Livia Queiroz 

“Você está maluca, pirada, mas vou te contar um segredo: as melhores pessoas são assim”. Esta é a última frase transmitida pelo pai de Alice (Mia Wasikowska) antes do corte temporal para mencionar sua morte na narrativa, uma referência a mesma fala dita pelo Chapeleiro Maluco à menina no livro de Lewis Caroll. Em  paralelo com a vida não-ficcional, quantas vezes você já se viu como diferente da maioria por pensar demais ou por sonhar além do que os outros dizem que é possível? Quantas vezes desejou viver em histórias que viu em livros e filmes ao invés da sua realidade? Há 15 anos atrás, Alice no País das Maravilhas, dirigido por Tim Burton, o cineasta antagônico de Hollywood, nos apresentava por meio de um mundo extraordinário e imaginário o recorrente sentimento de estranheza com a realidade.

Sem dúvidas, a produção da obra estava à frente de seu tempo. A qualidade das edições e efeitos especiais são muito agradáveis aos olhos, bem melhores do que muitas produções atuais do mundo cinematográfico como Thor: Amor e Trovão (2022) e Homem Formiga e a Vespa: Quantumania (2023), especialmente quando consideramos que é uma obra de 2010. É realmente impressionante a forma como a maioria das personagens tem características fora da realidade, mas não causam nenhum incômodo à audiência, sendo possível imergir dentro da história e abraçando tais diferenças graças a falta de artificialidade visual; sem contar os cenários magníficos criados em CGI que só agregam para a narrativa. 

Para que todos esses aspectos fossem completados e se tornassem positivos, foi necessário uma força de trabalho muito mais experiente e competente, graças ao casting para lá de brilhante. Constituído por Johnny Depp (Chapeleiro), Helena Bonham Carter (Rainha de Copas), Anne Hathaway (Rainha Branca) e Mia Wasikowska (Alice), o longa metragem instiga diversas reflexões sobre a vida – apesar de ser direcionado ao público jovem.

O momento mais reflexivo do filme – abordado por meio de metáforas em toda sua extensão – é, com certeza, a construção da protagonista com Absolem (Alan Rickman) ao tratarem sobre a identidade dela. Em seu primeiro diálogo, a lagarta afirma que ela não é a verdadeira Alice mesmo com a jovem afirmando que “sabe muito bem quem ela é”. No decorrer da narrativa, a londrina vai se descobrindo para além de uma sonhadora e inteligente, percebendo sua coragem e determinação. Dentro dessa evolução, Alice percebe que, na verdade, não sabia de fato quem era, pois não conhecia sua capacidade para superar desafios e enfrentar quem a afronta. Nesse sentido, Alice no País das Maravilhas nos ensina que só se pode conhecer a si mesmo ao aventurar-se no desconhecido. 

Apesar de algumas fortes interpretações a serem absorvidas pelo público, o longa não se compara ao livro – ou até mesmo a animação de 1951 – que inspirou a adaptação quando o assunto é psicologia. Um exemplo dessa genialidade é a mais famosa passagem do livro, uma conversa de Alice com o Gato de Cheshire na qual a jovem pergunta se ele poderia ajudá-la a achar o caminho mesmo não sabendo para onde ir. Gato termina com a icônica frase “Se você não sabe para onde ir, qualquer caminho serve”. Portanto, ele ajuda Alice a tirar suas conclusões de acordo com o que a própria responde, instigando o entendimento sobre si mesma e a necessidade de objetivos concretos. Desse modo, Tim Burton segue o modelo de Lewis Caroll, aplicando lições de vida valiosas dentro de um cenário fantasioso, ou seja, uma maneira mais divertida de aprender, este sendo com certeza o maior diferencial de Alice no País das Maravilhas. 

Apesar da bagagem enorme de possíveis lições a serem extraídas do filme, ele continua sendo leve, com elementos infantis que atraem o público e desenvolvem afeto pela história e seus personagens. Não à toa, 15 anos depois de seu lançamento a obra continua sendo comemorada e passada como entretenimento para as novas gerações. Alguns itens contribuintes para esse aspecto são os elementos visuais, coloridos e em formatos exagerados, o ‘passo maluco’ de Chapeleiro, as loucuras da Lebre de Março (Paul Whitehouse), as breves aparições divertidas do Gato de Cheshire (Stephen Fry) e o final feliz de Alice, que deixa um mistério no ar para o segundo filme que viria a ser desenvolvido por James Bobin, Alice Através do Espelho (2016).

Além disso, as atuações de Helena Bonham Carter, Johnny Depp e Mia Wasikowska devem continuar sendo aplaudidas de pé. Dentro de um cenário construído quase que 100% em CGI, é de extrema importância a presença de atores qualificados e com a imaginação nas alturas para realizar um bom trabalho dentro de um ambiente completamente verde fluorescente e sem ‘pistas’ de como será o produto final. Um fator auxiliar para uma boa performance é, sem dúvidas, a caracterização de cada personagem. Graças ao design de figurino liderado por Colleen Atwood e a direção de arte de Robert Stromberg e Karen O’hara, a equipe de atores puderam ultrapassar a barreira de cenários para completar papéis que são admirados até os dias de hoje. 

Portanto, em seu aniversário de 15 anos de lançamento no Brasil, Alice no País das Maravilhas segue sendo um exemplo para a cinematografia, tornando-se uma das melhores e mais fiéis adaptações de livro para filme em Hollywood. Além de marcar a geração dos atuais jovens adultos, vive na prateleira de sucessos absolutos da Disney, assistido e comentado por amantes da produtora e leitores de Lewis Caroll, firmando a beleza dentro da loucura de cada um de nós. Afinal, a loucura é somente uma subjugação da falta de pensamento padrão, e deixe-me contar-lhe um segredo: as melhores pessoas são assim. 

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Eduardo Rota Hilário

O ano é 1984, e os filmes de terror slasher estão a todo vapor. Eis que surge, brilhantemente, no meio de fórmulas para o sucesso, o então inédito A Hora do Pesadelo (A Nightmare on Elm Street). Dirigido por Wes Craven, mesmo diretor de Pânico, o longa-metragem baseado em histórias reais fortaleceu, por meio da inovação, o subgênero de horror em alta naquele momento. Diferente dos assassinos silenciosos e minuciosamente estrategistas até então conhecidos, como Jason Voorhees e Michael Myers, o público agora é convidado a mergulhar no estranho mundo de Freddy Krueger. Psicopata igualmente imprevisível e poderoso, foi ele quem trouxe um respiro necessário aos filmes da época, fugindo da mesmice.

Se Krueger é, ainda hoje, reconhecido como ícone pop – na interpretação de Robert Englund, já que a caracterização de Jackie Earle Haley, em 2010, foi visualmente frustrante -, isso acontece, em partes, por causa de suas particularidades. Sádico, imperfeito, desengonçado, com humor ácido, que tortura as próprias vítimas e demora para matar – isso quando não erra os assassinatos -, o vilão das garras fatais definitivamente não ficava preso à ausência de expressão facial de uma máscara, ou à famosa e tensa quietude recorrente em cenas de matança.

Em sua origem, Freddy era um assassino de crianças que foi capturado e, por alguns erros burocráticos, solto logo em seguida. Revoltados, os pais da vizinhança vão até uma caldeira abandonada, onde o serial killer levava suas vítimas, e o queimam vivo. Até aqui, essa seria uma trajetória de vida chocante, mas pouco inovadora. No entanto, o homem que inventou uma luva de facas para matar menores ultrapassa os limites da realidade ao invadir, literalmente, o mundo dos sonhos para se vingar daqueles que foram responsáveis por sua morte. Um a um, Krueger deseja matar Tina, Rod, Glen e Nancy, adolescentes intimamente ligados ao grupo de pais que desejou fazer justiça com as próprias mãos.

Através de pesadelos, Freddy Krueger não só controla como também distorce os limites do real. Rei absoluto de universos oníricos, essa figura se mostra pouco eficiente na concretude do mundo acordado – embora ainda tenha poderes limitados, podendo, inclusive, engolir pessoas em uma cama. De qualquer maneira, dentro ou fora dos sonhos, ele precisa se alimentar do medo de suas vítimas para poder se fortalecer. Caso contrário, seus esforços são praticamente inúteis – fato constatado não só neste filme, mas também em outros, como Freddy x Jason, em que o vilão aterroriza às custas de Jason Voorhees. Certo é que, com tantas informações, ficamos igual Nancy (Heather Langenkamp), heroína e protagonista do longa de 1984: sem saber distinguir o que é verdade ou delírio, ou como agir e vencer em ambientes ilógicos e solitários.

Assim como em Halloween – A Noite do Terror e Sexta-Feira 13, o que observamos em A Hora do Pesadelo é uma atmosfera própria, de clima singular. Se os próximos filmes da saga perdem um pouco – ou até mesmo bastante – desse brilho característico, o primeiro deles é exitoso ao reunir uma música-tema memorável, fumaças e neblinas adequadas ao ambiente dos sonhos, além de incríveis efeitos especiais. Lógico que, hoje em dia, alguns desses efeitos seriam considerados fracos ou toscos. Mas seria injusto, também, julgar a obra de Craven com lentes atuais, a não ser que se leve em consideração o contexto de produção, marcado por baixo orçamento e pouco tempo de gravação – fora a diferença de tecnologias entre aquela época e o momento presente. 

Por outro lado, um dos aspectos mais geniais do longa-metragem permanece intacto e vigoroso. Não entregando tudo de mãos beijadas, o enredo se constrói nos mínimos detalhes. Nem tudo precisa ser dito, ou lembrado em voz off. Se a “forma balinesa de sonhar” é mencionada, ela será útil em algum momento da narrativa. Se Nancy se mantém acordada com pílulas e café, é porque ela já percebeu o risco de cair no sono em um mundo em que Freddy existe. Do mesmo jeito, as conversas sobre um homem de suéter verde e vermelho, com facas no lugar dos dedos, servem para indicar que algo estranho está acontecendo: os adolescentes sonham com um mesmo personagem, em um ambiente industrial idêntico. Em A Hora do Pesadelo, as entrelinhas são, portanto, de extrema importância.

Fato é que, do roteiro e do enredo de A Hora do Pesadelo, surgiram muitas cenas clássicas, ou pelo menos memoráveis. A inesquecível e sangrenta morte de Glen, ao lado de Freddy Krueger na banheira de Nancy e a criação das luvas fatais são apenas alguns desses momentos. Em adição, algumas passagens filosóficas podem atrair a atenção dos espectadores: seja a conexão entre Shakespeare e os dilemas do filme, ou as divagações feitas em uma clínica sobre o que são os sonhos, esses pontos são verdadeiros diferenciais em um filme de terror que, em uma análise superficial, poderia ser classificado injustamente como puramente comercial.

Outra curiosidade impossível de se ignorar é que esse filme foi também a estreia de Johnny Depp nas grandes telas. Com um papel meio bobalhão, de pouco destaque, Depp encarnou de maneira convincente o jovem Glen – que, antes de qualquer coisa, servia para auxiliar a namorada e protagonista Nancy na jornada contra o vilão desfigurado e sádico. Na época, apesar do título do longa, ainda nem sonhávamos com os pesadelos que esse ator provocaria na vida real: acusado de violência doméstica pela ex-esposa Amber Heard, será aparentemente difícil para Depp provar alguma possível inocência nessa história.    

Ainda em aspectos negativos, as incongruências do filme são quase imperceptíveis – como as armadilhas que Nancy arma em poucos minutos, sendo todas de funcionamento perfeito. Por isso, as qualidades audiovisuais e narrativas de A Hora do Pesadelo, como a realização do desejo infantil de trazer objetos dos nossos sonhos, ou a transformação física da heroína conforme sua exaustão vai aumentando, se sobressaem ao longo de mais de uma hora de imersão. 

Com um desfecho aberto, não sabemos quem vence a disputa entre bem e mal: terá sido Nancy? Ou foi o Freddy? Mas certamente podemos afirmar que a obra de Craven é uma exploração da fragilidade e do medo inconsciente humanos. Afinal, não precisamos ir longe para termos de enfrentar a vida sozinhos: basta fechar os olhos e dormir.

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