“Nosso destino vive dentro de nós. Você só tem que ser valente o suficiente para vê-lo.”

Júlia Caroline Fonte

Qualquer criança nas últimas décadas, com certeza, em algum momento, sonhou em viver em um castelo e encontrar um príncipe encantado, mas hoje sabemos que as coisas não são bem assim. Há 10 anos, a primeira e única princesa dos estúdios Pixar veio para mostrar isso: Merida (Kelly Macdonald), a corajosa protagonista de Valente, protagoniza uma história empoderadora sobre liberdade e amadurecimento, que mergulha em uma aventura mística e afetiva.

Nas terras do Clã Dunbroch nas Highlands da Escócia medieval, em meio a regras e costumes, uma jovem princesa vem se preparando para um dia assumir a função do pai, o rei Fergus (Billy Connolly), ao lado de um bravo cavaleiro que deverá conquistá-la, em um torneio organizado pela rainha Elinor (Emma Thompson), sua mãe. Decidida a mudar o próprio destino, Merida causa uma grande confusão com os clãs do torneio ao competir pela própria mão. Ela então foge para a floresta, e segue uma trilha de fogos-fátuos até a cabana de uma bruxa, que realiza o feitiço que ela desejou; porém, não da forma como esperava, uma vez que sua mãe é transformada em um urso e elas precisam correr contra o tempo para reverter a magia.

Desde o primeiro contato com o público, em 20 de julho de 2012, Merida chamou muita atenção, pois, além de também ser a primeira protagonista mulher de um filme da Pixar, ela marcou uma grande transformação em meio ao universo das princesas Disney. Narrativas estereotipadas, que funcionaram em um passado de contexto social diferente, não cabem mais no cenário contemporâneo, o que obrigou a gigante do entretenimento a mudar o rumo de suas personagens. Essa transição, que já vinha criando raízes com Mulan, A Princesa e o Sapo e Enrolados, tornou-se efetiva com o surgimento de Valente, abrindo espaço para as narrativas de Frozen, Moana – Um Mar de Aventuras e Raya e o Último Dragão.

Graças a isso, agora vemos narrativas de fato focadas em suas protagonistas, cujas tramas não se baseiam em encontrar um homem para se realizar, mas sim em princesas com as quais podemos nos identificar na busca de nossos maiores desejos e ambições. A princesa de Valente (Brave, no original) trouxe essa mensagem com grande força, ao decidir que além do dever, ela pode lutar pelos próprios sonhos e por sua liberdade de escolher como trilhar o próprio caminho. Merida desafiou não só os clãs e sua família ao terminar sua história sem um casamento, mas também o público tão acostumado com o “final feliz ideal”, anunciando que a felicidade de uma princesa deve ser encorajada, mesmo que não haja um príncipe nela.

Merida também rompe com os estereótipos físicos de suas antecessoras. Os estúdios da animação conseguiram inovar ao dar um passo em direção a mudança do corpo padrão das personagens femininas. Merida ainda é uma mulher magra e branca, porém, quando comparada as outras princesas das animações anteriores, seu tipo físico está mais próximo de uma mulher real, como, por exemplo, seus cabelos volumosos e com frizz, e sua cintura mais reta com quadris maiores – que também fazem referência às representações das vestimentas femininas escocesas do período. Agora, esperamos que, a partir disso, a Disney possa continuar essas mudanças a fim de ser cada vez mais inclusiva e representativa para as novas gerações.

O comportamento da princesa escocesa também é algo marcante no filme. Ela surpreende não sendo da forma que todos esperam, com atitudes até mesmo consideradas brutas para uma princesa, sem delicadeza, descontente com suas regras de etiqueta e negando os moldes ideais impostos e esperados de qualquer mulher. Essas características fazem parte tanto de sua personalidade quanto das crianças que a assistem, e podem se identificar. Merida normaliza que garotas podem agir da forma que realmente são, independente da expectativa que colocam sobre o gênero e do papel que terão no mundo. Ser uma princesa não significa abdicar de quem é em prol do que a sociedade quer que você seja.

Apesar de ser impactante por todos esses motivos, Valente também se destaca pela sua história e as temáticas que aborda. A principal delas é a relação entre mãe e filha construída por Merida e Elinor. Ambas possuem personalidades muito diferentes, bem como alguns valores e visões de seus deveres, o que as coloca em conflito em diversos momentos. O filme mostra a construção de uma relação saudável e de equilíbrio entre as personagens, e faz isso de modo perfeito, terminando com as personagens encontrando um ponto de equilíbrio e entendendo uma à outra. 

A conclusão do conflito entre elas parte do entendimento de Elinor de que precisa compreender a realidade e vontades da filha e reconhecer seus talentos, bem como lidar com as escolhas dela. Mas é principalmente com o amadurecimento de Merida que as coisas começam a se encaixar, pois ela passa a entender as consequências de seus atos e a importância de seu papel – e de defender sua liberdade de escolha. A partir do contato com suas origens e o passado de sua terra, a protagonista tenta a todo custo consertar os problemas que causou para não sucumbir ao mesmo fim do príncipe Mor’du, e condenar a própria mãe; assim, “remendar a união por orgulho separada” acaba sendo a solução para elas e o grande resumo de todo esse processo.

O roteiro de Valente, assinado por Steve Purcell, Irene Mecchi e pelos também diretores Mark Andrews e Brenda Chapman, traz uma trama com uma encantadora relação entre duas mulheres fortes e com um poderoso laço de amor, algo pouco mostrado nas histórias atribuídas às princesas, mas que se repete em Frozen – Uma Aventura Congelante, produção do mesmo estúdio lançada no ano seguinte. Discutir o amor além do romântico parece ser uma tendência que agradou muito o público e a Academia, e um tema importante a ser retratado nas telas, principalmente para as novas gerações, que cada vez mais tem contato com as novas produções e mensagens que a Disney traz. O longa recebeu o Oscar de Melhor Animação, e consagrou Chapman como a primeira mulher na História a levar a estatueta pela categoria.

Seguindo uma outra tendência dos filmes da Pixar e da Walt Disney Animation Studios, o local em que a história se passa torna-se um elemento muito importante para a construção do enredo, e assim como em todos os filmes do estúdios, a Escócia aparece em Valente de forma impecável. Mais que apenas um lugar onde habita a história, o país foi fundamental para construí-la, sendo a cultura escocesa indispensável para o desenvolvimento da narrativa e para a transformação da personagem. Bem como nos filmes da série Frozen e Moana: os mitos, lendas e processos ritualísticos acabam por sustentar todo o mistério e misticismo, sendo também uma outra forma importante de representatividade para o público diverso, e que deve sempre ser celebrado. 

Além disso, a ambientação do local e da época também ocorreram de forma perfeita, sendo marcante neste filme mais do que em qualquer outro da Disney. Trajes tradicionais, costumes, clãs, características físicas, músicas, castelos e paisagens: todos esses aspectos da História do país foram inseridos de forma certeira e conseguem nos transportar para o período com muita facilidade. Também são essenciais para criar o tom da narrativa, que se distancia um pouco daquele criado em outras obras sobre princesas. A atmosfera mística foi trazida de forma precisa, com as cores escuras contrastando com as chamas dos fogos-fátuos e com qualquer outro ponto de luz na tela.

Ao fim, Merida veio ao mundo para abalar qualquer estrutura estereotipada nos cinemas, tornando-se uma importante voz principalmente para as meninas, tanto aquelas que cresceram nas décadas passadas quanto para as que estão adentrando agora neste universo. A personagem segue lembrada por sua coragem, não só de escalar montanhas, cavalgar e soltar flechas, mas também de lutar pelo que quer e ser quem é, independente do que esperam dela, estimulando, assim, grandes mudanças. Valente é um marco para os filmes de princesas, e uma mensagem permanente sobre lutar pelos próprios sonhos.

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Júlia Caroline Fonte

Há 5 anos, os portões do Buckingham Palace foram abertos ao público, revelando os segredos obscuros e os dramas da família real britânica, como também nos aproximando de uma das figuras mais conhecidas da história. The Crown, série criada por Peter Morgan, que, de início, não tinha tanta aclamação e atenção do público, logo tornou-se um sucesso e, prestes a lançar sua quinta temporada, a série da Netflix conta com o maior orçamento da plataforma, a altura de suas personagens e de sua luxuosa produção. 

Além de fofocas e polêmicas dignas de um romance da corte francesa, a série consegue conquistar o espectador logo de cara apenas com sua protagonista, a rainha Elizabeth II, no início interpretada pela talentosa Claire Foy. Sendo um dos principais elementos para garantir esse sucesso, a atriz entrega o papel de forma surpreendente, trazendo à tona uma visão que dificilmente teríamos da soberana.

Não é surpresa que as mulheres enfrentaram – e ainda enfrentam – enormes obstáculos para assumirem sua posição e poder, e a trajetória da personagem Lilibeth procura evidenciar esse problema. Uma figura prestes a completar 70 anos de reinado – o primeiro monarca do Reino Unido a conquistar esse feito – é retratada na série como uma jovem que não foi preparada para governar, mesmo que sua posição de Chefe de Estado já estivesse prevista desde criança.

The Crown tem um papel social importante: reconhecer o legado de Elizabeth como uma das mulheres que comandou um país que sempre esteve à frente de diversas outras nações. Ela prova que por mais que inúmeras forças a desacreditem e tentem derrubá-la durante sua trajetória, uma mulher tem o poder de sentar a uma grande mesa com homens velhos de terno, e é capaz de decidir o rumo de uma grande potência econômica. A monarca é hoje um símbolo que traz força para diversas figuras femininas influentes que foram jogadas à margem ao longo da história.  

Porém, essa representatividade histórica não apaga todas as controvérsias e condutas nocivas relacionadas à essa poderosa família, que são ofuscadas por muita romantização de todos os seus movimentos. Suas cenas muito bem escritas expõem o lado difícil de viver sobre o peso de um poderoso legado e, tentam envolver o espectador em um sentimento de empatia quando Margaret (Vanessa Kirby) não pode viver um simples e forte romance ou Elizabeth tem que abrir mão da sua vida de mãe presente para focar nos difíceis cuidados do novo filho: seu reinado. 

Essa visão passa a rondar as duas primeiras temporadas exibidas em 2016 e 2017 e tem sua inversão nas duas seguintes, principalmente na mais recente, lançada ano passado, em que uma jovem plebeia adentra as muralhas da realeza. A clássica mudança de elenco a cada dois anos marca uma grande transformação na narrativa da monarquia. Algo podre começa a emergir das paredes do palácio, e então passamos a mergulhar ainda mais em um lado frio e sombrio dos personagens, principalmente Elizabeth, que na terceira temporada prepara seu herdeiro de modo apático. A visão do belo passa a dar lugar ao início de uma imagem deteriorada para público, e a empatia e encanto sentidos no começo iniciam sua lenta partida.

É também na terceira parte que The Crown começa lentamente a se perder em sua protagonista e esfacelar seu enredo com tantos personagens embaralhando-se, entregando para o público uma das temporadas mais lentas e arrastadas. Porém, sua quarta temporada é salva por uma das figuras mais importantes para a realeza: Lady Di. Reacendendo a imagem na família real na década de 80 e quebrando protocolos, a jovem traz a atenção do público de volta à série. O protagonismo entre ela e Elizabeth começa a ficar mais dividido, consolidando o problema do ano anterior. Apesar disso, The Crown ainda se garante como uma excelente história.

Para a decepção de muitos, a vida da Princesa do Povo é mostrada de modo rápido e razoável. Mesmo não sendo a protagonista, a duquesa, assim como em vida, sempre consegue atrair todos os holofotes para si, bem como os espectadores, que sempre anseiam por mais Diana. Com a atenção à protagonista se perdendo, o desejo de adentrar cada vez mais a vida da jovem aumenta entre o público, que precisa se contentar com poucos momentos. No entanto, estes não deixam de ser notáveis, graças a Emma Corrin e Josh O’Connor interpretando, respectivamente, Diana e Charles.

Nesta quarta temporada, a família real passa a ter um papel de vilã para a jovem plebeia que tem a vida retratada de modo trágico. Com um marido que a abusa emocionalmente e tendo que dividi-lo com a amante Camilla Parker Bowles (Emerald Fennell), a família real se mostra indiferente e como sempre, apenas tentando garantir as aparências. Esse é um dos motivos que fizeram com que The Crown sempre estivesse envolvida em polêmicas com a realeza britânica, porém, sua quarta parte garantiu o aumento da tensão, principalmente com aqueles próximos a Charles que se incomodaram com sua representação.

Além de sua excepcional narrativa, a série criada por Peter Morgan também não deixa de dar um espetáculo em seus aspectos técnicos. A direção de fotografia do brasileiro Adriano Goldman foi fundamental para transmitir a mensagem da série e garantir seu visual deslumbrante junto com a direção de arte, que não poupou dinheiro e esforços ao recriar a vida das personagens. A trilha sonora também se destaca, com a maior parte das músicas de autoria de Rupert Gregson-Wiliams combinadas a outros elementos sonoros, criando a atmosfera ideal.

É difícil ressaltar a qualidade de The Crown sem mencionar seu elenco, que brilhou não apenas por causa de Claire Foy. Em sua primeira fase, a série nos presenteia com os atores Matt Smith no papel do Príncipe Philip e John Lithgow que reviveu o prestigiado Winston Churchill; além de outro grande destaque: Vanessa Kirby, que nos encantou com sua rebelde e intensa Princesa Margaret.

Já em sua segunda fase temos a versão mais velha dos personagens, com a aclamada Olivia Colman vivendo Elizabeth, Tobias Menzies, como seu marido,  Helena Bonham Carter, dando voz à polêmica irmã, e Gillian Anderson como a famosa Dama de Ferro. Um elenco de peso que, contudo, não supera seus antecessores, deixando nítida a divisão entre os dois períodos retratados, com algumas diferenças na personalidade de suas personagens e suas próprias versões das mesmas. E é claro, uma brusca diferença física, principalmente para as duas irmãs, que ficaram marcadas pelos grandes olhos azuis das atrizes, ignorados pela produção.

The Crown completa seus 5 anos como uma já consagrada e singular obra. Nos proporcionando a experiência única de acompanhar e nos aproximar pelo menos um pouco da realeza deste século. A série, que já garantiu diversos prêmios e indicações em seu caminho (e fez história vencendo todas as estatuetas de Drama no Emmy 2021), vem instigando as expectativas dos fãs para as próximas temporadas, que começam a caminhar para o final de sua história; e anunciando mais uma vez um grande elenco, ela se encerrará com um dos períodos bem críticos para a realeza, que com certeza será retratado com a mesma excelência que vimos até então.

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Júlia Caroline Fonte

Poucas obras audiovisuais conseguem se consagrar como um marco do entretenimento, mas Stranger Things é uma delas. A série poderia facilmente ter saído direto dos anos 80 e se destacado como um clássico da época, e por mais que não pareça, ela completa em 2021 apenas 5 anos desde que torcemos muito para Joyce ter Will de volta em seus braços. E é também curioso que seu aniversário de meia década seja no auge dos conflitos das gerações, causando, antes mesmo de seu encerramento, nostalgia em qualquer pessoa que tenha uma alma cringe.

Stranger Things foi um fenômeno imediato, contribuindo até mesmo para elevar o sucesso da própria plataforma que a produziu, a Netflix. Tudo isso porque a criação dos irmãos Duffer conseguiu nos proporcionar uma viagem de volta à nossa infância, enquanto celebrava os coloridos e nerds anos 80 norte-americanos, relembrando tudo o que teve origem nesse período. 

A época é muito bem construída visualmente em todas as três temporadas, sempre trazendo uma quantidade enorme de referências e easter eggs – muitas vezes não tão escondidos – dos grandes sucessos da cultura pop daquele momento, como Star Wars, E.T. O Extraterrestre, Os Goonies, Alien, Os Caça-Fantasmas, Dungeons & Dragons e Dig Dug. Além disso, não podemos deixar de mencionar os figurinos divertidos e estilosos e uma ambientação perfeita com fliperamas, locadoras de vídeo e shopping center na pequena Hawkings, que cria um cenário perfeito para a série.

Contudo, Stranger Things não se garante apenas por isso: seu ponto alto e ingrediente principal para o sucesso são, sem dúvida, seus personagens e tudo o que os envolve. Acompanhamos Mike (Finn Wolfhard), Will (Noah Schnapp), Lucas (Caleb McLaughlin) e Dustin (Gaten Matarazzo) desde a primeira temporada, ainda crianças, e presenciamos todo o peso e trajetória dessa amizade. Trazendo um forte gostinho de infância, somos invadidos pela nostalgia que eles nos proporcionam ao criarem seu próprio mundo de fantasia no porão de casa.

A partir de uma amizade forte e fiel, e com muita inocência, os garotos moveram tudo o que podiam para resgatar Will, como faziam em seu tabuleiro de D&D, uma vez que isso é o que mais importa para eles, pois “um amigo é alguém por quem você faria de tudo. Você empresta coisas legais, como gibis e figurinhas. E ele nunca quebra uma promessa”. Assim, suas personagens bem construídas e cativantes garantiram identificação com o público logo de cara, trazendo acolhimento quando se viam espelhados na tela, já que todo nerd quando criança passou por algumas coisas que esses garotos viveram, seja na vida real ou em seu imaginário.

É importante também destacar que essas relações se expandem muito mais ao longo das temporadas. Há a satisfação em ver Eleven (Millie Bobby Brown) e Max (Sadie Sink) deixando de lado uma rivalidade feminina totalmente infundada e sem sentido, para dar lugar a um laço muito forte, tornando-se melhores amigas. Elas se apoiam a todo momento e tentam abrir os olhos uma da outra para situações injustas para as quais não devem baixar a cabeça, além de mostrar que são capazes de resolver qualquer coisa.

Stranger Things acompanhou a vida dessas personagens, e, por isso, as mudanças são muito evidentes no decorrer de sua história. Após deixarem um pouco a infância de lado – nem todos, é claro -, a série desenvolve o debate sobre crescer e amadurecer. Assim como mostra Will, esse processo pode ser difícil, e às vezes não estamos preparados para deixar de lado tudo o que vivemos e amamos, ou aceitar que nem tudo se manterá da forma como queríamos para sempre. Tudo são fases, e enfrentar monstros com suas habilidades mágicas no porão de Mike um dia teria que chegar ao fim.

Crescer é fundamental e importante para entender que o mundo pode ser mais difícil do que parece e precisamos aprender a lidar com ele. Nancy (Natalia Dyer), Jonathan (Charlie Heaton) e Steve (Joe Keery) nos provam isso. Entender seu passado e consertar o que é necessário no presente pode nos levar a caminhos surpreendentes, e trazer novas experiências e pessoas importantes em nossas vidas. Além disso, é importante não apenas crescer, mas se conhecer e tentar superar antigos traumas, e aprendemos isso com Joyce (Winona Ryder) e Jim Hopper (David Harbour), que constroem uma ótima relação e mudam totalmente de vida diante de tudo o que passaram.

Essas transformações vão além dos personagens, e marcam presença na série em sua totalidade. As temporadas muito bem construídas, embora não isentas de deslizes de roteiro, conseguem captar as mudanças da época e de Hawkings de uma maneira certeira. Principalmente quando analisamos a terceira parte de Stranger Things: a chegada do verão transparece o auge das cores e da vida dos anos 80, junto com a adolescência do nosso elenco principal, trazendo um tom um pouco diferente das temporadas anteriores, mas que casa com seu desenvolvimento.

No entanto, essas mudanças e complexo desenvolvimento dos arcos das personagens não comprometem a linha geral da série, que sempre mantém seu foco nos problemas e caos que o Mundo Invertido pode trazer para o nosso. Porém, parece que essas complicações supostamente resolvidas em uma temporada continuam insistindo, ao mesmo tempo em que seu apelo se esgota. Em algum momento precisaremos ter uma solução de fato, e isso nos faz questionar até que ponto Stranger Things continuará. 

Se a intenção dos irmãos Duffer é finalizar a série em seu auge, o tempo parece acelerar, trazendo a preocupação de seu fandom sobre até onde será possível assegurar sua qualidade sem chegar ao ponto de saturação de temporadas, como ocorreu com diversas séries. Com a quarta temporada cada vez mais próxima, temos uma legião de fãs em que permanece uma forte dúvida: esperamos algum tipo de decepção ou realmente podemos nos surpreender com mais uma parte grandiosa dessa história, como já é de costume quando se trata de Stranger Things? 

A série já conseguiu deixar seu impacto no audiovisual e no entretenimento em apenas 5 anos, sem nem mesmo chegar em seu encerramento. E da mesma forma que grandes sagas – como Harry Potter, Star Wars, Game of Thrones e Jogos Vorazes -, ST tornou-se para a cultura pop um marco que dificilmente será alcançado por outra série do gênero. E o principal: consegue deixar uma forte marca para seus fãs, pois as aventuras e inocência dos personagens nos transportam em uma viagem no tempo até a época em que acreditávamos que poderíamos enfrentar qualquer Demogorgon.

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Júlia Caroline Fonte

As adaptações são uma grande polêmica do mundo audiovisual, algumas chegam ao patamar da perfeição, já outras decepcionam o fandom. Sweet Tooth com certeza se encaixa no primeiro grupo. Lançada em 4 de junho, a nova série da Netflix, que vem ganhando cada vez mais destaque da crítica, é produzida por Robert Downey Jr. e Susan Downey e traz uma proposta um pouco diferente da graphic novel que a originou, levando-a a ser uma das séries mais assistidas da plataforma em diversos países.

A criação de Jim Mickle e Beth Schwartz nos apresenta um mundo caótico tomado por um vírus mortal, o Flagelo, e o nascimento de misteriosas crianças híbridas com animais, estas perseguidas e exterminadas pelo exército dos Últimos Homens. A maior parte da sociedade acredita que essas crianças foram as causadoras desse apocalipse, enquanto outras as vêem como uma salvação para o planeta. Diante disso, acompanhamos Gus (Christian Convery) um garotinho híbrido de cervo que, dez anos depois do estopim do caos, tenta sobreviver isolado na floresta com o pai, que ele chama de “Paba” (Will Forte). Quando este é acometido pelo Flagelo, deixando Gus sozinho em um mundo perigoso, o caçador Tommy Jepperd (Nonso Anozie), cruza caminho com o menino, que a partir disso começa uma aventura em busca de sua mãe, Birdie (Amy Seimetz).

Adaptada da graphic novel de mesmo nome de Jeff Lemire, Sweet Tooth assume um tom diferente daquele do quadrinho. Querendo deixar de lado “o estilo Mad Max“ das páginas, os produtores buscaram transformar a história de Gus em uma série family friendly, o que garantiu um tom leve e encantador, mesmo em meio ao fim do mundo. A inocência e fofura do personagem garantem uma sensação de aconchego e consegue tirar muitas lágrimas do espectador, uma vez que seu foco é o arco do garotinho e não o contexto em que ele está. Essa mudança drástica não impediu a série de ser considerada uma excelente adaptação, uma vez que conseguiu de modo certeiro adequar a história para o novo formato e soube definir muito bem seus objetivos quanto ao seu público.

Além da jornada do Gus, a série apresenta mais duas histórias que ocorrem paralelamente; uma é da Aimee (Dania Ramirez) e a outra do Dr. Aditya Singh (Adeel Akhtar). Gus tem como objetivo chegar ao Colorado, onde tem a certeza de que encontrará sua mãe; Jepperd, sem outra alternativa, assume a perigosa e desafiadora missão de levar Gus até ela. No caminho, ambos cruzam com um curioso grupo chamado Exército Animal, adolescentes que têm como propósito proteger e salvar os híbridos; esses personagens trazem um contraste interessante à obra: inocência e juventude em choque com o perfil de guerreiros sanguinários. A partir daí, ambos seguem com a companhia de Ursa (Stefania Owen). Os três continuam a aventura repleta de desafios e revelações devastadoras

De modo independente, temos a história de Aimee, uma personagem exclusiva da série. Sua jornada começa quando ela encontra um novo sentido para a própria vida, pois da mesma forma que Gus, a pandemia do Flagelo foi um impulso para a liberdade. Aimee se muda para um zoológico abandonado, e acolhe Wendy (Naledi Murray), uma garotinha híbrida com porco que foi deixada em sua porta ainda bebê, tornando-se sua filha. Com o passar dos anos, juntas elas criam o Santuário, um espaço para proteger crianças híbridas. 

E, por último, temos o Dr. Singh, um médico que desistiu de sua profissão quando sua esposa Rani (Aliza Vellani) foi contaminada pelo Flagelo, e passa a dedicar a vida para garantir a sobrevivência dela, até que ele fica responsável por continuar as pesquisas sobre a cura iniciadas pela Dra. Bell (Sarah Peirse). Os três arcos se encaixam perfeitamente, e diferente do que ocorre na série Sombra e Ossos, eles não roubam o protagonismo um do outro e o foco maior permanece na narrativa de Gus, o personagem principal; e ao final, temos uma junção excelente de todos eles.

Gus com certeza é o ponto forte da série, sendo um personagem adorável e cativante. Da mesma forma que a personagem Anne, de Anne With An E é inserida e desenvolvida em sua adaptação, Gus consegue ser uma representação verdadeira de uma criança, com toda a sua intensidade de sentimentos e sua curiosidade de entender o mundo. Seu arco é construído colocando o personagem em diversas situações cruciais para o amadurecimento, aprendizado e construção de sua personalidade. 

A construção do personagem, unida à atuação do ator Christian Convery, traz veracidade tanto para Gus quanto para a obra. Suas reações, inocência, esperança, empolgação, frustrações e ingenuidade são muito bem colocadas, Vemos esse aspecto em diversos momentos: ao perder o Cão, seu brinquedo preferido e melhor amigo, seu desespero para recuperá-lo os coloca em uma situação complicada; seu aborrecimento é evidente quando Ursa usa palavras difíceis que não estão em seu vocabulário, e em muitas situações de perigo o menino recorre desesperadamente a Jepperd. 

O protagonista constrói uma ótima relação com os outros personagens que o acompanham, com destaque para Jepperd, apelidado por Gus de “Grandão”, que de início queria a todo custo se livrar do híbrido, mas eles acabaram se tornando uma boa dupla. Jepperd, dono de um passado sombrio, fazia de tudo para sobreviver ao mundo caótico em que estavam, e entende os perigos de proteger uma criança como Gus; contudo, assim como acontece com o público, ele consegue ser cativado pelo menino cervo. A boa química entre os atores Christian Convery e Nonso Anozie foi fundamental e conseguiu garantir uma das melhores relações entre adulto e criança retratada no universo audiovisual, sendo um ponto alto da série.

Gus ainda está envolvido no maior plot twist da temporada e um dos momentos mais difíceis para o garotinho. O híbrido tem seu mundo colocado à prova ao lidar com as verdades sobre sua vida; também é aqui que suas questões familiares e origem se revelam mais profundas do que aparentavam, e afetam sua jornada a partir de então. 

A série caminha através de diversas reviravoltas e situações cruciais para a história, tendência esta que se mantém no plot twist: sendo tão bem construído, não surpreende apenas o protagonista, mas também o público, que, desde o primeiro episódio é levado a acreditar em determinada realidade que entrará em choque nesse momento.

Os aspectos técnicos de Sweet Tooth também não deixam a desejar. A série possui narrador onisciente, com  voz de James Brolin, de modo sutil e na medida certa, combinando com o tom da história. E seguindo o padrão da maior parte das séries originais da Netflix, a diversidade no elenco também está presente na série do menino cervo, que possui atores excelentes.

Contando com uma ótima trilha musical, que combina com a atmosfera criada pela série, Sweet Tooth é perfeita visualmente. A fotografia em tons quentes de Dave Garbett e Aaron Morton e a presença de muitas cores contribui para a leveza e aconchego que ela proporciona ao público; com destaque para o primeiro episódio, o qual se passa a maior parte no chalé de Gus e Paba, com uma iluminação muito bem feita casando com a colorização impecável de Walter Volpatto; tudo se adequando com os elementos da direção de arte. A elaboração desta última, coordenada por Nick Connor, Nathan Blanco Fouraux, Gabriel Kearney e Adam Wheatley, foi um fator fundamental para contar a história.

Ainda sobre seu visual, o trabalho da equipe de arte atrai a curiosidade do público, principalmente para a caracterização das crianças híbridas. Algo essencial e que fez grande diferença para a série foi diminuir o digital para usar elementos construídos fisicamente. Os efeitos especiais foram importantes para trazer veracidade ao universo de Sweet Tooth, como nas orelhas de Gus, que foram inseridas em seu figurino e controladas pelo marionetista Grant Lehmann. Simultaneamente, a maquiagem artística de Justin Raleigh foi um elemento importante para transformar a aparência das crianças em híbridas.

Entretanto, o que mais chamou atenção foi o personagem Bobby, um híbrido de marmota, em que a produção usou um boneco mecatrônico para trazê-lo à vida – uma retomada do que víamos em filmes mais antigos de fantasia, como em Harry Potter e a Câmara Secreta, para criar a fênix do Professor Dumbledore. Outro caso é o dos bebês híbridos retratados logo no início do primeiro episódio, que foram fantoches manipulados pela equipe e criados pela empresa de efeitos visuais Fractured FX. Ao mesmo tempo em que esses elementos deixam tudo mais palpável, pode causar muito estranhamento para um público saturado de efeitos visuais.

O último episódio de Sweet Tooth é com certeza um dos mais importantes, principalmente para a continuidade da história. É nele que, finalmente, entendemos por quais motivos Gus, Dr. Singh e Aimee dividem a temporada. A trama será imprescindível para o futuro da série, principalmente para Dr. Singh, pois aqui podemos perceber que em algum momento Gus será um elemento significativo para definir o arco do médico para a segunda temporada. Além disso, revelações sobre um personagem serão relevantes para aguçar o público a respeito do vírus que aquele mundo enfrenta, abrindo espaço para muitas teorias sobre o rumo da série, que já começa a ganhar contornos nítidos.

Além de todos seus aspectos audiovisuais, Sweet Tooth carrega mensagens muito fortes para seu público. A jornada de Gus e Aimee mostram a importância de sair da zona de conforto para poder se reencontrar ou para começar a viver, e que essa vivência é essencial para o processo de crescimento, tanto de uma criança, como é o caso de Gus, quanto para Aimee, que entende um novo propósito e significado de sua vida. Ainda somos convidados ao longo da série a refletir sobre o amor, seus diversos aspectos e aquilo que ele pode mover; bem como o papel da família, entendendo o que realmente a faz existir.

Já a história do Dr. Singh traz aspectos científicos e sociais que atingem em cheio a nossa realidade atual. Um retrato muito mais caótico da pandemia que estamos vivendo, a série tem um papel social de extrema importância, que vai muito além de seu entretenimento. Muito antes da covid-19, a Netflix criou um cenário acometido por duas doenças que enfrentamos durante o nosso isolamento e se espalham rapidamente: um vírus fatal e a ignorância diante dos fatos.  A série expõe diversos momentos de extremismos pelo “bem maior”; ou por causa de teorias da conspiração, propagar o ódio e eliminar aquilo de que não se tem conhecimento. Tudo isso abre espaço para um mundo onde o principal objetivo é garantir a própria sobrevivência, ignorando seu papel na sociedade.

Sweet Tooth apresenta um grande potencial para continuações, à medida em que a série deixa de explicar a fundo algumas informações, como as referentes ao vírus e ao início da pandemia do Flagelo. Há também algumas pontas soltas que precisam ser respondidas a respeito de Birdie, sobre quem salvou Wendy quando bebê e o porquê, e qual papel o Exército Animal terá no futuro da série. Além disso, elementos como as flores roxas e as barras de chocolate não paravam de aparecer ao longo da temporada, indicando para um público que elas terão um significado importante em algum momento. Porém, levando em conta os temas e o cenário da história, poderíamos supor que poucas perguntas seriam respondidas em uma única temporada.

Sweet Tooth já consegue se garantir como uma das melhores séries de 2021. Bem recebida pelo público e pela crítica, tem suas raras falhas ofuscadas por uma história bem contada, com personagens reais e apaixonantes e um visual que chega a ser um espetáculo aos olhos. Mais uma vez, a Netflix conseguiu garantir uma boa obra e acertar em todos os seus aspectos como adaptação. E mesmo com o caos que Gus e Jepperd enfrentam em sua história e o que enfrentamos aqui do lado de fora, Sweet Tooth consegue nos resgatar e confortar com sua esperança e leveza inocente que procurávamos há muito tempo.

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Júlia Caroline Fonte

Após muito tempo das grandes sagas literárias longe das telas, Sombra e Ossos, nova série da Netflix, chegou suprindo as necessidades dos leitores que passaram a adolescência vidrados em fantasias e distopias nas páginas dos livros. A série conta a história de Alina Starkov (Jessie Mei Li), uma órfã que descobre ser a Conjuradora do Sol, e, dotada de grandes poderes, pode ser a salvação de seu mundo. Em seus primeiros dias de estreia, Sombra e Ossos ficou no top 10 das produções de maior audiência na plataforma de streaming, apresentando uma obra única que conquistou um grande público e marcou o forte retorno do gênero ao audiovisual. 

A série nos leva ao universo Grisha, marcado por guerras e conflitos de poder. O foco está em Ravka, um país dividido pela Dobra das Sombras, uma mancha densa e escura onde vivem os volkras, criaturas perigosas, que os humanos têm que enfrentar quando tentam cruzar a Dobra em direção ao outro lado. Assinalada pela pegada militar, Sombra e Ossos mostra a relação entre humanos e grishas, estes últimos dotados por habilidades de dominar elementos naturais e liderados pelo General Kirigan (Ben Barnes). 

O mundo da obra chega ao espectador de forma encantadora, sendo muito bem construído. Contudo, para quem está tendo contato pela primeira vez com a mitologia, pode se sentir confuso durante a primeira metade da temporada. A série aparenta se preocupar mais com os acontecimentos do que em situar seu público desde o início – o que pode ser bom para manter ele em frente à tela, mas seria importante ter um equilíbrio entre as duas coisas.

Sombra e Ossos é baseada nos livros de Leigh Bardugo, porém é adaptada de modo um pouco diferente do que estamos acostumados. A história das telas traz os acontecimentos da Trilogia Grisha, iniciada por Sombra e Ossos, que conta a história de Alina Starkov, e ao mesmo tempo, se mistura com a duologia Six of Crows, revelando a trama do grupo chamado de Corvos, que nos livros, se passa anos depois dos acontecimentos de Alina. 

A série conseguiu explorar muito essa junção, construindo uma história complexa que se enlaça bem ao final, e dando um ritmo mais dinâmico ao que está sendo contado, uma vez que apenas a narrativa da protagonista poderia torná-la maçante. Porém, não foi perfeita em sua execução: a obra misturou três arcos diferentes que roubavam o protagonismo um do outro, e deixou alguns momentos soltos ao longo da série até se juntarem no final. Talvez fosse interessante a temporada ter tido pelo menos dois episódios a mais para explorar tudo isso.

Os Corvos foram um dos destaques de Sombra e Ossos. O grupo formado na primeira temporada por Kaz (Freddy Carter), Inej (Amita Suman) e Jesper (Kit Young) vive na série uma história original em relação aos livros, funcionando como um prequel, o que possibilitou que eles cruzassem o caminho de Alina de algum modo. O trio tem por objetivo sequestrar a Conjuradora do Sol em troca de uma fortuna. Desse modo, acompanhamos duas histórias que acontecem paralelamente, e que tem por objetivo se encontrarem até o final da temporada.

É muito instigante observar as situações vividas pelo grupo, principalmente por causa dos personagens muito diferentes entre si e com personalidades muito fortes, que cativaram o público. Porém, como mencionado anteriormente, não houve equilíbrio na série para a inserção dessa história, que colidiu muito com o protagonismo de Alina – colocada em segundo plano em diversos momentos, enquanto os Corvos ganham muito mais destaque.

Outro arco mostrado na série é a da personagem Nina Zenik (Danielle Galligan), uma grisha Sangradora, capaz de infligir dor. Nina é apresentada no momento em que os Corvos irão necessitar de sua ajuda para invadir o Pequeno Palácio, onde Alina está sendo treinada e local em que Nina trabalhava. No entanto, antes desse encontro, ela é capturada pelos Drüskelle, caçadores de grishas, e se aproxima de um deles, Matthias (Calahan Skogman). 

A personagem passa a protagonizar uma história simultânea que, infelizmente, não tem tanto espaço de tela como gostaríamos. Mas nem por isso seu encaixe no todo é feito de maneira ideal: em muitos episódios, suas cenas são colocadas de modo que não fica nítida qual a relação exata dela com os outros dois arcos; resposta essa que só temos nas últimas cenas do episódio final, e quando começamos a compreender seu papel, a temporada acaba.

Por fim, conhecemos nossa protagonista, Alina Starkov, que já no primeiro episódio descobre ser uma Conjuradora do Sol, um tipo lendário de grisha. A personagem surpreende por não se apresentar de modo clichê dentro do gênero e tem um bom desenvolvimento até o final, sendo muito verossímil quando lida com as situações nas quais foi colocada, reagindo como qualquer pessoa normal quando é retirada de sua realidade. 

Seus retornos ao passado também são enriquecedores para o roteiro escrito por Eric Heisserer, Daegan Fryklind e Vanya Asher, e expõe muito de sua personalidade e suas relações com quem ama, além de fazer o público compreender a forma como recebeu sua nova vida. A aceitação (dela e dos outros), o isolamento e saber lidar com os pesos de quem se tornou são os fardos carregados por ela durante a temporada, mas felizmente Alina entende seu papel naquele mundo e passa a ter um novo olhar sobre ela mesma. 

Apesar disso, a trajetória não é mostrada de modo completo na série criada por Eric Heisserer. São raras as cenas de treinamento grisha de Alina, e seus conflitos e real adaptação dentro do Pequeno Palácio são pouco desenvolvidos. Um dos problemas que Alina tem que lidar é a insatisfação e preconceito por ser Shu de diversos outros grishas que vivem com ela – em especial Zoya (Sujaya Dasgupta), mas são escassas as vezes que é mostrada a interação direta entre elas, de modo que a construção de rivalidade acaba sendo fraca.

Além disso, Alina tem apoio de três amigas que conheceu no local: Nadia, Marie e Genya, sendo que apenas a relação com a última acaba sendo aprofundada, enquanto as outras estão em cenas breves, e gostaríamos de ver melhor o desenvolvimento dessa amizade. Nesse quesito, temos que nos contentar com migalhas.

Contudo, o que perdemos anteriormente é recompensado com um bom desdobramento da relação de Alina com Malyen (Archie Renaux), seu melhor amigo e interesse romântico. Desde o início, Sombra e Ossos sugere que devemos esperar o desenvolvimento de uma relação amorosa no meio de todo o caos da vida da protagonista. 

No entanto, ela é colocada de uma forma leve e não tão convencional. Amigos desde a infância, eles só tem um ao outro e usam esse amor fraterno mútuo como porto seguro, principalmente para lidar com a realidade em que foram colocados: órfãos desde crianças e que agora servem ao exército.

Quando são separados, ambos juntam todo tipo de forças para poder se reencontrar, mas aqui percebemos que, desde o início, tentam fazer isso como família. Eles só tem um ao outro e esse era o sentido que eles tinham para se manterem vivos e firmes, mesmo que depois entendemos que há um sentimento amoroso – e infelizmente não foi mostrado com nem um único beijo. 

Por esse mesmo motivo, vemos Alina a todo custo tentando entrar no barco quando Mal é convocado para navegar pela Dobra, onde ela acidentalmente descobre seus poderes. Ao mesmo tempo que essa motivação é a principal de ambos os personagens, ela ocorre de forma leve e natural para nós, como Prim e Katniss ou Finnick e Mags em Jogos Vorazes, e essa relação divide bem o foco da série com a descoberta de Alina sobre seus novos poderes.

Em contrapartida a esse relacionamento saudável, vemos Alina se envolver com o general Kirigan, também conhecido como Darkling, um dos vilões mais sádicos das adaptações literárias, principalmente por não ser um personagem tão distante de nós. Desde o início, já percebemos que Kirigan não tem nada de mocinho, já que a série tenta nos confundir acreditando que ele está do lado de Alina e consegue fazer isso até certo ponto.

Porém, antes mesmo da revelação, já temos certeza disso. O plot twist deveria ter sido feito de uma forma um pouco mais impactante para o público, mesmo que não seja a intenção de seus produtores, que provavelmente queriam nos deixar desconfortáveis diante da relação abusiva que ele impôs à Alina para presenciarmos todo o desenrolar disso sem poder fazer nada; e assim, entender como sua manipulação era extremamente poderosa e provavelmente o pior lado do personagem.

De todas as surpresas de Sombra e Ossos, não é possível deixar de falar sobre o final da temporada. A maior parte do último episódio acontece dentro da Dobra das Sombras, e o domínio de Kirigan sobre Alina é cada vez maior. Aqui, já vemos a união de Mal com os Corvos contra Darkling, mesmo que por objetivos diferentes, todos querem tirá-la dali. 

Esse é o momento mais importante para nossa protagonista, uma vez que ela percebe que o cervo, um amplificador de poderes grisha, a escolheu. Ela passa a entender suas habilidades e a si mesma, bem como seu papel nisso tudo, além de mostrar que ela compreende que seus poderes alcançam dimensões muito grandes sem depender de Kirigan para isso.

Ao final temos uma grande surpresa: Alina não consegue destruir a Dobra e entende que ainda não tem a força suficiente para isso. Uma grande quebra de expectativas em séries de ficção, que sempre terminam com o protagonista espontaneamente atingindo o máximo de seus poderes. E é compreensível para o espectador, que por mais que espera essa repetição, vê sentido em ela não conseguir, pois diferente dos outros grishas, ela domina os próprios poderes há pouco tempo; e a partir de agora inicia um nova jornada para conseguir cumprir seus objetivos. O momento é fundamental e um dos melhores da série.

Em relação aos aspectos técnicos, a série também surpreende. Com seu universo de fantasia baseado na Rússia Imperial, a direção de arte realizou um trabalho impecável, principalmente em relação aos figurinos muito característicos e locações com cenários construídos de modo perfeito. Algo que pode ser incômodo é a escolha dos ângulos de câmera, que em alguns momentos são colocados de forma subjetiva quando não há necessidade, criando uma sensação que não cabe no momento. Já os efeitos especiais não são excelentes, porém ainda são suficientes e de qualidade. Além disso, a escolha do elenco é algo a se comemorar, com atuações maravilhosas e muita diversidade, especialmente os atores principais, como é o caso de Jessie Mei Li, Amita Suman e Kit Young.

Sombra e Ossos é um excelente retorno para as sagas literárias às telas, trazendo até mesmo uma leve nostalgia para aqueles que as acompanharam em parte da infância e adolescência. Temos que reconhecer o grande sucesso que a série alcançou, pois conseguiu prender seu público com ótimos personagens, uma história interessante e um mundo de fantasia que consegue ser muito verossímil com o nosso. Por mais que ela apresente alguns problemas em sua execução, se mostrou uma boa obra com grande potencial para as futuras temporadas, que prometem trazer uma história única e novos desafios para todos os personagens. 

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