Júlia Caroline Fonte

Há 5 anos, os portões do Buckingham Palace foram abertos ao público, revelando os segredos obscuros e os dramas da família real britânica, como também nos aproximando de uma das figuras mais conhecidas da história. The Crown, série criada por Peter Morgan, que, de início, não tinha tanta aclamação e atenção do público, logo tornou-se um sucesso e, prestes a lançar sua quinta temporada, a série da Netflix conta com o maior orçamento da plataforma, a altura de suas personagens e de sua luxuosa produção. 

Além de fofocas e polêmicas dignas de um romance da corte francesa, a série consegue conquistar o espectador logo de cara apenas com sua protagonista, a rainha Elizabeth II, no início interpretada pela talentosa Claire Foy. Sendo um dos principais elementos para garantir esse sucesso, a atriz entrega o papel de forma surpreendente, trazendo à tona uma visão que dificilmente teríamos da soberana.

Não é surpresa que as mulheres enfrentaram – e ainda enfrentam – enormes obstáculos para assumirem sua posição e poder, e a trajetória da personagem Lilibeth procura evidenciar esse problema. Uma figura prestes a completar 70 anos de reinado – o primeiro monarca do Reino Unido a conquistar esse feito – é retratada na série como uma jovem que não foi preparada para governar, mesmo que sua posição de Chefe de Estado já estivesse prevista desde criança.

The Crown tem um papel social importante: reconhecer o legado de Elizabeth como uma das mulheres que comandou um país que sempre esteve à frente de diversas outras nações. Ela prova que por mais que inúmeras forças a desacreditem e tentem derrubá-la durante sua trajetória, uma mulher tem o poder de sentar a uma grande mesa com homens velhos de terno, e é capaz de decidir o rumo de uma grande potência econômica. A monarca é hoje um símbolo que traz força para diversas figuras femininas influentes que foram jogadas à margem ao longo da história.  

Porém, essa representatividade histórica não apaga todas as controvérsias e condutas nocivas relacionadas à essa poderosa família, que são ofuscadas por muita romantização de todos os seus movimentos. Suas cenas muito bem escritas expõem o lado difícil de viver sobre o peso de um poderoso legado e, tentam envolver o espectador em um sentimento de empatia quando Margaret (Vanessa Kirby) não pode viver um simples e forte romance ou Elizabeth tem que abrir mão da sua vida de mãe presente para focar nos difíceis cuidados do novo filho: seu reinado. 

Essa visão passa a rondar as duas primeiras temporadas exibidas em 2016 e 2017 e tem sua inversão nas duas seguintes, principalmente na mais recente, lançada ano passado, em que uma jovem plebeia adentra as muralhas da realeza. A clássica mudança de elenco a cada dois anos marca uma grande transformação na narrativa da monarquia. Algo podre começa a emergir das paredes do palácio, e então passamos a mergulhar ainda mais em um lado frio e sombrio dos personagens, principalmente Elizabeth, que na terceira temporada prepara seu herdeiro de modo apático. A visão do belo passa a dar lugar ao início de uma imagem deteriorada para público, e a empatia e encanto sentidos no começo iniciam sua lenta partida.

É também na terceira parte que The Crown começa lentamente a se perder em sua protagonista e esfacelar seu enredo com tantos personagens embaralhando-se, entregando para o público uma das temporadas mais lentas e arrastadas. Porém, sua quarta temporada é salva por uma das figuras mais importantes para a realeza: Lady Di. Reacendendo a imagem na família real na década de 80 e quebrando protocolos, a jovem traz a atenção do público de volta à série. O protagonismo entre ela e Elizabeth começa a ficar mais dividido, consolidando o problema do ano anterior. Apesar disso, The Crown ainda se garante como uma excelente história.

Para a decepção de muitos, a vida da Princesa do Povo é mostrada de modo rápido e razoável. Mesmo não sendo a protagonista, a duquesa, assim como em vida, sempre consegue atrair todos os holofotes para si, bem como os espectadores, que sempre anseiam por mais Diana. Com a atenção à protagonista se perdendo, o desejo de adentrar cada vez mais a vida da jovem aumenta entre o público, que precisa se contentar com poucos momentos. No entanto, estes não deixam de ser notáveis, graças a Emma Corrin e Josh O’Connor interpretando, respectivamente, Diana e Charles.

Nesta quarta temporada, a família real passa a ter um papel de vilã para a jovem plebeia que tem a vida retratada de modo trágico. Com um marido que a abusa emocionalmente e tendo que dividi-lo com a amante Camilla Parker Bowles (Emerald Fennell), a família real se mostra indiferente e como sempre, apenas tentando garantir as aparências. Esse é um dos motivos que fizeram com que The Crown sempre estivesse envolvida em polêmicas com a realeza britânica, porém, sua quarta parte garantiu o aumento da tensão, principalmente com aqueles próximos a Charles que se incomodaram com sua representação.

Além de sua excepcional narrativa, a série criada por Peter Morgan também não deixa de dar um espetáculo em seus aspectos técnicos. A direção de fotografia do brasileiro Adriano Goldman foi fundamental para transmitir a mensagem da série e garantir seu visual deslumbrante junto com a direção de arte, que não poupou dinheiro e esforços ao recriar a vida das personagens. A trilha sonora também se destaca, com a maior parte das músicas de autoria de Rupert Gregson-Wiliams combinadas a outros elementos sonoros, criando a atmosfera ideal.

É difícil ressaltar a qualidade de The Crown sem mencionar seu elenco, que brilhou não apenas por causa de Claire Foy. Em sua primeira fase, a série nos presenteia com os atores Matt Smith no papel do Príncipe Philip e John Lithgow que reviveu o prestigiado Winston Churchill; além de outro grande destaque: Vanessa Kirby, que nos encantou com sua rebelde e intensa Princesa Margaret.

Já em sua segunda fase temos a versão mais velha dos personagens, com a aclamada Olivia Colman vivendo Elizabeth, Tobias Menzies, como seu marido,  Helena Bonham Carter, dando voz à polêmica irmã, e Gillian Anderson como a famosa Dama de Ferro. Um elenco de peso que, contudo, não supera seus antecessores, deixando nítida a divisão entre os dois períodos retratados, com algumas diferenças na personalidade de suas personagens e suas próprias versões das mesmas. E é claro, uma brusca diferença física, principalmente para as duas irmãs, que ficaram marcadas pelos grandes olhos azuis das atrizes, ignorados pela produção.

The Crown completa seus 5 anos como uma já consagrada e singular obra. Nos proporcionando a experiência única de acompanhar e nos aproximar pelo menos um pouco da realeza deste século. A série, que já garantiu diversos prêmios e indicações em seu caminho (e fez história vencendo todas as estatuetas de Drama no Emmy 2021), vem instigando as expectativas dos fãs para as próximas temporadas, que começam a caminhar para o final de sua história; e anunciando mais uma vez um grande elenco, ela se encerrará com um dos períodos bem críticos para a realeza, que com certeza será retratado com a mesma excelência que vimos até então.

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Gabriel Oliveira F. Arruda

Ao escolher contar a história de origem do famoso advogado da literatura e televisão americana, de investigador deprimido até advogado de defesa altruísta, a versão da HBO de Perry Mason acabou com a difícil missão de construir um mistério noir clássico e transformá-lo num drama jurídico. Infelizmente, na mudança de um gênero para outro, a primeira temporada da produção nunca acha um ritmo certeiro para o desenvolvimento do caso e de seus personagens, apesar de ter garantido quatro indicações no Emmy 2021.

Desenvolvida por Ron Fitzgerald e Rolin Jones, a trama investigativa começa em 1931, quando o cadáver do bebê Charlie Dodson é achado por seus pais após o pagamento de um resgate pela sua volta. A natureza brutal do crime coloca a cidade de Los Angeles em polvorosa, com a população pressionando a polícia e o promotor para achar logo um culpado. O investigador divorciado e deprimido Perry Mason (Matthew Rhys) acaba se metendo no meio disso tudo quando um benfeitor misterioso pede ao seu mentor, E.B. Jonathan (John Lithgow), que ajude os Dodsons, que são cada vez mais os principais suspeitos na morte de seu próprio filho.

O Perry Mason de Matthew Rhys chega quase a ser uma caricatura de um detetive noir: das noites de bebedeira até sua antipatia por praticamente todas as figuras de autoridade que encontra, ele é um veterano tentando lidar com os traumas da guerra e um pai ausente se esforçando para reconectar-se com o filho pequeno. O ator encarna muito bem as qualidades e, mais importante, os defeitos do personagem. Por mais que sua fúria mal-direcionada se torne um pouco enfadonha na reta final, ainda ansiamos pela redenção de toda a raiva que carrega.

Criado por Erle Stanley Gardner em 1933, o personagem já foi o protagonista de dezenas de livros e centenas de episódios de televisão, o que faz a tarefa de modernizá-lo para uma audiência contemporânea ser complicada, para dizer o mínimo. O Mason vivido por Rhys carrega consigo uma amargura que a princípio destoa de versões anteriores, mas que familiariza a audiência com suas virtudes e falhas, preparando o terreno para as mudanças que virão.

Infelizmente o retrato dessa mudança não oferece novas inflexões sobre o arquétipo do detetive noir, suas motivações ou seu caráter. Indicado a Ator em Drama no Emmy 2021 pelo episódio final da temporada, em que o personagem encara sua transformação mais profunda, Matthew Rhys provavelmente não levará a estatueta para casa, mas talvez em temporadas futuras o desenvolvimento de seu personagem titular ofereça mais espaço para que ele exerça seu trabalho meticuloso que já lhe garantiu a mesma estatueta por seu papel em The Americans.

Os antagonistas de sua trama são, previsivelmente, homens perversos e arrogantes, inteiramente convencidos de que estão acima de todos os outros, e a narrativa nunca nega essa noção: por mais que os heróis improváveis tenham a verdade do seu lado, ela é sempre retratada como a coisa que menos importa no tribunal. Perry Mason parece sempre travar uma batalha entre a civilidade e a barbárie que nunca é ganha por completo por nenhum dos lados.

No início vemos Mason trabalhando por migalhas, fotografando os escândalos sujos de estrelas de Hollywood e extorquindo seus empregadores por mais alguns dólares e, mais para frente, pisando sobre um mar de corpos pútridos para obter evidências que dificilmente seriam aceitas num tribunal. A violência tão importante do gênero noir encontra aqui uma versão moderna e explícita que recusa a si mesma do debate, retratando um mundo que simplesmente é violento por si só, apesar dos melhores impulsos de seus poucos heróis.

Além dele, a releitura da personagem Della Street, secretária de E.B., também merece destaque pela ousadia da performance de Juliet Rylance, que transforma o que poderia ter sido apenas uma “strong female lead” em um papel com agência e propósito que vão muito além de suas relações com os homens da trama. Apesar de ter ficado de fora das indicações desse ano, seu papel crescente nas investigações de Mason nos dá esperança que em temporadas futuras seu trabalho não será esquecido.

A progressão do caso dos Dodsons leva seus intrépidos investigadores até uma conspiração financeira que é entediante demais para descrever, mas que acaba tocando sobre algumas das facetas mais interessantes da Los Angeles em meio à Grande Depressão: o coração de um culto religioso liderado pela febril Irmã Alice (Tatiana Maslany), que promete ressuscitar Charlie e provar a inocência de seus pais; a departamento de polícia corrupto, desesperado para achar um culpado a qualquer custo, onde encontramos Paul Drake (Chris Chalk), um jovem policial negro tentando conciliar sua consciência com as ordens de seus superiores.

Apesar da Irmã Alice encarnar muito bem o carisma cru de líderes religiosos, sua personagem só funciona pelo calibre de Maslany como atriz, já que a mesma parece nunca engatar de vez com a trama, por mais que alguns de seus diálogos com Mason sejam instigantes. A performance de Chris Chalk como Drake é esquecida no churrasco, por mais que seja outra das reinvenções do texto original que mais adicione à personalidade da série e ajude a construir sua própria identidade além do legado de seu material.

Os caminhos pelos quais Drake navega suas diferentes posições na sociedade, como policial e homem negro, ajudam a delinear o contorno nocivo e perverso da metrópole, que toma vida não por sua vivacidade, mas por sua decadência. As decisões de Perry Mason são feitas na frente de um juiz, e esse juiz é o personagem coletivo formado pela cidade de Los Angeles, nos becos insalubres e mal iluminados, na textura de suas ruas sujas e na fé que seus habitantes têm na ilusão de justiça.

Não há dúvidas de que a versão da HBO seja uma superprodução: a recriação da Cidade dos Anjos nos anos 30 é exímia, usando um misto de VFX com design de produção que tira o fôlego e reflete a natureza sombria e decadente da maioria de seus habitantes, capturados em toda sua glória noir indulgente, mas nem por isso menos sedutora. Apesar de ter perdido nas categorias de Design de Produção e Fotografia para O Gambito da Rainha e The Crown, respectivamente, é impossível diminuir o nível da criação técnica e artística realizada aqui.

Ao final de sua primeira temporada, vemos que Perry Mason ainda não sabe com o que se comprometer: às vezes apresenta revisões modernas e instigantes  de sua narrativa detetivesca e judicial, enquanto outras afunda de cabeça nas estéticas e tramas mais batidas delas, tirando o foco de seus aspectos mais cativantes. Por mais que seja frustrante, seu final acaba fazendo as pazes com esses contrastes, criando expectativa para que sua próxima temporada se aventure por caminhos mais interessantes.

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Gabriel Gomes Santana

Há duas décadas, o mundo foi contemplado com o lançamento de uma das animações que mais revolucionaram o Cinema: Shrek. Essa prestigiada obra-prima reuniu o que há de melhor sobre piadas de duplo sentido, referências icônicas, paródias e lições de vida sobre autoaceitação e felicidade. Dentre todas essas qualidades, que tal relembrarmos com detalhes a grandeza desse gigante cinematográfico?

Não poderia começar de outro jeito esse texto, sem falar do forte vínculo entre Shrek e sua trilha sonora chiclete. Desconheço uma viva alma que escute All Star, da banda Smash Mouth, e não consiga relacionar instintivamente a canção do grupo americano ao longa Shrek. Eu mesmo quando era criança (não faz tanto tempo assim), me recordo que só fui associar o nome desta música e sua respectiva banda, em um momento de curiosidade epifânica, após ter assistido o filme.

Segundo fontes envolvendo os bastidores, a escolha da DreamWorks pela Smash Mouth aconteceu por conta dos dois primeiros versos do hit I’m A Believer: “Eu pensava que o amor só acontecia em contos de fada, significativo para alguns mas não para mim”. Pois bem, diversas bandas fizeram os testes de audiência de trilha, mas somente esses dois versos conquistaram o coração dos produtores. O curioso é que All Star fez ainda mais sucesso e se tornou trilha de abertura da animação, assim como a canção mais famosa da banda californiana.

Apesar da fama proporcionada pela produtora de Steven Spielberg, se engana quem crê que Shrek seja uma narrativa original da DreamWorks. Apesar da  genialidade, seu roteiro é inspirado na obra homônima de William Steig. No livro, Shrek também foi desenvolvido para o público infantil, no entanto foi graças à perspicácia dos roteiristas, Terry Rossio e Joe Stillman, que a animação foi vencedora do BAFTA em 2002, na categoria de Melhor Roteiro Adaptado.

Além da premiação do BAFTA, a brilhante direção de Andrew Adamson e Vicky Jenson desafiaram dois gigantes concorrentes, Monstros S.A. (Pixar) e Jimmy Neutron (Paramount), candidatos à primeira categoria de Animação do Oscar. Shrek levou o título e ainda concorreu na categoria de Roteiro Adaptado. Mas seu sucesso não se reduz a tais feitos, estas são apenas as consequências do merecido reconhecimento desta animação 3D (método de gravação também utilizado em CGI). As falas e a ousadia de criação dos produtores são a essência cativante desta relíquia animada.

Em um primeiro momento, os diretores Adamson e Jenson teriam entrado em contato com o icônico Chris Farley para a interpretação vocal do protagonista. O comediante dublou quase todas as falas, cerca de 90% das cenas, porém veio a falecer antes que completasse o roteiro da personagem. 

Com isso, as vozes de Shrek, Fiona, Burro e Lord Farquad se imortalizaram nas dublagens originais de Mike Myers, Cameron Diaz, Eddie Murphy e John Lithgow. Aqui no Brasil, Shrek ganhou ainda mais notoriedade devido sua dublagem em português, na qual a presença do querido Bussunda como intérprete do ogro verde é inesquecível!

Shrek é perfeito devido suas imperfeições. Apesar de ser uma frase contraditória, ela resume bem a tônica deste quase-conto de fadas. Digo “quase”, pois esta é uma trama não convencional, ainda que seu encerramento o seja. O enredo nos apresenta contradições nunca antes percebidas ou criticadas pela indústria de animações. Ele explora a temática contrastante entre aparência e essência, nos obrigando a refletir: “como um ogro poderia ter chance com uma princesa?”

Em uma época onde as redes sociais sequer sonhavam em existir, a DreamWorks já estava bolando um plano para conscientizar seu público acerca de temas tão contemporâneos e urgentes. Até os espectadores menos atentos conseguiram perceber que o filme é recheado de mensagens subliminares, conceitos e lições morais (característica típica de qualquer conto de fadas). Se analisarmos os quatro personagens do núcleo principal, cada um deles simboliza os defeitos que comumente presenciamos nas relações humanas. 

Começando por Shrek, nosso ogro favorito. De imediato somos apresentados por um ser carismático, que vive bem consigo mesmo, ainda que sua aparência seja considerada grotesca e ameaçadora pelos outros integrantes do reino. Apesar de ser constantemente hostilizado, sendo alvo de pré-julgamentos, nosso anti-herói demonstra resistência, fingindo não se deixar levar pelas críticas negativas daqueles que não o conhecem, quando internamente é visível o quanto estas questões o incomodam. O Burro por sua vez é uma figura que sofre pelo medo da rejeição. Sua carência e busca por aceitação são insaciáveis. 

Ao passo que Fiona lida com questões de insegurança e abandono. Talvez o fato de ter sido trancafiada em uma torre, à espera de seu salvador, fez dela uma pessoa ansiosa e incapaz de ser honesta consigo mesma. Por fim, e menos importante, Lord Farquaad representa todos os vícios e defeitos de um ditador. Autocrata, vaidoso, demagogo, mentiroso e egoísta, Farquaad sonha em se tornar rei somente pelo título máximo de nobreza, que o legitimaria ainda mais suas práticas absolutas de poder. Qualquer semelhança com a realidade não é mera coincidência.

Afinal, podemos tirar proveito da maneira suave como Shrek lida com pressões emocionais, sobretudo com questões relacionadas à aceitação e pertencimento. Apesar de estar distante de uma análise acadêmica ou um manual de conduta escrito por coachs de auto-ajuda, a jornada deste anti-herói nos revela a beleza do convívio em suas mais diversas formas. A convivência é o grande dilema na vida de todos os personagens. Shrek aparentemente vive bem consigo mesmo, mas demonstra obstáculos de relacionamento. Burro e Fiona são incapazes de enfrentar a solidão e Farquaad se torna refém da validação mútua (ainda que forçada) de seus súditos.

Como todo conto de fadas, os protagonistas conseguem viver felizes para sempre, no entanto eles não deixam de apresentar problemas, muito menos se tornam “perfeitos para sempre”. O casal Shrek e Fiona é a prova disso. Ambos se complementam e constroem um vínculo recíproco de confiança, algo que os torna verdadeiros e livres para continuar apresentando falhas, mas sem deixar de lado a perseverança que o amor exige sem precisar cobrar. O trocadilho presente na última frase “e viveram feios para sempre” diz muito sobre o que podemos extrair como aprendizado.

Ele nos questiona qual é o modelo de amor que a indústria cultural tenta nos vender. Vai mais além e nos obriga a refletir se o amor perfeito realmente existe. Não à toa, seu enredo satiriza diversas obras hollywoodianas de sucesso que exploram a temática de uma maneira assustadoramente clichê. Shrek não é nenhum príncipe encantado, branco, sensível e respeitado. Assim como Fiona igualmente não é uma donzela à espera de um robô sem defeitos. Apesar de tudo, eles conseguem construir a própria história de amor verdadeiro passando por cima de todos os julgamentos de seres que igualmente são imperfeitos.

Por essas e outras razões, a paixão de Shrek e Fiona traz à tona ainda mais luz à insegurança de quem teme ser real. Há muito tempo, nós (humanidade) tememos ser transparentes e com isso, produzimos, vendemos e consumimos padrões de beleza, paixões e amor que são mentirosos. Nos moldamos pelo desejo, abrindo mão daquilo que nos torna realmente felizes.

Por isso, Shrek é antes de tudo uma obra revolucionária. 20 anos atrás, ele se tornou o ogro que ousou ter um final feliz e as pessoas não apenas entenderam o seu propósito como também o abraçaram: fazer piadas da vida como também fazer piadas do ideal que as pessoas criam sobre a vida.

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