Victor Hugo Aguila

Se permitir mergulhar na angústia é, antes de tudo, o primeiro passo para uma jornada de cura. Lançado em março de 2020, Chilombo reflete a profundidade emocional presente nas facetas do processo de luto e da autodescoberta. Sendo este seu terceiro álbum de estúdio, a narrativa madura e autêntica de Jhené Aiko transborda em sua musicalidade e reafirma seu local enquanto uma das vozes mais proeminentes do R&B contemporâneo.

Indicado em três categorias na 63ª edição do Grammy, incluindo Álbum do Ano, o disco é seu trabalho mais bem sucedido, tendo estreado em segundo lugar no Top 200 da Rolling Stone. Após o término com o rapper Big Sean, a artista adentra uma espiral emocional complexa, em que, ao longo de 20 faixas, transições entre raiva, solidão e tentação encontram um lugar fértil para se manifestar. Ao cantar sobre a dor da perda sob a ótica da espiritualidade, Jhené toma o enfrentamento como ferramenta para não ser paralisada pelas emoções tão bem acentuadas em sua obra. 

Gravado no Havaí, local onde a bisavó da cantora nasceu, o disco se destaca por sua ambientação tranquila e musicalidade suave. Com o uso de sons vibracionais e instrumentos relacionados à prática da meditação, Jhené Aiko cria uma sonoridade refinada e calma, sendo possível imergir em uma experiência sinestésica. Sem perder suas influências musicais, elementos do pop, R&B e hip-hop marcam presença no LP, que, combinados a novos ritmos, criam uma nova identidade para a arte da norte-americana. Junto à lírica explícita e sem filtros, é apresentado ao ouvinte uma viagem visceral e completamente avassaladora. 

Dentre as diversas faixas, o single Triggered (freestyle) se destaca melodiosamente em catarse. Ao abordar sobre a dificuldade em se reconhecer para além de seu papel dentro do relacionamento, é apresentado os ciclos viciosos no qual a vocalista se encontra, em que tenta incessantemente enfrentar a dor através do distanciamento. Na busca por evitar com que seus gatilhos sejam disparados, Jhené se encontra em uma estrada emotiva em que o único caminho apresentado é através da angústia. Com vocais sutis e precisos que emolduram a lírica potente, a canção atinge um patamar de poesia intimista, como se as palavras recitadas pertencessem a um diário escrito em um berço conflituoso e agoniante. 

Ainda que uma parte da construção emocional do álbum seja pautada no padecimento, é importante destacar sua outra face igualmente marcante: a libertação sexual. Através do erotismo e da sensualidade, a musicista destaca a excitação presente em se sentir desejada, mesmo que casualmente. Com a voz delicada e aveludada, é criado um aspecto sedutor através da doçura, no qual Jhené, apesar de expressar explicitamente o que almeja entre quatro paredes, permanece em um nível de delicadeza intocável. A canção On The Way, em parceria com sua irmã Mila J e presente na versão deluxe do disco, é uma expoente deliciosa dessa narrativa em que, sob a influência quase alcoólica da fantasia, a cantora transmite a ânsia de querer se tocar apenas por pensar em quem se deseja. Com êxito, a liberdade presente no sexo a auxilia a retomar o controle da sua feminilidade e autonomia, ainda que em meio ao caos. 

A perspectiva de cura e sexualidade se fundem em faixas como P*$$Y Fairy (OTW). Pensada para além do entretenimento, ela possui mecanismos de restauração dentro da lógica espiritual. Em entrevista à Billboard, Jhené Aiko comentou que tal música possui a melodia e a lírica em tom Ré, estando este ligado ao chacra sacal, governante dos órgãos sexuais. Sendo assim, para além do prazer em escutar a produção, a intérprete transmite intencionalidade na ternura de um processo terapêutico, responsável por trazer equilíbrio nessa área tão fundamental para seu trabalho enquanto artista. Assim, o sexo passa a ser interpretado quase como algo divino, responsável não apenas por um deleite momentâneo, mas também como algo a ser nutrido e celebrado. 

Agora deite sua cabeça no travesseiro

Eu vou te foder bem devagar 

Quero que você diga meu nome – P*$$Y Fairy (OTW)

Para além da destreza técnica e lírica empenhadas, o disco demonstra singularidade logo de imediato a partir de seu título. Jhené Aiko Efuru Chilombo decidiu utilizar seu último nome como identificação do trabalho para honrar suas raízes e sua família. Karamo Chilombo, seu pai, lhe concedeu o sobrenome aos 20 anos de idade e, combinada a uma série de significados presentes nas línguas africanas, é criada uma linhagem significativa e afetuosa: Chilombo representa a força da vida, novos começos e a perfeição. Assim, é materializado de imediato a intenção da produção, em que a cantora valoriza sua herança cultural, ao mesmo tempo que cria uma nova para si. 

A glória de Chilombo se fundamenta em seu resultado, transmitindo coerência ao criar um processo de autoafirmação. Apesar de longo, o álbum se torna um regozijo a cada faixa, trazendo a autenticidade atemporal que tanto desejamos ver na indústria fonográfica contemporânea. Para além do sucesso no mainstream, Jhené Aiko atesta seu papel enquanto artista de maneira majestosa ao provar sua maturidade artística e reformulando o papel da música, colocando esta como ferramenta de um processo de purificação, ainda que de maneira sutil. Expandindo sua musicalidade para a estética e a espiritualidade, a Jhené triunfa em criar uma teia duradoura que, mesmo após meia década, continua a transmitir sua narrativa de maneira intacta e consistente.  

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Victor Hugo Aguila

Permitir ser vista em um contexto de isolamento é, definitivamente, um ato de coragem. Lançado em maio de 2020, durante a pandemia causada pela covid-19, It Was Good Until It Wasn’t abarca genuinamente as nuances e os desafios presentes entre o desejo e o afeto. Sendo o segundo álbum de estúdio da performer, a lírica intimista e os instrumentais comoventes reafirmam a identidade de Kehlani enquanto uma das maiores expoentes do R&B estadunidense.

Ao longo de 15 faixas e contando com colaborações de artistas como Jhené Aiko, Megan Thee Stallion e Lucky Daye, o disco se apoia em transmitir coerentemente um momento de incerteza sob a ótica de um relacionamento conturbado. Baseando-se na garantia de que, na verdade, nada é garantido, a cantora aborda as ansiedades que se manifestam em um campo de disputas entre o carnal e o sentimental. Sensual e autodestrutivo, a artista utiliza brilhantemente os recursos musicais como uma constante forma de provocação. 

Logo no início, a personalidade do trabalho que vem a seguir é apresentada estrondosamente ao ouvinte. Com uma intensidade emocional muito bem marcada, a estadunidense traz um caráter confessional ao utilizar memórias afetivas para criar sua arte. Após o término com o rapper YG em fevereiro de 2020 e o lançamento da canção Valentine’s Day (Shameful), a californiana ainda explora o tom melancólico, porém combinado a sensualidade que apenas a paixão pode proporcionar.

A partir do uso de elementos do soul e hip-hop, além do óbvio e glamuroso R&B, It Was Good Until It Wasn’t, cria uma identidade própria e atemporal, mas sem perder a possibilidade de reconhecer suas referências. Grandes nomes da década de 1990, como Aaliyah e TLC, ganham uma face contemporânea e podem ser reconhecidos nostalgicamente enquanto fortes influências do álbum, ainda que mantendo sua fidelidade aos anos 90. 

Mantendo esse caráter romântico da época e sem eufemismos, Kehlani apresenta vulnerabilidade ao expor uma relação fadada ao fracasso, porém sem perder a vontade quase animalesca de possuir e ser possuída. Em tom de súplica, a vocalista abre mão de sua racionalidade ao se isolar, mesmo que sem intenção, e prejudica não apenas sua individualidade, como também a relação que tenta incessantemente manter viva. Como ela mesmo afirma na canção Toxic, “Eu me torno muito responsável quando estou sozinha”. 

Ainda que haja uma construção emocional ao longo do álbum, é possível reconhecer um dos pontos principais das composições: a liberdade sexual. Por meio de aspectos da astrologia como tabuleiro de sedução, a faixa Water transpira deliciosamente o apetite sexual como ramificação da confiança. Ao permitir se entregar para o outro, a compositora encontra emancipação no poder da escolha de deixar ser dominada emocionalmente. É o contraste de uma relação paradoxal, na qual a sensação de liberdade, muitas vezes, está presente no ato de se acorrentar a um momento de fantasia quase que interminável.

Apesar de ter a relação com o outro como tema central, a relação consigo mesma não fica em segundo plano. Ao mostrar outra face da mesma moeda, a estadunidense reconhece suas incoerências, principalmente ao se desfazer para construir outro alguém. É a parte azeda que se manifesta na busca por amar e ser amada. Através de um lugar de racionalidade, ao cantar “‘Eu te odeio se transforma em ‘eu te amo’ no quarto” em F&MU, ela elabora suas incongruências deixando claro que reconhece a própria toxicidade e quem realmente é em um instante de carência, permitindo ter sua intimidade tocada apenas na casualidade. 

Em aspectos técnicos, é imprescindível destacar o casamento perfeito entre a voz áspera de Kehlani com a doçura melodiosa de Jhené Aiko na faixa Change Your Life. A vocalista de Triggered (freestyle) compõe uma teia harmoniosa ao ser adicionada a canção, tornando o álbum ainda mais completo. Na lírica, ambas afirmam saber o seu valor ao se colocarem em um patamar influente para tentar conquistar aquele que deseja. A ânsia pelo controle sobre o outro transparece na canção através da urgência de explorar suas potencialidades, querendo torná-lo melhor, mas sem perder o que se já tem. 

Intensa e visceral, Kehlani representa inteiramente o que significa sentir e ser muito. A sensação de entrar em contato com letras tão bem escritas é um fôlego, e a musicista representa com êxito a familiaridade em mergulhar de cabeça em alguém, sem se questionar o que pode haver no fundo. Ao analisar sua própria profundidade sob uma lente madura, ela destrincha o que é a intensidade e qual o seu papel em uma relação amorosa, desejando, em troca, apenas ser enxergada por ser quem realmente é.

Analisando o disco em sua totalidade, os instrumentos utilizados emolduram perfeitamente a voz e a escrita, além de se destacar como um dos pontos fortes da produção. No hit Hate The Club, em parceria com Masego, o saxofone suave do jamaicano proporciona a sensação do pós-balada que ainda nem ocorreu: íntimo, sedutor e trágico. A faixa representa o embate que é ter que lembrar quem se era antes de alguém. Kehlani canta lindamente a dor que é deixar de fazer algo que deseja por medo de sentir e se coloca em uma espiral de abstinência, no qual tenta encontrar conforto na possibilidade de recaída e no prazer do vício. Continuamente, é questionado: ir dançar para te esquecer ou para tentar te encontrar? 

Após tantos desencontros, Kehlani finaliza a pièce de résistance da sua carreira com a coragem de enfrentar o luto de uma relação que não existe mais. Na tentativa de manter viva uma relação morta, a artista recai em consciência e percebe que, nesse momento, o único vínculo a ser salvo é o seu consigo mesma. Apesar da importância e facilidade que ela encontra ao falar sobre liberdade sexual, é necessário chegarmos ao final do projeto para que possamos ter contato com seu lado emocional completamente em estado de nudez. Respondendo diversos questionamentos, ela se permite ser vista e retoma para si o poder presente em ser vulnerável. 

O triunfo de It Was Good Until It Wasn’t se apresenta não apenas por conta de suas composições originais e produção tocante, mas também por sua atemporalidade. Ao ecoar de maneira tão genuína sobre paixão, inseguranças e sexualidade – temas ainda extremamente relevantes no cenário cultural atual – Kehlani deixou novamente sua marca no mundo da música e continua se consagrando enquanto alguém destinada ao sucesso. Ainda que não esteja tão presente no mainstream atualmente, a confiança no potencial do seu trabalho faz dela uma voz forte no campo artístico. Se relacionando com a opinião do público, é compreensível e ganha ainda mais sentido o que ela afirmou para a Apple Music em 2020: “Não importa o que aconteça com este álbum, ele vai ser sempre o meu projeto favorito”.

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Amábile Zioli

O mix de gêneros, ritmos e estilos pode ser uma ferramenta muito utilizada no meio musical. Encontrar o equilíbrio e não pender para o exagero, no entanto, é uma tarefa que poucos conseguem alcançar. Em 2013, Donald Glover, sob o pseudônimo de Childish Gambino, lançava seu segundo álbum de estúdio, Because the Internet, e mostrava ao mundo que entendia de tudo um pouco.

Dois anos depois de Camp, o disco debut, o cantor retornou aos charts para se consagrar como uma potência emergente no cenário musical. Glover já estava presente em outros veículos: na TV, como Troy Barnes na série estadunidense Community; por trás das câmeras, roteirizou 30 Rock, seriado protagonizado por Tina Fey; e nos palcos também fez comédia, com shows de stand up que refletiam o humor em sua trajetória de carreira.

Dominado pelos instrumentais que soam como a marca registrada de Gambino, Because the Internet conta com uma produção majestosa. Mesmo que não seja lotado de colaborações, é isso que dá espaço para o cantor colocar sua genialidade nas faixas. Contando apenas com Chance The Rapper, Jhené Aiko e Azealia Banks para trazer novas vozes ao álbum, os feats se adaptam ao estilo do colaborador, sem perder a essência do jazz contemporâneo e bem trabalhado.

Com melodias agressivas, como vemos em I. Crawl, é possível enxergar o que hoje Tyler The Creator é famoso por fazer: transformar uma grande gritaria em Arte na sua mais pura forma. Os versos gentilmente cantados pela voz firme de Alessia De Gasperis, conhecida pela premiada, Mind, de Jack Ü, contrastam da forma mais inusitada possível com as exclamações incompreensíveis de Gambino ao fundo, amarrando toda a produção e garantindo uma harmonia surpreendente. 

2013 foi um ano difícil para se destacar no mundo do rap. Tendo nomes como Kanye West, com Yeezus, e Drake, com Nothing Was The Same, no topo dos lançamentos mais esperados, era presunçoso esperar que o segundo álbum de um artista em ascensão ia chegar longe. Mas chegou. Because the Internet estreou em sétimo lugar na Billboard 200 dos Estados Unidos e foi indicado ao Grammy de Melhor Álbum de Rap, trazendo o impulso que o cantor precisava para alavancar sua carreira musical de uma vez por todas. 

Guiando as faixas como se fossem um stand up cantado, Childish Gambino se sente em casa e faz jus ao nome do disco, usando a internet como personagem principal de seus atos. Ele a atribui papel de responsável por todos os recentes acontecimentos de sua vida pessoal e profissional. Tudo é graças à internet. Cheia de gírias, trocadilhos e algumas referências, a obra se torna uma extensão da personalidade marcante e conquistadora do carismático cantor e produtor norte-americano. 

Because the Internet foi um divisor de águas para a carreira de Donald Glover enquanto Childish Gambino. Aqueles que se encontravam no seu flow energético e, em outra parte do tempo, igualmente pacífico, passaram a admirar ainda mais a versatilidade do cantor. Isso não acabou no segundo álbum. Todo o seu trabalho contribuiu para a evolução de suas percepções musicais e o encontro do que mais combinava com a persona, sendo importante para o que muitos críticos chamam de sua obra prima: Awaken, My Love!, quarto álbum de estúdio do artista, que só seria lançado oficialmente em 2016. 

Mesmo após 10 anos do lançamento, Because the Internet ainda reflete na indústria musical de forma perceptível. Trazendo um hip-hop cru, mas longe de incompleto, Gambino brinca com os interlúdios como se fossem acessórios de um produto maior, o que realmente são. É assim que o cantor se consolida como uma força em ascendência sem perder o foco de todos os outros projetos, o que o torna um dos artistas mais completos da atualidade.

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Anna Clara Leandro Candido

Não, a Disney não comprou os direitos de Avatar e fez um filme da Korra. Mesmo compartilhando muitas características com a personagem da Nickelodeon, Raya é, na verdade, a protagonista do mais novo filme da Disney+. Lançado simultaneamente nos cinemas e na plataforma de streaming no dia 05 de março, o filme já conquistou o coração de muitos fãs e boas críticas. Raya e o Último Dragão traz novos horizontes para o conceito de histórias de princesas que tanto conhecemos, assim como dá um show de representatividade e animação.

A história se passa no vasto reino de Kumandra, uma civilização ancestral formada por povos de diferentes culturas que compartilham a proteção e admiração pelos dragões. Um dia, o mundo foi atacado por sombrias e assustadoras criaturas chamadas Druums, que travaram uma árdua guerra contra os dragões. A batalha parecia perdida até que Sisu, o Último Dragão, utilizou uma pedra mágica para aprisionar os monstros e desapareceu. A cobiça pelo último resquício de poder dos dragões, a pedra mágica, fez com que a população de Kumandra se dividisse e lutassem entre si. 500 anos depois, um acidente faz com que os Druums sejam libertos e Raya decidi ir em busca do último dragão para salvar sua família.

Raya e Último Dragão já começa apresentando o que será um dos pontos altos da trama: a diversidade. Kumandra é um espelho do sudeste asiático e os personagens são claros reflexos de cada região que compõe o vasto território. Seja pelos traços físicos ou personalidade de cada um, o filme consegue apresentar cada detalhe naturalmente, tanto no roteiro e trilha sonora, quanto na história e animação. 

E não é só dentro da narrativa que essa diversidade se faz presente, fora dela também. Com o roteiro escrito por Qui Nguyen (The Society) e Adele Lim (Podres de Ricos) e o time de dubladores composto por Kelly Marie Tran (Raya), Awkwafina (dragão Sisu) e Gemma Chan (Namaari), o filme conta sua história com propriedade. Infelizmente, a dublagem brasileira não segue a representatividade da original, tendo Lina Mendes como Raya e Priscila Concepcion como Sisu. Ainda assim, o time nacional não perde na hora de entregar um trabalho de qualidade e igualmente engraçado. Com sua dublagem, Priscila traz vida e muitas risadas ao último dragão de Kumandra, Sisu.

Logo no começo, a vastidão e diversidade de Kumandra enchem os olhos do espectador, mas ela de nada seria sem o trabalho maravilhoso do time de animadores. Por mais que tenha investido em diferentes gêneros e tipos de filmes nos últimos anos, a Disney é, e sempre foi, a casa das animações e Raya e o Último Dragão é a prova disso. É lindo ver os detalhes da água que cortam os rios do mundo de Raya, ou mesmo a bela animação das cenas de lutas entre os personagens. Sem falar na dedicação colocada ao produzir os movimentos e fotografias dessas batalhas. 

A impressionante parte técnica do filme proporciona uma base firme para a apresentação e desenvolvimentos dos personagens, principalmente o de Raya. A mais nova princesa da Disney chegou sem uma coroa na cabeça, mas com uma espada na mão e um grande espírito de luta. Desde a primeira cena, o espectador não duvida em nenhum momento que ela é uma guerreira forte e destemida que faria de tudo por aqueles que ama e pelo que acredita. Essa representatividade feminina não é apresentada com diálogos, mas sim com ações, posicionamentos e brilho no olhar. Praticando o famoso “uma ação vale mais do que mil palavras” e, mais uma vez, demonstrando como uma representação dentro do audiovisual deve ser feita: naturalmente.

Diferente da maioria das princesas Disney, Raya inicia sua aventura não por um sonho ou desejo de unificar sua terra – que está dividida a muito tempo pelo remorso, ganância e traição -, mas sim pela esperança de salvar seu pai. A personagem constantemente alerta Sisu para não confiar em ninguém, é uma guerreira solitária, prática e com com fortes objetivos. Ela demonstra que nem toda ação heróica tem como origem um ato altruísta, que, no fim, o importante é aprender com sua jornada e fazer a melhor escolha, mesmo não sabendo se é a certa. Raya é para essa nova geração de meninas o que Mulan foi em sua época, uma revolução para o futuro das princesas.

O desfecho da jornada de Raya e seu desenvolvimento não seria possível sem os personagens secundários que caminharam ao seu lado. Faz muito tempo que a Disney acerta na hora de criar os coadjuvantes de seus filmes, desde dos hilários e despreocupados Timão e Pumba ao fã de abraços quentinhos Olaf. É, então, em seu mais novo filme que ela apresenta o adorável Tuk Tuk, parceiro de Raya; Boun, o garçom mais divertido; Noi, a bebê golpista e sua trupe de macacos; e Tong, o grandalhão mais sensível que você vai conhecer. Todos eles cumprem seu papel na trama e acrescentam apenas o que é pedido, cada um em seu momento.

No fim, não se pode falar do filme sem mencionar Namaari, a oponente de Raya e, claro, Sisu, o Último Dragão. A trajetória da princesa do reino de Presa é tão emocionante quanto a da protagonista. Ela é o reflexo puro do que Kumandra se tornou após a derrota dos dragões. Alguém machucada e desesperançosa pela situação em que seu povo se encontra e que toma decisões drásticas e egoístas para poder sobreviver. 

Até mesmo a personagem principal, Raya, compartilha de muitas semelhanças com sua adversária. Ambas são mulheres fortes e princesas guerreiras que fariam de tudo para defender seu povo. A diferença é que a protagonista teve a visão e sonho de seu pai passados a ela. No fundo, tudo que Namaari e o povo de Kumandra  precisavam era de um pouco de esperança e é isso que Sisu traz. Essas semelhanças e contrapontos  entre as duas fazem da princesa de Presa uma rival ideal para a narrativa da obra e peça fundamental para a moral da história. 

E o que dizer de Sisu? O poderoso e hilário Último Dragão é, definitivamente, uma das principais fontes de risadas no filme. Por mais que seu design seja um pouco estranho e uma tentativa forçada de humanização exagerada, Sisu não deixa de ser um ponto alto da trama. A todo momento sua personalidade alegre e despreocupada passa uma impressão imatura, mas é ela quem carrega a mensagem mais importante da obra. É a caçula dos dragões que ensina Raya, Namaari e o povo de Kumandra o que a humanidade havia perdido 500 anos atrás: confiança e esperança uns nos outros. Um verdadeiro dragão treinando seus humanos.

Por fim, a mensagem que Raya e o Último Dragão passa é uma das mais maduras de todos os filmes da Disney. Ele deixa o musical e contos de fadas de lado para apresentar uma narrativa política e recheada de questões morais. Um filme para crianças que fala sobre guerra, luto, traição e egoísmo humano de maneira suave mas impactante. Raya é um compilado de Mulan misturado à Moana, que pode facilmente tornar-se um marco para uma nova leva de histórias dentro da Casa do Mickey Mouse.

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