixas, ainda, conseguem unir o melhor das duas fases da The Driver Era, como acontece nas versáteis Heart Of Mine, Leave Me Feeling Confident e A Kiss. – Vitória Lopes Gomez

Coldplay – Music of the Spheres

Entre altos e baixos, o quarteto britânico encabeçado por Chris Martin conseguiu notavelmente manter-se relevante ao longo dos últimos 21 anos, oscilando do rock alternativo que marcou sua primeira década ao pop chiclete que caracterizou a sua segunda, aprofundando-se em uma sonoridade ou outra a cada projeto. Para a alegria de alguns e o horror de outros, em Music of the Spheres, a banda mergulha de cabeça na música multicolorida blasé que caracterizou seus discos Mylo Xyloto e A Head Full of Dreams. Trazendo uma mensagem de paz e amor, emojis no título de canções, e preparando uma turnê sustentável, a banda vem cheia de boas intenções, mas ainda assim carece de intenções artísticas genuínas. 

O conceito principal do disco é apresentar uma viagem espacial por planetas imaginários, proposta que na realidade funciona como fachada para tratar do amor e sentimentos humanos. A viagem parece chamativa e a passagem é barata, mas estejam preparados para gravidade intensa gerando quedas bruscas em várias partes do trajeto, pois nem sempre a espaçonave será capaz de se manter a níveis elevados de voo. Após uma breve introdução instrumental, Higher Power decola melhor do que o esperado, parecendo mais energética e animadora do que quando foi lançada como single. Mas não se animem se a decolagem pareceu estável, pois teremos algumas tremulações nas próximas faixas. 

Depois das genéricas Humankind e Let Somebody Go, com a participação de Selena Gomez, o disco almeja se elevar nas sempre belas harmonias vocais de Jacob Collier com o grupo We Are KING em , mas balança novamente em People of the Pride, que tenta reproduzir a mesma energia pulsante de Arabesque, canção que foi o ápice do disco anterior. Aproveitem enquanto é tempo, pois daqui pra frente enfrentaremos trajetos perigosos. Biutyful apresenta um bizarro dueto de Chris Martin consigo mesmo em uma voz que parece ser de um personagem de Alvin e os Esquilos, My Universe é mais uma canção chiclete que vai dominar as rádios por meses, e parece estar ali só pra estender ainda mais a jornada ao infinito. O pouso será ao som da bela Coloratura, um descanso até que bem-vindo depois de uma viagem tão instável. – João Batista Signorelli

Caetano Veloso – Meu Coco

Nove anos após conceder um Abraçaço à Cultura brasileira, Caetano Veloso resgata seu frescor inventivo no recém-lançado álbum Meu Coco. Com produção musical do próprio artista, junto de Lucas Nunes, a nova obra do cantor e compositor baiano adotou, inclusive, atualizados formatos em seu processo de divulgação, como é o caso das esquetes humorísticas. Afastando-se, no entanto, e felizmente, dos automatismos, conteúdos rasos e da instantaneidade do universo contemporâneo, Meu Coco chega ao mundo como um disco que ecoa, ao mesmo tempo, nossa Arte e nossos horrores; nossas vozes mais belas e sórdidas.    

Como em todas as criações de Caê, só é possível desvendar esse novo disco de camada em camada. E talvez nem seja possível esgotar as incontáveis ramificações que brotam a cada imersão ou pesquisa atenta. Assim como em Anjos Tronchos, lead single do projeto, não há aqui detalhe que escape das antenas universais de Caetano. Em Não Vou Deixar, por exemplo, observamos um grito não panfletário, que ressoaria em qualquer boca minimamente consciente das perversidades que habitam o Brasil e o mundo de hoje em dia – o que justifica a predileção do artista por essa faixa política, destacada e esperançosa.

Há, aliás, mais de uma luz no fim do túnel. “Com Naras, Bethânias e Elis/Faremos mundo feliz”, promete a faixa-título. Exaltação musical entremeada em todo o CD, é impossível não notá-la em GilGal, ou, quem sabe, se empolgar com as novas gerações citadas em Sem Samba Não Dá – tão inesperadas eram as menções a nomes como Gloria Groove e DUDA BEAT. No fim, até Portugal se entrega a esse caldeirão cultural múltiplo: ao lado da cantora Carminho, Caê constrói Você-Você, um dos tocantes auges de Meu Coco. Já nós, passo a passo, vamos abrindo nossos cocos para um vislumbre de futuro que nos parecia delírio utópico. – Eduardo Rota Hilário

Tirzah – Colourgrade

É fato que Tirzah não se contenta em encaixar sua Música aos padrões sonoros de qualquer gênero musical. E com Colourgrade não foi diferente. Dando sequência à estreia atmosférica de Devotion, em seu segundo álbum, a cantora, compositora e produtora britânica flerta com o R&B e o pop, jamais se enquadrando plenamente em nenhuma das categorias. O resultado é um som sintético vanguardista que desliza por uma série de experimentações que aguçam os sentidos e ultrapassam a experiência sonora, tornando-se também visual, táctil.

Contando com a colaboração veterana de Coby Sey e Mica Levi (conhecide pela produção de trilhas sonoras audaciosas como a do horror contemporâneo Sob a Pele), o trio com certeza traz à tona as melhores qualidades de cada parte. Rebeldes sem causa, a coprodução confere imprevisibilidade aos temas explorados nas dez faixas, produzidas ao longo de 2019, um ano após o nascimento do primeiro filho de Tirzah. “Passando pela gravidez, parto e maternidade, a anatomia encontrou seu lugar em todas as canções”, ela afirmou a Stereogum.

Contudo, é através dos ruídos, sintetizadores claustrofóbicos e melodias enigmáticas que Tirzah se excede. Por trás das celebrações do parentesco, transformações e pormenores da experiência cotidiana, evocados pelos versos confessionais, ela se despe dos exageros, abraçando o estranho – são sussurros sensuais em Tectonic até guitarras que evocam choros de bebês em Beating. Como uma peça de arte assombrosa, difícil de digerir, Colourgrade hipnotiza. – Ayra Mori

FINNEAS – Optimist

Sejamos honestos: é difícil dissociar a fama de Finneas O’Connel da carreira internacional de Billie Elish. Como produtor de sua irmã, o artista mostrou os pontos altos de alguém que domina o sombrio e converte isso em Música pop, ao mesmo tempo em que trata de assuntos pertinentes como as injustiças sociais. Esses temas são a força motriz de Optimist, álbum de estreia de FINNEAS.

A verdade é que existem poucos pontos otimistas aqui. Logo na primeira canção do disco, A Concert Six Months From Now, recebemos o tom de todo o álbum, ouvindo o artista evocar sentimentos de perda e decepção sob uma aura sombria, colocando-se contra a alienação que parece reinar nos tempos digitais — é dessa faixa que surge o trecho que dá título ao CD, no qual O’Connel entoa: “Acho que sou otimista”. Optimist parece fazer parte da leva de projetos que — talvez erroneamente — são caracterizados como pop, mesmo que neguem todos os valores que consolidaram o gênero, devido a uma reconstrução constante da Música.

Assim como Lorde, FINNEAS aposta ao longo das 13 faixas do álbum em paradas mais suaves e lentas, priorizando voz e piano — as canções mais eletrônicas do disco são Around My Neck e How It Ends, que o encerra dando um suspiro a toda tensão que a precedeu. Embora FINNEAS cite em Optimist sensações de tristeza e dor, provavelmente uma forma irônica de abordar seu título, ainda se vê preso em alguns clichês sobre sociedade e alienação, o que transmite sua enorme ambição, mas evidencia uma prática pouco viável. – Bruno Andrade

Sam Fender – Seventeen Going Under

Há um certo sentimento de euforia que ronda a nova geração do rock, nos confirma o novo disco de Sam Fender. Num contraste direto com a lírica obscura e direta que fez a estreia do britânico em Hypersonic Missiles ser tão marcante, Seventeen Going Under demora a revelar seus lugares mais escuros e também para compreender o que eles significam no álbum da vez. Aos afetados pela perfeita melancolia psicológica de Dead Boys em 2019, Sam Fender oferece músicas mais doces em toda a primeira metade de Seventeen Going Under. 

Referenciando diretamente o rock clássico do ídolo Bruce Springsteen, o disco entrega seu auge logo na faixa-título inaugural, e segue com produções e arranjos musicais que poderiam ter saído das sessões de gravação do novo disco do Bleachers em Getting Started, Long Way Off, Get You Down e em outro destaque do álbum, Aye. As conclusões do processo de reflexão, no entanto, continuam trazendo um gosto amargo às palavras que saem da voz operística de Sam Fender. Entre reflexões sobre a sua vida, Last Train To Make It Home, Spite Of You e The Dying Light mostram que a melhor matéria-prima é sempre o que existe dentro de nós.

Isso porque quando olhando para fora, Seventeen Going Under não consegue criar a mesma beleza artística. O percalço também era identificável no primeiro disco do artista, e aos incomodados pela dimensão rasa de White Privilege, Sam Fender expressa suas tentativas de ir além das análises sociais básicas em Paradigmas. Às vezes bruta, às vezes lapidada, a sensibilidade de Sam Fender é para ser descoberta, e ainda bem que existe uma urgência sentimental pungente em Seventeen Going Under. – Raquel Dutra

Madonna – Madame X – Music From The Theater Experience (Live)

Madonna está de volta com mais um álbum ao vivo. Gravado no Coliseu dos Recreios, em Portugal, Madame X – Music From The Theater Experience (Live) é composto majoritariamente por canções do 14º disco de estúdio da cantora, o Madame X, embora traga também conhecidas faixas de outros CDs da Rainha do Pop – como American Life, Human Nature e Like A Prayer. Pelos exemplos citados, dá para perceber que, no quesito repertório, estamos diante de um dos shows mais políticos de toda a carreira da Queen Madge. Ultrapassando a Música, isso se confirma igualmente nos discursos que aparecem vez ou outra no meio desta obra.

Nos últimos tempos, não é surpresa que Madonna ama robotizar a própria voz. Seja como ferramenta criativa ou excesso que pode causar estranheza, essa escolha inventiva aparece em vários momentos do novo disco ao vivo. E é, inclusive, muito bom chegar a certos intervalos de respiro, quando Madge canta com voz natural. Afinal, são os momentos mais orgânicos do disco, como o Fado Pechincha – cantado em Português, ao lado do músico Gaspar Varela – e a presença da Orquestra Batukadeiras na faixa Batuka, que se destacam neste universo profundamente influenciado por diferentes culturas ligadas pela Língua Portuguesa.

Fora isso, pela interação calorosa entre artista e público, dá para ter uma noção mínima de como a plateia realmente aproveitou este show super intimista e teatral. Assumindo o cargo de melhor finalização possível para esta era, I Rise brilha como última faixa do espetáculo. No entanto, ao chegarmos ao fim do disco, é inevitável dizer que, sem a parte visual da apresentação, o lado sonoro da obra perde um pouco de seu brilho natural. No fim, Madame X – Music From The Theater Experience (Live) acaba sendo, mais do que qualquer coisa, um álbum para os fãs mais ferrenhos da eterna Material Girl. – Eduardo Rota Hilário

Elton John – The Lockdown Sessions

2020 não foi um ano fácil, quem dirá 2021. Em dois anos de isolamento lidando com o fim do mundo, na Música, encontramos refúgio. Nela, encaramos a solidão e nos transportamos para tempos mais coloridos, assim como fez o gigante do pop, Elton John, em seu mais recente álbum. Produto de 16 registros remotos, The Lockdown Sessions foi concebido despropositadamente após o cancelamento de sua turnê Farewell Yellow Brick Road, em decorrência do agravamento de casos de covid-19. E descendo do pedestal, o cantor britânico transverte as frustrações em parcerias inesperadas.

O novo projeto reúne um encontro memorável de diferentes gerações que incluem desde artistas emergentes (Rina Sawayama, Lil Nas X e Dua Lipa) até ícones consagrados da Quarta Arte (Stevie Wonder, Stevie Nicks e Eddie Vedder). São mais de vinte colaborações lançadas e produzidas durante o período da pandemia. Atirando-se a novas experiências, sem hesitar, The Lockdown Sessions naturalmente perde o equilíbrio em algumas faixas, como no insosso After All. Porém, apesar dos deslizes, o álbum também integra verdadeiras preciosidades, como o melancólico The Pink Phantom, revelando um Elton John liberto, explorando os mais variados gêneros musicais, despido de qualquer acanhamento. – Ayra Mori

Nick Cave & The Bad Seeds – B-Sides & Rarities (Part II)

Na carreira do artista que passou seus anos no limiar entre a sarjeta e o estrelato, nada pode ser jogado fora. Em B-Sides & Rarities (Part II), Nick Cave & The Bad Seeds revelam suas preocupações e inseguranças, e avançam por janelas alternativas. Dando sequência à primeira coleção de b-sides lançada em 2005 — nesta que contemplou as duas primeiras décadas de trabalho —, B-Sides & Rarities (Part II) chega com 27 canções inéditas, gravadas entre 2006 e 2019, e apresenta um conjunto mais centrado cujo desenvolvimento parece ficar entre a festa e a melancolia.

Ao longo da história, os b-sides foram utilizados pelos grupos para mostrarem facetas pouco convencionais, ou versões que simplesmente não se encaixavam no grande universo mainstream. Mas o que ouvimos no disco é uma tentativa bastante sólida de entender as questões que regem o mundo, como na canção Push The Sky Away, a qual Cave entoa de forma honesta: “Você precisa apenas/Continuar empurrando/Empurre o céu para longe”. Em Steve McQueen ouvimos, ao longo de seus quatro minutos de duração, Nick Cave tecer considerações sobre depressão, suicídio e assassinato, com sua voz acompanhada apenas por um sintetizador — essa característica dá a canção um tom de discurso, cuja ideia é registrar esses pensamentos.

Também ouvimos em Needle Boy — uma canção que de cara faz lembrar os trabalhos mais recentes de Low — suas afirmações sobre a virada do século, maldade e o que podemos entender como metáforas da globalização. No disco, ainda há um cover de Avalanche, música de Leonard Cohen que Cave e os Bad Seeds já reproduziram no álbum de estreia, From Her to Eternity (1984). B-Sides & Rarities (Part II) é de fato raro, e, invariavelmente, genial. – Bruno Andrade

Agnes – Magic Still Exists

O revivalismo da disco music já deu o que tinha que dar, certo? Errado. Quando as exaltações nostálgicas parecem perder força, Agnes se traja do figurino mais extravagante ao evocar o hedonismo setentista em sua melhor essência com Magic Still Exists. E após quase uma década de um longo hiato, a vencedora do Ídolos Suécia 2005 conjura uma suprema magia nos curtos 35 minutos do seu aguardado quinto álbum de estúdio, fazendo da pista de dança seu confessionário mais íntimo, seu grito libertário.

Encabeçando o álbum com XX – hino enérgico sobre a exaltação da própria existência –, a sueca eleva as expectativas logo de cara, estendo um convite: “Liberte sua mente, liberte seu corpo”. Cada batida pulsante, cada melodia galáctica e cada verso meticuloso parecem estar concisamente onde deveriam estar e, como um truque de mestre, a artista eleva seu pop ao mais alto patamar. As influências óbvias são reverenciadas com primor, acumulando ao longo das sete faixas e quatro interlúdios a discoteca de Donna Summer, ABBA, Diana Ross, Prince, Kylie Minogue, além das contemporâneas Robyn e Dua Lipa.

Magic Still Exists é encerrada em toda a sua excelência pela faixa-título do álbum, uma balada sublime transportada por um piano sóbrio, a voz poderosíssima de Agnes e um coro angelicalmente extraterrestre, fazendo crer que sim, ainda há mágica na existência humana. “Às vezes se ganha, e de repente se perde tudo/A vida pode te enganar, se você assim quiser/Tudo que sei é que isso me leva de volta para você/A magia ainda existe”. Sem sequer uma canção dispensável, todas se amarram apuradamente numa coleção de epifanias do início ao fim, como pura magia. – Ayra Mori

Alice Caymmi – Imaculada 

Imaculada é o quinto álbum de estúdio da potente Alice Caymmi. Neta de Dorival Caymmi, Alice não nega suas raízes com a inconfundível e impactante voz que possui. O diferencial mais chamativo desse disco está na assinatura de sua cantora. Ela é dona da maioria das músicas e também produtora de Imaculada, sendo assim o trabalho tem Alice por completo, com todos os seus anseios e prazeres.

As dez faixas compõem uma linha tênue entre o divino e o visceral, e a voz da cantora conduz os profundos sentimentos gerados por Imaculada. Dentro da Minha Cabeça, canção que abre o disco, dá uma palhinha da singularidade do novo trabalho; Recíproco provoca um reencontro com o eu-lírico ainda machucado que continua em Ninfomaníaca – essa contando com a parceria de Urias e Number Teddie; e a faixa-título amarra todo o conceito previsto para o álbum, sinalizando com sua rítmica renovada que esse é apenas o começo de uma nova era. Imaculada ainda conta com os feats entre Mulú e Vivian Kuczynski. – Ana Júlia Trevisan

James Blake – Friends That Break Your Heart

Em ano de lançamentos concebidos na pandemia, Friends That Break Your Heart, o quinto álbum do londrino James Blake, é mais um deles. No novo projeto, o cantor, compositor e produtor, que já trabalhou com nomes como Frank Ocean, Kendrick Lamar e Beyoncé e foi incluído em indicações do Grammy por suas colaborações, faz o esforço para reencontrar seu lugar e se reajustar aos seus arredores. Seja nas relações familiares, românticas, de amizade ou profissionais, as 12 faixas do álbum refletem os questionamentos e incertezas de James Blake. 

Como ele defende, “o álbum não é marcado por canções de amor, é sobre se ajustar a vários tipos diferentes de relacionamentos (…), e sobre refletir sobre eles, sobre mim e sobre minha posição no mundo”. Porém, ao passo que ele define o trabalho como sua catarse pessoal, para os ouvidos não familiarizados à discografia do artista, Friends That Break Your Heart soa até seguro demais. 

Permeado pelas baladas R&B, que incluem participações de SZA, Monica Martin, slowthai e dos rappers JID e SwaVay, as canções soam similares às do último álbum de Blake, Assume Form, apesar do tema do anterior ser completamente o oposto. Ainda assim, algumas das canções mais pessoais, como a que intitula o projeto, Friends That Break Your Heart, If I’m Insecure e Funeral destacam a voz potente e profunda de James Blake e se sobressaem no bem sucedido, mas comum Friends That Break Your Heart. – Vitória Lopes Gomez

The War On Drugs – I Don’t Live Here Anymore

Adam Granduciel, líder do grupo intitulado The War On Drugs, possui um ar de trovador solitário, caminhando por vales desconhecidos com seu violão preso às costas enquanto vive um dia de cada vez. Em I Don’t Live Here Anymore, novo álbum do projeto, o que é levado a sério é justamente a jornada, a qual o estrelato inevitável, após angariar prêmios importantes, não subiu à cabeça. Muito semelhante ao que Wilco fez — especialmente no álbum Sky Blue Sky (2007) —, lembrando ainda canções de Bob Dylan com seu folk arredio, o disco é uma afirmação do poder musical de The War On Drugs.

Nesse épico comovente, cada elemento é colocado de forma limpa e sem grandes invenções, porém extremamente bem utilizados. Dos sintetizadores aos solos de guitarra, tudo parece ter sido encaixado peça por peça. Em Living Proof, uma bela porta de entrada, ouvimos um violão ao estilo folk, acompanhado de piano e guitarra levemente inseridos, dando a tônica do álbum. Change é uma das canções que demonstram a tranquilidade com que o disco é levado, trazendo ao longo de seus seis minutos de duração um pouco de britpop e uma voz autoconsciente.

Mesmo que possa soar semelhante ao disco A Deeper Understanding (2017), vencedor do Grammy na categoria Melhor Álbum de Rock, o trabalho possui uma diferença: “Ele é sobre crescer, envelhecer, mas também crescer fora de si mesmo”, conforme Granduciel disse em entrevista. I Don’t Live Here Anymore consolida o indie rock de qualidade composto pelos integrantes de The War On Drugs — ou não, talvez seja mais do que isso, mas vamos encerrar por aqui. – Bruno Andrade

PinkPantheress – to hell with it

Com 15 segundos, PinkPantheress explodiu no TikTok. Inserida na potente rede cultural, sua Música naturalmente é suportada pelos mesmos pilares da plataforma: são imediatistas, atrevidas e não têm medo de abraçar o cringe. Como resultado, a produtora e cantora britânica de 20 anos – registrando milhões de streams –, assinou um selo com uma grande gravadora, explorando no álbum de estreia o “new nostalgic”, termo utilizado pela própria para referenciar a nova onda que exalta o saudado anos 2000, (uma utopia peculiarmente esquisita onde pessoas usavam calças baixas, navegavam por gráficos pixelados e sonhavam com vampiros adolescentes), ainda bem.

Composto por dez faixas que raramente ultrapassam 2 minutos, to hell with it dispõe-se de uma simplicidade furtiva. PinkPantheress não tenta dominar as faixas com seus versos, pelo contrário, ela preenche o vazio com expressões vocais simples que se mesclam com o ritmo lo-fi pulsante característico. O que define a marca autoral da artista é a sua voz, que parece sussurrar diretamente em nosso ouvido. E apesar de referenciar intimamente o período 00’s, PinkPantheress não se limita a mimese, adicionando camadas contemporâneas sobre uma memória idealizada da infância passada. – Ayra Mori

Megan Thee Stallion – Something for Thee Hotties

Ela faz o Halloween dela! No dia 29 de outubro, Megan Thee Stallion nos presenteou com Something for Thee Hotties, coletânea que abriga alguns hits, canções inéditas dos arquivos da artista e alguns dos freestyles favoritos dos seus fãs. Em 21 faixas, a rapper ostenta o talento para rimas e sua identidade musical que elegeu como Melhor Artista Revelação no Grammy 2021 e uma das artistas mais promissoras da atualidade.

O destaque maior de Something for Thee Hotties é relembrar o que fez com que Megan Thee Stallion se transformasse em Megan Thee Stallion, isto é, sua genialidade na essência mais pura do rap. Desde os 14 anos, o que mais chama a atenção na artista que hoje é uma das maiores rappers do planeta é a sua habilidade em freestyles. É ousado fazer qualquer destaque, mas ouça Megan Monday Freestyle, God’s Favorite, Freakend, Bae Goals e Pipe Up se quiser sentir certeiramente a mágica de Megan com seus próprios ouvidos. – Raquel Dutra

EPs

Valley – Last Birthday

Se tem uma palavra que marca Last Birthday, o novo EP da Valley, é enérgico. Lançando single após single, a banda canadense de indie pop já havia disponibilizado quatro das sete faixas que compõem o trabalho, que chega com expectativa depois das prévias e de seu antecessor, o EP sucks to see you doing better. Mas enquanto este último é sobre “o sentimento de se comparar, corações partidos e saúde mental”, o mais recente tenta “entender o amor incondicional e refletir sobre as experiências que nos fazem entender nosso propósito”.

Abrindo o lançamento, Oh shit… are we in love? já começa animada, mas ainda leve o suficiente para construir o clima para o que vem depois, as empolgantes e dançantes Can We Make It? (Jim Carrey) e Cure. Seguindo a explosão de energia, a balada calma de ain’t my girl abaixa o tom demais e chega a ser tediosa, no que EP parece já ter atingido seu pico e decaído. Nisso, Valley mostra que não e que só precisava tomar fôlego para continuar, com as estimulantes e contagiantes Like 1999 e SOCIETY. 

Na reta final de um EP que poderia ser maior, a sétima faixa, Tempo, se distancia da sonoridade que marcou esse e outros trabalhos da banda e se aproxima mais da Eletrônica. Apesar de eufórica e ‘pra cima’ como suas companheiras, a canção soa experimental e acaba deslocada em relação ao restante. Ainda assim, em boa parte dos vinte e poucos minutos de duração, Last Birthday é revigorante como uma injeção de energia e empolgação – mesmo quando Valley canta sobre a sociedade ser uma merda. – Vitória Lopes Gomez

aespa – Savage

Em menos de 1 ano de carreira, o quarteto aespa se mostrou uma grande potência no mercado competitivo que é o k-pop. Seus dois primeiros singles, Black Mamba e Forever, não obtiveram êxitos monstruosos nas paradas musicais, mas certamente serviram como amostras do talento e da versatilidade do grupo. Em Next Level, o nível aumentou. Nadando contra a onda retrô que inundou o gênero no último ano, as novatas mudaram o jogo com uma faixa que mescla hip-hop e upbeat-jazz de uma maneira que suas concorrentes não conseguiriam performar mesmo se quisessem. E em seu trabalho de estreia, Savage, a crescente continua.

O mini-álbum de 6 faixas mergulha em uma sonoridade futurista e energética, seguindo a linearidade musical que o grupo trabalha desde o seu debut. Com uma produção caprichada, vemos um aespa confiante, audacioso e pronto para a aventura em seu universo próprio. Aliás, a parte lírica é um dos principais destaques positivos. Toda a narrativa original que as artistas construíram com a sua linguagem própria e as histórias evocadas em seus vídeos musicais retornam e chegam próximo de um desfecho. Através da faixa-título Savage, por exemplo, é possível interpretar o embate final do grupo com a figura vilanesca que fez sua primeira aparição em Black Mamba.

Aespa teve a proeza de, em seu primeiro EP, conseguir entregar um trabalho coeso e bem construído. A sequência Aenergy, Savage e I’ll Make You Cry é tão poderosa que o repeat é quase que inevitável. Não que as outras faixas não sejam tão interessantes quanto o trio, aliás, Yeppi Yeppi mostra uma faceta diferente do grupo, que consegue fugir do electropop por um minuto para relaxar os ouvidos do ouvinte com uma faixa hyperpop viciante. Iconic talvez seja a única que não se destaca dentro do álbum, mas está longe de ser ruim, diferente de Lucid Dream, um pop mesclado de R&B alternativo que evidencia a originalidade do grupo. O resultado? O sucesso. O EP já é um dos mais bem sucedidos entre girlgroups sul-coreanos. E é bem difícil unir qualidade com o sucesso, mas aqui o aespa conseguiu fazer tudo isso. – Giovanne Ramos

Músicas

Conan Gray – Telepath

Depois de Astronomy e People Watching, o Garoto Corvo libera Telepath, terceiro single da nova era. Co-escrita por ele, Julia Michaels, Ilya e Caroline Ailin, a canção acelera o tom dos trabalhos anteriores, e chegou junto do anúncio da turnê mundial do cantor, marcada para começar logo em 2022. O visual barroco e o conceito mais caloroso do material parece enveredar Conan para um som menos ameno que o apresentado em Kid Krow. Com sorte, ano que vem descobriremos a verdade. – Vitor Evangelista

FLETCHER – girls girls girls

“Eu beijei uma garota e gostei” é de se cantar a plenos pulmões e FLETCHER sabe disso. Com direito a sample do hit I Kissed a Girl, girls girls girls, o mais recente single da cantora e compositora, evoca todo o entusiasmo e a empolgação da descoberta da sexualidade, realmente merecedora de ser entoada alto e repetidamente. Não por coincidência, a canção, que acompanha um clipe nostálgico, foi lançada no International Lesbian Day.

girls girls girls chega animada e ousada depois da pessoal e reflexiva Healing, o single anterior da artista. “Eu beijei uma garota/e ela gostou/é melhor do que eu imaginei” é como a artista renova a canção de Katy Perry que marcou gerações, mas foi cantada por muitos – inclusive por ela – escondida. Agora, ao som da dançante batida pop, a letra divertida e confiante é reconfortante e o refrão grudento, libertador. O coming-of-age da sexualidade de FLETCHER é digno de, finalmente, ser cantado alto. – Vitória Lopes Gomez 

Anitta e Saweetie – Faking Love

A saga da carreira internacional continua! Entre altos e baixos, como o destaque nas rádios estrangeiras, a divulgação na Times Square e a ausência na Billboard Hot 100, o novo single de Anitta mais acerta do que erra em suas não tão ambiciosas propostas. Gravado com a rapper estadunidense Saweetie, e assinado por Andres Torres, Anitta, Kaine, Mauricio Rengifo, Ryan Tedder e a própria Saweetie, Faking Love toma sua melhor decisão ao mesclar o funk melody com os traços característicos do pop.  

Com um videoclipe bem finalizado, mas não muito tranquilo de se gravar, a dupla feminina brilha entre amores falsos, muita coreografia e flechas que voam por toda parte. Anitta, em particular, segue misturando as diversidades da Cultura brasileira com os ares internacionais bastante padronizados. E nesta jornada mais recente, de Me Gusta, Girl From Rio e Faking Love, a curiosidade do público acerca do próximo álbum da cantora carioca só cresce. – Eduardo Rota Hilário

PVRIS – My Way

Em My Way, Lynn Gunn continua o caminho de libertação iniciado em Use Me (2020) e dá voz ao sentimento de seguir em frente, da melhor maneira que conseguir: “Transformar o dia em noite/Ligar o interruptor na minha mente/Eu queimo as fases da vida/Sem resetar ou dar pra trás”, ela canta logo antes do refrão. O novo single mais uma vez é carregado pelos vocais densos e insidiosos de Gunn, que se unem ao sintetizador e ao baixo para formar uma batida elétrica alt-rock tão viciante quanto a anterior. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Valesca Popozuda e Rebecca – PayPau 

No começo de outubro, Valesca Popozuda completou mais um ano de vida, mas o presentinho veio direcionado novamente aos popofãs. Lançando PayPau, a tão aguardada parceria com a funkeira Rebecca, a cantora carioca entrega um prato cheio aos fãs de duplo sentido. Isso porque a composição de Umberto Tavares e Jefferson Júnior carrega, desde o título, irreverências ambíguas – recurso amplamente utilizado em criações artísticas, embora seja preconceituosamente menosprezado de acordo com o gênero musical em que está inserido.

Mesclando funk tradicional e bregafunk, um dos elementos que PayPau apresenta é um toque que lembra bastante o hit Tudo OK, de Thiaguinho MT, Mila e JS O Mão de Ouro. Semelhança intencional ou não, isso cria uma atmosfera muito similar à dos sucessos do TikTok. Já em relação aos versos da canção, Umberto revelou ao portal Metrópoles que “a ideia social da música é colocar a mulher nesse lugar de empoderamento e independência”. Encerrando com chave de ouro, PayPau ganhou um clipe recheado de coreografia e figurinos deslumbrantes: obra audiovisual para nenhum fã botar defeito. – Eduardo Rota Hilário

Tears For Fears – The Tipping Point

Tears For Fears, dupla britânica formada por Curt Smith e Roland Orzabal, anunciou um novo álbum para o início de 2022, e divulgou a faixa-título desse novo projeto, The Tipping Point. O single marca o retorno do duo, cujo último trabalho inédito foi o disco Everybody Loves a Happy Ending, lançado em 2004. De forma ambiciosa e carregada de marcas que consolidaram a dupla, a canção é acompanhada por elementos eletrônicos que dão uma aura mística, nos transportando aos hits que brilharam nas trilhas sonoras de filmes, como a canção Head Over Heels, que compõe Donnie Darko (2001). A faixa ainda faz lembrar Everybody Wants To Rule The World, clássico absoluto que possui uma versão da Lorde, e que figura nas listas de melhores músicas de todos os tempos. – Bruno Andrade

Gloria Groove – A QUEDA

Gloria Groove é um dos maiores nomes do pop brasileiro e gosta de continuar provando isso. Ser uma exímia artista, cantora e pessoa parece pouco para ela. Em A QUEDA, ela compôs uma verdadeira obra dos pés à cabeça: uma letra potente e um ritmo viciante combinados em um conceito circense fenomenal. A Lady Leste surfa pelo seu estilo musical sempre agregando novos ritmos à sua Música, como mostrou no funk BONEKINHA e na parceria com o sambista Thiaguinho em Presente do Céu. 

A drag queen sabe que sobe cada vez mais na carreira musical que vem construindo e entende que estar sob os holofotes em meio à tanta tecnologia é igual andar na corda bamba. Adotando o circo que o mundo do entretenimento é, A QUEDA fala sobre uma sociedade que está de prontidão com seus celulares esperando o erro. Junto com o single, o clipe, de direção de Felipe Sassi, é um show visual que viralizou instantaneamente, e já beira 30 milhões de visualizações no YouTube. – Nathália Mendes

Phoebe Bridgers – That Funny Feeling

Se em maio Bo Burnham, com o pessimismo cômico de Inside, gritou para o mundo sobre as agonias de um mundo caindo aos pedaços, em outubro, Phoebe Bridgers lançou sua versão acústica de uma das canções que integram o especial de comédia vencedor do Emmy, That Funny Feeling, em resposta a aprovação recente de políticas contra o aborto no Texas. O cover, também interpretado ao vivo em sua turnê de 2021 pelos EUA, foi primeiramente disponibilizado exclusivamente na plataforma Bandcamp, no qual toda receita gerada foi direcionada ao Texas Abortion Funds.

“Esta é para Greg Abbott”, disse a cantora indie em comunicado, referindo-se ao governador do estado, responsável por assinar a legislação de aborto mais restritiva do país. A lei proíbe todo aborto após seis semanas de gestação, além de permitir que qualquer cidadão tenha o poder de processar provedores de clínicas de aborto e qualquer pessoa que ofereça apoio a um aborto, incluindo desde familiares e amigos de um paciente até motoristas que forneçam transporte. Contra os retrocessos legislativos, Bridgers acertadamente posiciona sua Música como ato político. – Ayra Mori

Jesy Nelson e Nicki Minaj – Boyz

Quando Jesy Nelson anunciou sua saída da bem-sucedida girlgroup britânica Little Mix, foi desconcertante assistir uma parceria de longa década sendo desfeita. Os motivos de sua saída, no momento, foram válidos: a grande pressão estética de ser uma mulher na indústria da Música e a constante comparação com as suas parceiras no grupo a fizeram desistir.

O seu retorno para a música, no entanto, não replica a mesma qualidade nem a honestidade que o seu trabalho como misturinha transmitia. Entre o uso descarado de blackfishing e as polêmicas declarações de sua parceira na faixa, Nicki Minaj, o single de estreia Boyz amarga ainda no primeiro play. Mesmo com o sample da icônica Bad Boys For Life, do rapper Diddy, a canção não se sustenta, já que ela se baseia em um flow preguiçoso e um lirismo ultrapassado. Se Jesy se tornou uma artista solo para destacar sua identidade, Boyz é um péssimo início. – Laís David 

ANAVITÓRIA e Jorge & Mateus – Geleira do tempo 

A série feats que eu não sabia que precisava ouvir até ouvir de verdade está de volta, estrelando ANAVITÓRIA e Jorge & Mateus. A dupla sertaneja e o duo pop começaram o mês com o pé direito, recheado de muita paixão e companheirismo. É estranho descrever, mas a canção escrita por Ana Caetano e Tó Brandileone consegue emplacar, harmonicamente e liricamente, as duas duplas. Dá pra notar o trabalho de ANAVITÓRIA e Jorge & Mateus ao mesmo tempo, ainda que eles façam parte de estilos musicais completamente distintos. Com leveza e mansidão, inclusive um mundo congelado é capaz de derreter e se deleitar junto dos versos envolventes de Geleira do tempo. – Júlia Paes de Arruda

Aly & AJ – Am I Alright

Continuando no aquecimento para a versão Deluxe de a touch of the beat, Aly e AJ Michalka lançaram Am I Alright, mais uma amostra de suas adições ecléticas ao disco. Dessa vez, deixando de lado as energias mais positivas do CD original, aqui elas cantam sobre noites chuvosas em Los Angeles “revendo filmes de Godard”. Puxando alguns dos temas mais sombrios de suas experiências, as irmãs lamentam em uma melodia trágica e apaixonante: “Você pode dizer que estou me apoiando em depressão/Mas estou rejeitando-a/Você pode dizer que estou chorando por atenção/Mas estou prestes a quebrar”. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Swedish House Mafia e The Weeknd – Moth To A Flame

Se Swedish House Mafia e The Weeknd parece uma combinação surpreendente, o resultado é, na verdade, um dos melhores singles de 2021. Moth To A Flame é uma mistura perfeita dos estilos musicais de ambos e forma uma balada dos anos 2000 de sensualidade e ritmo extremamente contagiante. A música foi lançada junto com um clipe de pegada apocalíptica bem meia boca que acompanha a letra sobre a busca por um prazer que incendeia. Duas lendas da Música mereciam um vídeo tão estrondoso quanto a obra que compuseram.

A presença da concepção musical de The Weeknd é predominante, mas o backdrop de Moth To A Flame é a essência da Swedish House Mafia, conseguindo até lembrar a fenomenal Don’t You Worry Child quando o beat é mais rápido. Além disso, os DJs conseguiram absorver o estilo único de unir passado com presente de The Weeknd, e formar um ritmo mais future house – provando que tantos anos de parceria só os tornam melhores no que fazem desde o começo. – Nathália Mendes

The Neighbourhood – Fallen Star

Fallen Star, o mais recente lançamento da The Neighbourhood, pode soar familiar. Isso porque trechos da faixa já haviam sido divulgados nas redes sociais da banda antes mesmo da chegada do último álbum, o conceitual Chip Chrome & The Mono-Tones. A canção acabou não integrando nem o projeto, nem sua versão Deluxe e, na época, as prévias pareceram ficar por aquilo mesmo. Agora, mais de um ano depois do nascimento de Chip Chrome, a The Neighbourhood resolveu reviver a persona de Jesse Rutherford e a canção descartada: Fallen Star finalmente foi disponibilizada, como single. 

Na faixa, o vocalista sofre por um amor inevitável, mas que parece não dar certo. “Eu vou te manter longe de mim como uma estrela/Difícil não me apaixonar por você, te dei todo o meu coração”, ele se divide. Não só no personagem principal, mas a sonoridade do single também remete ao último álbum do quinteto: Fallen Star lembra faixas como Pretty Boy e Cherry Flavoured. De fato, a canção facilmente se encaixaria com seus antecessores, mas Chip Chrome ainda não morreu. – Vitória Lopes Gomez

Tom Zé – O Rock Ronca

É de longa data o espírito roqueiro que Tom Zé cultiva em si mesmo. Uma das provas mais famosas dessa afirmação talvez seja a canção Jimmy, Renda-Se, presente no álbum Tom Zé, de 1970. Agora, após completar 85 anos de vida em outubro, o gênio tropicalista comprova que essa alma de liberdade e atrevimento – no bom sentido da palavra – permanece viva. Com a criatividade ousada de sempre, o artista lança, através do selo Circus Produções, a animada música O Rock Ronca. 

Na verdade, não se trata de uma composição inédita. Criada para a apresentação de Tom Zé na edição de 2011 do Rock in Rio, foram necessários dez anos até que essa canção fosse lançada oficialmente como single nas plataformas de streaming. Se é verdade que O Rock Ronca celebra o aniversário de seu criador, também podemos afirmar que essa música abre caminhos para a nova edição do mesmo festival: o Rock in Rio 2022. – Eduardo Rota Hilário 

Mitski – Working for the Knife

“I cry at the start of every movie/I guess ‘cause I wish I was making things too”. Assim, inicia Mitski nos cortando logo de cara após três longos anos. Desde o irretocável Be the Cowboy, a nipo-americana anunciou uma pausa indefinida na carreira, confrontando nesse hiato a própria identidade na Música em que produzia. Esquivando de ser engolida por um sistema em constante frenesi, Mitski ressurge com Working for the Knife numa reflexão dura quanto ao exato conflito entre arte e ofício que a fez se desligar em 2019.

Acompanhada de sintetizadores misteriosos, guitarra intensa ou, ainda, da própria respiração, Mitski discorre sobre os movimentos da vida sob uma “faca”, uma força opressora. O capitalismo, a velhice, o desequilíbrio psicológico, são metáforas evocadas pelos versos que abrem espaço para as particularidades de quem ouve. Até mesmo a estrutura da música revela a abordagem em relação a monotonia capitalista, constituindo-se somente por cinco estrofes que não se distinguem sonoramente entre si e se encerram subitamente, sem alívio algum.

No videoclipe dirigido por Zia Anger, reforçando o desespero angustiante marcado pela canção, Mitski vagueia completamente sozinha pelo espaço, emergindo num vazio sem fim. A escala da arquitetura monumental amplifica os vazios do edifício, dando visibilidade à presença enigmática de Mitski que conduz uma performance desvairada e, no final das contas, retorna ao mesmo lugar. “I start the day lying and end with the truth/That I’m dying for the knife.” – Ayra Mori

DJ Snake, Ozuna, Megan Thee Stallion e LISA – SG

Um espertíssimo DJ Snake uniu Ozuna (novamente), Megan Thee Stallion e LISA do grupo BLACKPINK em um single, e assim, conseguiu um clipe bombadíssimo com 60 milhões de visualizações no YouTube em apenas uma semana. Sem surpresa, SG não é nenhuma composição fenomenal com sua letra sobre uma mulher gostosa dançando para um cara. O DJ mostra que gosta de ser um camaleão farejador de sucessos e explorar os estilos que estão em alta, como em Taki Taki e as participações de Selena Gomez e Cardi B – que até tem o mesmo estilo pop e rap de SG. Mas quem diria que um DJ, uma rapper, uma cantora de k-pop e um espanhol dariam um reggaeton de ritmo gostoso assim? – Nathália Mendes

Ainda mais dançante que o single anterior, Foxes aposta na angústia de relacionamentos complicados e no sabor que uma boa tragédia proporciona em Dance Magic. Apesar de à primeira vista se diferenciar do repertório de costume da britânica, a música logo engata em suas batidas eletrônicas usuais e versos potentes e engajantes. Parte do vindouro terceiro álbum de estúdio da cantora pop, The Kick, a faixa nos deixa ansiosos para o próximo capítulo de sua artista em 2022. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Black Country, New Road – Chaos Space Marine

Parece uma eternidade, mas se passaram somente alguns meses desde que Black Country, New Road debutou com sua mescla surpreendente de post-punk, música tradicional judaica e o que mais lhes desse na telha. E para a sorte dos fãs, o septeto britânico não demorou a lançar material inédito, como podemos ver no novo single da banda, acompanhado do anúncio do futuro álbum que virá apenas em fevereiro de 2022. Cravando 3 minutos e 36 segundos, Chaos Space Marine é a música mais curta já lançada por eles até o momento, mas que ainda assim condensa neste curto espaço de tempo uma dose de energia tão intensa quanto a de seus épicos anteriores de quase dez minutos. 

A canção abre com um divertido diálogo entre os instrumentos da banda, quase como que dando boas vindas ao piano, que aparece aqui em sua primeira vez integrando uma canção do grupo. A adição contribui ainda mais para o clima de energia caótica crescente que explode em um ápice impossível de não acompanhar movendo a cabeça, ou o corpo todo que seja. Nunca saberemos exatamente porque o personagem de Warhammer 40k  do título volta para casa ao “estilo Billie Eilish”, mas com BC,NR o que importa é a energia e a criatividade, o que essa canção tem de sobra. – João Batista Signorelli

Ariana Grande – You

De tempos em tempos, um vazamento na discografia de um artista encanta ainda mais que os seus últimos lançamentos oficiais. Esse é o caso da gloriosa You, de Ariana Grande. Mesmo que originalmente planejada para o seu premiado quarto álbum, Sweetener, e amplamente divulgada por Grande em diversas entrevistas, a faixa acabou sendo descartada do trabalho final. Em outubro de 2021, no entanto, ela foi disponibilizada de forma anônima na internet. Com o sample da percussão icônica de Waterfalls, das TLC, Ariana constrói seus versos com delicadeza e chama atenção com suas elegantes harmonias. Portanto, esqueça o Positions: You é a faixa mais fascinante de Grande no momento. – Laís David

Marisa Monte e Jorge Drexler – Vento Sardo 

As portas de Marisa Monte continuam abertas e agora com vista para o mar. Vento Sardo é uma parceria entre a cantora e o uruguaio Jorge Drexler, lançado quatro meses após a estreia do álbum. Uma das mais belas composições apresentadas pela cantora esse ano, o single entrou como décima quarta faixa de Portas. 

A canção é uma declaração ao vento. Passeando pela letra entre o português e o espanhol, a dupla explora toda leveza, naturalidade e espiritualidade do elemento ar, e sua melodia encanta ao mesmo tempo em que envolve e nos teletransporta a céu aberto por um lugar pacífico. A Vento Sardo foi gravada entre Madri, Barcelona e Rio de Janeiro, chegando como uma adorável surpresa em outubro e deixa a pulga atrás da orelha para saber se  mais singles virão a compor o nono álbum de Marisa. – Ana Júlia Trevisan

Babeheaven – The Hours

Babeheaven, quinteto londrino liderado por Nancy Andersen e Jamie Travis, retorna com The Hours, single que marca a continuidade do grupo após o seu álbum de estreia, Home for Now (2020). Através da aconchegante voz de Andersen, a canção reflete sobre o sentimento de irrelevância quando observamos a vastidão do mundo. Como a cantora britânica afirmou, a faixa joga luz à “sensação de solidão que vem quando você está sentado no trem olhando para pessoas cujos mundos parecem tão distantes”. Apostando desde o projeto anterior em canções imersivas, Babeheaven executa um indie pop cauteloso com The Hours, cujo resultado parece ser uma mistura inusitada entre Cigarettes After Sex e Massive Attack. – Bruno Andrade

Karol Conká e WC no Beat – Louca e Sagaz

Depois de meses de espera, os fãs da Mamacita finalmente podem ouvir a quase mitológica canção Louca e Sagaz. Adiado por conta de polêmicas e cancelamento que marcaram a participação de Karol Conká no Big Brother Brasil 2021, o novo single da rapper curitibana faz parte do ainda inédito álbum Urucum. Com produção de Conká e WC no Beat, Louca e Sagaz mistura reggaeton e trap, seguindo a preferência dos dois artistas. 

“Dei permissão, então, vem sem censura”, canta a artista, lembrando a importância do respeito mútuo em qualquer envolvimento humano. Com uma letra moderada, que não pretende ser muito rebuscada, o que mais se destaca neste novo single é, com certeza, o videoclipe que ele ganhou. Calorosa, sensual e dançante, a parte audiovisual de Louca e Sagaz é mais um dos inúmeros investimentos em vídeo que tem feito o atual mercado fonográfico brasileiro. – Eduardo Rota Hilário

The Wanted – Rule The World

A The Wanted se separou em 2014 depois de 3 álbuns, o hit inesquecível de Glad You Came, e prometendo projetos solos para seus 5 integrantes. 7 anos depois, a boyband se reencontrou lançando tudo de uma vez só: o single Rule The World, um show beneficente promovido pelo vocalista Tom Parker, e o futuro álbum – o Most Wanted – The Greatest Hits – marcado para chegar ao mundo em 12 de novembro. O fato é que não há tempo para Tom, que foi diagnosticado com um tumor cerebral em estágio 4 no ano passado, e o projeto de retorno da banda entendeu muito bem esse propósito, inclusive na letra da primeira música após hiato.

Rule The World tem um ritmo delicioso e consegue fazer de conta que Jay, Tom, Max, Nathan e Siva nunca deixaram de cantar juntos. Na letra e no clipe, há uma retomada do estilo de Battleground, primeiro álbum da The Wanted lançado lá em 2011. Isso se dá porque – finalmente – os meninos parecem sentir de novo a vontade de viver e conhecer o mundo que mostravam em Invincible e Rocket. No entanto, não dá para reproduzir uma obra “antes-da-fama”, por isso Rule The World aquece o coração com a retomada da banda e ânsia pelo seu futuro na mesma proporção que aflige quem os ama desde a adolescência: até quando Tom Parker irá fazer parte disso? – Nathália Mendes

Bastille – No Bad Days

Depois dos elétricos Distorted Light Beam, Give Me The Future e Thelma & Louise, o último single do próximo álbum de Bastille é mais contido. No Bad Days abaixa o tom, mas os instrumentais iniciais e as distorções nos vocais do lead singer Dan Smith ainda remetem à sonoridade futurista escolhida pela banda para seu quarto projeto, que já estampa o conceito no título, Give Me The Future. Além da faixa, o quarteto inglês também disponibilizou um videoclipe: codirigido e protagonizado pelo vocalista do grupo, a narrativa saída diretamente de Black Mirror ou Love, Death & Robots conecta a letra de No Bad Days, com menos referências óbvias do que suas antecessoras, ao universo fictício e distópico criado por Bastille. – Vitória Lopes Gomez

K.Flay – Nothing Can Kill Us

Primeiro single do próximo projeto da artista, Nothing Can Kill Us é uma amostra potente de K.Flay como rapper e liricista, contando com vocais profundos sobre o significado de relacionamentos que terminaram e de como preservar a memória deles, sob a mistura distinta de rap e rock que marca seu trabalho. O single marca uma mudança da vibe introspectiva de Inside Voices, o EP anterior da cantora, reexaminando os momentos anteriores ao término de um romance e encontrando não apenas tristeza, mas euforia. Com o objetivo de verdadeiramente imortalizar as memórias que ali foram feitas, ela canta: “Eu deveria ter segurado aquele beijo/E te dito todas as maneiras que você mudou minha vida/Estou feliz por você existir/Mesmo que durma em uma cama que não é a minha”. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Johnny Hooker – Amante de Aluguel

Antes de qualquer coisa, Johnny Hooker é um dos anticamaleões nacionais mais evidentes da atualidade: aqueles artistas imprevisíveis, que mudam o tempo todo, mas longe de abandonar a liberdade criativa para atender aos clamores do público. Mergulhado em uma mistura de brega e pop eletrônico, o cantor pernambucano ressurge agora com Amante de Aluguel, canção produzida por ele mesmo, ao lado de Tiago Abrahão. Fazendo jus à abertura deste texto, o novo single de Hooker atiça a curiosidade para o futuro e ainda misterioso novo álbum do artista, baseado no livro Orgia – Os Diários de Tulio Carella, Recife 1960, do dramaturgo argentino Tulio Carella.    

Além do coro final, no melhor estilo Like a Prayer possível, o que mais se destaca em Amante de Aluguel é o videoclipe dirigido por Johnny Hooker, Arthur Moric e Érica Colaço. Dentro da onda de excelentes obras audiovisuais que a música pop brasileira tem criado, Hooker surge como uma verdadeira diva artística. De jaqueta à la Lady Gaga e cabelão modelo Cher dos anos 1970 – ou Mortícia Addams, se preferir -, somos inseridos em uma narrativa realista, com alguns pontos de tensão e clichê, mas que também conforta, mesmo que minimamente, com um final cinematograficamente belo e apaixonado.  – Eduardo Rota Hilário

Michael Kiwanuka – Beautiful Life

É difícil encontrar beleza em meio à tanta perda, tanta dor. “Nessa música, eu queria me concentrar no sentimento de que há uma força real no espírito humano quando você tenta buscar pela beleza, mesmo em situações difíceis”, diz Michael Kiwanuka sobre o belíssimo Beautiful Life, acertando precisamente onde dói. A música faz parte da trilha sonora do documentário da Netflix, Convergência: Coragem Em Tempos de Crise, onde o diretor Orlando von Einsiedel ensaia sobre as vulnerabilidades de uma população global afetada pelas consequências penosas do covid-19, a partir do relato pessoal de pessoas de oito países diferentes.

Com um quarto álbum previsto para 2022, Kiwanuka certamente encontra na faixa a beleza em que disserta com a voz suave, mas, também, se depara com a melancolia do teclado lânguido, da guitarra chorosa e da percussão pungente. Tudo dói, e na beleza, surge a tristeza. “As cores enganam meu cérebro enquanto a luz do dia enche minha janela/Que tolo fui em me sentar e assistir você se indo/Caindo pelos meus braços como sussurros nas cordas do meu coração/E assim por diante se indo”. – Ayra Mori

Dear Rouge – Life Goes By And I Can’t Keep Up

Após retornarem em setembro com a elétrica Fake Fame, o duo canadense de rock alternativo Dear Rouge voltou no final deste mês com mais um novo single de seu terceiro álbum de estúdio, ainda sem nome ou data. Destoando completamente do resto de sua discografia, Life Goes By And I Can’t Keep Up vê o casal de músicos em seu espírito mais introspectivo e sensível até agora, trocando as batidas rápidas de Black to Gold e PHASES por uma balada lenta e triste sobre as dificuldades de não conseguir acompanhar o mundo ao seu redor.

Começando sem rodeio com o refrão que dá nome à canção, Danielle e Drew McTaggart não perdem tempo em estabelecer seu ritmo delicado e vulnerável, complementando belamente as vozes um do outro. Conforme a melodia progride, a voz de Drew recebe ainda mais destaque, carregando consigo alguns dos versos mais honestos e passando a impressão de ser a expressão mais colaborativa da banda até agora, ecoando sentimentos profundos e dolorosos, mas terminando numa nota de beleza e compaixão, deixando claro que seu par de artistas não temem o futuro. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Sonny & Cher – I Got You Babe/Where Do You Go/But You’re Mine (Medley/Live On The Ed Sullivan Show, September 26, 1965) 

Preservar registros históricos não basta. É preciso divulgá-los às novas gerações, para que o mundo tenha sempre memória e repertório. E nada melhor do que os serviços de streaming para esse tipo de compartilhamento. Pensando assim, é fabuloso saber que a primeira e única apresentação do casal Sonny & Cher no programa The Ed Sullivan Show esteja agora disponível como single no Spotify. 

Realizada em 1965, a performance marcada por interrupções bruscas e muitos aplausos já sinalizava a excelência artística de uma das maiores duplas musicais dos anos 1960. Ao cantarem Where Do You Go, But You’re Mine e o hit I Got You Babe, Sonny e Cher honravam o histórico de um programa lendário, onde verdadeiros deuses da Música – como Janis Joplin, Tina Turner e Elvis Presley – se apresentavam. – Eduardo Rota Hilário

Hatchie – Crush

Em 1998, a cantora Jennifer Paige lançou seu único hit da carreira, Crush, sucesso pop adolescente que conquistou a terceira posição na Billboard Hot 100 do ano. Passados 23 anos, Hatchie, ou Harriette Pilbeam, evoca a canção em uma nova versão dream pop com toques da era Ray Of Light de Madonna mesclados a um shoegaze hipnótico. A faixa dá continuidade ao primeiro single da australiana sob o selo Secretly Canadian, This Enchanted, compondo o aglomerado de covers do 25º aniversário da gravadora, Secretly Twenty-Five. Colaborando com Jorge Elbrecht – um dos produtores de Sky Ferreira e Japanese Breakfast –, Hatchie é com certeza alguém para se ficar de olho. – Ayra Mori

Adele – Easy On Me

Era o início de outubro quando uma imagem do número 30 dourado sob um fundo oceânico começou a aparecer nos cantos das maiores cidades do globo terrestre. O sinal misterioso logo viralizou nas redes sociais, assim como as interpretações dos seus significados também começaram a borbulhar. Felizmente ou infelizmente, é impossível não reconhecer os vislumbres da música mais exata do mundo. 

Seis anos se passaram desde a última vez que tomamos parte da vida de Adele. Primeiro, a britânica fez seu fenômeno brilhar pela primeira vez ao reportar seus 19 em 2008; logo depois, conhecemos os seus 21 em 2011; então, chegamos aos 25 em 2015. Muitos prêmios, recordes e experiências preencheram cada um desses anos, mas depois do marco que concretizou seu último disco, a artista se recolheu para viver seu casamento e sua família. Aquela que transforma a dor emocional em ondas sonoras físicas teria o seu final feliz? Não exatamente, dizem os 30 de Adele.

A forma que a artista encontrou para nos introduzir a sua vida novamente foi através de Easy On Me, primeiro single de seu novo disco que leva como nome a idade em que ela vivenciou o divórcio e a maternidade. Na canção, somos introduzidos a uma nova Adele que nunca deixaria de soar familiar com sua voz esfumada, que ecoa sob um piano choroso porém firme e se materializa em tons de sépia. A história já é hit, mas os detalhes nós vamos conhecer no dia 19 de novembro, quando 30 também nos conhecerá. Até lá, eu peço a Adele todos os dias para que ela pegue leve comigo. – Raquel Dutra

Clipes

Olivia Rodrigo – traitor

Olivia Rodrigo pula entre as nuvens, ela caminha, corre, escala muros e se joga na piscina. Faz tudo isso na companhia dos amigos, claro, já que no clipe de traitor ela coloca para fora todos os sapos que engoliu no relacionamento que agora chegou ao fim.

Poucos meses antes de subir ao palco para receber o Grammy de Artista Revelação, a jovem cantora continua explorando cada uma das canções de SOUR, um dos maiores sucessos de 2021. Para a melancólica e raivosa traitor, ela escolhe a esperança de um amanhã mais simples. – Vitor Evangelista

WILLOW, Avril Lavigne e Travis Barker – G R O W 

WILLOW já havia reunido a realeza do pop punk atual (os veteranos Avril Lavigne e Travis Barker) em G R O W, décima faixa do excepcional lately i feel EVERYTHING. Seguindo na era do álbum, a artista convocou mais uma vez os dois grandes nomes do gênero (que, agora, incluem o dela) para o videoclipe da canção.

O baterista ficou de fora, mas ao lado de Lavigne, WILLOW leva sua urgência em crescer à sério e literalmente iguala-se aos arranha-céus, enquanto, com sua postura rebelde, caminha pelas ruas, canta para a câmera e performa em um fundo de quintal ao lado da experiente rock princess, que vira só coadjuvante da voz principal e força central de G R O W. – Vitória Lopes Gomez

Kacey Musgraves – camera roll

No novo clipe do disco star-crossed, Kacey Musgraves está despedaçada. Literalmente, já que em camera roll sua personagem sofre um acidente e, na forma de um manequim destruído, se encontra toda quebrada em uma estrada qualquer.

Sendo recolhida por um equipe fashion de enfermeiros, Kacey canta a melancolia da galeria do celular agora que seu casamento acabou. Tentando se prender às boas memórias, a canção ilumina um otimismo e um senso de agradecimento, super a cara do disco novo da artista, adereçando sua separação com maturidade e ciência. – Vitor Evangelista

Karol Conká e RDD – Subida 

Videoclipe brasileiro estilo Rude Boy? Temos! Vestindo belos figurinos e rodeada de colagens admiráveis, Karol Conká começou o mês bastante empenhada com o lançamento da parte audiovisual de Subida. Para essa composição da própria artista, assinada também por RDD (Rafa Dias), foram elaborados uma pequena coreografia e alguns efeitos especiais, com destaque para a multiplicação de Conkás.

Diferente da queda de Gloria Groove, o foco desta obra, como o próprio título diz, é a ascensão. Transitando entre pagodão baiano, reggae e dub, Subida curiosamente se dividiu em dois meses. Com single disponível no dia 30 de setembro, o clipe só chegou ao YouTube em 1º de outubro. E por ser de uma música que está na trilha sonora do jogo Fifa 22, vale a pena dar uma olhada neste vídeo interessante. – Eduardo Rota Hilário

Troye Sivan – Angel Baby 

O romantismo está vivo no novo clipe do anjinho Troye Sivan. Um mês depois de lançar a canção Angel Baby, o australiano disponibilizou nas redes o vídeo que a acompanha. Dirigido por Luke Gilford, que já havia comandado os visuais da brilhante Heaven em 2017, o videoclipe é uma experiência cinematográfica digna dos grandes amores.

Atravessado por uma paixão inabalável, Troye Sivan está à mercê do mundo. Contracenando com uma porção de pares românticos, o jovem só quer saber de dar e receber carinho. Lúdico e terno, Angel Baby mantém as temáticas sentimentais que Troye se acostumou a cantar, mas dessa vez com um extra avantajado de mel. – Vitor Evangelista

O post Nota Musical – Outubro de 2021 apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Tranquilo como um vulcão, setembro chegou com um restinho de inverno que mais parecia uma sauna ao ar livre. Com temperaturas elevadas, o fim da estação tipicamente fria logo deu lugar à elegância da primavera – e nos fez lembrar de que, infelizmente, nem tudo são flores na vida. Entre erupções vulcânicas e medo de tsunamis, talvez nada tenha assustado tanto os brasileiros quanto os atos antidemocráticos que escancararam a fragilidade de nossa recente democracia. Mantendo-se firme ao lado da Cultura, e não permitindo que esses absurdos sejam esquecidos, o Persona respeitosamente introduz a nona edição do Nota Musical.      

Se, no fim de agosto, Kanye West bateu recordes na Apple Music com o álbum Donda, é verdade que ele também viu essa conquista durar pouco. Com Certified Lover Boy, lançado no comecinho de setembro, Drake assumiu a posição de seu rival, garantindo o posto de álbum mais ouvido na plataforma nas primeiras 24h em 2021. Apesar dos números elevados, esse projeto se mostrou ambicioso demais, e embora alcance seus pontos altos, é um disco que peca pelo excesso de ideias. De qualquer forma, nada deslegitima o sucesso do trabalho imersivo – e cheio das dores – de Drake.  

Mergulhando igualmente em si mesma, Liniker lançou o primeiro álbum solo da carreira. Repleto de referências musicais, Indigo Borboleta Anil é um bom primeiro passo para a nova etapa da cantora, que obteve inclusive o reconhecimento de verdadeiras lendas nacionais, como Milton Nascimento. E se estamos falando de trabalhos bem sucedidos ao se assumirem pessoais, não podemos deixar de mencionar o disco Dai a Cesar o que é de Cesar. Abordando do racismo à religião, o primeiro álbum de Cesar Mc é, com certeza, uma estreia muito notável para o rap nacional.

Ainda em solos brasileiros, Gaby Amarantos fica responsável por um dos melhores álbuns nacionais do ano. Com parcerias invejáveis, como Elza Soares, Alcione e Ney Matogrosso, Purakê extrapola o tecnobrega ao reunir novos sons da Região Norte do Brasil. Enquanto isso, no Nordeste, observamos diariamente uma das maiores polarizações da atualidade: com incontáveis fãs e haters na internet, Juliette entrega doçura, leveza e origem paraibana em seu primeiro EP, mostrando que, fora do BBB, ela pode viralizar com uma inusitada relação entre preconceito e farinha. Já Luana Flores, também da Paraíba, funde tradição e inovação em Nordeste Futurista, um excelente Extended Play de estreia.

Misturas sonoras e experimentalismos, aliás, estão por toda parte. Em The Dune Sketchbook, por exemplo, Hans Zimmer aprofunda os trabalhos musicais desenvolvidos para a nova adaptação cinematográfica de Duna, chegando a criar inclusive uma espécie de som de outra galáxia. Ao mesmo tempo, Lady Gaga torna o universo de Chromatica irregular, sem deixar, contudo, de executar, ao lado de BloodPop, uma curadoria diversificada e rica para Dawn of Chromatica. O álbum de remixes tem, por sinal, um de seus auges em Fun Tonight, colaboração com a nossa Pabllo Vittar.

Mas a Mother Monster não foi a única a realizar grandes curadorias no mês. Comemorando os 30 anos de The Black Album, a banda Metallica lançou o disco The Metallica Black List, marcado por números colossais e diversas releituras das faixas do clássico, em uma reunião de artistas e bandas para todos os gostos. Embora seja um pouco inusitado, um desses nomes é J Balvin, que também se destacou em setembro ao lançar José, o sétimo álbum de estúdio da carreira. Com mais de 20 participações especiais, o CD de tom intimista do embaixador global do reggaeton conquistou um bom desempenho no agregador de notas Metacritic, além de razoáveis reproduções no Spotify.   

Falando em rankings, quem também se sobressaiu no mês foi a rapper LISA. Depois de 5 anos em cena com o grupo BLACKPINK, ela finalmente estreou sua carreira solo com o single LALISA. Faixa-título do álbum ainda inédito, a canção alcançou o surpreendente segundo lugar na Billboard Global 200. E entre hits e polêmicas, não podemos esquecer que Lil Nas X deu à luz o tão aguardado MONTERO. Colaborando com grandes nomes da Música, como Elton John, Kanye West e Miley Cyrus, o atual ícone da comunidade LGBTQIA+, e promessa para o futuro do rap, se mostrou bem eclético em seu disco de estreia. 

Nessa importante valorização da diversidade, Phoebe Bridgers e a banda MUNA vivem um romance queer em Silk Chiffon. O single ganhou um videoclipe baseado no filme Nunca Fui Santa, de 1999, demonstrando que os anos 90 ainda estão em alta. Prova disso é também The 90s, de FINNEAS, canção que fará parte do álbum de estreia Optimist. Nela, o irmão de Billie Eilish canta as saudades de um mundo sem internet e com esperança no futuro, retrato explícito desse tempo passado.

Além disso, quase na mesma atmosfera, Radiohead transporta todo mundo para os anos 2000 com If You Say the Word, primeira música inédita do vindouro CD KID A MNESIA, edição especial que comemora os aniversários de duas obras clássicas da banda. Mas as novidades para os fãs de rock não param por aí. Oasis atacou em dose dupla, dando pistas do futuro álbum ao vivo Oasis Knebworth 1996 ao lançar os registros das canções Live Forever e Champagne Supernova, ambos presentes no disco. No entanto, como todo gênero musical, algumas decepções foram inevitáveis, e a culpa agora é da banda norte-americana Imagine Dragons. Em Mercury – Act 1, primeira parte de uma obra dividida em dois álbuns, o que encontramos é um trabalho sem coesão, confuso e diferente dos discos anteriores. 

Mas para quem gosta dessas viagens ao passado, ouvir as novidades dos veteranos talvez seja uma boa escolha. Sendo assim, depois da dupla Lady Gaga e Tony Bennett, com o single Love For Sale, um dos maiores destaques de setembro é com certeza a volta do ABBA. Após 40 anos ausente, o grupo pop sueco retorna com as canções I Still Have Faith In You e Don’t Shut Me Down, anunciando um álbum novo e um show especial. Não bastasse tamanha alegria, aqui no Brasil, Caetano Veloso chega com Anjos Tronchos, primeiro gostinho de um disco de composições inéditas – o ainda aguardado Meu Coco – desde 2012.

Além desses retornos, uma junção inesperada de nomes grandiosos da Música brasileira foi uma das belas surpresas do mês. Edi Rock, Ney Matogrosso e Linn da Quebrada regravaram o clássico Nada Será Como Antes para a trilha sonora da nova temporada de Segunda Chamada, e o resultado desse encontro está bem interessante. Ainda para as telinhas, St. Vincent presenteia o mundo com três canções originais, dentre outras faixas, na trilha sonora de The Nowhere Inn. Cynthia Erivo, por sua vez, lança Ch. 1 Vs. 1, seu primeiro disco completamente autoral, que transita entre pop, soul, R&B e gospel – e reforça o lado cantora da artista indicada a Melhor Atriz em Série Limitada ou Antologia ou Telefilme no Emmy 2021. 

Na mesma linha, o astro de Teen Wolf Tyler Posey estreia como artista solo no EP Drugs, trabalho no qual narra o uso exagerado e sua consequente luta contra as drogas. Já Alexa Demie, famosa por seu papel em Euphoria, dá seus primeiros passos no mundo da Música com o single Leopard Limo. E avançando no processo de recuperação de seus direitos autorais, Taylor Swift lança oficialmente a nova versão de Wildest Dreams, hit do álbum 1989, de 2014, que já tinha aparecido na trilha do filme Spirit: O Indomável. Igualmente no universo audiovisual, mas agora nos games, mxmtoon lança true colors, obra que faz parte da trilha sonora do jogo Life is Strange, e é formada por dois covers e duas composições originais.

Sendo a vida estranha ou não, é bom poder aproveitá-la. E Alicia Keys faz isso muito bem em LALA, sua parceria com Swae Lee. Criando um clipe luxuoso para o single, a cantora esbanja alegria em uma festa invejável. Algumas celebrações, no entanto, são um pouco macabras. É o caso de Charli XCX, que dança no funeral do próprio namorado no vídeo de Good Ones, música que narra o processo de acostumar-se com relacionamentos ruins. E falando em dança, é impossível não mencionar a nova canção de Glass Animal. Em I Don’t Wanna Talk (I Just Wanna Dance), a banda britânica não só aparece nas paradas da Billboard, como também cria uma atmosfera totalmente dançante, psicodélica e elétrica.       

Numa onda de tantos festejos, os detalhes mais sutis da vida também garantem seus espaços especiais. Em Te Ao Mārama, Lorde dá continuidade à fase mais iluminada de sua carreira, regravando algumas faixas de Solar Power em Maori, a língua nativa da Nova Zelândia – país onde a cantora nasceu e cresceu. Já Lana Del Rey se afasta das redes sociais para focar na Música, mas não sem antes deixar um presentinho para os fãs: Arcadia, single presente no ainda tão aguardado álbum Blue Bannisters, ganhou um clipe dirigido pela própria artista. E em Angel Baby, sua mais recente balada, Troye Sivan tem o coração completamente tomado por uma paixão avassaladora.    

Infelizmente, os amores estonteantes nem sempre são eternos ou duradouros. E Kacey Musgraves sabe bem disso. Após o sucesso e aclamação de Golden Hour, a cantora norte-americana vencedora do Grammy retorna com star-crossed, seu quarto álbum de estúdio. Influenciado pelo divórcio entre a artista e o músico Ruston Kelly, o trabalho foi até mesmo descrito como “uma tragédia moderna em três atos”. Aliás, nesse clima de traumas e outros elementos extremamente particulares, a rapper Little Simz se destaca ao lançar o disco Sometimes I Might Be Introvert, trabalho que pode vir a ser classificado como um dos melhores CDs do mês, ou até mesmo do ano.             

Se algumas pessoas têm sorte disco após disco, outras não são tão queridas pelo destino. Ao lançar gg bb xx, o quarto álbum de estúdio da banda, LANY cai numa criação genérica e repetitiva, entregando uma obra um pouco frustrante. Ao mesmo tempo, alguns trabalhos, antes de serem bons ou ruins, são apenas totalmente inesperados. Foi o que aconteceu com o EP YELLOW TAPE, de ZAYN. Lançado sem qualquer aviso, e fora das plataformas oficiais de streaming, as três novas músicas do ex-One Direction mergulham no rap, entregando letras profundas, marcadas por indiretas e algumas questões particulares.

Aliás, lançamento inusitado foi o que não faltou no mês. Entre o EP Take a Stand (The Noam Chomsky Music Project) – homenagem ao linguista norte-americano Noam Chomsky – e a aparição da mãe de Beyoncé no clipe do primeiro single solo oficial de Chlöe, Have Mercy, o maior destaque dentre as surpresas de setembro pode ter sido facilmente Life of the Party, colaboração entre Kanye West e Andre 3000. Se essa faixa foi um dos descartes do álbum Donda, Drake achou uma boa ideia vazá-la em um programa de rádio. Aumentando a rivalidade entre os rappers, Kanye West logo deu sua resposta, compartilhando publicamente o endereço de Drake.   

Mas os ecos do famigerado álbum lançado no fim de agosto não param por aí. Baby Keem, que também fez parte do disco, agora reúne seu primo Kendrick Lamar e Travis Scott no álbum The Melodic Blue. Apesar de novato, os passos de Keem têm se mostrado tão dignos quanto os de muitos veteranos. E por falar em veteranos, aqui no Brasil, Manu Gavassi inova em sub.ver.si.va – segundo single de seu quarto álbum de estúdio, previsto para sair em novembro – ao gravar, para essa música, um clipe somente em filme, sem versões digitais. 

Já Anitta se tornou a primeira artista brasileira a se apresentar no VMA. Com uma performance simples e breve, marcada por uma parceria com o Burger King e muito playback, a nossa girl from Rio teve seus merecidos momentos de brilho. E embora tenha começado há menos tempo, Pabllo Vittar arrasou no clipe de Bang Bang. Homenageando a artista Mylla Karvalho, a drag queen mais popular do mundo entregou muita coreografia no vídeo dirigido por Vinícius Cardoso – e o mais recente foco dentro de seu último álbum, Batidão Tropical.  

Fazendo uma cobertura cautelosa e bastante ampla do que rolou no mundo da Música no nono mês de 2021, o Nota Musical reúne os melhores e piores lançamentos musicais de Setembro. Compromissados com a valorização da Arte e de informações e dados de qualidade, a Editoria e os Colaboradores do Persona tentam trazer um pouco de respiro a quem (sobre)vive no Brasil de 2021, já que falar de Cultura nesta terra devastada é, ao mesmo tempo, luta e resistência.

CDs

Kacey Musgraves – star-crossed

O casamento de Kacey Musgraves com o artista country Ruston Kelly rendeu bons frutos musicais no passado. Afinal, toda a concepção do premiado Golden Hour se presta ao papel de reviver boas memórias e chorar de felicidade frente a esse encontro tão divino quanto o amor. Em canções como Space Cowboy e Happy & Sad, a cantora evoca tons melancólicos, mas extremamente doces, para se debruçar sobre a forma mais pura do romanticismo. Agora, alguns anos e um Grammy de Álbum do Ano depois, Musgraves retorna com star-crossed, seu disco de divórcio.

A capa nada inspirada esconde o potencial melodramático do CD, que embora não alcance os picos de qualidade da hora dourada, ainda se mantém como uma forte e potente adição à discografia da artista, que canta um country pop arrependido e flerta com a ideia de superação e raiva. Acompanhado de um longa-metragem temático, star-crossed despe Kacey Musgraves de uma porção de concepções que a vida de casada e de esposa colocaram sobre ela, que escreve letras carregadas de espontaneidade e amargura.

A divisão em três atos vai de encontro à aura mais cinematográfica da produção, enquanto as canções se destacam pela produção menos harmônica. justified, um dos singles de divulgação, oferece o melhor da cantora: a visão nada bidimensional de um mundo e um coração em constante ebulição, ao passo que good wife, camera roll e if this was a movie.. mergulham no que ela viveu no matrimônio. Menos rebuscado que o esperado depois de um titã como Golden Hour, Kacey Musgraves faz de star-crossed um passo sóbrio e realista em uma carreira recheada de momentos memoráveis. – Vitor Evangelista

Lil Nas X – MONTERO

Acumulam-se as glórias de Lil Nas X em seu enfim lançado – graças a Deus – primeiro álbum de carreira. Para começar, MONTERO debutou em 2º lugar na Billboard Hot 100 e agora conta com 11 de suas 15 músicas na lista. Como se não bastasse, o rapper está com ótimas reviews no The Guardian, The New York Times e com uma nota 7.1 pela Pitchfork. Esse amontoado de conquistas não é nada por acaso: Lil Nas X é uma alma autêntica e desprendida de quaisquer amarras sociais do mundo da Música. 

É difícil formar qualquer opinião sobre MONTERO sem ter uma de suas músicas cantarolando por vontade própria dentro da cabeça. O pop-rap presente é uma união do útil ao agradável, melhorado ainda mais em melodias tão viciantes quanto THATS WHAT I WANT – clipe que inclusive conta com o ganhador do Emmy, Billy Porter. O mais interessante é que as letras de Lil Nas mostram o preço de desbravar o mundo com amor próprio e encontrar monstros por toda parte, por isso suas rimas falam sobre temas como racismo, sua sufocante autocrítica e homossexualidade. 

Além disso tudo, seu álbum é praticamente um presente de liberdade. As faixas transitam nos gêneros musicais – afinal nem há motivo para as limitações da Indústria, e há tanta profundidade em DEAD RIGHT NOW quanto há uniformes rosa pink no clipe de INDUSTRY BABY. As participações ilustram a mesma coisa: de Doja Cat a Elton John, não há restrição para compor a obra de Lil Nas X. Seu trabalho é um começo estrondoso assim como é sua forma de encarar o mundo. MONTERO é um bordado de diferenças, musicais ou não, e ainda bem. – Nathália Mendes

Liniker – Indigo Borboleta Anil

Quando o assunto é Música brasileira, uma das certezas que nos vem à mente é a de que toda espera é válida para os lançamentos da cantora Liniker. Isso se confirma em Indigo Borboleta Anil, primeiro álbum solo da artista depois da separação da banda Liniker e os Caramelows. Como aguardado, o disco que contemplamos é repleto de lirismo – e a canção Vitoriosa é um exemplo perfeito dessa entrega inventiva legítima. Já o encanto da novidade surge justamente na reelaboração e renovação dessa poesia típica. Além do mais, é inegável que a voz de Liniker abraça o coração de quem a escuta, e isso dá ainda mais forças ao novo CD.

Com 11 faixas, que transitam dos costumeiros soul e R&B a diversos outros gêneros, como samba-rock, samba-enredo, pagode, jazz e MPB, Indigo Borboleta Anil é um “álbum de afirmação que soa essencialmente autoral”, como bem afirmou o jornalista Mauro Ferreira. Ou mesmo “um disco de amor próprio, em que precisei entrar em mim e me reconectar com tudo de uma forma muito íntima. Tive que cuidar da minha criança interior e ainda estou cuidando”, conforme revelou Liniker à Folha de S.Paulo. Para um zelo tão delicado, nada melhor do que companhias especiais. A solução? Juntar-se a Milton Nascimento em Lalange, que, além de ser uma das melhores canções do CD, aborda exatamente essa tentativa de reaproximação da infância.  

Fato é que, Antes de Tudo, “eu só não posso mais me ver assim/cada vez mais distante de mim”, canta Liniker. Inegavelmente dotada de excelentes qualidades artísticas, a cantora está cansada de “ser reduzida ao fato de ser uma mulher transgênero”. E com razão, pois o valor estético de suas criações também merece o destaque que sua figura recebe. Afinal, não é qualquer um que transforma o mundo inteiro em poesia, inclusive a relação que mantemos com nossos cães – ato admirável, embora presente em uma faixa não tão grandiosa, como Clau. Em síntese, o que o novo álbum de Liniker nos mostra é que, dela, podemos esperar de tudo, mas nunca o confortável e monótono mais do mesmo. – Eduardo Rota Hilário

Certified Lover Boy chega como um álbum referencial à carreira de Drake. No texto de apresentação do disco no Apple Music, o músico escreve que se trata de “uma combinação de masculinidade tóxica e aceitação da verdade, que é, inevitavelmente, de partir o coração”. Nessa viagem de 1 hora e 26 minutos, passamos por momentos marcantes diante de um indivíduo complexo e indeciso, mas que preza pela honestidade. A capa do álbum, de autoria do artista britânico Damien Hirst, sugere um tipo de ironia que não é encontrada em nenhuma canção, e soa como uma ideia esquisita que foi levada a sério. De modo geral, o CD parece algo frustrante — em mais de um sentido. Tanto por sua estrutura confusa e embaraçada, com diversas ideias jogadas nas 21 faixas cujo motor inicial são os sentimentos de Drake, quanto pela ideia oculta do álbum, que ressoa nesses sentimentos frustrados do próprio artista. 

Em algumas canções, sentimos que estamos diante de algo excelente, ao mesmo tempo que não conseguimos dizer o que falta — esse sentimento que percorre nossos ouvidos talvez seja uma comparação natural entre outros álbuns de Drake. As músicas não são ruins, mas lembram coisas feitas de modo muito mais agradável e interessante em trabalhos anteriores do rapper. Em outros momentos, como nas faixas IMY2 (with Kid Cudi) e N 2 Deep, Certified Lover Boy soa arrastado, cansativo, muito conceitual e até mesmo sem interesse no que tem a dizer. Na primeira — e possivelmente melhor — faixa do álbum, Champagne Poetry, Drake creditou John Lennon e Paul McCartney, pois utilizou fragmentos da canção Michelle. Ao decorrer de todo o CD, o artista tem poucos momentos de brilho, e um deles é em No Friends In The Industry, onde o músico parece falar diretamente com Kanye West.

A canção Way 2 Sexy (with Future & Young Thug) — que ganhou um videoclipe tosco e sexista —, quando lançada como single, enganou muito bem. Com o lançamento da faixa e a divulgação da capa do disco, talvez uma jogada de marketing, esperamos por um disco irreverente, mas o que encontramos é Drake à beira do choro. O álbum se encerra com The Remorse, um círculo perfeito para quem iniciou essa viagem com uma voz ressoando um singelo “I love you”. Com um piano à mostra, a faixa é quase um atestado de arrependimento pela fama, uma espécie de culpa carregada em decorrência do esquecimento de suas origens, na qual o músico entoa “It’s hard when the memories start to fade away”. Em Certified Lover Boy, enxergamos Drake como alguém visivelmente machucado, que te chama para uma noite de bebedeira e conta aos poucos sobre o que incomoda. Mas, sem saber o que quer, é alguém que prefere chorar sozinho. – Bruno Andrade

Yebba – Dawn

É difícil acreditar que Yebba esteja fazendo sua estreia musical apenas agora. A artista que existe em Abbey Smith é um prodígio declarado há pelo menos cinco anos, criando seu nome na Música ao aparecer junto das assinaturas de artistas como PJ Morton (com quem ganhou um Grammy em 2019), Mark Ronson, Sam Smith e Ed Sheeran, figurando tanto na interpretação, com seu timbre muito bem referenciado pelo soul, R&B e folk, quanto nos créditos das composições, com suas letras muito bem trabalhadas pela sua profundidade emocional. 

Agora, ela lança Dawn, seu primeiro disco que engloba todas as suas experiências das andanças pela indústria nos últimos anos em combinação às suas vivências pessoais, nada levianas, diga-se de passagem. Aos 26 anos, a artista que aprendeu a cantar numa igreja pastoreada pelo pai em Memphis processa o fato de ter visto o início de sua carreira acontecer ao mesmo tempo em que viveu o suicídio da mãe, homenageada no título do disco, que além de representar o amanhecer de Yebba, carrega o nome de sua matriarca. Assim, Dawn é uma experiência profunda e perfeitamente referenciada e executada, o que, ao contrário do que pode parecer, não faz do disco algo mais ou menos digerível. 

Yebba tem sua própria essência, expressa nas referências do jazz que criam a diversão de Boomerang; no toque de gospel que aparece em Distance; na beleza do folk que faz October Sky e que se aproxima da Música clássica ao mesmo tempo em que flerta com o pop em All I Ever Wanted; e nos gracejos dos anos 70 de Stand, que reverberam em Far Away, colaboração com A$AP Rocky e um dos melhores destaques do disco. Os (muitos) destaques, no entanto, servem só como apelo para que Dawn seja compreendido e apreciado em sua totalidade – Raquel Dutra

Cesar Mc – Dai a Cesar O Que É de Cesar

“Defenda os direitos dos pobres e dos necessitados. Mas lembrem-se, dai a Cesar o que é de Cesar e dai a Deus o que é de Deus. Amém”.  Essa é a frase intro de Dai a Cesar O Que É de Cesar, música de mesmo nome do primeiro álbum de Cesar Mc. E daqui em diante, rimas inteligentes e versos de muita força compõem uma obra extremamente autêntica e pessoal para falar de racismo, pobreza, luta, religião e conflitos internos.

Cesar não sabe cantar love song– e isso ele mesmo quem diz em Antes Que A Bala Perdida Me Ache, música com Emicida e Jaddy. Mas não cantar como o L7 é justamente o que o fez criar uma obra bem feita. Seu álbum começou a desenhar quem ele é, como rapper e ser humano. Ele aborda desde a sua crença religiosa, como no fato de a quantidade de faixas do disco ser a mesma de dias em que a Bíblia diz que Deus criou a Terra, até o beat calmo e a letra conflituosa de Navega, que o coloca no abismo entre fé e sofrimento.

Apesar do conteúdo das rimas nem sempre ser aprofundado, uma autobiografia assim tende à repetição, ou seja, Cesar apenas colocou o pé no mundo da Música. Assim, complementado por um bom trabalho audiovisual em videoclipes e visualizers, Dai a Cesar O Que É de Cesar evidencia a pessoalidade que começou em Canção Infantil: sua música se ouve chorando. Obrigada pela obra de arte, Cesar Mc, ela é que deveria estar na Billboard Hot 100. – Nathália Mendes

Vários Artistas – The Metallica Blacklist

245 minutos de música. 67 bandas e artistas. 53 faixas. 12 versões de Nothing Else Matters. São alguns dos números surpreendentes da recente compilação organizada pelo Metallica para comemorar os 30 anos de The Black Album, o disco de maior sucesso comercial da banda. Nomes consagrados do metal e do rock, somando se ao pop passando pela música eletrônica e jazz, foram convocados para apresentar as suas próprias versões de suas canções favoritas do álbum, formando uma estratosférica salada musical aleatória de um dos maiores dream teams que a indústria Musical já concebeu. 

Mac DeMarco, Ghost, Rina Sawayama, St. Vincent, J Balvin, Phoebe Bridgers, Miley Cyrus, Elton John e Kamasi Washington são apenas alguns dos nomes a serem destacados, compondo uma lista para agradar a todos os gostos. Não é um trabalho para ser ouvido de uma vez, e até apreciar o disco em ordem parece uma tarefa estranha considerando a enorme quantidade de versões das mesmas canções que se repetem ao longo da compilação. A dica é ir atrás das versões dos artistas de sua preferência para ver qual foi a leitura deles sobre as canções clássicas do Metallica. Muitos acabaram se prendendo demais às versões originais pouco trazendo de novo, mas a longa duração também dá espaço para releituras originais e surpreendentes. Para fãs de Metallica ou não, aqui tem música para todos os gostos. – João Batista Signorelli

The Band CAMINO – The Band CAMINO

Mesmo sem criatividade para o nome, o álbum homônimo da banda The Band CAMINO chega cheio de energia. O som do trio estadunidense formado por Garrison Burgess, Jeffrey Jordan e Spencer Stewart traz um indie rock bem misturado, em que, mesmo quando as 14 faixas ou bagunçam estilos ou ficam iguais demais, as letras confessionais, nuas e cruas, chamam a atenção.

Enquanto EVERYBODYDIES (a melhor do álbum, diga-se de passagem), 1 Last Cigarette Know It All puxam mais para o rock e lembram bandas como All Time Low e a era de ouro da The Maine, outras, como I Think I Like You (também no pódio do disco), Just A Phase e Underneath My Skin exploram os indies à la lovelytheband, COIN e os trabalhos mais recentes da Bad Suns. Dentro do seu próprio nicho, The Band CAMINO diversifica. – Vitória Lopes Gomez

Japanese Breakfast – Sable (Original Video Game Soundtrack)

2021 foi o ano de Michelle Zauner. Nele, a coreano-americana provou sua versatilidade transitando entre as memórias em seu best-seller, Crying in H-Mart, à tentativa de superar a dor sobre a perda da mãe no aclamado Jubilee. No seu mais recente projeto, contudo, Zauner ultrapassa as angústias do passado nas quais estava submersa para adentrar uma nova dimensão fantasiosa. Trata-se da trilha sonora original de Sable, um jogo independente de exploração inspirado pelo universo imaginário de Star Wars e pelas ilustrações do quadrinista francês Moebius, pseudônimo de Jean Giraud.

Composto por 32 canções, a narrativa é guiada pelo processo de amadurecimento da protagonista ao longo de sua jornada no jogo. Logo na primeira faixa, Zauner nos cumprimenta sugerindo que encontremos um caminho, encontremos um Sol, dando sequência ao incrível Glider. Numa crescente instrumentalização dos sons de sintetizadores borbulhantes e utópicos, experienciamos um efeito expurgatório único: Sable anseia por liberdade diante da imensidão do mundo ao seu redor. Assim, somos absorvidos pela realidade do jogo, sendo possível visualizar a areia, sentir o calor do deserto, o frescor do vento tocando o rosto na decolagem de uma nave ou até mesmo o aumento dos batimentos cardíacos da personagem.

No restante da trilha quase não há vocais, predominando a ambiência sonora. São tons suaves mesclados entre o eletrônico dos sintetizadores ao acústico do piano, percussão e violão, que criam loops infinitos que se dissipam intencionalmente no fundo. Sable não é um álbum feito para a escuta ativa, mas sim para a intensificação da experiência virtual no jogo, e nisso, ele se excede. – Ayra Mori

Seis anos após seu último disco, a cantora australiana Natalie Imbruglia voltou este mês com Firebird, um trabalho que reflete a busca para superar o bloqueio criativo que a impediu de prosseguir com sua carreira. Firebird é um álbum plural e upbeat sobre recomeços e independência, fruto de ideias e emoções intensas.

Firebird alça voo com canções como Nothing Missing e On My Way, conquistando imediatamente com sua mistura intoxicante de indie pop e disco. Em faixas mais lentas, tais como Just Like Old Times e Dive to the Deep, o que nos conquista é sua sensibilidade e vulnerabilidade ao cantar sobre as partes de si mesma que mais dificultaram o processo de criação do novo álbum. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Low – HEY WHAT

Afastar os excessos, diminuir os arranjos e contrapor duas vozes, a fim de obter um som equilibrado. A premissa de Low sempre foi essa: o mínimo é mais. Mas conforme os anos passaram, a dupla Mimi Parker e Alan Sparhawk foi percebendo que, talvez, fosse interessante explorar elementos que não estavam ao alcance no início, e distanciar-se um pouco do minimalismo puro. Muito diferente de I Could Live In Hope (1994) — um excelente disco estreante —, a dupla agora caminha pelo rock industrial em seu 13º trabalho, HEY WHAT, álbum que chegou às plataformas em 10 de setembro de 2021, e mostra como eles ainda sabem o que estão fazendo. 

Sejamos honestos: Low nunca fez um álbum ruim, e não seria diferente agora. Flertando há tempos com o gênero popularizado pelo Nine Inch Nails de Trent Reznor, HEY WHAT traz uma continuidade ao antecessor, Double Negative (2018). No novo disco, há momentos de repetição de uma única palavra em espécie de loop, com muitos ruídos em volta, algo que traz lembranças do shoegaze de My Bloody Valentine. De forma geral, Parker e Sparhawk parecem explorar o caos como resultado ao ruído total, emparelhando diversas camadas de instrumentos e sons para mostrar um tipo de isolamento muito comum atualmente, no qual somos submetidos devido à enxurrada de publicidade cotidiana. Como Sparhawk disse em entrevista, eles querem fazer “novos buracos na possibilidade da música”. 

A faixa White Horses, nossa porta de entrada nesse projeto, anuncia em toda sua aura obscura que a dupla pretende reformular a concepção de rock que se tem atualmente, com repetições devastadoras de guitarra. Em Days Like These, que soa no início como uma música gospel, temos um início aconchegante e um fim cósmico, onde ouvimos repetidas vezes a palavra “Again”, talvez um sinal de que Dias Como Estes são sempre iguais, ainda mais considerando os tempos pandêmicos. Já There’s a Comma After Still soa como um sinal de rádio interceptado, algo sombrio e misterioso, praticamente um interlúdio. More, a melhor faixa do disco, está escondida no final, e é composta por Parker entoando que deveria ter pedido mais do que tem, enquanto Sparhawk sustenta o backing vocal. Ao longo de 46 minutos caóticos, Low aponta para HEY WHAT como um desastre premeditado. – Bruno Andrade

Gaby Amarantos – Purakê

O amor nunca sai de moda. Um dos motores de Purakê, segundo álbum da carreira de Gaby Amarantos, é esse sentimento universal que aparece multifacetado ao longo das 13 poderosas faixas que compõem o novo disco da cantora paraense. Variando, no gênero, da sofrência ao tecnobrega e, na temática, da entrega à desilusão, o amor sem dúvidas se eleva com a relevância de uma verdadeira lista de colaborações dos sonhos: Elza Soares, Alcione, Dona Onete, Luedji Luna, Liniker, Ney Matogrosso, Urias e Jaloo são apenas alguns dos nomes que aparecem no CD.

É Jaloo quem assina, inclusive, a direção musical e produção do disco que fortalece Gaby enquanto compositora. Com nome inspirado em um peixe elétrico da Amazônia, Purakê emerge entre sereias e rios, misturando o atual cenário artístico da região Norte do Brasil com um projeto criativo – ambicioso e inovador, diga-se de passagem – de futuro. Indo além da própria musicalidade, a rainha do tecnobrega também preparou, com muito cuidado, a parte visual de suas criações, investindo bastante em videoclipes e em um conjunto de lyric visualizer. No fim, esse combo primoroso é prova inegável de que, além de notória figura pública, Gaby Amarantos é uma excelente artista. – Eduardo Rota Hilário

Hans Zimmer – The Dune Sketchbook (Music from the Soundtrack)

Podem anotar: Hans Zimmer estará entre os cinco indicados a Melhor Trilha Sonora Original no Oscar 2022, e não vai ser pela trilha da sequência de O Poderoso Chefinho nem do próximo filme do Zack Snyder. As peças que levarão o compositor à temporada de premiações a partir do final deste ano ganham em The Dune Sketchbook sua versão estendida, onde o compositor expande as ideias trabalhadas na trilha original, oferecendo um mergulho ainda mais profundo na atmosfera e nas ambientações sonoras de Duna. Saindo de sua zona de conforto, o compositor entrega um trabalho magistral, com uma enorme brecha para experimentar com a Música como nunca tinha feito antes. 

O resultado é uma obra com alguns traços característicos da Música de Zimmer, outros remetendo à Música do Oriente Médio, mas com uma predominante sensação de ser uma obra genuinamente alienígena, o que é reforçado pelos coros em idioma fictício, e por instrumentos de timbres misteriosos, provável fruto de uma combinação de sons aos moldes do processo de criação do grunhido do Chewbacca. É onírico, estranho, e impactante. Se Hans Zimmer queria nos tirar deste mundo e nos transportar para outra galáxia com sua Música, pode ter certeza de que ele conseguiu. – João Batista Signorelli

Nala Sinephro – Space 1.8

Flutuar. Flutuar pelo vazio de olhos fechados, num universo sereno onde tudo parece estar em perfeito equilíbrio, em paz. Evocando essas sensações, Nala Sinephro, de fato, cria suas próprias realidades cósmicas no álbum de estreia, Space 1.8, dividido por oito faixas complementares entre si, que vão de Space 1 à Space 8. Prodígio da Música, Sinephro se encantou com a harpa aos 16 anos, quando aprendeu a tocar sozinha o instrumento em meio aos estudos de jazz durante às noites. E mais uma vez evidenciando seu amadurecimento precoce, a musicista belga-caribenha de apenas 22 anos concebe uma obra minuciosa e extremamente elegante que aparenta ser feita por alguém com vasta experiência musical.

Conduzido por uma radiação etérea única, Space 1.8 foi produto da colaboração de um conjunto rotativo de músicos que compõem a dinâmica cena do jazz atual no Reino Unido. Destacam-se, majoritariamente, nomes de pessoas pretas e filhos de imigrantes – tal qual a própria Sinephro –, como Reed Nubya Garcia, James Mollison (Ezra Collective), o saxofonista Ahnansé e a guitarrista Shirley Tetteh, todos com atuação de peso. Contudo, divergindo dos ritmos afro-caribenhos de seus colegas, Sinephro cria uma ambiência quase imaterial através do uso de sintetizadores e dos solos de harpas simultaneamente transcendentais, sutis e misteriosos.

A experiência tecida por Sinephro ao longo dos 44 minutos é totalmente sinestésica. Os sons despertam texturas, que despertam cores, que despertam formas, que despertam sensibilidades. Cada faixa constitui um novo cosmos que não se interligam, mas se encaixam perfeitamente umas com as outras. Mesmo em momentos de silêncio de Space 2, as sensações são afloradas, quando, de repente, uma canção que era calma deixa de ser quieta numa crescente instrumentalização do saxofone com o apoio de percussões cintilantes. Gravado em um momento delicado de recuperação de uma doença grave, Space 1.8 volta-se para o interior, como um mergulho no vácuo do espaço, atingindo, assim, um plano superior. E esse é o brilhantismo de Sinephro. – Ayra Mori

Poppy – Flux

A dificuldade de encaixar a artista e webcelebridade Poppy numa só categoria parece ser exatamente o objetivo de sua apresentação enigmática. Apenas um ano após o incendiário I Disagree, o novo trabalho da cantora apresenta uma personalidade em constante mudança e transformação, que parece se deliciar no movimento mais do que ansiar pela chegada.

Em poucas palavras, Flux simplesmente arrebenta do início ao fim: com influências de nu metal e grunge, Poppy tece nove faixas de pura e absoluta expressão em constante fluxo, abraçando por completo suas novas emoções. Ouça enquanto é tempo, porque se há uma coisa que sabemos, é que não vai demorar para que ela mude de novo. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Sufjan Stevens e Angelo De Augustine – A Beginner’s Mind

Depois de se aventurar com os eletrônicos densos de The Ascension e se jogar nos sons ambientes de Meditations à Convocations, Sufjan Stevens retorna às raízes folk nas quatorze faixas do mais recente A Beginner’s Mind, junto de Angelo De Augustine. A colaboração foi resultado de um período no qual ambos estavam hospedados em uma cabana no interior de Nova York. E encabeçados pelo conceito zen budista shoshin – ou seja, a aceitação de uma “mente iniciante” –, as sessões musicais foram inspiradas em filmes específicos que os colegas assistiram durante a estadia meditativa, permeando gêneros diversos que vão desde A Malvada à A Noite dos Mortos-Vivos e até Asas do Desejo.

Quase totalmente composto, arranjado e produzido pela dupla – com exceção do coro de fundo de Melissa Mary Ahern em Lacrimae, além do baixo e bateria que acompanham Back to Oz –, o novo álbum parece representar um afrouxamento criativo de Stevens em relação ao perfeccionismo da execução de seus projetos passados. Há quem instintivamente compare A Beginner’s Mind com o inigualável Carrie and Lowell, porém suas qualidades líricas são completamente diferentes. Aqui, ambos se livram dos julgamentos, aceitando o processo colaborativo como aprendizes e entregando ao público um cristal bruto, mas, ainda assim, um cristal (e que cristal).

Todas as faixas se destacam no álbum, principalmente quando as vozes de ambos se colidem angelicalmente, fundindo-se de forma que, em alguns instantes, é impossível dizer quem é quem. Os vocais agudos de Stevens se complementam soberbamente com os mais baixos de De Augustine, tudo acompanhado de uma instrumentação delicada que põe em foco as vozes dos musicistas. Se o paraíso tivesse uma trilha sonora, a pseudo orquestra criada em A Beginner’s Mind certamente entoaria os céus. – Ayra Mori

Imagine Dragons – Mercury – Act 1

As 13 faixas de Mercury – Act 1, primeira parte de uma obra musical dividida em dois álbuns, não são coesas nem entre si, nem com o estilo dos outros 4 álbuns do Imagine Dragons. As características que marcam o rock moderno da banda são realçadas em algumas excelentes faixas, como Wrecked e Follow You, que partilham da essência de Radioactive em batidas fortes, vocal afiado e uma melodia que segura um pop rock. No entanto, outras músicas de Mercury são completamente diferentes do que a banda normalmente canta – assumindo até uma estranhíssima pegada good vibes em It’s Ok. 

De maneira geral, a primeira parte do novo trabalho do Imagine Dragons é dispersa e incoerente. A letra profunda de Giants, que aborda violentamente a luta pela sobriedade e o uso de drogas, se perde em meio à faixas que arranham a superfície do vocalista Dan Reynolds e sua saúde mental, sexualidade e vida pessoal, assumindo irritantemente uma melodia feliz demais. Em meio ao trabalho do produtor Rick Rubin em forçar a banda a se abrir profundamente, Mercury – Act 1 se tornou uma confusão de emoções que flutua por estilos musicais demais. – Nathália Mendes

LANY – gg bb xx

Se você acha que não conhece LANY, basta voltar para as playlists de 2017 onde ILYSB era presença obrigatória. A banda de Paul Jason Klein, Charles Leslie Priest e Jake Clifford Goss, que está conquistando seu espaço na indústria há anos, acaba de lançar seu quarto álbum de estúdio, gg bb xx. É uma pena, então, que tenham deixado bastante a desejar.

Com 12 faixas, o disco é genérico e repetitivo. As letras fracas sobre relacionamentos e términos se transformam em mais do mesmo, juntamente ao pop monótono da banda, que pode ser encontrado em qualquer canção do Lauv. Mesmo sem uma história que ligue todas as partes do álbum, gg bb xx não é, necessariamente, ruim. É apenas raso, não permitindo seus ouvintes a realmente se afundarem na obra. – Mariana Chagas

Gabriel de Almeida Prado – Não Aceito Ser Um Só

É raro encontrar um artista capaz de ter o mesmo nível de intimidade e engenhosidade com as palavras e com as notas musicais, e Gabriel de Almeida Prado é certamente um deles. Seu novo disco Não Aceito Ser Um Só é carregado de engenhosas canções, que passeiam com enorme naturalidade pelos gêneros musicais e comprova ainda mais a sua pluralidade. Afinal, para que ser só poeta ou músico quando se pode ser os dois?

Desde os anúncios apocalípticos de O fim está próximo à estranha sensualidade de Kama Fruta, o álbum esconde uma surpresa a cada faixa, seja no clímax extasiante de O beijo, ou nas ironias de Papo de morto. Com belos acompanhamentos visuais minimalistas para todas as suas canções, além de diversas colaborações com Siba, Pascoal da Conceição, dentre outros, Não Aceito Ser Um Só é rico em sua estética e sua semântica. É uma realização que deixa claro que Gabriel de Almeida Prado, mesmo que ainda esteja em seu segundo disco, já é um artista plenamente formado. – João Batista Signorelli

Vários Artistas – Aldir Blanc Inédito

Homenagens póstumas são sempre um risco, mas a gravadora Biscoito Fino acertou em cheio ao planejar um tributo a Aldir Blanc. Vítima da covid-19 e uma das perdas inestimáveis de 2020, o inigualável letrista brasileiro vive eternamente nos clássicos e, agora, também em composições inéditas. Aldir Blanc Inédito é, com certeza, um mar de poesia do início ao fim – e um bom exemplo de que composições mais elaboradas podem perfeitamente ser populares. Sem qualquer espanto, a abertura do disco é de João Bosco, parceiro de longa data do compositor magistral. 

Já em relação aos destaques do CD, podemos listar, em primeiro lugar, Palácio de Lágrimas, tendo em vista que a junção de Aldir Blanc e Maria Bethânia é um caminho direto para experiências sublimes e uma total transcendência. Voo Cego, por sua vez, nos arrepia e coloca na boca de Chico Buarque metáforas estonteantes. Ao mesmo tempo, Navio Negreiro, gravada por Leila Pinheiro e Guinga, relembra um passado que muitos brasileiros perversamente tentam ignorar ou amenizar: o período da escravidão. Por fim, Ator de Pantomima e Virulência, cantadas por Sueli Costa e Alexandre Nero, respectivamente, dialogam diretamente com o recente desgoverno presidencial e a atual tragédia pandêmica. Fato é que, desta nova coletânea, ainda extrairemos novidades por muito tempo. – Eduardo Rota Hilário         

Art School Girlfriend – Is It Light Where You Are

Descrever o segundo álbum da cantora Art School Girlfriend, Is It Light Where You Are, como “pessoal” e “intimista” seria redundante com a proposta do trabalho. Como a própria cantora revelou, o projeto foi escrito logo após o fim de um relacionamento de longa data, quando ela mal podia levantar da cama, e serviu como um meio de documentar o período.

O diário de término de Art School Girlfriend, nome artístico de Polly Mackey, tem seus altos e baixos, assim como o momento pelo qual ela passa no disco. As 10 faixas do álbum se alternam entre provocar respiros e sufocos, e a liricidade da cantora, multi-instrumentista e produtora é embalada ora por picos de energia, ora pela monotonicidade. Com sonoridades que vão das mais dispersas e atmosféricas, às mais densas ou claustrofóbicas, Is It Light Where You Are reflete e provoca uma bagunça de sensações. – Vitória Lopes Gomez

Odd Beholder – Sunny Bay

Projeto musical de veias synth-pop encabeçado pela suíça Daniela Weinmann, Odd Beholder volta-se para a natureza em seu segundo álbum. Contrário ao projeto inaugural da carreira, All Reality Is Virtual – que tratava sobre temas globais de digitalização e coleta de dados não confiáveis –, em Sunny Bay, a artista age como mediadora da negociação entre o real e o surreal. Aqui, o foco é o íntimo, seja ele concreto ou seja ele um devaneio, numa revisão das ideias românticas associadas à paisagem natural como espaço de escapismo e alienação.

Segundo Weinmann, a concepção de Sunny Bay foi aflorada pela pandemia. Isto é, forçada ao isolamento, Odd Beholder foi inevitavelmente obrigada a refletir acerca de quem ela é e de quais são seus desejos sobre o mundo. Olhando para si mesma, ela permite que a música adquira forma por conta própria através do uso suave da voz e dos sintetizadores estranhamente polidos e esdrúxulos, sincronicamente. Assim, as texturas sônicas presentes em todas as dez faixas acabam criando uma experiência cinematográfica singular, pavimentando um caminho interessante para o próximo trabalho de Weinmann. – Ayra Mori

Iron Maiden – Senjutsu

Mesmo que adentrando a terceira idade, Bruce Dickinson e companhia não dão sinais de que irão parar tão cedo. Seis anos depois do aclamado The Book of Souls, o Iron Maiden volta com Senjutsu, mantendo-se fiel à sua proposta artística, e sua identidade visual e sonora, trazendo mais uma capa aterrorizante e longas faixas com mais de 10 minutos de duração.

Entre momentos obscuros ou energéticos, os 81 minutos do disco são carregados de um heavy metal clássico, energético, mas por vezes pouco inventivo. Senjutsu entrega exatamente aquilo o que se espera de um lançamento do Iron Maiden, o que, pelo visto, está dando certo para eles: o disco estreou na terceira colocação na Billboard 200, a melhor colocação na história da banda. – João Batista Signorelli

Don Diablo – FOREVER

O trabalho que o DJ holandês Don Diablo tem criado, desde que a pandemia o deixou fora dos palcos, é uma inovação artística. O novo álbum FOREVER segue verdadeiramente seu future house e compõe mais uma peça para uma obra futurista. Entre as suas 21 faixas, o disco apresenta músicas agradáveis e viciantes, como Hot Air Balloon e Stay Awake, enquanto Into The Unknown ilustra sua experiência musical revolucionária na cripto-arte, tudo isso sem que os sintetizadores te dêem dor de ouvido.

Diablo criou o primeiro show em NFT – um token único de registro criptografado – da história: Destination Hexagonia, uma obra digital que custou milhares de dólares para ser produzida e comprada. Agora com FOREVER, ele mostra parcerias vocálicas que dão dimensão e fluidez ao disco. Tears For Later, Too Much To Ask e Kill Me Better, colaborações com Galantis, Ty Dolla $ing e Trevor Daniel, respectivamente, mostram que Don Diablo soube se equilibrar entre a estética futurista e a playlist de um rolê. – Nathália Mendes

Dead Sara – Ain’t It Tragic

Três anos depois do EP Temporary Things Taking Up Space e seis anos desde o último álbum, Pleasure to Meet You, a banda de rock alternativo Dead Sara voltou com seu terceiro disco, Ain’t It Tragic. Marcado pela guitarra de Siouxsie Medley e os vocais característicamente roucos de Emily Armstrong, o novo trabalho do grupo de Los Angeles ainda sofre pela falta do baixista Chris Null, mas se estabelece seu novo som melhor do que o EP anterior.

Toda faixa de Ain’t It Tragic parece estar ligada no 220, exibindo o potencial caótico de seus músicos nas letras e nas melodias. Até mesmo Starry Eyed e Losing My Mind, algumas das faixas mais lentas, carregam uma intensidade quase intimidadora. Algumas vezes, esse entusiasmo cansa um pouco, mas o grupo faz o longo tempo entre seus lançamentos valer a pena, dando tudo de si para que o disco supere as expectativas de seus fãs. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Mild High Club – Going Going Gone

Talvez o mais engraçado de ter contato com Mac DeMarco é que qualquer coisa vagamente lo-fi nos faz lembrar dele. Não é diferente no novo álbum de Mild High Club, grupo liderado por Alexander Brettin, cujas referências vão do soft rock, passam pelo lo-fi, dão um ‘olá’ à bossa nova e chegam no psicodélico. Em Going Going Gone, o projeto avança por caminhos pouco desvendados nos dois álbuns anteriores, com Brettin explorando novos timbres e dando espaço à nostalgia.

Mild High Club possui uma sonoridade setentista, com influências nítidas do jazz. As canções de Going Going Gone lembram, com frequência, trabalhos de Tame Impala, sob o domínio dos sintetizadores e mantendo as guitarras como coadjuvantes. Na faixa A New High, a artista Samira Winter, nascida no Brasil mas radicada nos Estados Unidos, participa cantando melodicamente em português, e transforma a canção em uma espécie de homenagem à Garota de Ipanema, transbordando em referências à Música brasileira. Há muita coisa acontecendo aqui, mas de forma brilhantemente acessível e coordenada. – Bruno Andrade

J Balvin – José

É hora de conhecer a fundo um dos maiores artistas latino-americanos do momento. Em José, seu sétimo álbum de estúdio autointitulado, J Balvin descasca sua vida, história, sentimentos, família, amizades, trabalho e carreira com fidelidade ao gênero que o levou ao estrelato mundial e sem economizar na produção do disco que descasca sua figura enquanto artista. Mas os objetivos de um álbum de 24 faixas são ambiciosos, e nem o embaixador do reggaeton consegue driblar o caminho fadado à repetição num CD tão longo de um gênero que tem uma identidade tão marcada.

Entretanto, isso não parece incomodar J Balvin, que está confortável como nunca no mais puro reggaeton em Te Acuerdas de Mí, uma faixa antes de dar suas caras como hitmaker em In Da Getto. E ele sabe o momento de minimizar as referências de suas raízes para dar lugar à outros elementos. Lembrando dos que buscam algo diferente, José traz a vibrância rítmica e a poesia falada de Perra, e o toque de synth-pop que ao mesmo tempo traz melodias levemente acústicas em Querido Río. 

A mistura das faixas confirma que o single precursor 7 de Mayo segue como a assinatura do disco, cujo triunfo está em suas experimentações e composições, como o artista entrega desde o início ao abrir o álbum com F40. Em letras que abordam sua intimidade familiar, sentimentos profundos e reflexões sobre o mundo junto de nomes como Skrillex, KAROL G, Myke Towers, Dua Lipa, Khalid, Tokischa e Bad Bunny, José forma um trabalho condizente ao artista que J Balvin é. – Raquel Dutra

Vários Artistas – I’ll Be Your Mirror: A Tribute to the Velvet Underground and Nico

O disco de estreia da banda encabeçada por Lou Reed, The Velvet Underground and Nico, é muito mais do que o “álbum da banana”: é uma das pedras fundamentais do rock, e um dos precursores de tantos gêneros musicais que dele derivariam, do punk ao indie. Regravá-lo faixa a faixa foi o objetivo deste último projeto do falecido produtor e colega de longa data de Lou Reed, Hal Willner. 

Reunindo artistas que vão de Kurt Vile a Iggy Pop, I’ll Be Your Mirror espelha as faixas do material-fonte, ora preservando o espírito das canções originais, como em There She Goes Again, por King Princess, ora o distorcendo completamente, como em All Tomorrow’s Parties, por St. Vincent com Thomas Bartlett, mantendo ao menos, o espírito inovador e experimental tão característico do Velvet Underground. Destaques para a interpretação misteriosa de Venus in Furs por Andrew Bird e Luciuis, e a bela leitura por Sharon Van Etten de Femme Fatale. – João Batista Signorelli

St. Vincent – The Nowhere Inn

A enigmática e magnética St. Vincent existe quando Annie Clark sobe ao palco. Procurando se desnudar da misteriosa persona criada por ela, a cantora, compositora e multi-instrumentista americana se propôs a revelar sua verdadeira identidade no pseudodocumentário The Nowhere Inn, dirigido por Bill Benz e estrelado e escrito por ela e a amiga Carrie Brownstein. Só que quando o real e o puramente artístico destoam, as duas facetas de Annie se confundem em um mocumentário satírico, colorido e cheio de humor.

Menos de seis meses depois de seu último projeto, o pessoal Daddy’s Home, a estreia do longa foi acompanhada do lançamento de sua trilha sonora, disponibilizada em um álbum homônimo. Assim como o seu irmão cinematográfico, The Nowhere Inn é imersivo e envolvente, com as canções de St. Vincent misturadas aos instrumentais extasiantes. E escutar o álbum depois de assistir ao filme torna ambos os produtos ainda mais sensoriais e inebriantes. – Vitória Lopes Gomez

Little Simz – Sometimes I Might Be Introvert

“Simz, a artista, ou Simbi, a pessoa?”. Depois de um tempo na mira dos holofotes, é comum ouvir as queixas dos artistas de que sua própria identidade desaparece. Em tempos de invasão global da privacidade e uma enxurrada diária de informações, há certa dificuldade em não se sentir um intruso no mundo. Elencando a guerra como motor das sociedades atuais — guerras pessoais e contra o sistema —, passando por rachaduras familiares, racismo, machismo e violência policial, Little Simz tenta encontrar sua própria essência no fabuloso e conceitual Sometimes I Might Be Introvert. A ideia de duplo está presente ao longo das 19 faixas do álbum. O título funciona como um acrônimo de Simbi — apelido de Simbiatu, nome da pessoa por trás de Little Simz —, e durante as 10 primeiras canções, ouvimos sua versão melancólica e revoltada, clamando por justiça. 

Porém, depois de The Rapper That Came To Tea – Interlude — interlúdio narrado por Emma Corrin, atriz que interpreta Lady Di em The Crown —, somos apresentados a uma outra Simz, mais extrovertida e que se opõe deliberadamente àquela pessoa mais reflexiva que havíamos conhecido (talvez essa seja Simz, a artista). Nessa nova fase do disco, a cantora inicia Rollin Stone lembrando do momento que esteve em São Paulo — na ocasião, ela se apresentou no Popload Festival — e traz as versões mais alegres do CD, evidenciando que seu lado pessoal não é considerado tão interessante para ser consumido, pois a indústria espera uma oferta ilimitada de alegria e entretenimento. Então, em Little Q, Pt. 2, Simz narra de forma pessoal uma experiência de esfaqueamento, trazendo lembranças da própria infância. Já em Point and Kill, canção que traz a parceria de Obongjayar, ouvimos um afrobeat, marcando novamente as origens da artista, que é filha de pais nigerianos e descendente dos iorubás. 

Em Introvert, a melhor faixa do álbum, somos direcionados para dois problemas antigos que ganham repercussão em quase todas as canções: o racismo e o machismo. Simz entoa que é uma mulher negra e tem orgulho disso, e oscila entre o underground e o erudito, trazendo à melódica e combativa voz da rapper arranjos orquestrais e um clima apocalíptico. Através de um enorme panorama social, no qual somos apresentados a frações sistêmicas no modo de vida contemporâneo, lembramos da literatura combativa de Angela Davis, Bernardine Evaristo, Bell Hooks e Toni Morrison, visto que a letra retrata conflitos psicológicos e sociais, e a busca pela origem desses problemas como algo vazio de significado, considerando as fronteiras entre eles um borrão difícil de entender. No clipe da música, há uma mistura de imagens de guerras em preto e branco e jovens negros fugindo da polícia, elucidando ainda mais a urgência de se entender de onde vem tudo isso. Esqueça o Kanye, esqueça o Drake. Há uma guerra em curso, interior e exterior, e Little Simz parece ter consciência disso. – Bruno Andrade

Cynthia Erivo – Ch. 1 Vs. 1

Atriz, cantora e compositora premiada, Cynthia Erivo é dona de talentos incontáveis. Vencedora de um Daytime Emmy, um Grammy e um Tony, além de indicada duas vezes ao Oscar, é impossível falar da inglesa sem citar suas conquistas. Lançando o álbum de estreia, intitulado Ch. 1 Vs. 1, Erivo mergulha nos dilemas pessoais emergidos durante o isolamento social, declarando: “Esta é provavelmente uma das primeiras vezes que vou conseguir ser apenas eu mesma, e ser eu mesma plenamente.”

Produzido em meio à pandemia, o registro conta com parcerias de veteranos do R&B, incluindo a produção de Harold Lilly (um dos compositores de Beyoncé) e Jack Splash (parceiro de Alicia Keys). No decurso das doze faixas, Erivo se revela ao mundo através da poderosíssima voz que expelem seus sentimentos mais pessoais sobre amor, relacionamentos familiares conturbados, ou ainda quanto às injustiças sociais. Entretanto, devido exatamente à potência dos vocais da Grammy winner, tanto a composição do disco, quanto a sonoridade cheia de nuances do soul, são ofuscadas pelo vozear de Erivo, não atingindo os mesmos níveis.

Integrando os destaques do álbum, está o enérgico The Good, acompanhado de um caloroso videoclipe protagonizado pela própria Erivo. Explorando as facetas do amor sáfico entre duas mulheres pretas, o single traz uma perspectiva positiva e não fetichizada da intimidade e adversidades enfrentadas num relacionamento fadado ao fim. Aqui, o ritmo da percussão e do teclado vibrante cativam. Assim, Ch. 1 Vs. 1 é um álbum agradável, simples. Mais uma vez, o poder de Erivo está em sua voz. – Ayra Mori

Baby Keem – The Melodic Blue

O primeiro álbum de Baby Keem estava cercado por muitos rumores. Segundo eles, qualquer atenção midiática na estreia do rapper ocorreria pelo artista ser primo de Kendrick Lamar. Mas o fato é que The Melodic Blue foi lançado, e Keem entregou um álbum emocionante, porém nada brilhante. Com marcas visíveis de uma estreia inocente, apadrinhada por um dos grandes nomes do gênero, o disco tenta mostrar ao longo das 16 faixas o motivo de tanto hype, construindo canções sem coesão e elencando Keem como um indivíduo que vai além da participação especial em Donda (2021). 

O cantor tem consciência do peso de sua árvore genealógica. Como anunciado na canção range brothers (with Kendrick Lamar), “os sapatos que eu calço são enormes” — e de fato são. Lamar é o primeiro rapper da história a receber um Pulitzer, e é um dos grandes titãs da indústria musical. Mesmo silenciosamente, é difícil negar a influência. Em family ties (with Kendrick Lamar), o artista abraça seus laços familiares e faz uma reverência a Lamar, deixando a música marcada por um apelo íntimo, e traçando uma espécie de limiar entre o rap e o trap. Enquanto isso, nas canções gorgeous — mesmo nome de uma música de Kanye West, mas que parece uma versão estranha de Post Malone — e hooligan, Keem evoca cenários de violência. 

Em issues, talvez a melhor do projeto, há uma faceta melancólica e corajosa, que lembra os problemas mais íntimos do músico e de sua família, mas que não passa de algo isolado em todo o CD. A verdade é que aquilo que sempre saudamos em álbuns de rap não funciona aqui. Baby Keem faz experimentações em todas as faixas, com alusões a outros artistas do gênero — Drake, Kanye, 50 Cent —, mas esse gesto em The Melodic Blue, mesmo sendo um álbum de estreia, mostra somente a confusão de alguém que ainda não decidiu o que fazer. – Bruno Andrade

Alessia Cara – In The Meantime

Em seu terceiro álbum de estúdio, In The Meantime, Alessia entrega o melhor trabalho de sua premiada carreira ao discutir sobre as dualidades que cercam nossa existência. Através de sua composição, ela dá nomes aos fantasmas que assombram sua mente, à procura de se libertar deles ou ao menos fazer com que aqueles que compartilham das mesmas mazelas sintam-se menos sozinhos.

Mas além do seu relacionamento consigo mesma, Alessia também triunfa ao analisar os sentimentos conflitantes de se relacionar com alguém. Desde a angústia de não saber se é melhor ficar sozinha ou se apaixonar até as mentiras convenientes de um término, ela passeia com naturalidade através de ritmos e gêneros musicais. Inclusive, há dois agrados para os fãs brasileiros: Bluebird e Find My Boy possuem forte influência da bossa nova e citam o Rio de Janeiro em suas letras.

Ao deixar de lado o tom professoral e otimista que marcou sucessos anteriores como Scars to Your Beautiful e Wild Things, Alessia termina a transição iniciada em The Pains of Growing. Com tanta honestidade ao narrar as dores da vida, é muito mais fácil acreditar quando ela diz que dias melhores virão. Assim, o fardo de ser um modelo exemplar é substituído por algo muito mais poderoso: a vulnerabilidade. – G. H. Oliveira

José González – Local Valley

Se você já assistiu A Vida Secreta de Walter Mitty (2013), dirigido e protagonizado por Ben Stiller, deve conhecer José González, pois a música tema do filme foi composta por ele. O artista sueco-argentino surge com Local Valley, seu quarto álbum de estúdio — em uma carreira que já soma 18 anos —, e parece ser a síntese do que seria a mistura perfeita entre Elliott Smith e Nick Drake.

Segundo González, o nome do disco surge da concepção que ele possui do mundo, conforme disse em entrevista. “Eu vejo o mundo, esta terra, este planeta, como nosso vale local. Eu o vejo como o nosso pequeno ‘Pálido Ponto Azul’, como Carl Sagan disse. Quando você se aproxima do universo, este lugar em que vivemos se torna muito pequeno. Então, essa é uma das maneiras que eu penso sobre o título, especialmente em uma canção como Visions”. 

O disco é o primeiro trabalho do artista que utiliza efeitos computadorizados, algo mais evidente na faixa Swing. Nessa música, o lado folk do artista é praticamente deixado de lado, e há muitas semelhanças com os trabalhos de Jack Johnson. José González não é o tipo de artista que exige atenção. Ele toca e canta por paixão, e se você gosta de folk, ou se apenas é chegado no clássico voz e violão, a porta estará aberta. – Bruno Andrade

X Ambassadors – The Beautiful Liar

No terceiro álbum de estúdio da X Ambassadors, The Beautiful Liar, a banda aderiu aos áudio-dramas. A surpresa com o conceito vem logo na primeira faixa, CHAPTER ONE: Sleeping Giant, em que uma narração apresenta o projeto e indica a divisão das faixas em capítulos. O quarteto não conta uma história nos mínimos detalhes, mas o duplo sentido das letras, que poderiam ser tanto sobre uma personagem ficcional quanto sobre os membros da banda, é imaginativa e subjetiva por se encaixar em mais de um contexto. 

Durante o álbum, porém, a mistura de canções e narrativa se perde. Se CHAPTER TWO: Enter The Shadows quebra a sequência musical, mas serve como um bom interlúdio, a dobradinha de Theater of War e —A BRIEF WORD FROM OUR SPONSORS—, faixas dedicadas à contextualização do áudio-livro, tentam ser imersivas, mas mais interrompem e quebram o ritmo do que acrescentam à proposta. 

Ainda assim, mesmo que ofuscado pelas pausas, o som contagiante da X Ambassadors tem seus momentos de glória: o vocal potente de Sam Harris e as pulsantes linhas de baixo se destacam, e as dançantes My Own Monster e Love Is Death se sobressaem. Ao final, The Beautiful Liar tenta criar uma experiência maior do que a musical, mas talvez se saia melhor como um áudio-livro, mesmo. – Vitória Lopes Gomez

Bemti – Logo Ali

Dizem que não se deve julgar um livro pela capa, e isso se estenderia também aos discos, mas o segundo álbum de estúdio de Bemti é uma exceção à regra. Com uma “reinvenção expandida” maravilhosa da obra O Derrubador Brasileiro, de Almeida Júnior, Logo Ali conquista corações desde sua porta de entrada. E nada aqui é por acaso, já que os dois artistas, apesar de distantes no tempo, partilham de alguns elementos do universo caipira, estabelecendo diálogos pelo menos indiretos entre si.

Liricamente, Logo Ali é uma obra também muito sensível e bela. Com destaque para Canto Cerrado, faixa na qual Bemti canta “não vou respirar sem poesia”, as composições desse disco têm, ao mesmo tempo, traços de inspiração e preocupação estética. Já em relação às colaborações do CD, um dos pontos numericamente mais altos é, com certeza, Catastrópicos!, parceria com Jaloo disponível nas plataformas digitais desde novembro de 2020. Com uma abertura que remete às chegadas da vida, e um encerramento que alude às partidas, Logo Ali simboliza explicitamente a excelência artística de Bemti. – Eduardo Rota Hilário      

The Felice Brothers – From Dreams to Dust

Desde 2007 na estrada, o projeto familiar formado pelos irmãos Felice (Ian e James) é um dos suspiros do folk atualmente, mesclando elementos do country e até mesmo do indie. Em meio às diversas referências citadas nas letras — de Jean Claude Van Damme e Kurt Cobain a Clube da Luta e Dostoiévski —, From Dreams to Dust, oitavo álbum de estúdio de The Felice Brothers, é uma epopeia sobre os humanos, a vida e o fim, seja ele qual for.

Não surpreende que Ian Felice (vocalista e guitarrista) tenha lançado, em 2017, um livro em edição limitada de seus poemas, além de ter outro livro de poemas com lançamento previsto para 2022. Como principal compositor dos The Felice Brothers, Ian traz várias referências literárias, cultivando o discurso falado em contraste com as pausas melódicas — algo muito similar ao que Bob Dylan faz em Hurricane —, em um estilo de fluxo da consciência. Na canção We Shall Live Again, ouvimos referências ao filósofo alemão Hegel e ao escritor francês Marcel Proust, enquanto Inferno trata-se de uma referência à obra de Dante Alighieri. 

Em Jazz on the Autobahn, somos transportados ao sentimento de apocalipse iminente, algo apontado, no fim, como um vazio. A verdade é que o álbum soa como a trilha sonora gótico-sulista de um livro de William Faulkner, cuja sobriedade obscura dá a entonação para um disco transcendente. Porém, mesmo cheio de méritos, o CD ainda soa como uma cópia de Dylan, Neil Young e The Band. – Bruno Andrade

Colleen Green – Cool

É fato que referenciar o passado é uma das tendências mais fortes na Música dos últimos dois anos. Mas surfar nessa onda e soar é original não é pra todo mundo. E Colleen Green não é todo mundo, como prova em seu quarto álbum de estúdio. Em Cool, a artista californiana sabe usar suas influências para criar seu som que existe entre o rock e o pop punk, construindo a trilha perfeita para uma história coming-of-age dos anos 2000 concretizada nos cinemas de 2021. Se isso pudesse existir.

É com essa habilidade que ela nos recebe ao disco através de Someone Else, que volta a aparecer em It’s Nice to Be Nice e How Much Should I Love a Husband?. O ponto fraco de Cool se mostra em refrões fracos e repetitivos como os de You Don’t Exist, mas longe da vontade de criar músicas chiclete, Green mostra muita personalidade em suas melhores e mais ousadas experimentações, vide Highway. E é perceptível através das 10 faixas do disco que Colleen se encontra mesmo é Colleen em meio a conversa que seus solos de guitarra mantêm com a bateria, naquela harmonia entre melodia e ritmo que só o rock tem. – Raquel Dutra

Lady Gaga – Dawn of Chromatica

Gaga, ou pelo menos BloodPop® e seu time, sabem como aproveitar o burburinho da internet e fazer os admiradores do pop e hyperpop surtarem de animação. Dawn of Chromatica é um CD de remixes do disco lançado pela cantora no ano passado, o Chromatica. Assinado por um montão de promissores artistas talentosos, a coletânea quebra a maldição do Club Future Nostalgia e a sonoplastia do Programa do Ratinho de Blessed Madonna, e entrega um projeto de remixes que transborda astúcia e reworks fenomenais. 

Cada canção brilhou de uma forma diferente, algumas tão boas quanto as originais, outras nem tanto. E sim, Pabllo Vittar não só salvou a bomba Fun Tonight como colocou uma sonoridade 100% brasileira no DOC. Gaga pode não ter sido a mente comandante do projeto, mas, sinceramente, ela nem precisa. Praticamente todos os artistas convidados foram, de alguma forma, influenciados pela revolução sonora e estética que a cantora causou no início dos anos 2010. E, agora, somos nós que colhemos os belos e saborosos frutos. – Jho Brunhara

EPs

Ezra Furman – Sex Education: Songs from Season 3

Que Sex Education é a melhor série da Netflix, todo mundo já sabe. O que ainda pode ser um mistério é a existência desse EP, meio folk, meio pop, cantado por Ezra Furman, que apresenta canções da terceira temporada da aventura de Otis e Ruby e cia. Com apenas 5 faixas (algumas novas e outras reaproveitadas pela artista), o trabalho expande a vibe acolhedora e gentil do seriado e conforta quem não reservou a pauta para texto solo e ainda assim quer falar sobre o que rolou em Moordale esse ano.

Don’t Turn Your Back on Love, sucesso de 2011, repete a fórmula de Sex Ed e faz brotar aquela vontade de viver um romance na adolescência e poder se identificar ainda mais com as tramas da telinhas. Mysterious Power dá vontade de socar o travesseiro e depois abraçá-lo forte, enquanto Trans Trauma serve como trilha de Cal (Dua Saleh), personagem não-binárie que entra no ano 3 e enriquece ainda mais o escopo narrativo da criação de Laurie Nunn. 

 Para quem ama de paixão Aimee, Maeve, Adam, Eric, Jean, Ola, Liv, Lily e, é claro, a melhor personagem de 2021, Ruby, ouvir o EP de Furman vai causar um efeito colateral irremediável: ligar na Netflix e dar play na série tudo de novo. Com a quarta temporada confirmada, dedos cruzados para que mais músicas cheguem no mesmo pacote. – Vitor Evangelista

Wilczynski e Ian Urbina – Take a Stand (The Noam Chomsky Music Project) 

Não, Noam Chomsky não resolveu largar a academia e virar produtor musical. O renomado linguista e ativista de 92 anos, é, na verdade, não apenas homenageado por Wilczynski e Ian Urbina, produtores deste EP, como também por mais de 50 artistas do mundo inteiro, reunidos em um ambicioso projeto musical, o The Noam Chomsky Music Project. A partir de trechos extraídos de gravações de palestras e aulas, o projeto tem como objetivo celebrar e ampliar a voz do pensador, com diversos lançamentos que abarcam os mais variados gêneros musicais, da Música clássica à eletrônica. 

Aqui, a voz de Chomsky é integrada a batidas lo-fi hip hop, enquanto ouvimos algumas de suas falas sobre solidariedade e críticas ao governo estadunidense. A tranquilidade da música é uma combinação certeira com o modo de falar calmo do intelectual. Pode ser uma interessante escolha de trilha sonora para estudos, seja dos escritos de Chomsky ou não, enquanto ele nos convida a entender “o que está acontecendo no mundo” e “reconhecer os padrões”. – João Batista Signorelli

Big Freedia – Big Diva Energy

Depois de repaginar a canção atemporal Judas, de Lady Gaga, no álbum Born This Way: Reimagined, a rapper Big Freedia ainda tem muito potencial criativo para compartilhar com o mundo neste ano. Trilhando um caminho aparentemente certeiro, ela lança o EP Big Diva Energy, composto por seis faixas bem atrativas e interessantes. Not Today, a primeira delas, conta com a participação de Jake Shears e Anjelika “Jelly” Joseph, e tem, sem dúvidas, muita chance de arrasar nas pistas de dança.  

Já Platinum, a mais reproduzida no Spotify, não quer saber de “tempo ruim”. Com uma narrativa que convoca todos à ação e ao sucesso, essa faixa está repleta de cintilância: “cegue-os com seu brilho”, canta Big Freedia. De modo geral, todas as canções do EP são agitadas e capazes de levantar pelo menos um pouco o nosso astral. O título do trabalho, por sua vez, não poderia ser outro, já que a energia de uma grande diva invade os poros de quem o ouve – e paira no ar a sensação de que qualquer um pode ser uma estrela. – Eduardo Rota Hilário       

Julien Baker – Little Oblivions (Remixes)

Porta-voz de uma geração que cresceu sendo LGBTQIA+ em um universo cristão fervoroso do sul dos Estados Unidos, Julien Baker exprime como ninguém as consequências da repressão na adolescência. Sobrevivente do vício, a cantora e compositora de 25 anos carrega consigo uma série de registros marcados pela nudez dos versos cortantes, tanto em projetos solos – como no inaugural Sprained Ankle –, quanto no aclamado supergrupo boygenius, formado junto de Lucy Dacus e Phoebe Bridgers. Nelas, a crueza vocal e instrumental de Baker amplifica a composição dolorosa das letras, e ela nos machuca.

Após o terceiro e mais recente álbum, Little Oblivions, Baker aperfeiçoou seus dotes como musicista, amadurecendo a sonoridade simplista para a de uma banda completa, ainda que tocando quase todos os instrumentos sozinha. E na remixagem de Little Oblivions, as faixas destaque ganham novas dimensões por diferentes artistas: Half Waif, Helios, Gordi, Jesu e Thao. Na produção alternativa das versões originais, Baker deu liberdade criativa total aos colaboradores. Desse modo, a integridade da composição foi mantida, porém, com novos arranjos, texturas e profundidade que, de certa forma, antes pareciam faltar. – Ayra Mori

Juliette – Juliette

Juliette saiu da casa mais espiada do Brasil diretamente para dentro dos estúdios. Quando a vencedora do prêmio de 1 milhão e meio de reais soltou a voz no programa, seu talento conquistou muito interesse da indústria musical, que percebeu o potencial da paraibana.

Mas na hora de por em prática, poderia ter sido melhor. As seis músicas que compõem o seu EP de estreia levaram uma equipe grande até demais para escrever letras rasas e repetitivas. Não dá para negar, porém, que a produção carrega uma batida gostosa do forró, que combinado ao tom leve de Juliette, deixa o disco bem agradável de se ouvir. 

A favorita da casa começou sua carreira musical numericamente bem. Batendo o recorde de melhor estreia nacional da história do Spotify Brasil, dá para esperar que este não seja um projeto único. Com um pouco mais de tempo – e esforço – um álbum de estreia da nova cantora tem de tudo para ser muito bom. – Mariana Chagas

ella jane – THIS IS NOT WHAT IT LOOKS LIKE!

ella jane já começou a carreira acertando. Um ano depois de sua estreia na Música, com seis singles e muitos elogios para a conta, a cantora de 19 anos lançou seu primeiro EP, THIS IS NOT WHAT IT LOOKS LIKE!. O trabalho inclui canções escritas em diferentes momentos da vida da artista, desde os 16 anos, passando pela sua adolescência no Ensino Médio até o início da sua trajetória musical.

Composto por ela de cabo a rabo ao longo de três anos, o EP vira um verdadeiro coming-of-age. jane canta sobre a insegurança de crescer e tomar decisões em AUGUST IS A FEVER, desabafa sobre a depressão pelo qual passou no colegial em Thief, e expressa a dor de se afastar de alguém próximo em The City. Em uma faixa iniciada quando a artista tinha 16 anos e finalizada aos 19, bored&blind, ela ainda lembra de um amor platônico e reflete sobre como lidava com isso quando mais jovem, em uma evolução tanto pessoal, quanto musical.

As vulneráveis, nostálgicas e íntimas composições são, definitivamente, o ponto forte de ella jane. Unidas a uma sonoridade ora eletrizante, ora reconfortante, entre um indie e um pop que transcendem um só rótulo, THIS IS NOT WHAT IT LOOKS LIKE! encapsula o sentimento de juventude e de amadurecimento. – Vitória Lopes Gomez

mxmtoon – true colors (from Life is Strange)

Além de dar voz à protagonista de Life is Strange: True Colors durante as sessões de canto do jogo, a cantora Maia, conhecida pelo nome artístico mxmtoon, também gravou duas músicas originais para a produção, que foram incluídas em um EP junto com os outros dois covers presentes no título da Deck Nine Games. Com a mistura característica entre indie pop e folk da artista, o clima casual do projeto conquista mesmo quem ainda não jogou o game, e inspira sua história tanto quanto é inspirado nela.

Com apenas quatro músicas, é fácil ouvir true colors repetidamente, absorvendo lentamente as novas letras de Maia e apreciando suas reinterpretações de Radiohead e Violent Femmes. Particularmente na agitada blister in the sun, a cantora troca o violão da original por um arranjo mais eletrônico e upbeat, criando uma composição singular e cativante. Similarmente em creep, a melodia clássica é mantida, mas reflete as inspirações menos roqueiras da artista.

As outras duas canções originais, que tocam nos créditos finais do jogo, refletem mais da história de Alex Chen e sua busca pela verdade em Haven Springs, marcadas pelo tema de abandono e luto. Mas o tom pessoal que a cantora dá a elas emociona por si só, criando uma narrativa curta, mas impactante. – Gabriel Oliveira F. Arruda

ZAYN – YELLOW TAPE 

Todos tem os seus surtos de madrugada, e com ZAYN a coisa não é diferente. Surpreendendo os fãs e sem dizer uma palavra sequer, na noite do dia 13 de setembro o cantor postou um link que dava acesso a três faixas inéditas. Sem divulgar no Spotify ou qualquer outra plataforma oficial, as músicas são um verdadeiro segredo para apenas seus fãs e ouvintes mais fiéis, aqueles que o acompanham em suas redes sociais. 

Em YELLOW TAPE, nada é mantido privado. O primeiro a fugir da One Direction canta sobre ser pai, manda indiretas – bem diretas – para Kanye West, e não tem medo de ser polêmico. Se o projeto com GRIMEZ, BELIEVE ME e 47 11 vai se tornar algo oficial ainda não sabemos, mas por enquanto, dá para aproveitar o rap e mergulhar em suas letras profundas: “Minha saúde mental está chegando ao nível de Deus, não quero dizer que sou um deus, mas 47 [vítimas sul-asiáticas] do 11 (de setembro) sempre estão comigo”. – Mariana Chagas

Luana Flores – Nordeste Futurista

O Brasil ainda é território muito fértil para novas sonoridades, e só não percebe ou discorda disso quem fica preso a saudosismos limitantes. Diante dessa efervescência criativa, um dos nomes que se destacam pela qualidade artística é, com certeza, o de Luana Flores. Beatmaker, DJ, percussionista, cantora e compositora, Luana lança o primeiro EP da carreira, Nordeste Futurista, mesclando atmosfera tecnológica e tradição cultural como ninguém. Essa proposta ousada é nítida desde Eu Vem, faixa de abertura que reúne a mestra cirandeira Vó Mera com a própria avó da artista.

Um dos destaques do Extended Play talvez esteja em No Mei dos Mato, colaboração com Leticia Coelho e uma das canções mais festivas do trabalho. Surpreende-se, no entanto, quem espera por uma obra limitada a experimentações musicais. Isso porque, em Suspendemos o Céu, uma declamação poética invade deliciosamente nossos ouvidos. Não parando por aí, a cantora paraibana está atenta a todo tipo de esfera durante o período pandêmico: “o que tenho feito é usar as redes sociais a meu favor”. Seja no espaço físico ou digital, Luana Flores sem dúvida merece cada vez mais os holofotes do sucesso. – Eduardo Rota Hilário