Cada vez mais, o número de jogadores do Persona cresce, e ainda bem. Em 2021, a Editoria se movimentou com ânsia para dar novos passos dentro do mundo dos Games, e aumentar a produção de conteúdo acerca desse universo. É um caminho árduo, mas trabalhamos e estivemos ligados na Gamescom, a maior feira de jogos digitais que existe, acompanhando os lançamentos mais importantes do meio por 3 dias, das grandes distribuidoras até as independentes. 

Depois, assistimos nossos jogos favoritos no The Game Awards, premiação reconhecida mundialmente, a maior e mais aguardada do universo dos games. Entre polêmicas, franquias retomadas, e boas surpresas, o ano foi apenas o começo do Persona nos Jogos. Assim, inspirados pela nova geração de consoles, apresentamos os Melhores Jogos de 2021. 

Desenvolvedoras, distribuidoras e jogadores estavam sedentos para ver as atualizações e os novos consoles. Final Fantasy XIV: Endwalker está no topo dessa lista. No começo, lá em 2010, o gênero de RPG em multijogador (MMORPG) era tido como ultrapassado, mas a saga terminou consagrada, e levando o prêmio de Melhor Jogo Contínuo no TAG 2021. 

Entre eles também está Halo Infinite, que retornou após 6 anos de mapa aberto, e caiu nas graças dos gamers de tal forma que Halo foi o ganhador do prêmio do público no TAG. Resident Evil Village compartilha da mesma quantidade de troféus na premiação, com seu Melhor Jogo de Performance. O jogo, que foi lançado no aniversário de 25 anos da série, ofereceu alguns dos melhores vilões de toda a sua trajetória e muito amor para seus fãs. 

 It Takes Two faz parte dos mais amados com sua aventura e o prêmio máximo do TAG de Jogo do Ano. Sua estética singular e narrativa de valor se uniu à jogabilidade, proporcionando vínculos reais aos jogadores. Na mesma onda de surpresas que aquecem nossos corações fica Kena: Bridge of Spirits. Com sua história bonita e sensível, e um visual digno de animações da Pixar, ele arrematou o Melhor Indie do ano. 

Mais um entre os mais esperados, a famosa franquia Life is Strange lançou True Colors. A continuação tem um enredo amadurecido com empatia, luto, e o poder de ver as emoções dos outros através de sua protagonista, ganhando merecidamente como Jogo de Impacto em 2021. O também favorito foi Deathloop, sendo o mais indicado no TAG com sua jogabilidade não-linear que apenas a Arkane Studios é capaz de oferecer. 

O brasileiro Unsighted, pelo contrário, foi deixado de lado, mesmo sendo um indie de sucesso. Suas desenvolvedoras, Tiana Pixel e Fernanda Dias, criaram de maneira independente algo autêntico, político e vivo, um marco no gênero metroidvania. Longe dos holofotes ficou a continuação de Subnautica, o lançamento cheio de neve, lição de moral, e modo exploração, Below Zero. E quem compartilha com a saga aquática o gosto por outras realidades é Ratchet & Clank: Em Uma Outra Dimensão. 

Se em time que ganha não se mexe, a franquia dos heróis intergalácticos sabe o que está fazendo ao demonstrar graficamente a capacidade tecnológica de ray tracing no PlayStation 5. Nessa mesma perspectiva, a Editoria do Persona faz parte de quem está cada vez mais empolgado com as evoluções, inquietos por experimentar todos os universos, e contar para os outros até onde é possível chegar jogando. Por isso, aproveite bem, pois, você sairá com os dedinhos coçando, na busca de um controle.

Deathloop

“O Loop é conhecimento”: este é o mantra de Deathloop, a nova produção dos criadores da série Dishonored. Você pode tentar pegar uma arma e tentar atirar em tudo que ver pela frente, mas não é assim que você derrota o loop temporal no qual o protagonista, Colt, se encontra. Com o objetivo de matar oito alvos na pequena ilha de Blackreef antes que o dia acabe, o jogador tem que usar as informações que adquire em cada ciclo para otimizar sua abordagem, em busca de arranjar um jeito de riscar todos os nomes de sua lista antes que Julianna, sua rival rancorosa e responsável pela segurança dos chamados “Visionários”, te ache primeiro.

Deathloop é um quebra-cabeça vivo e pulsante, que fala com o jogador a cada passo de Colt, e um mundo que reage vivamente às suas escolhas e oferece uma liberdade de movimento não-linear que apenas a Arkane Studios é capaz de oferecer. Com uma trama que se desenvolve através das pistas encontradas e as excelentes performances de Jason E. Kelley e Ozioma Akagha como os assassinos briguentos, contando ainda com uma direção de arte modernista saída diretamente dos anos 60 e um modo multiplayer maquiavélico, Deathloop é uma exploração infinitamente divertida e recompensadora de ansiedades contemporâneas e a própria natureza de videogames como um meio. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Momentos Favoritos: a “primeira” vez que Julianna te mata e o caminho para chegar até o loop perfeito.

Final Fantasy XIV: Endwalker

Se há uma coisa que não falta na indústria de videogames são histórias de superação: títulos que começaram com notas terríveis e foram, pouco a pouco, conquistando novamente seus jogadores através de novas expansões e atualizações. Porém, talvez nenhuma dessas histórias brilhe tanto quanto a de Final Fantasy XIV Online, que começou em 2010 como um MMORPG ultrapassado e hoje é reconhecida como uma das melhores tramas da famosa franquia da Square Enix. Com o lançamento da expansão Endwalker, a obra se consagra como tal e fecha uma história contada por anos de maneira satisfatória e subversiva.

Seguindo diretamente os aclamados eventos de Shadowbringers (2019), a nova expansão conta seus acontecimentos com admirável confiança, graças ao retorno da roteirista Natsuko Ishikawa que, junto com o resto da direção criativa, entregam um fim digno para vários dos arcos iniciados anos atrás, se diferenciando de outros títulos do mercado pela profundidade de seus personagens e se posicionando como um verdadeiro marco na história do gênero. Juntando a tudo isso a adição de duas novas e dinâmicas classes, a trilha sonora de Masayoshi Soken e mais de 50 horas de atividades, Final Fantasy XIV: Endwalker mais do que mereceu a estatueta de Melhor Jogo Contínuo no The Game Awards 2021. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Momentos Favoritos: o encontro de Emet-Selch, Hythlodaeus e Venat em Elpis e o discurso final de G’raha Tia.

Halo Infinite

O Halo Infinite foi tão bem feito que poderia facilmente ser transformado em um filme. A franquia sempre foi gloriosa na ação e aventura, mas seu último lançamento é, sem dúvidas, o melhor jogo de tiro de 2021, com seus gráficos e ambientação fantásticos do anel Zeta Halo, e a jogabilidade que a última geração de consoles da Microsoft exige. No modo campanha, a história enfatiza o desafio de Master Chief contra os Banidos, após ter sido lançado no espaço em Halo 5. Enquanto isso, o multiplayer é uma porta de entrada para que novos jogadores conheçam a franquia. A combinação de tradição e atualizações foi perfeita para mostrar que Infinite é o começo do futuro para o jogo.

A desenvolvedora 343 Industries cumpriu o desafio de reviver a história depois de 6 anos do último jogo lançado, e dar destaque para Master Chief antes de entregar nos braços dos fãs a grande novidade de poder explorar um mundo aberto na franquia. As missões são desbloqueadas aos poucos, conforme a própria história do jogo avança e novas áreas são conquistadas, o que trouxe uma jogabilidade sensacional no novo modo. Depois de muito atraso na continuação de Halo por sua péssima primeira impressão em 2020, o resultado entregue foi tão exemplar que rendeu ao jogo o prêmio do público, Player’s Voice Award, no The Game Awards de 2021. – Nathália Mendes

Momentos Favoritos: os ecos da Cortana enquanto o Master Chief procura pela sua nova Inteligência Artificial Arma na introdução do jogo; a cutscene da vilã Harbinger iniciando a “Reforma”; e a luta dentro do Auditório Silencioso que revela a morte da Cortana.

It Takes Two

Certamente tivemos muitos momentos intensos nos jogos em 2021, mas uma das experiências mais marcantes foi baseada em nada mais do que amizade e cooperação. It Takes Two, o mais novo título do estimado estúdio Hazelight te coloca na pele de um casal em vias de se separar, mas que são forçados a trabalhar juntos, após um pedido de sua filha os transformar em miniaturas de argila e madeira. A partir daí, os dois são lançados em uma versão alternativa de sua própria casa, recheada por personagens fantásticos enquanto vão, pouco a pouco, reconstruindo seu relacionamento.

Às vezes, sua estética o faz parecer uma mistura louca entre Toy Story e Divertida Mente. Mas apesar do visual singular, há um sabor especial na obra que se diferencia e oferece seu próprio valor sentimental, unindo a narrativa à jogabilidade e criando vínculos reais entre seus jogadores que, em uma época de isolamento social, são mais importantes do que nunca. Ganhando o prêmio máximo do The Game Awards, It Takes Two é um jogo enganosamente simples, mas que se torna maior que a soma de suas partes por meio do amor que seus desenvolvedores projetam em cada um de seus aspectos. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Momentos Favoritos: o mergulho psicodélico dentro de um lago subterrâneo; o RPG isométrico que nos transformou em cavaleiras e magos; e aquela vez em que nós tivemos que esquartejar um elefante de pelúcia.

Kena: Bridge of Spirits

O melhor jogo de 2021, Kena: Bridge of Spirits parece uma genuína animação da Pixar. Ninguém esperava que os gráficos seriam tão incríveis ou que a história fosse tão emocionante, mesmo que a Ember Lab, sua produtora independente, fizesse animações antes de adentrar no mundo dos games. Para além dos gráficos, o estilo adventure resgatou a gameplay de exploração com o diferencial do gênero indie em um mapa de tamanho ideal. A experiência de Kena pode ser traduzida como uma imersão emocionante e única em meio aos demais lançamentos do ano.

Seu enredo, desenrolado em um vilarejo assombrado por espíritos que não conseguiram descansar após a morte, e a jornada da protagonista em guiá-los para a paz, vai magicamente conquistando o coração, enquanto Kena transforma a paisagem em uma encantadora floresta montanhosa e conhece criaturas incríveis em sua jornada. Não por acaso, ele foi o ganhador da categoria Melhor Jogo Independente no The Game Awards de 2021, sendo mais um estímulo para que a protagonista e seus amigos Rots ganhem uma merecida continuação. – Nathália Mendes

Momentos Favoritos: a interação de Kena com os Rots, que é especialmente fofa quando ela os encontra, ou os dá chapéus, pulam em sua cabeça e nadam atrás dela; o momento em que Kena descobre a história das 3 primeiras almas que precisa guiar; e a história do último espírito e sua conexão com cada personagem e característica do jogo.

Life is Strange: True Colors

Produzido pela Deck Nine Games (a mesma por trás do fantástico Before The Storm), Life is Strange: True Colors é o terceiro lançamento principal da famosa franquia episódica da Square Enix. Seguindo o formato antológico de seus antecessores, o novo capítulo da série apresenta uma nova protagonista tendo que lidar com poderes sobrenaturais e o mundo à sua volta. Alex Chen (interpretada excepcionalmente por Erika Mori) se revela logo na narrativa como a melhor personagem que a franquia já nos ofereceu, possuidora de uma maturidade única e de uma profundidade que faltavam nos outros títulos, fruto das dificuldades pelas quais passou antes mesmo de assumirmos controle de seus passos.

O poder de ver as emoções dos outros através de auras coloridas se adequa unicamente à trama de True Colors, que lida com temas de empatia, pertencimento e luto de maneira mais sutil e sensível que os jogos anteriores, mas sem nunca perder o charme que conquistou milhões de jogadores. Com o uso de tecnologia de captura de movimentos para trazer suas atuações para o primeiro plano, a nova adição da Deck Nine estabelece um novo patamar para envolvimento emocional narrativo dentro da série, oferecendo escolhas introspectivas e silenciosas que vão se acumulando mais e mais, explodindo em um final completamente arrebatador. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Momentos Favoritos: o LARP de Haven Springs para animar Ethan; o beijo de Alex no Festival de Primavera e a explosão de cores que ele causa; e a última conversa entre Alex e Gabe no telhado.

Ratchet & Clank: Em Uma Outra Dimensão (Ratchet & Clank: Rift Apart)

Ratchet e Clank, heróis intergalácticos, precisam enfrentar Dr. Nefarious e seu maligno plano de aniquilar o universo. Esse tem sido um roteiro padrão desde o início da franquia Ratchet & Clank, e Rift Apart não parece interessado em propor mudanças, em vários sentidos. À título de exemplo, a inconfundível gameplay em 3ª pessoa da série, que mistura elementos de jogos de tiro com plataforma, mantém-se presente, frenética e estimulante como nunca. E de fato, em time que ganha não se mexe. A novidade do novo título da Insomniac Games está em outro lugar. Se a típica ameaça de Nefarious continua, ela agora vem acompanhada de viagens interdimensionais a contrapartes de outra realidade. Uma premissa curiosa, que entretanto não passa de um pretexto. Na verdade, Ratchet & Clank: Rift Apart, assim como Knack foi para o antecessor PS4, tem como principal finalidade testar os limites de performance do PlayStation 5 e, sobretudo, de seu potente SSD. 

E, nesse âmbito, não há do que reclamar. O loading quase inexistente concedido pelo console proporciona mudanças de cenário praticamente instantâneas e sequências de ação ainda mais vívidas e eletrizantes. Além disso, a aplicação impressionante da tecnologia do ray tracing transforma Rift Apart na melhor demonstração gráfica do PS5 até aqui – durante a jogatina, é difícil não imaginar estar controlando uma animação da Pixar. E mais boas notícias: o brilho de Ratchet & Clank: Em Uma Outra Dimensão vai muito além de uma amostra tecnológica. O jogo apresenta uma narrativa cativante, com um humor mordaz, acessível, e cheio de personagens carismáticos. A adição da Rivet, que divide o protagonismo com Ratchet, não apenas acrescenta à jogabilidade e à história, como também fortalece as relações e dinâmicas da equipe. E se é esse nível de qualidade que a atual geração tem a nos oferecer, então estaremos muito bem servidos. – Enrico Souto

Momentos Favoritos: a missão na Base Pirata de Ardolis; e o resgate de Ratchet e Kit.

Resident Evil Village

Lançado no aniversário de 25 anos da icônica série de terror da Capcom, o oitavo capítulo de Resident Evil parece simultaneamente abraçar o passado enquanto olha para o futuro. Sequência direta de Resident Evil 7 biohazard, a nova adição à franquia mantém a divisiva perspectiva em primeira pessoa que marcou sua antecessora, mas também retoma alguns dos elementos mais celebrados de sua história, tal como o personagem Mercador, o manejamento de inventário e o famoso modo Mercenários de Resident Evil 4. Mais ainda do que os remakes recentes, Village se lê como uma carta de amor para seus fãs.

Apesar de carecer de uma trama tão marcante quanto as outras, sua direção de arte eclética e sua pseudo família de vilões mutantes têm charme de sobra para cativar os jogadores do início ao fim da aventura: a premiada performance de Maggie Robertson como a gigantesca Lady Dimitrescu dominou a internet antes mesmo de sabermos seu nome, inspirando incontáveis fanarts e cosplays. Com uma mistura única de ação e terror em primeira pessoa, Resident Evil Village faz sua marca na série e, graças ao carisma de seus personagens, marca os jogadores também. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Momentos Favoritos: a luta contra Lady Dimitrescu no castelo e a revelação de sua forma final; a fuga do bebê monstruoso na mansão Beneviento; e a investida final contra Mãe Miranda nos pés de Chris Redfield.

Subnautica: Below Zero

Subnautica: Below Zero é um exemplo de como uma continuação consegue expandir o mapa de exploração de um jogo. A habilidade das produtoras Unknown Worlds Entertainment e Shiny Shoe LLC em criar outro mundo, diferente do primeiro e com novos biomas explorados com complexidade, foi exemplar. A segunda parte da franquia de Subnautica também mostrou que explorar um mapa embaixo d’água é tão maneiro quanto se enfiar em montanhas cobertas de neve, sendo um dos melhores lançamentos de 2021. 

O mérito do jogo, mais uma vez, é sua história cada vez mais bonita sobre a sobrevivência e recuperação de planetas alienígenas infectados por um vírus. Seu mundo aberto é fantástico, construído sabiamente para combinar a exploração, sobrevivência e ensinamentos sobre o desconhecido em uma gameplay. A continuação conseguiu manter seu mistério, revelando peças importantes e fantásticas como o Arquiteto, e deixando novamente um final aberto para a continuação, que acontecerá, mas em um futuro desconhecido. – Nathália Mendes

Momentos Favoritos: a exploração no gelo onde outros humanos habitavam anteriormente e realizavam pesquisas em criaturas do planeta; e a descoberta do Arquiteto e das construções alienígenas no subterrâneo.

Unsighted

Em uma indústria de games cujo maior blockbuster propõe um exercício vazio e descontextualizado da estética cyberpunk, a custo de uma lógica de produção exploratória que abusa de milhares de trabalhadoras, é um jogo indie, brasileiro, produzido por uma equipe de duas gamedevs trans, que proporciona o mais imaculado dos feitos da ficção científica recente. Tiana Pixel e Fernanda Dias formam o corpo da Studio Pixel Punk, desenvolvedora de Unsighted: um jogo pixel art que segue uma jogabilidade de Metroidvania, em uma perspectiva de câmera top down. Um monte de verborragia gamer, que sozinho jamais definiria a riqueza tanto de sua gameplay desafiadora, mas intuitiva e divertida, quanto da diversidade de seu elenco de personagens, repleto de vivências LGBTQIA+ representadas com a maior honestidade e humanidade possível.

O cenário é Arcadia, um mundo arruinado após uma guerra entre humanos e autômatos. Controlamos Alma, uma dessas androides, que corre contra o tempo para salvar a si e a seu povo de se transformarem em máquinas de matar isentos de consciência: os Unsighted. Porém, apesar do tom de urgência e do limite de tempo, que tornam tudo ainda mais desesperador, somos imersos naturalmente na mitologia do jogo, construindo vínculos sinceros com os habitantes da vila, de modo que realmente sentimos vida naquele universo. Além disso, Unsighted dá total liberdade para que o jogador possa se expressar como quiser, tornando cada experiência com a história única e autêntica. O game apresenta múltiplos caminhos, mas que são ordenados de maneira tão orgânica, que sequer percebemos quando tomamos decisões. Com uma história poderosa – e sempre política – sobre traumas, afetos e as mazelas de um sistema capitalista cruel, Unsighted é a obra mais viva do ano. – Enrico Souto

Momentos Favoritos: a primeira aparição de um Unsighted; e a busca por Prometeu, Cavaleire dos Ventos

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Gabrielli Natividade da Silva 

Round 6, a nova série original da Netflix, foi lançada no dia 17 de setembro e já conta com uma legião de fãs e recordes de audiência. A história narra como 456 pessoas afundadas em dívidas aceitaram participar de uma sequência de seis jogos, onde o vitorioso levaria um prêmio bilionário e os perdedores morreriam. Claro, jogos de sobrevivência não são novidade – alguns sucessos como Jogos Vorazes, Jogos Mortais e Escape Room já retrataram isso antes –, contudo as semelhanças param por aí. Squid Game tem um roteiro muito original, que oferece não só ação como um conceito e uma crítica muito importantes por trás de tudo, além de uma estética nova que mistura um pouco da realidade com elementos surreais. 

Por trás das câmeras de Round 6, o grande responsável pela fama da série é o diretor e roteirista Hwang Dong-Hyuk, o qual também se mostrou surpreso com o grande alcance de seu mais novo projeto. O criador revelou em entrevistas que seu roteiro estava pronto desde 2009 e que foi rejeitado várias vezes por ser “esquisito” demais. A teoria de Hwang é que as condições de desigualdade atuais facilitaram a popularização da série, já que ela passou a ser uma boa representação da vida real. Levando em conta todas as crises econômicas e sociais vistas em grande parte do mundo, todas particularmente relacionadas com os problemas causados pelo capitalismo, o diretor está provavelmente certo.

456 pessoas foram selecionadas para participar desses jogos sanguinários e, obviamente, apenas alguns tiveram suas vidas fora deles retratadas, levando os espectadores a uma outra perspectiva. Fica nítido que não há “mocinhos” em Squid Game, o que são apresentados são anti-heróis – todos os personagens do elenco principal têm vidas miseráveis que os levaram a escolhas que desafiam os limites de moral e ética, tanto dentro quanto fora do jogo. Esse fator é a chave para trazer os personagens para a realidade, tornando eles nada mais que humanos em situações desesperadoras, causando uma relação de amor e ódio e uma possível identificação em quem assiste a série.

Falando um pouco sobre os jogos em si, vale mencionar que é muito bonito ver como a cultura sul coreana foi explorada ao máximo nos jogos infantis tradicionais que passaram a ser reconhecidos e reproduzidos ao redor do mundo, especialmente no Ocidente, que tem um contato tão mínimo com a Coreia do Sul e outros países da Ásia. A ideia de serem brincadeiras de crianças realmente torna tudo mais interessante, já que é um contraste gigantesco com todo o sangue derramado durante os desafios; o resultado foi uma grande tensão e o tão desejado fator do inesperado em todos os episódios, principalmente durante o agora tão famoso “Batatinha Frita 1, 2, 3”.

Claro, se for para falar de Round 6, não dá para deixar de fora a atuação impecável que a série apresenta. São incontáveis personalidades diferentes, todas muito bem desenvolvidas e todas com o seu sentido próprio. Em destaque estão Gong Yoo (uma das maiores estrelas da Coreia do Sul), que teve uma participação curta e, mesmo assim, conquistou a todos com seu personagem misterioso; e a atriz iniciante Jung Ho-Yeon, a mulher que nunca havia recebido um papel realmente importante antes – tendo atuado apenas como modelo -, mas rapidamente se tornou a queridinha do público por ter tornado sua personagem, Kang Sae-byeok, tão interessante e intrigante. A Netflix, como sempre, acertou em cheio na escalação de elenco. 

Pois bem, Squid Game não se tornou um fenômeno global à toa. A série é realmente especial e continua o legado do vencedor do Oscar, Parasita, em trazer ao público a cultura sul coreana e seus problemas. Com um sucesso absurdo e o final incerto de Round 6, os fãs  especulam e clamam por uma segunda temporada, mas isso ainda é uma ideia crua para Hwang Dong-Hyuk, e, por enquanto, só é possível se deliciar com os 9 capítulos cheios de drama, caos e emoção.

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Gabriel Oliveira F. Arruda e João Paulo de Oliveira

Mais de uma década após seu lançamento original no Xbox 360, o pesadelo cult da Remedy Entertainment toma nova forma em Alan Wake Remastered, entregando a experiência definitiva da obra idealizada por Sam Lake. Inicialmente amaldiçoado por um período de desenvolvimento caótico, uma janela de lançamento inoportuna e um grande número de versões piratas, o remaster chega como uma segunda chance para que a franquia alcance o sucesso que sempre mereceu.

Atualizada para a nova geração de consoles com a ajuda do estúdio d3t, a remasterização é fruto de uma parceria com a publisher Epic Games, descrita como o menor dentre dois projetos. Apesar de não haver mais informações sobre o segundo produto, é altamente provável que seja uma sequência de Control, título anterior da Remedy que trouxe de volta o protagonista titular de Alan Wake.

Mais do que uma segunda chance para a franquia, o Remastered é uma reintrodução de um dos títulos mais importantes da última década, responsável por introduzir preceitos visuais e narrativos que se tornaram via de regra em diversas camadas da indústria. A jornada do escritor Alan Wake por uma cidade pacata no Noroeste Pacífico lutando contra as forças sinistras da Escuridão ganha uma nova roupagem, abrindo as águas de seu profundo lago para uma nova leva de teorias e expectativas para seu futuro.

Muito antes do formato episódico de jogos ser popularizado por títulos como The Walking Dead e Life is Strange, Sam Lake e Mikko Rautalahti já experimentavam com uma ideia similar. É fácil ver como os roteiristas da Remedy se inspiraram em narrativas surrealistas, a exemplo Twin Peaks e Além da Imaginação, para criar a pitoresca cidade de Bright Falls, e como o formato episódico serviu como uma luva na hora de estruturar a história do jogo.

Desenvolvido por cerca de três anos como um jogo de sobrevivência em mundo aberto, o Alan Wake original foi completamente retrabalhado pelo estúdio entre 2008 e 2010, de modo a construir uma experiência mais fechada e tensa do que eles planejavam. Porém, detalhes como o design meticuloso da cidade e os seus arredores ainda mostram sinais das ambições de seus realizadores. Apesar de podermos apreciar a beleza rústica de Bright Falls apenas de maneira linear, a obra passa um senso de lugar bastante convincente, limitando ao máximo a quantidade de elementos não-diegéticos na tela para garantir a imersão dos jogadores. A perspectiva não-linear seria mais bem desenvolvida em Control, que coloca os jogadores dentro de um gigantesco edifício brutalista para batalhar contra forças extradimensionais. 

Em Alan Wake, o terror e o sobrenatural assumem formas mais arquetípicas e reconhecíveis, mas que nos envolvem através da maneira misteriosa com que são apresentadas. Após chegarem na cidade e conhecerem alguns de seus curiosos habitantes, Alan (Matthew Porretta) e sua esposa, Alice (Brett Madden), são atacados por uma força sombria e incorpórea que parece infectar o ambiente, arrastando Alice para dentro de um lago e forçando seu marido à mergulhar atrás dela. Depois disso, Alan acorda atrás do volante de um carro na beira de um penhasco, sem memórias do que aconteceu na última semana, mas encontrando páginas de uma história que descreve os eventos que acontecem ao seu redor, aparentemente escrita por ele mesmo.

Alan Wake é certamente um conto de Terror (a introdução começa com uma citação do próprio mestre do gênero, Stephen King), colocando o  jogador no papel de alguém sem preparo e com equipamentos extremamente limitados, dando ênfase na tensão de cada encontro, e construindo aos poucos um envolvente thriller de ação cinematográfico. Mas ele também é, em sua estrutura e narrativa, uma história sobre contar histórias, um metatexto sobre a própria Remedy e seu processo de reinvenção nos anos 2000.

Descrito como um escritor prolixo, Alan Wake é responsável pela saga de livros policiais estrelando o detetive Alex Casey, mas que está sofrendo com um bloqueio criativo há cerca de dois anos, desde que encerrou a série, junto com a vida de seu detetive fictício. Similarmente, a Remedy ficou famosa no início do milênio pela série de jogos de ação Max Payne, que te colocam na pele de um ex-policial obcecado por vingança. A procura de Alan por sua próxima inspiração se tornou então uma maneira do próprio estúdio lidar com seu futuro, tendo de encontrar uma nova direção para levar suas ideias.

Na transição da ação para o terror e suspense, eles trouxeram várias de suas experiências anteriores, na mesma medida que retrabalharam outras. Ao invés do infame bullet time de Max Payne, que permite que o jogador desacelere o tempo de modo a atirar em mais pessoas, Alan Wake recompensa os jogadores com uma câmera lenta ao desviar dos inimigos ou quando um golpe especialmente bem dado atinge mais de um de uma vez.

É tudo sobre timing e conservação de energia. Para lutar contra a Escuridão, Alan precisa, antes de tudo, de uma lanterna: o item mundano é um dos mais importantes e é o único que vai sendo constantemente melhorado ao longo das quase 15 horas do título. Para que suas armas tenham efeito contra os habitantes possuídos, ele precisa primeiro apontar sua lanterna contra eles e esperar que a camada sombria que os cobre se dissipe. Com essa fórmula, cada embate torna-se uma dança de desvios e pausas críticas onde cada movimento conta.

Como enfatizado pelo próprio diretor criativo da Remedy, Sam Lake, em um de seus comentários que podem ser habilitados dentro do próprio título, um “remaster” foca em melhorar graficamente um jogo, deixando sua aparência mais próxima dos jogos da geração atual, mas sem alterar aspectos da estrutura em si. Alan Wake Remastered traz diversas dessas atualizações gráficas, como a resolução 4K e a tecnologia do DLSS, acessível apenas em computadores que possuem placas de vídeo da marca Nvidia a partir da geração RTX.

O aumento da resolução é algo muito perceptível para quem possui um monitor com resolução maior que 1920×1080 pixels. Em contrapartida, esse aumento gráfico acaba fazendo com que o jogo possa apresentar travamentos em computadores menos potentes. Como forma de driblar eles, a remasterização de Alan Wake possui a tecnologia DLSS, que, de forma resumida, processa o jogo em uma resolução menor e elimina, através de inteligência artificial, o “embaçamento” que a imagem teria ao ser esticada para a resolução do seu monitor, dando um produto final muito próximo do que seria a resolução se o DLSS não estivesse ativado, mas exigindo um menor processamento do computador.

Além dessas tecnologias implementadas, ganhamos muito mais profundidade no jogo pela escolha do estúdio em refazer todas as cutscenes, dando mais expressão e vida para as personagens, visto que podemos perceber ainda mais a interpretação dos atores, criando uma atmosfera até mais envolvente que a presente no jogo original. Porém, é bem perceptível a falta do cuidado fora dessas cenas, onde a movimentação dos personagens ainda é travada, gerando um certo estranhamento ao passar rapidamente de uma das sequências para o jogo normal.

Em termos de história, ela se mantém fiel ao original, apesar da confirmação do universo compartilhado entre Alan Wake e Control mudar a perspectiva que temos sobre alguns dos acontecimentos e seus personagens. Em Control, temos uma DLC inteira fazendo referência aos eventos que acontecem em Bright Falls durante Alan Wake, mas na remasterização essa ligação é extremamente sutil e apenas perceptível para os jogadores mais atentos. Alguns QR codes, que no jogo original eram simples easter eggs, aqui são substituídos por links para alguns vídeos que mostram o próprio Alan escrevendo diretamente do “Dark Place”, local onde ele estaria preso desde o final do jogo original, dez anos atrás , reforçando os rumores de que a tão esperada sequência para o título de 2010 esteja finalmente em desenvolvimento.

Alan Wake Remastered é um pacote bastante humilde, revitalizando um dos jogos single-player mais importantes da última década e trazendo suas excelentes expansões, sem revisar a experiência, escolhendo manter ela da maneira que foi concebida. Com enfoque em atualizar seu visual para algo aceitável em consoles e computadores modernos, a remasterização está sendo vendida por um preço que reflete essa humildade, passando bem longe do valor de jogos contemporâneos.

Em 2010, o mundo talvez não estivesse preparado para tudo que Alan Wake almejava alcançar. Uma narrativa surreal e transmídia, contada não só pelo jogo, mas por HQs, webséries e até mesmo álbuns musicais, o título estava quase destinado a fracassar num primeiro momento, prosperando nas sombras conforme mais e mais pessoas descobriam o prazer dos segredos de Bright Falls e suas muitas faces, se afundando em seu oceano de teorias e conspirações.

Já em 2021, a versão Remastered oferece a experiência completa e definitiva do título,  reunindo o conteúdo adicional dos episódios The Signal e The Writer, dando à velhos fãs a chance de rever o clássico com novos olhos e possibilitando que uma nova geração de jogadores se apaixone por seu Terror atmosférico e sua narrativa episódica. Por mais que ofereça poucos novos recursos além dos comentários de Sam Lake, é um pacote que mais do que justifica seu valor e insere novas baterias na lanterna do escritor mais famoso dos videogames.

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Gabriel Oliveira F. Arruda

Durante a EA Play Live de julho, foi anunciado que o primeiro jogo da franquia sci-fi de terror e sobrevivência Dead Space ganharia um remake completo. A obra do falecido estúdio Visceral (na época chamado EA Redwood Shores) será atualizada para a nova geração de consoles e PCs, entregando “melhorias na história, nos personagens e nas mecânicas de gameplay”, se utilizando da famosa Frostbite Engine. O clássico de 2008 será retrabalhado pelo EA Motive, o estúdio responsável por Star Wars: Squadrons, que está encarando o projeto como uma “carta de amor para a franquia”, segundo um comunicado oficial da empresa. 

Mas será que Dead Space precisa mesmo de um remake? A primeira aventura do engenheiro Isaac Clarke estabeleceu, ou pelo menos ajudou a popularizar, várias das tendências observadas no gênero até hoje, muitas vezes sendo considerado como um dos melhores jogos de terror de todos os tempos. O que há no pesadelo espacial de Isaac que precisa ser revisado e, mais importante, como revisá-lo sem comprometer a experiência original?

Brilha, brilha, estrelinha… Muito acima da colônia de mineração Aegis VII, a gigantesca nave USG Ishimura vaga silenciosamente pela imensidão do espaço. Dentro dela, um solitário engenheiro luta para obter respostas e sobreviver a uma praga que se alastrou por toda a tripulação, obrigando-os a retornar na forma dos grotescos necromorfos, monstros de membros alongados e distorcidos cujo único impulso discernível é matar.

Isaac Clarke (nomeado em honra dos autores de ficção científica, Isaac Asimov e Arthur C. Clarke) não estava, em nenhum sentido da palavra, preparado para essa situação. Ele não é um herói de ação, um matador treinado pronto para botar ordem na casa e expulsar os monstros. Ele é só um mecânico procurando por sua namorada desaparecida, tentando não morrer no processo. Ele também é um protagonista terrivelmente quieto, apenas expressando sons de dor (quando recebe dano ou morre) e alívio (quando não morre). Parte do que torna a sua atmosfera de terror tão densa, é o quanto Dead Space enfatiza a fragilidade de Isaac perante os eventos que estão se desenrolando ao longo de suas 12 horas de narrativa.

Porém, é nessa fragilidade que encontramos sua maior força, tanto como protagonista quanto como avatar do jogador nessa situação estarrecedora: Isaac é alguém que resolve problemas. Separado do oficial de segurança Hammond (Peter Mensah) e da especialista de computadores Daniels (Tonantzin Carmelo), Isaac recebe instruções dos dois à distância para achar maneiras de consertar a nave e ir superando as dificuldades técnicas que se apresentam, cenário após cenário. Essa estrutura procedural de “resolver problemas” faz com que até as situações mais críticas sejam quebradas em etapas e que o jogador se conecte com a personalidade de seu protagonista silencioso.

Muitas das mecânicas de gameplay foram modeladas a partir do altamente popular Resident Evil 4, jogo que mudou o foco da aclamada franquia do terror para a ação. A câmera no ombro do protagonista e a mira laser, assim como a variedade de maneiras de dar cabo dos inimigos e manejamento do inventário são claros exemplos disso. Sua narrativa também veste suas inspirações com orgulho: o clássico O Enigma do Horizonte de 1997 é uma das obras citadas pelo criador da franquia, Glen Schofield, na criação dos ambientes da Ishimura:

“Eu achei que O Enigma do Horizonte sucedeu em criar narrativas que aconteciam nos planos de fundo. Uma das personagens está de costas na cabine do piloto e, atrás dela, as luzes se acendem e o vidro está coberto de sangue, não parece normal, parece que algo horrível aconteceu e essa personagem não faz ideia. E eu queria que essa sensação se mantivesse durante todo o jogo.”

Glen Schofield, “How Dead Space’s Scariest Scene Almost Killed the Game”.

A atmosfera é concretizada através de um design de som inspirado, que adiciona personalidade não só às criaturas, mas à própria nave também. Dead Space encontra seu terror nos cantos frios e escuros de uma espaçonave à deriva, nas cenas nojentas que se desenrolam e nos inimigos macabros que Isaac encontra. E a única maneira de enfrentá-los é seguir em frente e ouvir os conselhos escritos em sangue nas paredes: “Corte os membros deles.”

Mesmo com todas as influências, o jogo ainda consegue criar novas mecânicas que mudam radicalmente a experiência. Nada de headshots aqui, a única maneira de dar cabo de um necromorfo é separando seus membros do corpo e pisar neles para garantir que estão mortos. Esse sistema adiciona uma dose de estratégia aos conflitos, deixando cada combate equilibrado e justo, por mais que Isaac esteja sempre em desvantagem. Cada vez mais os bichos vão deixando de parecer humanos e, com isso, sua estratégia para dar cabo deles também precisa ir se diversificando. Dispensando os movimentos elaborados de Leon Kennedy, Dead Space aposta na simples brutalidade de seu protagonista, com grandes resultados.

A situação de Isaac se reflete no equipamento que o engenheiro tem à sua disposição para dar cabo da ameaça: uma armadura pesada que limita seus movimentos e armas improvisadas, adaptadas para as ameaças. Os recursos são sempre limitados e fazer uma melhoria em um aspecto sempre significa não fazê-la em outro, criando um sistema de risco e recompensa viciante, que incentiva os jogadores à acharem e dominarem suas próprias preferências. 

Talvez a mais icônica dentre as armas futuristas de Isaac seja a primeira que ele encontra, no início do jogo, abandonada por alguém que provavelmente não leu os avisos nas paredes: o cortador de plasma. Usada por mineiros para separar elementos, o cortador é uma ferramenta compacta e simples, disparando três tiros em linha, podendo mudar o eixo de vertical para horizontal com apenas um botão. Bem como o próprio Isaac, é uma bela de uma gambiarra, fazendo o que tem de ser feito e, caso você invista seriamente nela, a melhor arma disponível. Capaz de despachar onda após onda de mortos reanimados com tiros bem posicionados, o cortador de plasma é uma das ferramentas principais durante a jornada.

Muito antes de God of War (2018) organizar uma campanha de marketing inteira baseada em sua narrativa em one take, Dead Space já apresentava ambições similares. Apesar de conter pausas entre seus capítulos conforme Isaac se move entre os diferentes setores da Ishimura, essas pausas ainda são diegéticas o suficiente para impressionar. Juntando a isso o fato de todos os menus estarem integrados em tempo real com o visor do protagonista, a simples ação de acessar um deles vira uma experiência em si só, um cálculo de risco e um teste de atenção.

Talvez a parte mais celebrada de sua UI (“user interface”) seja a maneira como ela convém a “vida” do protagonista: na coluna de Isaac, podemos ver uma coluna de luz que vai diminuindo de tamanho e mudando de cor conforme ele recebe dano. Isso permite que o jogador esteja sempre consciente da surra que está tomando e dos itens que precisará usar para se recuperar sem que tire os olhos da ação e se distraia. Mais de 10 anos depois, o HUD criado pela EA Redwood Shores ainda é considerado um dos patamares de excelência na criação de interfaces diegéticas em jogos.

“Nós descobrimos que o HUD (“heads-up display”) é efetivamente uma janela de vidro que separa você, o jogador, do personagem que você controla. Então, se nós conseguíssemos levantar essa barreira, você repentinamente mantinha essa conexão.”

Dino Ignacio, antigo UI designer de Dead Space, “Why games can’t abandon the HUD”.

Como dito anteriormente, a maior parte da narrativa do título acontece nos ambientes que o engenheiro encontra e nas formas cada vez mais grotescas que os necromorfos tomam. Assim, o silêncio do protagonista surge não como um impedimento na narrativa, mas como uma legítima resposta emocional aos eventos que acontecem. Se para mim é difícil descrever a visão de um feto cadavérico com três tentáculos tentando me matar, suponho que para Isaac também seja.

Conforme você explora os corredores apertados e os intestinos mecânicos da USG Ishimura, uma conspiração de segredos e cultos religiosos começa a surgir, e a verdade por trás do destino da tripulação é revelada. Por mais que não conte com as sequências cinematográficas de títulos modernos, o mistério ao redor da narrativa de Dead Space continua imersivo e engajante e, apesar de sua idade, seus visuais ainda ajudam a contar sua história (com exceção das expressões faciais de seus personagens).

Dead Space é um dos raros casos em que, mais de uma década após seu lançamento, é realmente difícil enxergar aspectos que estejam explicitamente ultrapassados. Sua câmera, seu combate metódico, sua narrativa cênica, são todos observados em títulos modernos, não só de terror, e até mesmo adotados por franquias antigas. Considerando isso, o que um remake do título teria a oferecer?

Apesar da narrativa ter o seu apelo, é possível ver como a obra se beneficiaria de melhores resoluções nas plataformas da nova geração e computadores potentes. Honestamente, só imaginar a quantidade e variedade de necromorfos com texturas e sons ainda mais realistas me faz ter calafrios. A história pessoal de Isaac e sua busca por Nicole (Iyari Limon) também precisa de poucos ajustes, principalmente melhorando a expressividade das personagens e capturando as nuances de seus atores. A já confirmada adição de opções de acessibilidade também são mais do que bem vindas, já que são cada vez mais  presentes em jogos AAA.

Mas um remake também precisa de algo a mais. Por mais que melhorias técnicas sejam importantes, títulos recentes como Resident Evil 2 e Final Fantasy VII Remake provam que mais do que “cartas de amor”, esses jogos precisam se justificar sozinhos. É preciso que haja intenção por trás das mudanças e que essas mudanças reflitam o sentido dado pela obra original. Um remake de Dead Space precisa achar maneiras inovativas de implementar diversas mecânicas que na época foram novidade, mas que hoje são via de regra, usando as ferramentas à sua disposição, muito como o desafortunado herói de sua história.

O post Dead Space é um pesadelo antigo com sustos modernos apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Depois da jornada através do Cinema Fantástico que foi o Fantaspoa XVII, o Persona volta para o mundo dos festivais de Cinema, mas desta vez se aproximando ainda mais do experimental e incomum. A 5ª edição do Festival Ecrã de Experimentações Audiovisuais nos levou por caminhos dos mais abstratos, passando pelo intrigante, profundo, ou simplesmente incompreensível. De narrativas estruturadas à experiências puramente estéticas, o Ecrã foi online, gratuito e apresentou, além de longas e curtas, outras das inúmeras possibilidades proporcionadas pelo audiovisual: videoartes, performances, instalações, artes interativas e até mesmo games marcaram presença no festival que aceita tudo, menos o convencional e o conformista. 

O Festival surgiu timidamente em 2017, com apenas 10 obras ao longo de 2 dias, e cresceu a cada ano até explodir em 2020, em sua primeira edição online, quando deu a uma enorme quantidade de cinéfilos, órfãos das salas de cinema e sedentos por novidades, a chance de descobrir dezenas de obras audiovisuais inovadoras. Em sua 5ª edição, realizada de 15 a 25 de julho, o jovem festival permanece independente de patrocinadores e sem cobrar um único centavo de seus espectadores, o que significa que o evento precisa buscar meios alternativos para se manter financeiramente. Por isso, o Ecrã abriu uma campanha de financiamento coletivo para esta edição, com a qual é possível contribuir até o dia 15 de agosto. 

Através de uma plataforma própria, a quinta edição teve uma curadoria heterogênea como toda seleção de um Festival experimental deve ser. Trazendo desde obras de cineastas essenciais para o Cinema de vanguarda mundial, como James Benning e Ken Jacobs, à produções estudantis saídas diretamente das universidades brasileiras, o Ecrã ofereceu um panorama amplo de produções nacionais e internacionais das mais diversas, que buscam romper as fronteiras e arrebentar as caixinhas do tradicional e do óbvio. 

Das 120 produções presentes na programação do Festival, o Persona assistiu 40, todas comentadas a seguir por Caio Machado, Caroline Campos, Gabriel Gatti, Gabriel Oliveira F. Arruda, João Batista Signorelli e Vitor Evangelista. Nos 10 dias de Festival, vimos um pouco de tudo: filmes macabros, engraçados, surpreendentes, incômodos, ou apenas abstratos demais para serem descritos. Se você quer sair do óbvio e passar longe do previsível, pode ter certeza que logo abaixo encontrará material de sobra para se interessar. 

Longa e Média-Metragens

Canções Engarrafadas 1-4 (Bottled Songs 1-4, Chloé Galibert Lainé e Kevin B. Lee, Alemanha, França e EUA, 2020)

Canções Engarrafadas 1-4 é uma pancada das fortes. Por pouco mais de uma hora, Kevin B. Lee e Chloé Galibert-Laîné dissecam em quatro “canções” as representações do Estado Islâmico na internet feitas pela própria organização terrorista e pela mídia internacional. Os pesquisadores-artistas transformam sua investigação em ensaio, e o seu ensaio em Arte na forma de um documentário de desktop capaz de deixar qualquer um boquiaberto. 

Através de quatro e-mails trocados entre Kevin e Chloé, somos levados a questionar a veracidade e as motivações por trás de um vídeo do Estado Islâmico propagado entre os veículos de informação, a destrinchar um longa-metragem de propaganda terrorista, buscar informações a respeito de um jovem radical jihadista, e por fim especular sobre a transformação de um repórter britânico em porta-voz das mensagens do ISIS. Do poder de impacto das imagens, ao modo com elas se transformam e são ressignificadas pela internet, as canções da dupla de realizadores falam de tanta coisa, que cada uma delas mereceria um artigo inteiro por si só. Certamente, uma das melhores coisas que vi em 2021 até o momento. – João Batista Signorelli

Edição de Vídeos com Adobe Premiere Pro: Guia do Mundo Real para Configurações e Fluxo de Trabalho ( 그녀를 지우는 시간, Seong Yoon Hong, Coreia do Sul, 2020)

Em meio a uma programação de produções que buscam se aproximar do onírico, abstrato, conceitual, e por vezes incompreensível, Edição de Vídeos com Adobe Premiere Pro: Guia do Mundo Real para Configurações e Fluxo de Trabalho se torna oásis para quem busca algo acessível sem necessariamente ser convencional. É o filme-pipoca do Festival Ecrã, que mistura de maneira deliciosa o desktop-movie, o romance, a comédia, o terror, além do tradicional guia de gestão de crises para quando editores de vídeo encontram algo bem errado no material de filmagem com o qual estão trabalhando.

Um típico filme de romance é interrompido por seu diretor tentando finalizá-lo com a ajuda de uma editora experiente, e ambos acabam sendo impedidos de trabalhar devido a uma série de erros no arquivos que podem ou não arruinar o filme, e talvez a própria vida do par responsável pela pós-produção. O diretor sul-coreano Seong Yoon Hong oferece, em seu média metragem de título enorme, não apenas entretenimento puro, como também um mergulho na frustração de uma artista ao ter a sua visão arruinada por erros estúpidos e evitáveis. Mas ao final, as intenções artísticas são mais importantes do que o que é possível de ser feito com o material real? Edição de Vídeos com Adobe Premiere… nos mostra que os erros abrem brechas para experimentações, e, conforme este filme (ou seria ‘este guia’?) nos ensina, o experimento e o entretenimento são perfeitamente capazes de andar juntos. – João Batista Signorelli

Natalis (Raquel Monteiro, Brasil, 2021)

Se imagine visualizando gravações de câmeras de segurança ao redor do mundo, durante os dias 24, 25 e 26 de dezembro. É justamente essa a proposta de Raquel Monteiro no filme Natalis. A diretora já havia marcado no Festival Ecrã em 2020 por dirigir e roteirizar o curta Céu Na Terra, que conta a história dos encontros e desencontros de Patrícia e Paula durante o Carnaval carioca.

No caso de Natalis, Monteiro foi mais ambiciosa na proposta. Logo de início, somos introduzidos ao poema Lucrèce à la fenêtre, de Christian Prigent, que fala sobre o fazer das coisas a partir do vazio. No momento seguinte, a cineasta nos coloca em uma janela com vista para paisagens ao redor do mundo. O filme surge com grande imponência, se desenvolve na monotonia dos ambientes e se encerra com a incógnita do real sentido da obra. Para a caracterização dos ambientes, a diretora apresenta vídeos com uma velocidade menor de fotos por segundo e ritmo pausado. Esses recursos permitem que a cineasta faça de seu trabalho um laboratório aberto a novos experimentos sensoriais dentro do audiovisual e fazem com que cada um dos picotes de cena proporcionem uma nova experiência. – Gabriel Gatti

Toda Luz Que Podemos Ver (Toda La Luz Que Podemos Ver, Pablo Escoto Luna, México, 2020)

Em 2014, Pablo Escoto Luna fundou, junto com Salvador Amores e Jesús Núñez, a cooperativa de Cinema ríos de Nueva, para buscar novas formas de fazer Cinema no México. Com essa proposta em mente, o diretor produziu Toda Luz Que Podemos Ver, um longa bucólico que apresenta melodrama épico, aventura e, ainda, um lado psicológico  conforme a trama se desenvolve.

A narrativa se passa um dia antes da guerra entre Popocatépetl e Ixtaccihuatl, dois vulcões do Parque Nacional Izta-Popo Zoquiapan, no México. Segundo a lenda asteca, o por não conseguirem viver seu amor, uma princesa e um guerreiro foram transformados em vulcões após sua morte. No decorrer do longa, quem se destacou como protagonista foram as paisagens, repleta de montanhas, cores na vegetação e a coloração azul radiante do céu. Toda Luz Que Podemos Ver também é exitoso ao propagar a cultura no México, porém a narrativa lenta chega a ser desmotivante em certos pontos da história. Nesse espectro, o longa percorre altos e baixos durante a trama, mas entrega ao telespectador a nova forma de cinema proposta por Escoto. – Gabriel Gatti

Eu Ando Sobre a Água (IWOW: I Walk on Water, Khalik Allah, EUA, 2020)

Khalik Allah é um cineasta e fotógrafo que costuma retratar as minorias sociais em suas obras. Seu documentário Field Niggas, por exemplo, retrata a vida dos habitantes da esquina da rua 125 com a Avenida Lexington, em Nova Iorque. Todo seu trabalho é apresentado de forma real e crua, tanto que sua obra foi descrita como ópera de rua e o seu filme, Eu Ando Sobre a Água, não foge à regra.

O longa retorna à esquina da rua 125 com a Avenida Lexington para documentar o cotidiano dos haitianos em situação de rua. O documentário reflete a humanidade visceral típica dos trabalhos de Allah, que registra sua amizade com Frenchie, seus relacionamentos e seu cotidiano. Toda essa jornada se apresenta de forma similar, porém menos interessante ao filme Fome, que retrata a vida de um morador de rua na metrópole paulista. Mas apesar disso, Allah realiza um trabalho valioso em Eu Ando Sobre a Água ao dar voz aos imigrantes que vivem em situação de rua. A narrativa nada romantizada provoca no telespectador a angústia e os anseios daqueles que se encontram nessas situações. – Gabriel Gatti

O Céu Socialista (The Sky Socialist, Ken Jacobs, EUA, 1965)

O mundo é repleto de injustiça e crueldade. A Segunda Guerra Mundial, por exemplo, marcou a humanidade com o holocausto, dentre outros eventos nefastos. Pensando na ideia de um deus justo para todos, Ken Jacobs produziu O Céu Socialista. O diretor é conhecido pelo seu modo experimental de fazer Cinema, chegando a propor o termo paracinema, nos anos 1970, para definir as produções que não se encaixavam nos padrões cinematográficos.

Com esses ideais em mente, Jacobs realiza um trabalho quase como de um pintor expressionista abstrato em O Céu Socialista. O enredo se passa na rua Ferry, em Manhattan, primeiro lar do cineasta, e introduz os enredo e os personagens por meio de interlúdios, assim como nos filmes mudos. Durante a narrativa somos apresentados a uma alegoria na qual Anne Frank foi poupada da morte em Bergen-Belsen e segue sua vida até se apaixonar pelo subestimado escritor surrealista, Isadore Lhevinne. Durante as décadas seguintes à produção do longa, Jacobs apresentou sua obra em diversos formatos e durações, mas o original 8mm é o ideal para perpetuar essa trama sobre o sonho da justiça. – Gabriel Gatti

Imagem da Percepção (Image of Perception, Guli Silberstein, Reino Unido, 2021)

A Arte nem sempre precisa ser bonita. A sensação de desconforto pode estar presente em grandes obras, assim como no filme Imagem da Percepção, de Guli Silberstein. O longa faz parte do projeto VideoWords, que propõe a interpretação visual de vinte e oito palavras por diversos artistas ao redor do mundo, tendo sido oferecido o substantivo loucura para Silberstein. 

Imagem da Percepção é um tributo ao visionário Uma Página de Loucura, de Teinosuke Kinugasa, que conta a história de um marinheiro que se emprega em um manicômio para libertar sua amada lá presa. Na obra de Silberstein, a experiência do filme é mais cognitiva, já que o casal e sua filha estão presos ao passado e ao presente da mente humana. Para refletir essa sensação, o diretor recorre a técnicas de processamento e  manipulação de imagens e, com isso, consegue nos colocar no lugar de um paciente do hospício. Outro ponto positivo da obra é a trilha sonora, os acordes dissonantes são a cereja do bolo para esse longa repleto de loucura, desconforto e amor. – Gabriel Gatti

52 Filmes Curtos (52 Short Films, Frances Arpaia, EUA, 2021)

A indústria cinematográfica é preponderantemente dominada por homens. A vitória de Chloé Zhao como Melhor Diretora no Oscar 2021 é um evento raro nesse meio. Nesse ambiente inóspito para as minorias, surge Frances Arpaia, uma mulher trans queer. Seus filmes experimentais trabalham a questão da vida queer e as lutas da comunidade. No caso de 52 Filmes Curtos, a cineasta buscou produzir um diário em forma de vídeos, registrando semanalmente um evento de sua vida. A ideia de criar uma “linha do tempo aberta para experimentação” surgiu em 2019 e foi interrompido durante alguns meses devido à pandemia. 

Esse caderno audiovisual permitiu com que Arpaia explorasse novas ideias e técnicas em sua produção. Para unir as gravações a fim de criar uma narrativa coesa, por exemplo, a diretora utilizou de ferramentas de criação de imagens lo-fi para tornar as imagens pixelizadas e desfocadas. Depois de todo esse período de produção, 52 Filmes Curtos resultou em um trabalho que mostra poesia no cotidiano, não deixando de destacar a personalidade da diretora, que protagonizou toda a trama do longa. – Gabriel Gatti

Apyãwa (Tapirapé) Iraxao Rarywa (Paula Grazielle Viana dos Reis, Luis Oliveira, Koria Tapirapé, Vandimar Marques Damas, Brasil, 2020)

O Brasil é contemplado com centenas de povos indígenas espalhadas por todo seu território. Dentre eles estão os indígenas Apyãwa (Tapirapé) e Iny, que realizam a festa-rito-sazonal Iraxao Rarywa, no médio rio Araguais durante os tempos de chuva. No entanto, a seca dos córregos e das roças presentes no território Tapi’itãwa situado na Terra Indígena Urubu Branco (Amazônia) provocou a escassez dos principais alimentos típicos do festival. Essa história dos nativos brasileiros é contada no filme-ritual Apyãwa (Tapirapé) Iraxao Rarywa.

O documentário consiste em um projeto coletivo produzido pelos antropólogos Koria Yrywaxã Tapirapé e Paula Grazielle Viana dos Reis e pelos cineastas Luis Oliveira e Vandimar Marques Damas. Todo o trabalho executado em Apyãwa (Tapirapé) Iraxao Rarywa reforça a força do parentesco indígena e da cosmopolítica amazônica, o que torna o filme muito significativo, principalmente em um período em que os indígenas correm risco de perder suas terras com a PL 490. A força de um povo e suas culturas, que foram menosprezadas desde a chegada dos europeus, ganham força nesse trabalho simbólico. – Gabriel Gatti

O Céu Socialista: Arredores e Outtakes (The Sky Socialist: The Environs And Outtakes, Ken Jacobs, EUA, 2019) 

Nova Iorque é uma cidade em eterna metamorfose. O set de O Céu Socialista permanece em pé, porém repleto de renovações urbanas. Desta vez, a trama se passa durante o outono de 1964, período que permitiu o diretor explorar o crescimento de uma metrópole. Essas transformações fizeram com que a segunda parte da história de Ken Jacobs, intitulada de O Céu Socialista: Arredores e Outtakes, se mova alguns quarteirões para o oeste da Broadway. 

O longa segue o formato clássico de 8mm, utilizado em inúmeros trabalhos do veterano Jacobs. O diretor de grande renome para o Cinema independente, realiza um trabalho satisfatório em O Céu Socialista: Arredores e Outtakes, porém segue totalmente dentro de sua zona de conforto. Com o diferencial de que desta vez, o cineasta proporciona breves momentos nostálgicos com o aparecimento do elenco original de O Céu Socialista, que em seguida já retoma o zoom para enquadrar e capturar as paisagens transmorfas de Nova Iorque. – Gabriel Gatti

Com Amor: Volume 1 1987-1996 (With Love: Volume 1 1987-1996, Michael Pilz, Áustria, 2020)

O austriaco Michael Pilz iniciou sua carreira trabalhando com fotografia e filme 8mm. Com sua ascensão no Cinema, o diretor começou a desenvolver obras que abordam aspectos técnicos, materiais e mentais da cinematografia. Nesse desenvolvimento experimental, o cineasta teve a ideia de editar todos os planos que ele fez em uma ordem cronológica para apresentar uma obra filosófica do Cinema. Esse trabalho, intitulado de Cortinas, serviu como um pré-projeto para o longa Com Amor: Volume 1 1987-1996, no qual Pilz nos apresenta o que está por trás das cortinas de suas de sua mente criativa.

Nesse longa, Pilz convida os telespectadores a explorarem o mundo a partir de seus olhos e realiza um ato de liberação de memórias. Cenas, como a neve caindo e uma criança desenhando em uma vidraça embaçada, são vislumbradas pelo diretor, que demonstra o seu lado colecionador de recordações. Ao relatar essas experiências vividas, fica claro que Com Amor: Volume 1 1987-1996 se trata de um filme sobre o tempo, registrado de forma crua e verdadeira pelas lentes de um diretor. – Gabriel Gatti

Sombra (João Pedro Faro, Brasil, 2020) 

Os primeiros minutos do longa de João Pedro Faro mostram dois jovens entediados, vivendo no Rio de Janeiro enquanto bebem, fumam, escutam heavy metal e conversam.

O que poderia ser um filme sobre tédio e alienação na cidade grande se torna um exercício vazio de estilo, com alguma cena ou outra que se aproveita bem da textura da baixa qualidade de imagem e cenas tão longas que chegam a perder o sentido. Faz muito barulho e, no fim, não significa nada. – Caio Machado

Desaprender a Dormir (Gustavo Vinagre, Brasil, 2021)

O novo filme de Gustavo Vinagre traz discussões sobre vários temas, como as consequências do contato excessivo com pornografia, a existência de vida em Marte, a influência dos YouTubers sobre os inscritos e o modo como o capitalismo quer que sejamos produtivos até quando estamos dormindo. 

É surpreendente como a direção consegue abordar assuntos tão diferentes entre si de forma tão coesa e criativa. Mesmo filmado em sua maioria dentro de apartamentos, o filme consegue construir uma atmosfera misteriosa sedutora, com elementos fantásticos inesperados e impactantes. – Caio Machado

Curta-Metragens

Abutre Negro (2021, Kevin Jerome Everson) e Condor (2019, Kevin Jerome Everson)

É bastante curioso o modo como muitos filmes experimentais minimalistas, ao abrirem mão de qualquer flerte com a complexidade evidente ou a elaboração, acabam ressignificando certos elementos básicos de seu conteúdo que jamais seriam objeto de atenção em circunstâncias normais. É esse o caso dos dois curtas realizados por Kevin Jerome Everson presentes no Festival Ecrã. Em Abutre Negro, os pixels aparentes de uma captação mal iluminada se transformam em textura hipnotizante, enquanto para Condor, o tempo estendido longamente em um único plano dá a cada mínimo movimento a gravidade de um enorme evento.

Ambos têm a lua como protagonista, mas se distanciam no que se refere à forma como o satélite é abordado pela câmera. Abutre Negro aparenta ser apenas um rascunho ou um ensaio para Condor: como o pássaro, o curta parece apenas se alimentar dos restos que sobraram da carcaça da produção de Condor. Já este segundo, aborda de maneira majestosa um eclipse solar em tempo real, levando o espectador a ir e voltar da mais ofuscante claridade à escuridão abismal em menos de 8 minutos. A sensação de descoberta, de compreender o que se passa, é recompensadora, e a possibilidade de testemunhar um evento cósmico como este de uma perspectiva tão privilegiada proporcionada pela câmera dão a este pequeno filme, um caráter de grandeza. – João Batista Signorelli

Arsonista (2021, Joshua Troxler)

Como devemos agir diante de uma tragédia? Seguir pela calçada como se nada estivesse ali? Parar e observar, de fora e à distância como quem não quer nada? Ou ainda interferir, envolver-se? O artista Joshua Troxler articula diferentes imagens fazendo uma ponte entre o incêndio da Catedral de Notre-Dame com o de um carro no Harlem, da macro-destruição à micro. De um lado, a ação: o fogo. De outro, o resultado: as cinzas. O vídeo pode reverter o tempo, levar toda a fumaça de volta ao seu ponto de partida. Fora dele, algo mais pode ser feito? Nas maiores e nas menores tragédias, as cinzas são sempre irreversíveis. – João Batista Signorelli

Azul Profundo (2020, Sebastian Wiedemann)

Azul Profundo é uma experiência estética curta e doce que te imerge na solidão profunda do início da pandemia, no momento em que não haviam previsões realistas acerca de uma possível vacina e os prazos para tudo voltar ao normal continuavam se estendendo indefinidamente. Sebastian Wiedemann traduz poeticamente essa sensação na forma de um mar azul e melancólico, criando aos poucos um sentido de comunidade ao nos comparar à organismos marinhos e revelar que, mesmo à deriva no oceano tão profundamente azul, nunca estamos realmente sozinhos. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Descompostura (2021, Alline Torres, Víctor Alvino, Anaduda Coutinho e Marcio Plastina)

A estrutura fragmentada do curta utiliza imagens de arquivo e manchetes de jornais para reconstruir uma parte da história do Brasil e evidenciar a presença das mulheres negras em meios compostos predominantemente por brancos. Apesar da  música colaborar para dar um peso sombrio às imagens, Descompostura se revela esquecível por não aproveitar tão bem a força e a tristeza inerente das fotografias que exibe. – Caio Machado

Febre 40° (2021, Natália Reis)

Com um visual lisérgico e frases instigantes que se distorcem na tela, o curta de Natália Reis investiga os limites entre o corpo humano e a tecnologia, entre o tesão e a eletricidade que corre dentro dos componentes eletrônicos. É uma verdadeira viagem ao som do clássico “Yes Sir, I Can Boogie”. – Caio Machado

Restos e Memórias de Filmagem (2021, Alex Cox)

Alex Cox é conhecido pela direção no clássico cult Repo Man – A Onda Punk e Sid & Nancy – O Amor Mata. Em Restos e Memórias de Filmagem, acompanhamos parte da rotina do cineasta num formato que lembra bastante um vlog. O mais interessante é poder acompanhar de perto o processo criativo artesanal dele e a forma como organiza uma cena antes de filmá-la. – Caio Machado

O Sonho de Benning (2021, Leonardo Pirondi)

No breve O Sonho de Benning, ouvimos o famoso cineasta experimental descrever um sonho que teve enquanto vemos uma animação que tenta ilustrar isso. Limitado pela própria duração, é simples, abstrato e sugere uma pequena reflexão sobre a brevidade da vida. – Caio Machado

Senhor Jean-Claude (2021, Guillaume Vallée)

A partir de fotogramas do filme The Quest, Guillaume Vallée faz diversas alterações na imagem de Jean-Claude Van Damme, na tentativa de desconstruir a noção de masculinidade que ele e outros astros do cinema de ação propagavam. O curta comove ao transformar a violência, contida num único frame, em ternura. – Caio Machado

TV a Cabo (Ou Uma Noite na Vida) (2020, Rob Feulner)

Quanto mais eu penso sobre TV a Cabo, mais eu aprecio a experiência mecânica e ritualística de surfar pelos canais de televisão (um sentimento que vem ficando cada vez mais raro com chegada da era do streaming) dos Estados Unidos dos anos 90, observando as mudanças culturais e políticas que estava começando ou terminando de acontecer. A interrupção causada por um sinal pirata fornece uma quebra desse ritual que varia do simplesmente psicodélico até o macabro hipnotizante, e que complementa belamente a experiência. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Mil e Uma Tentativas de Se Tornar um Oceano (2020, Wang Yuhan)

Logo nos primeiros minutos, dá para perceber que o curta quer mostrar a presença do fluxo e movimento das ondas na vida como um todo, desde um microrganismo  até o movimento sincronizado de soldados. Depois disso, o que ocorre é uma repetição dessa tese até a exaustão. – Caio Machado

bai gosti / eros afogado em lágrimas (2021, Vinícius Romero) 

Funcionando como o videoclipe daquela banda de rock experimental com a qual topamos sem querer no Spotify, Vinícius Romero performa a metamorfose de sensações nada palpáveis em bai gosti / eros afogado em lágrimas. Com pinta de título mitológico, o curta se estende por desconfortáveis nove minutos, queimando medos, chamuscando temores. – Vitor Evangelista

Vitrines (2021, Coletivo Olhares)

É o Coletivo Olhares que adentra um shopping do nascer do sol a seu pôr, mas são as imagens individuais das vitrines que intitula a obra as responsáveis por conversar com quem assiste os estáticos e performáticos 10 minutos. Os créditos sobem, depois do grupo, formado por João Pedro Diaz, Luã Leal, Mariana Martinelli e Sérgio Faria, vasculhar cada lata de lixo, mesa da praça de alimentação e cabide da Renner. Afinal de contas, quando o assunto é shopping, quem é a mercadoria? – Vitor Evangelista

Lucina Annulata (2021, Charlotte Clermont)

São necessários menos de 5 minutos para que Charlotte Clermont capture o mundo em seu Lucina Annulata. Produção canandense que usa de aparelhos analógicos para gravar os detalhes minuciosos de cavernas, florestas e do próprio corpo humano, o curta ainda rasga o ambiente com uma estridente trilha que conflita com o cântico marítimo e infantil que inunda nossos ouvidos. – Vitor Evangelista

O Fim do Sofrimento (2021, Jacqueline Lentzou)

Que ótimo seria se o universo interferisse cada vez que nos sentimos ocos por dentro. É assim que O Fim do Sofrimento funciona; uma solução para esse sentimento constante de deslocamento que, magicamente, encontra uma fonte intergalática no curta grego de Jacqueline Lentzou. Como se a Terra fosse uma estação para marcianos perdidos, a narrativa de 14 minutos brinca com imagens vermelhas e um diálogo marcado por metáforas e lutas por amor. Um pouco simplista no que se propõe, mas afogado em sentimentos. – Caroline Campos

Amostras de Corpos (2020, Astrid de La Chapelle)

O que Lenin, o Monte Everest e um fóssil tem em comum? Bem, quando você descobrir, me avise, porque se depender de Amostras de Corpos, a situação fica complicada. O curta de 14 minutos de Astrid de La Chapelle percorre as facetas da persistência da vida que, mesmo após a morte, encontra uma forma de se transmutar em algo novo. Através de um batalhão de imagens transpostas, a linha de raciocínio da francesa é clara ao mesclar passado e presente, apesar da trilha sonora sufocante e uma leve obsessão pelas mãos do líder comunista. – Caroline Campos

Ao Velho Mundo (Obrigado pelo Uso do seu Corpo) (2021, Mark Leckey)

Imagine gravarem sua pataquada em um ponto de ônibus e transformarem em um curta experimental. Sim, foi isso que Mark Leckey fez em Ao Velho Mundo (Obrigado pelo Uso do seu Corpo) ao repetir em looping e acrescentar diversas camadas a uma videocassetada de um cara atravessando uma vidraça. A experiência fica cada vez mais divertida conforme o inglês vai distorcendo sons e adicionando cacos de vidro e novas interpretações ao seu curta, que se transforma, como diz a própria sinopse, em uma oração ao vidro estilhaçado. – Caroline Campos

Videoarte

Além cá (Vitória Severo, 2020)

Sem sair das fronteiras que podem ser alcançadas pela vista, mas indo além do isolamento e dos limites impostos pelas circunstâncias históricas, pelas paredes e altura de um apartamento, há todo um universo de pequenas histórias que podem ser acessadas simplesmente por um olhar através da janela. A pequena obra de Vitória Severo explora através de fotografias, o cotidiano daqueles que transitam à vista de seu lar, abrindo a própria janela para quem assiste. Além cá oferece um olhar atento para os pequenos detalhes da vasta paisagem urbana que um apartamento pode oferecer. – João Batista Signorelli

As Grandes Distâncias (2020, Matheus Zenom)

Após assistir As Grandes Distâncias, minha primeira reação foi de uma leve revolta, que ganhou contornos hiperbólicos na primeira versão deste comentário sobre o filme. A insistente simplicidade do curta acendeu um pensamento que demorou a se acalmar: “Para que ver o céu em uma tela de computador se eu posso ver… o céu?” Amenizado o susto, fui levado a refletir quais teriam sido os motivos para que tal reação tomasse forma em primeiro lugar. A falta de significados explícitos? O ritmo lento? Aquela terrível afirmação (“Eu poderia ter feito isso”) da qual sempre queremos fugir, mas que sempre insiste em voltar?

A reflexão foi feita: uma obra como essa, de ritmo lento, sem significados explícitos e que eu poderia ter feito, apresenta tão poucos elementos, que estes adquirem um peso e um grau de significância muito maior do que poderia ser esperado. Água, uma árvore e seu reflexo, céu e nuvens: todos poderiam passar batido em qualquer filme com uma quantidade regular de informações, mas em As Grandes Distâncias, caso o espectador o permita, assumem o protagonismo. Sem esquecer, claro, de outros dois elementos talvez ainda mais importantes: a câmera, com sua tímida movimentação de enorme amplitude, e o tempo, que atribui um peso crescente aos elementos anteriores. As grandes distâncias entre o público e um filme como este de fato existem, mas sempre existe a possibilidade de aproximação. – João Batista Signorelli

Chorar (Crying, Maya Skye Henderson, 2021)

Filmada num close bem próximo ao rosto da realizadora, a obra é um bom exercício sobre a expressividade contida no ato de chorar e os movimentos involuntários que ele provoca no rosto. Maya Skye Henderson prova que chorar alivia mesmo, mas também cansa. – Caio Machado

Cool for the Summer (Vitória Liz, 2021)

Em março de 2020, ninguém esperava que uma pandemia chegaria ao Brasil e mataria mais de meio milhão de pessoas. Achava-se que a vida continuaria normalmente, mas tudo mudou rápido demais depois da primeira morte por coronavírus no país. Cool for the Summer traz um enfoque extremamente sensível nessa frustração abrupta, utilizando imagens da vida normal de antes e um relato tocante sobre as consequências psicológicas avassaladoras de ser obrigado a ficar em quarentena. Para quem ainda está enfurnado dentro de casa, é impossível não se identificar. – Caio Machado

Invasão (Hannah Maia, 2020)

O curta utiliza materiais que vão de imagens de livros de Biologia a cenas de filmes pornográficos antigos para propor um estudo interessante e agitado sobre como a sociedade enxerga o sexo. – Caio Machado

Sem título #2 (Verónica Valenttino) (Priscyla Bettim e Renato Coelho, 2020)  

O preto e branco bem contrastado do curta compõe um retrato misterioso e bem expressivo da artista, acentuando suas marcas no rosto e o olhar que parece carregar um peso gigantesco. – Caio Machado

Instalações e Artes Imersivas

Cine Metro (Cine Metro – Experiência Imersiva, Eduardo Calvet Correa, Brasil, 2021)

Em tempos onde a memória do Cinema brasileiro vem sendo largada às traças, uma homenagem a uma sala de cinema histórica do país é mais que bem-vinda. A experiência em realidade virtual criada por Eduardo Calvet Correa nos leva a um passeio de volta à inauguração do Cine Metro em 1936, um enorme cinema de 1800 assentos que marcou o Rio de Janeiro em sua época. Com atenção aos detalhes, Calvet Correa reconstrói digitalmente a luxuosa sala da MGM que não pode resistir ao teste do tempo: pouco sobrou do Cine Metro, que hoje é deixado ao abandono. – João Batista Signorelli

Games

Coisas que Perdemos no Fogo (Thays Pantuza & Zumbido Audiovisual, Brasil, 2021)

Coisas que Perdemos no Fogo conta a história de uma menininha que entra dentro de seu desenho animado preferido e precisa apagar um incêndio no estúdio que o produzia  para salvá-lo. 

Com um visual lúdico e gameplay que consiste em clicar para realizar as ações desejadas, não é difícil entender a mensagem que Thays Pantuza e a Zumbido Audiovisual queriam passar: cuidar das organizações que preservam as produções audiovisuais de um país é importantíssimo. Em tempos de descaso com a Cinemateca Brasileira, manter essa discussão é essencial. – Caio Machado

Bagata (Heron P. Nogueira, Brasil, 2020)

Em primeira pessoa, somos convidados por Bagata a transitar entre corredores e salas do que parece ser um estranho museu abstrato com instalações misteriosas. Teremos algum objetivo, algum objeto para encontrar, um lugar para chegar? Nada. Isso não parece ser um problema, mas somente até uma visão externa do edifício indicar que existem muitos andares para cima, e o encontro com uma escada abrir a brecha para a possibilidade de ascender até lá. Passando por caminhos complicados e armadilhas, a subida termina em… frustração. Tapeado, acabo caindo de volta ao ponto de partida. 

A frustração vem dessa brecha entre o potencial objetivo inventado por mim, jogador, e a inexistência dele na realidade do jogo de Heron P. Nogueira. A partir do momento em que surgem contratempos à livre circulação no ambiente, somos levados a crer que esses são forças antagônicas impedindo-nos de chegar ao lugar para onde deveríamos ir; mas ao final, não era para ter chegado em lugar nenhum. Talvez houvesse algum modo de subir mais por um caminho que não encontrei, mas sem tê-lo encontrado, o que fica de Bagata para mim (além de frases misteriosas e saudade de museus) é que, ainda que isso possa ser frustrante, nem sempre é preciso chegar a algum lugar. – João Batista Signorelli

Esperando Godot: Uma Simulação (Waiting For Godot: A Simulator, Nick Murray, Reino Unido, 2020)  

A ideia do jogo é curiosa: adaptar a famosa peça de Samuel Beckett para um jogo pixelado, em que dois personagens conversam entre si enquanto esperam. As únicas ações que o jogador pode realizar é esperar ou não esperar. De resto, só é possível observar as ações dos dois personagens sem rosto. 

Várias questões vêm à mente: quem são eles? Por quem estão esperando? Por que esperam? Que lugar é esse? Em um contexto de pandemia, o jogo pode ser interpretado como uma metáfora para a quarentena, onde milhões de pessoas aguardam em suas casas algo que nem sabem se chegará (a volta da normalidade). Porém, não funciona bem como jogo por retirar a interatividade por completo e deixar somente a passividade monótona. De qualquer forma, é interessante pela ousadia. – Caio Machado

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Isabela Batistella

Com a produção do jogo datando desde 2014, OMORI foi publicado na Steam (plataforma de jogos online para PC/Mac) no dia 25 de dezembro de 2020, pela desenvolvedora e ilustradora independente OMOCAT. Baseado na webcomic da diretora, hikikomori – termo em japonês que se refere a um indivíduo que escolheu se isolar socialmente por extensos períodos de tempo – a história segue a trajetória de Sunny e seu alter ego Omori, explorando um mundo de sonhos surreais e a realidade.  

O primeiro cenário do jogo, que será retomado algumas vezes ao longo da história, é o chamado White Space (Espaço Branco). E é justamente isso mesmo. Nele, o personagem encontra apenas um notebook, seu gatinho Mewo, um caderno de desenhos e uma caixa de lenços “para limpar sua tristeza”. Além disso, uma lâmpada negra pendurada no teto. Não é possível enxergar nada nela: é a ausência de pensamentos e ideias.

Diversas mãozinhas vermelhas estão espalhadas ao longo do looping em branco, como se estivessem tentando manter o personagem dentro daquele espaço confinado. Uma porta aparece de vez em quando, e, ao sair, o charme de OMORI se apresenta ao jogador. Conhecemos seu grupo de amigos: Aubrey, Kel, Hero, Mari e Basil. A maneira com a qual esses personagens interagem é extremamente delicada, sendo capaz de despertar sentimentos de nostalgia e carinho ao longo do avanço da narrativa.

O mundo a ser explorado apresenta elementos surreais e fantasiosos. Cenários e npc’s (non-player characters) são representados de forma onírica, com uma paleta de cores colorida e suave, em tons pastéis. Após a apresentação, a história começa verdadeiramente: um dos amigos de Omori, Basil, desaparece, deixando para trás apenas uma mancha negra no chão. A jornada se inicia, e o grupo parte em busca de seu amigo perdido.

A jogabilidade, criada em RPGMaker, com clara referência de jogos como EarthBound e Yume Nikki, é um refresco durante o jogo. As batalhas ocorrem contra inimigos excêntricos, muitas vezes animais ou frutas, sendo divertidas e dinâmicas. As emoções são exploradas nesse quesito: é possível interagir com os companheiros de time durante as batalhas, alterando suas emoções (raiva, alegria, tristeza e medo) – cada qual com uma vantagem e desvantagem dentro da luta.

 O aspecto psicológico

Conforme avançamos na narrativa, descobrimos que o protagonista não é exatamente confiável, e que sua mente está cheia de armadilhas e cortinas de fumaça que escondem a verdadeira face da sua depressão. Ao sair do mundo dos sonhos e entrarmos na realidade, nos deparamos com Sunny: um adolescente solitário, que não sai de casa há muito tempo e que irá mudar de cidade em cinco dias. Apesar de sua aparência e personalidade serem semelhantes ao seu alter ego Omori, é possível notar algumas diferenças, sendo uma delas a ausência de amigos.

A temática de depressão e ansiedade é extensamente abordada e pode ser considerada uma constante dentro da história. O time de desenvolvedores não teve medo de explorar as nuances dessa doença psíquica, que é o ponto de partida para a narrativa fantasiosa e até mesmo as atitudes do protagonista. No mundo real do jogo, descobrimos que uma tragédia aconteceu há alguns anos, e esse foi o motivo do afastamento do grupo de amigos e do eventual isolamento de Sunny, que passou a ser assombrado por visões que ele chama de Something (Algo).

Em OMORI, nada é o que parece. Enquanto nos aventuramos no mundo dos sonhos, exploramos, ao mesmo tempo, a mente fragmentada e traiçoeira de Sunny – e sua fuga da ‘verdade’, que catalisa seus traumas e sua depressão. O que se inicia como a busca por um amigo perdido se torna, aos poucos, a busca pelas memórias que o personagem enterrou nas camadas mais profundas de sua mente, que podemos chamar de Black Space (Espaço Preto).

O jogo bebe da fonte psicológica sem medo, tanto para os elementos de terror quanto para os narrativos. É possível associar os eventos que Sunny passa ao longo da história a um fenômeno chamado Amnésia Dissociativa, que, segundo a Ph.D. em psiquiatria Megan M. Hosein, “incorpora elementos de estados de fuga psicogênica, memória reprimida e amnésia traumática”, sendo o conceito de repressão relacionado a eventos traumáticos e PTSD (Estresse pós-traumático).

Em alguns momentos da narrativa, o jogador precisa fazer algumas escolhas. Mesmo as mais simples, como escolher ou não atender a porta em determinado momento, podem alterar a trajetória do jogo e seu final. São duas as rotas possíveis no jogo: a Rota do Sol, onde se escolhe sair de casa no ‘mundo real’ – com dois finais principais, um bom e um ruim; e a Rota Hikikomori, que não explora a Cidade de Faraway verdadeira e se passa majoritariamente no mundo dos sonhos.

OMORI é um jogo delicado, até mesmo nos seus aspectos de terror psicológico, e trata a superação dos medos, doenças mentais e traumas de forma suave. Não é para todos, certamente, pois seus tópicos sobre depressão, automutilação e suicídio podem servir de gatilho para algumas pessoas. No entanto, é uma trajetória divertida e envolvente, cheia de surpresas e plot-twists que não deixam de fascinar o jogador desprevenido. Se você é fã de RPG, não pode perder essa experiência brilhante. 

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Elisa Romera de Freitas

Mais uma vez, a Moon Studio não poupou nossas lágrimas. A sensibilidade carregada pela continuação da história de Ori preenche nossos corações e transborda por nossos olhos que, após acompanharem as dores e anseios em  Blind Forest, são cativados, novamente, pela trama igualmente encantadora de Ori and the Will of the Wisps.

Assim que iniciado, acompanhamos o enredo diretamente após o fim do jogo anterior e, com a família restabelecida, nos deliciamos de um pequeno e breve gostinho do cessar da solidão, essa que carregamos junto do personagem principal durante toda a primeira gameplay. Ori, depois de viver uma aflição contínua por ter perdido sua mãe adotiva, Naru, finalmente a recupera, construindo também um laço intenso de carinho com Gumo. Ele, por fim, não estava mais sozinho.

Portanto, em Will of the Wisps, não há mais a angústia da solidão. Apesar de, após um acidente, Ori se perder de seus companheiros e de sua irmã Kun, existe sempre a batalha para, novamente, se encontrarem. O sentimento em nossos corações, nesse novo desenrolar da história, é substituído por uma ansiedade em busca da união dos personagens.

Uma nova etapa, menos solitária

Ao contextualizá-los na narrativa, tomo muito cuidado com as palavras para não estragar sua experiência enquanto jogadores, por isso, contarei apenas as primeiras cenas retratadas e deixarei que as demais, cheias de emoções e plot twists, fiquem abertas para que sejam vividas diretamente.

Quando a tela do computador brilha na primeira imagem, vemos o nascimento de Kun e sua adoção pelos personagens, felizes por terem-lá consigo. Acompanhamos rapidamente o crescimento da pequena corujinha que, em dado momento, demonstra grande insatisfação por não poder voar, já que uma de suas asas é falha. Quando, por fim, Ori consegue ajudá-la a superar esse problema, os irmãos são pegos por uma tempestade e, assim, separados do resto da família.

A partir da visão de Ori, seguimos, então, em uma simples, mas bela, sequência de atos em busca de Kun e dos demais membros da família. Neste meio tempo, conhecemos diversos NPCs que nos auxiliam em nossa viagem, proporcionando pequenas side quests e sempre nos guiando até o nosso objetivo final, sem necessidade de desvios pelo caminho.

Esses novos personagens são falantes, diferentemente do primeiro game, em que a Árvore dos Espíritos e a bola espiritual protagonizaram todas as falas do jogo. Porém, toda a família, mesmo muda, é capaz de expressar cada um de seus sentimentos com esplendor, graças à excelência da animação e da trilha sonora.

Estrutura e mecânica renovadas

Os NPCs que habitam toda a floresta são, na realidade, uma das mais importantes implementações de Will of the Wisps. Isso pois, a partir deles, foi disponibilizado um sistema comercial. Distinto de Blind Forest, em que as habilidades eram automaticamente adicionadas ao personagem a partir de árvores de energia, desta vez, Ori pode obtê-las ao negociar com os animais.

Assim, uma nova gama de possibilidades foi implementada no jogo: agora não dependemos mais da bola espiritual para realizar os ataques, podemos invocar, também, outras armas como um grande martelo, uma espada, um arco, dentre outros. Entretanto, ainda devemos, para o desenrolar do jogo, encontrar as skills oferecidas pelas árvores, além de resgatar os fragmentos de habilidade espalhados pela floresta.

Apesar dessa vastidão, apenas três podem ser equipadas na árvore de habilidades que, por sinal, está com uma cara completamente nova. Para as skills inativas – aquelas que ocorrem automaticamente, sem necessidade de apertar um botão -, há, ainda, quatro espaços iniciais, mas que são estendidos conforme a realização de totens e desafios. Prepare-se para utilizar muito esses espaços pois, ao decorrer do jogo, será necessário sempre se adaptar escolhendo diferentes habilidades.

Com as difíceis sequências de plataformas e com os chefões desafiadores, o que você mais vai precisar é compreender quando e como usar determinadas skills. Aqueles que jogaram Blind Forest sabem muito bem como é fácil perder a cabeça tentando, repetidamente, passar por partes específicas do mapa, o que se mantém na segunda obra. Mas, convenhamos, é aí que está grande parte da graça do gênero metroidvania.

Com um mapa muito mais extenso, os obstáculos também aumentam. Em diversos momentos, o verdadeiro desafio não é encarar aqueles enormes animais assustadores – também conhecidos como bosses -, mas sim fugir deles, o mais rápido possível, entre plataformas perigosíssimas. Nesses momentos, a ansiedade que já citei várias vezes domina nossas mentes, demonstrando a imersividade inabalável de um jogo tão bem construído.

Um mundo de artes fantasiosas

Recheado de cutscenes e animações de qualidade inquestionável, Will of the Wisps é, sem dúvidas, uma obra de arte. Se integrando com o jogo, constantemente observamos em alguma das várias camadas do cenário, personagens importante para a lore correndo pelos cantos de maneira tão fluida que, às vezes, podemos até nos esquecer que aquilo que se passa em nossa tela não é um mundo verdadeiro, mas sim construído por pixels.

Ao jogar Ori, a sensação é a de habitar temporariamente uma belíssima pintura aquarelada, cheia de seres místicos, espiritualidade e animais curiosos que, nessa continuação, interagem mais diretamente com o mundo e conosco. Tudo isso, em uma construção artística impecável que traz uma imersividade absoluta, interligando a história do jogo, o cenário magnífico e suas diversas dimensões e, claro, nós, jogadores.

Não poderia faltar, também, uma trilha sonora impecável, capaz de contribuir ainda mais com a capacidade de absorção do game, assim como com sua identidade, trazendo sempre aquele ar místico e sensível. E é exatamente isso que Will of the Wisps nos entrega. Com músicas diferentes para cada parte do mapa, a intensidade ocorre de acordo com as aventuras, acompanhando seus altos e baixos.

Ori and the Will of the Wisps é uma obra completa. Ela atende com excelência todas as singularidades do gênero em que se enquadra, o metroidvania, enquanto também exerce um impecável papel artístico, conquistando por completo qualquer jogador. O jogo, de uma história simples e encantadora, tem suas mecânicas – muito completas – facilmente compreendidas e, portanto, é ótimo para gamers iniciantes, que querem iniciar suas aventuras mas, ainda, não conhecem os funcionamento dos mapas e árvores de habilidades. Versátil, é inesquecível para todos que o conhecem.

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Gustavo Alexandreli

Desde sua criação, os videogames sempre foram muito populares entre os jovens. Nas décadas de 80 e 90, o sucesso eram os fliperamas, locais onde era possível jogar os clássicos de Arcade. Essa época ficou marcada por jogos como Pac Man (1980), Galaga (1981), Donkey Kong (1981) entre outros. Pixels, longa lançado em 23 de julho de 2015, traz ao espectador uma lembrança do nostálgico mundo dos games clássicos. Sob a direção do famoso Chris Columbus, o filme que mistura ação e ficção científica é animador, mas nada como uma piada sem graça para estragar o clima. A produção, que utiliza de muitos efeitos especiais para dar vida aos jogos, é formada pelas companhias Happy Madison, 1492 e Columbia Pictures com distribuição da Sony Pictures.

Pixels é baseado no curta-metragem – de mesmo nome – do francês Patrick Jean. Em sua adaptação para o cinema, a trama tem início no ano de 1982, quando Sam Brenner (Adam Sandler) e seu amigo William Cooper (Kevin James) vão ao fliperama, e Sam se descobre um grande jogador. A dupla então vai ao 1° Campeonato de Jogos de Fliperama, onde conhecem Ludlow Lamonsoff (Josh Gad) – um louco por teorias da conspiração – e o sempre confiante e debochado Eddie Plant (Peter Dinklage). A disputa entre os jogadores é gravada por agentes da NASA e agrupada com outros eventos e elementos da cultura pop de 1982, que então é lançada em uma sonda ao espaço em busca de contato com vida extraterrestre.

O início é muito promissor, mas o filme toma um rumo que decepciona, produzindo um roteiro raso e sem profundidade na construção de diálogos. Por conta disto, o público é quem perde muito da sua interação com a trajetória de seus jogadores, pela escolha de pular toda a adolescência deles e reapresentar em fase adulta, com estilos de vida já formados. Além de algumas falhas em conectar as personagens com o público, os diálogos não dão maiores detalhamentos, e por muitas vezes as cenas que dão sequência a história são cortadas de forma abrupta. A junção de todos esses elementos dentro da obra deixa a impressão de que o cineasta quer correr com o filme, para encontrar de forma mais rápida uma solução para o problema. Neste caso um problema literalmente de um outro mundo.

Apesar do roteiro não contagiar, nada melhor para uma ficção científica do que um ataque ao planeta Terra, comandado por alienígenas, que são videogames em formatos reais. E já que na maioria das vezes os diálogos não ajudam, por que não inserir uma piada? Mas o recurso humorístico estraga o clima, por ser altamente previsível. Os momentos cômicos antecipados pelo espectador podem ser explicada devido ao elenco. Michelle Monaghan, Josh Gad e Matt Lintz sustentam a obra em boa parte. Mas o destaque fica para Adam Sandler – que divide opiniões no meio cinematográfico – e Kevin James, que contribuem para a comédia repetitiva e já conhecida do público. A fórmula satírica presente em Pixels é corriqueira muito em função de outros filmes. Dentre eles, podem se destacar, Gente Grande (2010) – em que ambos participam –, e sua continuação Gente Grande 2 (2013), além de Esposa de Mentirinha (2011) e muitos outros.

O ápice do longa gira em torno da ação presente nas batalhas, muito bem elaboradas. O espetáculo de luzes, cores e efeitos especiais atingem as expectativas de todos, trazendo também para os espectadores o sentimento de nostalgia. Este sentimento apesar de muito aparente no filme é direcionado para um público específico, neste caso, para as pessoas que vivenciaram os jogos em sua forma original, pois mexe com a memória afetiva, sendo um dos principais pontos de emoção do filme. É um estímulo, como uma tentativa de entender as muitas referências. Porém essa especificidade faz com que os mais novos que assistem não sejam cativados e sejam obrigados a pesquisar para entender sobre as menções, sendo cansativo. 

A obra, apesar de tudo, finaliza deixando claro o sentimento de visita ao passado e a vontade de jogar novamente o clássico Pac-Man. O filme não pode ser considerado um clássico, mas aos que não se preocupam com um roteiro impecável e se satisfazem com efeitos especiais e uma comédia usual, Pixels se encaixa perfeitamente dentro desses padrões.

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Gabriel Oliveira F. Arruda

“Em uma noite escura,
Com ânsias em amores inflamada
– Ó ditosa ventura! –,
Saí sem ser notada,
Já minha casa estando sossegada;

No escuro e bem segura,
Pela secreta escada, disfarçada
– Ó ditosa ventura! –,
No escuro e bem velada,
Já minha casa estando sossegada.

Nessa noite almejada,
Em segredo, que mais ninguém me via,
Nem eu olhava nada,
Sem outra luz ou guia
Senão a que no coração ardia.”

— Em uma noite escura, San Juan de La Cruz (tradução de Carlito Azevedo)

Escrito por São João da Cruz, frade carmelita espanhol do século XVI, Em uma noite escura trata da passagem da alma através das dúvidas e das mazelas em direção à união com Deus. Nessa “noite”, passamos por um caminho que é, por sua própria natureza, incompreensível. Nos sentimos alienados em um mundo sem sentido e arbitrário, cada vez mais distantes do divino.

Narrativamente na “noite escura da alma” vemos nossos personagens incertos e desolados, vagando sozinhos noite adentro e atormentados por coisas piores que o homem. É um momento de dor e sofrimento, mas também de descobrimento e revelação, no qual reconstruímos as pessoas que éramos e achamos uma verdade profunda em nós mesmos. É nessa noite terrível e reveladora que as personagens de The Last of Us Part II habitam. 

Anunciado ao final de 2016 para o PlayStation 4, The Last of Us Part II se tornou rapidamente um dos jogos mais aguardados da atual geração de consoles. Após diversos atrasos em sua produção, o jogo foi finalmente lançado em 19 de junho exclusivamente para o sistema da Sony, angariando uma recepção majoritariamente positiva por parte da crítica especializada, assim como controvérsias por conta de vazamentos ocorridos alguns meses antes de seu lançamento.

Sequência direta do sucesso de 2013 da Naughty Dog que vendeu mais de 20 milhões de cópias e se tornou um dos jogos mais premiados de todos os tempos, The Last of Us Part II começa quase imediatamente após o final do primeiro, com Joel (Troy Baker), o então protagonista da história, explicando a seu irmão Tommy (Jeffrey Pierce) sua decisão de salvar a vida de Ellie (Ashley Johnson), uma garota de 15 anos que é, de alguma maneira, imune à infecção fúngica que destruiu a sociedade duas décadas atrás.

Após um breve e tocante momento entre Joel e Ellie, avançamos 4 anos no tempo e tomamos controle dela, que vive pacificamente na comunidade de Jackson, Wyoming comandada por Tommy e sua esposa, Maria. Nesses momentos iniciais, vemos como a vida dela se assemelha a de uma adolescente comum: como ela se distanciou de Joel nos anos que se passaram e como ela tem de lidar com seus sentimentos por Dina (Shannon Woodward), sua melhor amiga que a beijou na frente de toda a comunidade na noite anterior.

No entanto, essa paz logo é interrompida por um evento traumático e violento que coloca Ellie em um caminho de vingança atrás daqueles que a machucaram, levando-a até as ruínas da cidade de Seattle, palco de uma guerra civil entre duas facções de sobreviventes igualmente interessadas em aniquilar uma à outra. É nesse cenário apocalíptico e desolador que Ellie parte à procura de sua própria justiça e paga o preço sangrento por ela ao longo do caminho.

As melhores histórias sobre zumbis e a queda da sociedade nunca são só sobre mortos-vivos e vírus misteriosos, mas sobre a perda da humanidade que nos leva aos nossos piores momentos. Apesar dos monstros da franquia Resident Evil terem ficado cada vez mais grotescos com o passar dos anos, sua maior vilã continua sendo a coisa mais distante possível da humanidade: uma megacorporação.

Em The Last of Us, a humanidade que Joel sente que perdeu por não ter conseguido proteger sua filha é reivindicada na conexão que ele forja com Ellie, uma garota que assim como ele não tem mais ninguém. Na sequência, essa humanidade é mais uma vez perdida nos ciclos de violência e ódio que nos cercam e dos quais nós inexoravelmente fazemos parte.

Em sua busca por justiça, Ellie passa por momentos arrasadores nos quais somos obrigados a olhar para ela e questionar se tudo aquilo vale realmente a pena: como justificar as atitudes que ela (e por consequência a própria pessoa que está jogando) comete? Essa jornada brutal de retribuição acontece em uma cidade dilacerada pela guerra e reclamada pela natureza, em um dos cenários mais belamente realizados da geração, que contrasta cruelmente com as ações que presenciamos, tanto por parte de Ellie quanto por outras personagens em suas próprias jornadas. 

O jogo não procura deslegitimar a sede por justiça de nenhuma das personagens, muito pelo contrário: toda as elas possuem justificativas para os atos que cometem e a narrativa nunca pede que quem está jogando esqueça disso. Para que o ciclo de violência se perpetue, é imperativo que estas justificativas sejam inquestionáveis e, até certo ponto, quase dogmáticas. Nós inicialmente não questionamos o direito de Ellie de ir atrás daqueles que, na nossa visão, merecem o peso de tal vingança.

Parte do gênio de The Last of Us Part II está na maneira com que ele rejeita esses imperativos, à procura de uma jornada mais honesta do que estamos acostumados a esperar de narrativas que revolvem ao redor de vingança e de injustiça.

O jogo é estruturado de maneira mais complicada que seu antecessor, que se passa ao longo de pouco mais de um ano e é separado por estações que dão espaço para as personagens aprofundarem suas relações fora da tela. Aqui, Neil Druckmann (The Last of Us, Uncharted 4: A Thief’s End) e Halley Gross (Westworld, Too Old to Die Young), roteiristas da sequência, utilizam o tempo de maneira mais lúdica e maleável. Há digressões para os anos em que Ellie passou crescendo em Jackson que ajudam a recontextualizar cada vez mais suas motivações, contribuindo para um desenvolvimento cada vez maior da personagem.

Ao todo, é louvável ver o quanto The Last of Us Part II não está interessado em agir apenas como uma mera sequência, mas sim como uma obra completa e independente, com implicações extensas e profundas no resto da narrativa. Não há sentido em escrever uma sequência que não procure enfatizar as implicações do final do primeiro jogo ou que termine reproduzindo o mesmo status quo dele. A única justificativa para retornar a essa história e a estes personagens é a de contar algo que tenha o tipo de impacto que estamos vendo.

Todas as mecânicas do jogo também são estruturadas ao redor de sua narrativa e reproduzem elementos de suas personagens. É importante notar o quanto a Naughty Dog se utiliza de técnicas cinematográficas nas suas histórias e o quanto elas só são possíveis por conta da tecnologia e do orçamento necessários para trazer performances tão detalhadas de seus atores.

Outros estúdios, principalmente estúdios independentes, também estão contando histórias cada vez mais humanas e detalhadas, como Hollow Knight e Celeste, mas que não recebem a mesma atenção que um blockbuster como The Last of Us Part II. Isso não é um argumento contra ou a favor do jogo, apenas algo que deve ser levado em consideração quando falamos sobre jogos no geral.

Todo o elenco atua de maneira impecável, tanto aqueles que já conhecíamos quanto as novas adições da trama. Troy Baker continua sendo excepcional no papel de Joel, agregando nuance e profundidade a um personagem já famoso por sua complexidade e ambiguidade moral. Shannon Woodward, veterana de Westworld, trabalha muito bem e é capaz de transmitir o relacionamento entre Dina e Ellie em poucas palavras, nos ajudando a completar lentamente as lacunas dos últimos 4 anos desde o final do jogo anterior. Laura Bailey faz Abby, uma mulher misteriosa em sua própria jornada de retribuição que cruza com o caminho de Ellie de maneira inesperada.

O trabalho de Ashley Johnson ao interpretar uma Ellie mais velha, mais distante e obstinada e ao mesmo tempo ser capaz de voltar para a garota mais jovem e otimista que conhecíamos do primeiro jogo durante as digressões da narrativa não é nada menos do que fenomenal e digno de todo e qualquer prêmio que essa indústria seja capaz de oferecer. Parecem haver milhares de emoções em apenas um único momento do jogo, que não se contenta apenas em te dizer como as personagens estão se sentindo, mas te dá liberdade para interpretar as expressões que são evidentes na tela.

A interatividade do jogo também opera de maneira mais profunda em um nível narrativo, sofrendo uma reviravolta ao final de sua primeira metade que provoca o jogador de maneiras complexas e cruéis, mas que caminham para um entendimento mais sensível de suas motivações. Sua jogabilidade caminha entre fluidez e mecanicidade, em que cada encontro hostil te dá a sensação de estar em um filme de ação e corridas frenéticas de um ponto a outro do cenário são capazes de te deixar sem fôlego. Capítulos mais calmos te oferecem momentos para respirar e internalizar os acontecimentos violentos que os precedem, mas que ainda produzem emoções tão intensas quanto àquelas dos momentos mais tensos.

Com um combate brutal, impactante e visceral, o jogo insere aquele que está jogando diretamente como ator da violência e da destruição, permitindo que ele se apoie nas justificativas de suas personagens para cometer esses atos, o que, paradoxalmente, acaba desconstruindo essas justificativas ao mesmo tempo que permite que você habite essas visões e verdadeiramente as compreenda.

É possível identificar inúmeras referências textuais na narrativa de The Last of Us Part II, desde a inspiração no cinema western ao contar a história de uma heroína à procura de sua justiça em uma fronteira com a natureza selvagem, até semelhanças com o cinema samurai (chanbara), que narra o conflito entre o ninjō e o giri, a consciência e o dever (em termos gerais e imprecisos). É uma obra que convida esse tipo de análise ao mesmo tempo que provê uma experiência completa em si mesma e que não depende dessas referências para o seu entendimento.

A trilha sonora, mais uma vez composta pelo argentino Gustavo Santaolalla (O Segredo de Brokeback Mountain, Relatos Selvagens), toma uma direção mais sutil dessa vez, sem chegar a destoar do original, mas que reflete o turbilhão emocional em que as personagens estão inseridas, potencializando e elevando algumas das cenas mais emocionalmente complexas da trama a novos níveis.

Apesar de ter sido anunciado como uma obra sobre ódio, The Last of Us Part II é intrinsecamente sobre o amor. Sobre o amor que é capaz de nos fazer menos sozinhos e sobre o amor capaz de nos isolar. É sobre a dor que nos permeia e que nos guia e sobre como procuramos nos libertar dela através de ainda mais dor. Nas palavras de Natalie Flores para a Paste Magazine:

“É uma história de pessoas impotentes e destruídas que acham que vão conseguir se consertar destruindo umas às outras. Não há vilões, mas também não há heróis, e The Last of Us Part II é inteligente o suficiente para não fingir que pode decidir quem se encaixa em cada categoria.”

Não é uma história fácil, e isso reflete a maneira com que ela é contada, com digressões e mudanças bruscas de perspectiva que te forçam a questionar sua própria interpretação dos eventos que você não só presencia, mas em que você é um participante ativo. E de maneira similar, as conclusões a que você chega ao final dessa história arrasadora são só suas.

A única luz que carregamos noite adentro é a que levamos conosco.

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Gabriel Oliveira F. Arruda

Em 11 de abril de 2019, Hellblade: Senua’s Sacrifice foi lançado para o Nintendo Switch, marcando a chegada de um dos jogos mais revolucionários da atual geração para o último console que faltava. Lançado para PC e PlayStation 4 em agosto de 2017, e posteriormente para o Xbox One em 2018, Hellblade se propôs a entregar uma experiência single player de apenas algumas horas e com pouco valor de rejogabilidade, custando apenas metade do preço de um grande lançamento.

Mais do que isso, Hellblade marca uma mudança fundamental no desenvolvimento de jogos digitais, pois entrega uma experiência que não pede ao jogador que se divirta ou que esqueça o mundo a sua volta, mas que antes escute: escute sua protagonista, escute as vozes na cabeça dela e escute a si mesmo, no final das contas.

Quando o jogador inicia Hellblade: Senua’s Sacrifice pela primeira vez, ele acha que sabe exatamente o que esperar. Após ter visto alguns dos trailers lançados até então e um gameplay simples de 10 minutos, alguns dos diários de desenvolvimento publicados no YouTube, ele acha que o jogo será uma narrativa linear que, com sorte, vai explorar a psicose de sua protagonista de alguma maneira narrativa nova e interessante. Por um lado, o jogador não está enganado, mas por outro – ele não faz ideia do que o espera.

Hellblade não usa a psicose de Senua apenas como um adereço narrativo ou como um artifício barato, mas sim como uma mecânica conceitual aplicada em cada aspecto de seu design.

O primeiro nome que aparece nos créditos iniciais é o de Paul Fletcher, creditado como Mental Health Advisor (Consultor de Saúde Mental), seguido por Elizabeth Ashman Rowe, Historical Advisor (Consultora Histórica). Fletcher é professor de neurociência na Universidade de Cambridge, especialista em psicose, enquanto Rowe é uma historiadora, também da Universidade de Cambridge, especializada em história e cultura escandinavas durante a Era Viking e a Idade Média.

É estranho esses serem os primeiros nomes creditados no desenvolvimento de um jogo digital, mas após jogar algumas horas de Senua’s Sacrifice, a importância desses dois nomes se torna aparente.

A ponte para Hel

A história conta a jornada de Senua (interpretada por Melina Juergens), uma guerreira celta que deve atravessar Hel, o reino que na mitologia nórdica é o lar daqueles que não morreram de maneira honrada, para reaver a alma de seu amado das mãos da deusa Hela.

Apesar do jogo contar com inimigos físicos tais como guerreiros nórdicos desonrados e deuses vingativos, fica claro a partir da cena inicial que o maior inimigo será a própria percepção de Senua. O mundo a sua volta reage à sua psicose e as vozes que falam o tempo todo em sua cabeça podem rebaixá-la ou guiá-la, dependendo da situação.

E elas estão sempre lá, então é melhor ir se acostumando. Premiado por seu excelente design de som, Hellblade é com certeza  melhor apreciado usando um bom fone de ouvido ou um headset poderoso. As gravações binaurais das vozes que se conflitam o tempo todo na mente de Senua tem um efeito bizarro sob a psique do jogador: no lugar de ícones de mapa ou de saúde para indicar onde ele deve ir ou quantos golpes ainda pode levar, tudo o que o jogo oferece são essas vozes.

No meio de um confronto, elas alertam quase sempre que um golpe estiver vindo ou quando um inimigo estiver esperando para atacar por trás, enquanto que em exploração, comentam o progresso de Senua até então e pressionam a personagem cada vez que ela fizer uma curva errada ou demorar para se movimentar.

Mas as vozes e os conflitos são apenas uma parte dessa jornada: Senua irá se deparar com desafios e quebra-cabeças que distorcem sua percepção de tempo e espaço e que vão pouco a pouco torcendo sua sanidade até que tudo que ela possa ver sejam sombras.

Num dos mais comuns, ela é obrigada a procurar formações no ambiente que se assemelham a runas nórdicas para passar por portas que, até ali, parecem completamente desobstruídas. Esses tipos de quebra-cabeça, assim como muitos outros, são referências aos sintomas obsessivo-compulsivos na psicose que aflige Senua. Ela é fisicamente incapaz de abrir as portas antes de achar as runas, mas nada indica que as portas não possam ser abertas além de um símbolo fantasmagórico pairando sobre elas.

Mais tarde no jogo, Senua é obrigada a passar por quatro desafios para reforjar a lendária espada Gramr, dada por Odin ao herói Sigmund e mais tarde usada matar o dragão Fafnir, descrita como uma das únicas coisas capazes de matar um deus.

Durante um desses desafios, Senua perde sua visão, no que é provavelmente uma das passagens mais tensas e bem construídas da atual geração: nela, o jogador e Senua são ameaçados por inimigos  que emitem sons grotescos, possuem formas apenas vagamente definidas e que nunca são completamente visíveis. Se há uma expressão que possa descrever essa sequência, ela é “terror absoluto”. O que a segue é, obviamente, gratidão absoluta.

É uma marca na qualidade do design das criaturas e do ambiente que esse trecho não é, por si só, difícil: as criaturas são lentas e a velocidade com que elas detectam Senua varia muito entre os ambientes pelos quais ela transita. Mas a Ninja Theory sabe que a dificuldade não é a raiz do medo, não para Senua; o medo está na possibilidade de se deparar com algo que não se possa descrever, algo que seja impossível de se entender, e chegar apenas perto o suficiente para que o medo se aposse de você por inteiro.

Na sua espada ainda pulsa um coração

Melina Juergens era apenas uma editora de vídeo na Ninja Theory quando foi chamada para fazer testes de maquiagem e iluminação enquanto a desenvolvedora procurava por uma atriz para viver a personagem. Três anos depois, Melina sobe ao palco das maiores premiações da indústria dos jogos para receber diversos prêmios por sua performance como Senua.

Não foi uma tarefa fácil, como a própria Melina explica em um dos diários de desenvolvimento do jogo: não só ela nunca havia atuado profissionalmente antes, mas atuar era um verdadeiro pavor seu. Durante as primeiras gravações, em que pediram para ela ler algumas linhas de diálogo, ela pediu a todos que se virassem de costas para que não pudessem vê-la. Mas isso acabou servindo como uma vantagem para interpretar Senua, já que seu medo refletia o medo da própria Senua ao se deparar com as multitudes de horrores em Hel e ao inferno de sua própria mente.

Hellblade também ganhou um prêmio por sua tecnologia de cinematografia em tempo real na GDC (Game Developers Conference) de 2016, e que permitiu ao diretor e roteirista do jogo, Tameem Antoniades, trabalhar diretamente com a performance de Juergens enquanto ela ainda trabalhava com a captura de movimentos da personagem, com câmeras apontadas diretamente nos seus olhos em todas as horas e pontos de referência milimetricamente espaçados em seu rosto.

Além disso tudo, Melina também buscou apoio fora de tela, se consultando com pessoas que sofrem de psicose e esquizofrenia, acompanhando as experiências delas para construir uma performance que, diferente de muitas outras, respeitasse aqueles que vivem diariamente com esses sintomas e ainda assim não fazer pouco caso deles.

E tudo isso valeu a pena. Melina Juergens entrou para a história dos jogos digitais com uma das melhores performances de captura de movimento e dublagem já vistas em um jogo. Em dezembro de 2017 ela subiu ao palco do The Game Awards, uma das maiores premiações da indústria, para receber a estatueta de Melhor Performance das mãos de ninguém menos do que Andy Serkis.

Toda expressão do rosto e todo movimento do corpo de Senua é também uma expressão de sua personalidade e de suas capacidades físicas e mentais. A sua condição nunca é vista como algo que a impeça de ser uma guerreira funcional: os demônios que a assolam são mais fundos e mais complexos do que isso.

Nem a sua jornada se resume a “derrotar” sua psicose, porque nenhuma condição mental é tão simples assim: as vozes em sua cabeça são as vozes dela mesma, vozes que contam a sua história de diversas maneiras, vozes que expressam seu medo, sua dúvida e sua raiva e toda uma miríade de emoções, algumas vezes interrompendo uma a outra e se repetindo de maneira excruciante, enquanto outras vezes oferecem palavras de apoio a uma Senua quase derrotada e abatida. Na introdução, o próprio jogador é recebido e identificado por uma dessas vozes, chamado para acompanhar a busca da protagonista.

O dano que Senua sofre ao longo do jogo não é só físico, mas também mental, e mais uma vez a mecânica do jogo brilha ao ser capaz de traduzir os sintomas da psicose para elementos tangíveis. Após seu primeiro conflito com os homens do norte (que o jogador é incapaz de vencer, não importa por quanto tempo tente), ela tem uma visão de si mesma morrendo e apodrecendo e, quando acorda, percebe uma escuridão se formando em seu braço direito.

O jogo então diz para o jogador: “A podridão sombria irá crescer cada vez que você falhar. Se ela alcançar a cabeça de Senua, sua busca estará terminada e todo o progresso será perdido.” Esse é um sistema conhecido como permadeath, em que a morte de um personagem jogável acarreta na perda do progresso na narrativa e o jogador é forçado a reiniciar o jogo, e é um sistema controverso até no melhor dos casos.

Em Hellblade: Senua’s Sacrifice, não fica claro exatamente quantas vezes o jogador pode morrer antes que a podridão chegue a cabeça de Senua, mas é um sistema muito efetivo justamente por causa disso. O combate em Hellblade nunca fica repetitivo porque cada luta é percebida pelo jogador como uma nova oportunidade de perder todo o progresso feito. É um sistema injusto, muito como a própria condição de Senua, que é capaz de deixar paranóico até o mais experiente em jogos de combate.

Não haverão mais histórias depois desta

É estranho tentar por a experiência de se jogar Hellblade: Senua’s Sacrifice em palavras. É uma experiência tão intimista e tão diferente de tudo o que você já viu que é fácil se sentir sobrecarregado. Quando chegamos ao final do jogo, o que se segue não é uma explicação lógica para o que você acaba de presenciar, muito pelo contrário: o final de Hellblade é emocionalmente devastador, perturbador e complicado. Não é algo que você compreende tanto quanto sente. Assim como o resto do jogo, é difícil pôr em palavras.

Em seu cerne, é um jogo sobre solidão e companheirismo, compaixão e crueldade, covardia e sacrifício: coisas diametralmente opostas que são frequentemente encontradas juntas. O caminho pelo qual Senua segue é tortuoso e exaustivo; ela é constantemente atormentada por espectros do passado e vozes que imploram para que ela dê meia volta e esqueça da missão que ela se comprometeu a realizar. Senua sabe que isso não é mais possível, como uma das vozes não se cansa de lhe dizer:

“A escuridão te tocou. Todo mundo pode ver no vazio dos seus olhos, um olhar afastado da vida. […] E você queria se render? Abandoná-lo para encontrar paz com os deuses? Não. A escuridão não vai permitir. Então, você caminhará para o covil da fera, olhar no olho dela e ir à guerra. Esta é a sua missão. Esta é a sua jornada. É tudo que você tem.”

Mas essa não é a única voz na cabeça de Senua, é apenas a mais cruel: a que fala nos lugares mais escuros, quando ela se encontra mais vulnerável aos pensamentos mais sombrios que beiram ao comportamento suicida. Há ainda a voz de uma mulher, que reflete melancolicamente sobre a condição de Senua após todas as vitórias e derrotas, nos dando um insight duplo sobre Senua e sua psicose:

“Dizem que sonhos são visões de nossas memórias, pensamentos e medos vistos por nosso olho interior. Mas e se cada um de nós está sempre dormindo, mesmo quando acordado? E se nós somente vemos o que o nosso olho interior cria para a gente? […] Talvez seja por isso que as pessoas tinham medo de ver o mundo pelos olhos dela. Pois se você acredita que a realidade de Senua é distorcida, você deve aceitar que a sua também pode ser.”

Escrever essa crítica até aqui foi relativamente fácil: foi ao mesmo tempo uma maneira de reviver uma experiência muito especial e de extrair novos sentidos dela e assim, apreciá-la ainda mais. Mas tirar uma conclusão disso tudo? Parece quase impossível. Mas assim como a maioria das coisas impossíveis, é só uma questão de tempo até aparecer alguém idiota o suficiente para tentar.

Hellblade: Senua’s Sacrifice é um jogo sobre dor e sofrimento: as dores que causamos uns aos outros, quer queiramos ou não e o sofrimento que só aqueles mais próximos de nós são capazes de infligir. Mas a verdade é que, se Hellblade fosse apenas sobre isso, nada o distinguiria de outras produções que visam retratar estados mentais diferentes da “norma”.

O que o jogo da Ninja Theory faz e o que o torna tão revolucionário é que ele não fetichiza o sofrimento por qual Senua passa ou tenta fazer com que o jogador sinta pena dela. O que o roteiro de Tameem Antoniades faz tão bem é apresentar Senua primeiro como uma personagem e explorar sua psicose à partir daí. Em poucas palavras, Senua nunca deixa de ser a protagonista de sua própria história e sua psicose não é descrita como o único aspecto definitivo de sua personalidade.

Ela vive em um mundo cercado por vozes que querem confundi-la e fazê-ela achar que está amaldiçoada. A jornada pela qual ela passa, no jogo, é a jornada pela qual ela conta sua própria história e acha sua própria voz.

Hellblade é também um jogo sobre esperança; sobre como nos lugares mais escuros costumamos formar as amizades mais intensas, sobre como o amor é capaz de nos salvar de nossos impulsos mais sombrios, sobre como as memórias ruins não apagam as boas e, finalmente, sobre os sacrifícios que fazemos.

Se você ainda não se convenceu a pelo menos tentar dar uma chance à jornada de Senua, só há uma coisa que ainda pode te convencer. Duas semanas após seu lançamento, a Ninja Theory publicou, através do canal oficial da PlayStation no YouTube, um vídeo de elogios ao jogo.

A única diferença é que esses elogios não vinham de críticos especializados, mas sim dos próprios jogadores, que mandaram mensagens à desenvolvedora parabenizando-a por seu sucesso estrondoso ao retratar a experiência de se viver com psicose. O vídeo também é delineado por imagens feitas a partir do Modo Foto presente no jogo:

Desde seu lançamento original em 2017 e seu relançamento para os consoles da Microsoft e da Nintendo, Hellblade vendeu mais de um milhão de cópias, ganhou 11 prêmios diferentes por seu design de som, sua narrativa e seu revolucionário retrato da saúde mental.

Em abril, após as metas de venda no novo console serem atingidas, a desenvolvedora fez uma doação de 25 mil dólares ao Mental Health America, uma instituição que tem por objetivo promover o bem estar mental nos Estados Unidos. Em outubro de 2018 o estúdio também ajudou a financiar uma bolsa de estudos promovida pela organização beneficente Head to Toe, que teria como enfoque treinar profissionais capacitados em lidar com pessoas com transtornos mentais. O nome da bolsa é “Senua’s Scholarship”.

Hellblade ganhou edições físicas para todas as plataformas e hoje a Ninja Theory faz parte da Microsoft, trabalhando em um novo título ainda não anunciado.

Para que se dê continuidade a revolução iniciada por Hellblade: Senua’s Sacrifice e jogos como What Remains of Edith Finch, que também exploram transtornos mentais como depressão e ansiedade usando a interatividade inerente a jogos digitais, é preciso que mais desenvolvedoras, tanto as independentes quanto as já estabelecidas na indústria, percebam o verdadeiro potencial desse entretenimento: jogos digitais são capazes de nos transportar para espaços mentais radicalmente diferentes dos nossos. Capazes de criar vínculos com pessoas que não existem e de ao mesmo tempo retratar o mundo em que vivemos de maneiras inteiramente novas. São capazes de representar coisas que o cinema, a televisão e a literatura apenas sonham em fazer e dão espaço a vozes que nunca foram ouvidas. Então, por favor, vamos ouvir essas vozes, pelo menos dessa vez.

Quando contamos uma história sobre um de nós, contamos uma história sobre todos nós.

“Nunca esqueça como é ver o mundo como uma criança: onde cada folha de outono é uma obra de arte, cada nuvem que se move, um filme, cada dia, uma nova história. Nós também emergimos dessa magia, como uma onda no oceano, apenas para retornar ao mar. Não lamente pelas ondas, pelas folhas e pelas nuvens. Mesmo na escuridão, as maravilhas e belezas do mundo não nos abandonam – sempre estão lá, esperando serem vistas.”

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