Vitória Borges

Exibida no Festival de Veneza de 2025, Bugonia, nova produção de Yorgos Lanthimos, faz parte da seção Perspectiva Internacional na 49ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo. O longa, que acompanha a história de dois jovens primos obcecados por teorias da conspiração, busca trazer uma sátira um pouco grotesca sobre os pensamentos políticos da esquerda e da direita.

Conhecido por mergulhar de cabeça em universos absurdos, repletos de humor ácido, sarcasmo e críticas sociais, o diretor grego traz, dessa vez, uma adaptação um pouco diferente do cult Salve o Planeta Verde (2003), do coreano Jang Joon-Hwan. O título de Bugonia é um termo que remete à crença antiga de que abelhas poderiam nascer a partir da decomposição de um boi morto, fazendo jus ao filme ao explorar uma narrativa construída em torno de um ciclo que mistura decadência e vitalidade, morte e criação.

 Com um brilhante elenco, esta ficção científica conta a história de Teddy (Jesse Plemons) e Don (Aidan Delbis), dois primos que acreditam fielmente na existência de alienígenas e na dominação do nosso planeta. Consequentemente, acreditando que ela seja Andromedana, eles sequestram Michelle – CEO de uma empresa farmacêutica bilionária. Interpretada por Emma Stone, a personagem parece esconder um segredo a cada cena em que aparece, bagunçando ainda mais a cabeça do espectador.

Apesar do público estar cansado de ver Stone em mais uma obra do cineasta, parceria que acontece desde A Favorita (2018), é impossível dizer que a atriz não se entrega cem por cento. A americana, que chegou a raspar seu cabelo durante as gravações para dar mais credibilidade à produção, consegue tirar o papel de letra em sua atuação, com muito sarcasmo e uma frieza que só ela sustenta.

Abordando temas como questões ecológicas e destruição do planeta, o roteiro de Will Tracy (O Menu) é capaz de manter o frescor do desconforto clássico do diretor de O Sacrifício do Cervo Sagrado, o que influencia no uso de enquadramentos fechados na fotografia – que consegue contrastar perfeitamente o desequilíbrio da trama. A trilha sonora assinada por Jerskin Fendrix ainda é um grande acerto por parte da produção, que chegou a incluir faixas de artistas atuais como Good Luck, Baby!, de Chappell Roan.

Como todo filme de Lanthimos, a obra gera desconforto, não só pelos gritos e explosões, mas também com momentos de silêncio e cenas completamente perturbadoras que envolvem coisas muito bizarras. Bugonia consegue elevar o Cinema em um novo patamar visual, com situações viscerais e pulsantes, como o universo orgânico que o próprio título evoca.

No fim das contas, é fácil acreditar que a produção nos mostra como alguém que não é um extraterrestre pode viver e salvar as abelhas, e Bugonia transmite essa mensagem melhor do que o título infantil Bee Movie, da DreamWorks. O longa é sobre ousar e apostar que a humanidade precisa ser melhor, tudo pelo bem do mundo e de todos que habitam nele.

Por mais que muitos não compreendam ou que divida opiniões, a trama é uma das mais divertidas de Yorgos Lanthimos, principalmente por cumprir seu papel em meio ao Cinema da previsibilidade. Em um cenário saturado de narrativas lineares e heróis ‘perfeitinhos’, o diretor grego continua a insistir no que sabe fazer de melhor: apostar na beleza do estranho e na vida que brota no que já parecia morto.

O post Em Bugonia, Yorgos Lanthimos explora o limite entre a morte e a criação apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Guilherme Veiga

“Fundamentalmente é algo que, por alguma razão, permanece. Algo que você pode ver anos depois ou 10 anos depois você irá ver e será diferente. Em outras palavras, há algo a mais para aprender sobre si próprio e sobre a vida”

Foram com essas palavras que Martin Scorsese definiu sua percepção sobre Cinema. Fatores como sua própria filmografia ou seu instituto The Film Foundation, responsável por restaurar mais de 1000 filmes, colocam o diretor como uma espécie de guardião vivo da Sétima Arte.

O próprio idealizador já afirmou que foram os filmes que moldaram sua percepção da vida enquanto criança, por isso, nada mais justo que florescesse nele o ímpeto por contar e eternizar histórias. Isso resultou em uma carreira ímpar, primorosa e incontestável, fazendo que somente Scorsese fosse a única pessoa possível para, desta vez, dar voz a toda a vivência de um povo através de sua nova obra-prima, Assassinos da Lua das Flores.

O longa conta a história dos Osage, tribo nativo-americana que habitou grande parte do centro do país e, com o avanço do homem branco, teve seu território majoritariamente reduzido. O que acontece é que a área que sobrou para o povo – escolhida justamente por ser infertil, e assim, sem grandes disputas – se descobriu uma jazida de petróleo, e todos sabemos que a junção dos americanos brancos com esse combustível fóssil não resulta em boa coisa. A partir dessa descoberta, se desencadeou uma série de assassinatos inconclusivos com os nativos na década de 1920, que, após muito protesto, culminou na criação do FBI.

A julgar pelo contexto da história e da filmografia de Scorsese, é natural atribuirmos que o diretor tratasse esse recorte pela ótica da criação da organização federal. Porém é aqui que ele, mesmo no auge dos seu recém completados 81 anos, demonstra toda sua imensidão e jovialidade quando o assunto é Cinema. Assassinos da Lua das Flores de forma alguma foca no que seria mais tangível para a maneira como pensamos a sociedade em que vivemos. Pelo contrário, ele traz para si o discurso de formação estadunidense a partir do choque de quem realmente o formou, os Osage, aqui representando a diversidade de povos,  com quem os usurpou.

Dessa forma, o longa derruba por terra a balela do Destino Manifesto, fazendo com que essa busca por uma terra prometida, na verdade, seja uma invasão e tomada de territórios de maneiras que nem o Diabo poderia imaginar, e que, mesmo centradas no início do século XX, tangenciam para fora das telas. A obra se torna um tapa na cara, principalmente nesses tempos, por evidenciar o modus operandi que esse discurso aplica há séculos: sorrateiro, travestido de progresso e nefasto.

Nesse sentido, mesmo com um derramamento de sangue um pouco mais brando, pelo menos visualmente, é o filme mais violento de Scorsese. Isso se dá muito por conta de ser uma violência tão latente que nos acostumamos com ela, tanto no caso dos Osage, como também na tragédia de Tulsa, citada também na produção e igualmente esquecida. Porém, aqui, a agulha que sempre esteve próxima de nossa espinha começa a incomodar e nos trazer agonia. 

O cineasta trabalha tal mal-estar de diferentes formas: ele é de terror, no molde de ‘o inimigo não mora ao lado, mas junto’, do mesmo modo que Corra! replicou, mas sem ser terror; é um western, só que anti-western; é um filme de máfia também, sem replicar tanto a máfia como o diretor já demonstrou em projetos anteriores e também um filme de tribunal, em que o real julgamento ultrapassa as telas. Misturar tantos gêneros pode parecer perigoso, e é analisando esse aspectos que Scorsese se torna não a pessoa perfeita para contar essa história, mas a mais capacitada.

Tal aspecto fica muito evidente nas últimas cenas da obra, que apesar de serem divisivas, são brilhantes no contexto da narrativa. Já comum por aparecer em suas produções, Scorsese assume o discurso de mea culpa, ao mesmo tempo que traça uma crítica extremamente estilizada ao fanatismo cego por true crimes. O longa entende que, apesar do cuidado, aquela ainda é uma visão branca da história, e em um mundo onde o lugar de fala se faz presente e necessário, o diretor graciosamente ‘dribla’, no melhor dos sentidos, o politicamente correto e escancara que a tragédia permaneceu décadas escondida justamente pelo comodismo da sociedade branca. Assim, ele faz de Assassinos da Lua das Flores não só um olhar para os Osage, mas também para o remorso que habita adormecido em nós mesmos.

Todos os acertos de Assassinos da Lua das Flores se englobam, principalmente a partir do roteiro e a forma que ele traduz a genialidade de seu idealizador. O texto consegue pincelar o necessário de uma história cheia de pormenores e ainda sim a deixar densa, dentro do DNA da filmografia de Scorsese. Por isso, ele não se limita ao aprofundar o contexto, fazendo questão do espectador, cadenciadamente, se despir da posição de observador de uma cultura diferente e aos poucos se inserir no modo de vida dos Osage, na função de cada vez mais ir minando nossas diferenças para se criar uma forte empatia com os nativos, que combina demais com o clima de suspense da obra.

Através das várias camadas que a escrita de Martin em parceria com o lendário roteirista Eric Roth (Duna, Forrest Gump) atribuem, o longa vai aos poucos transmutando, entre suas três horas e meia, a ideia de Cinema Scorseseano. O diretor já afirmou que havia um esboço completamente diferente do filme e, percebemos como Assassinos da Lua das Flores entende que, tanto o cineasta como o público estavam imersos em um lugar comum. Ao decorrer da produção, percebemos o desvencilhar de sensos para voltar o olhar ao real problema.

O controle criativo do diretor sobre o longa resulta em um time extremamente afinado com as intenções da produção. Anunciado como o segundo projeto consecutivo de Scorsese que beira as três horas de duração, Assassinos da Lua das Flores certamente já nasceu divisivo, principalmente para quem já se sentiu atacado pelas declarações do vovôzinho, seja dentro ou fora das telas. Porém, o registro, sendo entendido como a exaltação da filmografia do realizador, ironicamente reúne os Vingadores da indústria.

O texto, por si só, já traz o dinamismo que a obra precisa, no entanto, o principal nome que faz com que a película não nos arrebate pelo tamanho e sim pela densidade é o da editora Thelma Schoonmaker. Ela esteve presente em incríveis 21 outros projetos do diretor, mas aqui faz deste trabalho sua magnum-opus, sabendo quando deve cadenciar a história para que ela própria se sustente e quando deve adicionar ritmo, fazendo com que as 3 horas e 26 minutos mal sejam sentidas.

Ainda por trás das câmeras, Rodrigo Pietro, novato em parcerias com Scorsese, brilha. Diferente de seu outro sucesso do ano, Barbie, em que a fotografia extremamente carregada do filme de Greta Gerwig cria o choque entre mundo real e ficcional, aqui ele abusa de uma composição de imagem mais branda e contemplativa, que nos coloca dentro da dimensão de todo o acontecimento. Completando o time dos sonhos, Robbie Robertson tem outras seis parcerias com o diretor e novamente transforma sua trilha em quase uma figurante, que está bem lá no fundo, soturna, se esgueirando pelas colinas e marcando o suspense crescente. Robertson, infelizmente não pode conceber a magnitude de seu trabalho no épico, pois faleceu em Agosto, dois meses antes da estreia de Assassinos da Lua das Flores.

Quem realmente personifica a caminhada do diretor no Cinema está à frente das telas. Para quem já acompanha a carreira de Scorsese, além da assinatura, estilo e maneirismos que ele imprime em seus filmes, outro aspecto torna a identificação extremamente fácil: o elenco. Existe sim uma rotatividade ao longo da filmografia, mas dois chamam atenção, além de simbolizarem dois momentos da vida do idealizador, que em Assassinos da Lua das Flores, se encontram para exaltá-lo.

De Niro, hoje já veterano do Cinema, viu sua carreira florescer junto com Scorsese e a nova obra marca a décima primeira parceria com o diretor. Já conhecido pelo papel de anti-herói nessa amizade, dessa vez encarnando William ‘King’ Hale, o ator vai pelo caminho contrário e mergulha em um vilão desprezível que, graças a facilidade do ator em transmitir expressões de forma serena, exemplifica fielmente a dualidade que o homem branco assumia para os nativos americanos naquela época. DiCaprio, por outro lado, que representa a pegada moderna do cineasta e conta com seis filmes assinados pela lenda no currículo, entrega seu papel mais complexo, trabalhoso e talvez o melhor executado da carreira. Na persona de Ernest Burkhart, o ator passeia entre os extremos de um anti-herói ingênuo e cativa o espectador, seja para bem ou para mal.

Porém, Assassinos da Lua das Flores também amplia o leque de atores no qual o diretor e roteirista trabalha. Jesse Plemons retorna depois de O Irlândes e se coloca como um dos nomes mais disputados das produções daqui pra frente. Brendan Fraser (A Baleia) estreia com o Scorsese e rouba a cena no pouco tempo de tela que tem, assim como Cara Jade Myers, estupenda no papel de Anna Brown. Mas quem realmente dá a cara tanto para o projeto como para a intenção do idealizador de inserir atores nativos americanos é Lily Gladstone. Sua interpretação no papel de Molly Burkhart pode ser definida pela palavra pontualidade. Gladstone tem uma consciência sobrenatural de saber quando se comunicar através da força de suas palavras ou quando deixar o silêncio e sua forte expressão gritarem o que a personagem guarda dentro de si.

Todo cineasta é um diretor, mas nem todo diretor é um cineasta. E Scorsese pode ser uma das poucas pessoas para qual se pode atribuir as duas nomenclaturas, e é com Assassinos da Lua das Flores que essa diferença de significados fica claro. Um diretor, ao pé da letra, somente transpassaria o já denso texto da literatura para a tela. Já o idealizador, com sua carga de Cinema de autor muito presente, complementa o texto na tela, dosando milimetricamente o escrito do visual. Por isso, não importa qual palavra você escolha para enquadrar Martin Scorsese, ele será genial e um dos maiores da história em qualquer definição.

A obra, para além de ser um exercício necessário de trazer à tona a história dos Osage, também serve para fincar o nome do diretor na história. Nos seus mais de 50 anos de carreira, caso em algum momento tenha existido alguma desconfiança da importância dele para a indústria, é com Assassinos da Lua das Flores que todas as dúvidas se tornam inexistentes. Se a Sétima Arte é definida por ele mesmo como algo que permanece, tanto o filme como o legado de Scorsese permanecerão pela eternidade.

O post Os coiotes em pele branca de cordeiro de Assassinos da Lua das Flores apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Vitor Evangelista

Vinte e um anos atrás, Bronco Henry morreu. Estamos em 1925 e Phil (Benedict Cumberbatch), seu aprendiz, amigo e muito provavelmente amante, ainda não superou essa perda. Sua maneira de lidar com o luto é se tornando um completo babaca, abusivo com o irmão mais jovem e tóxico com seus funcionários do rancho em Montana. Sob a direção sempre alerta e nada ociosa de Jane Campion, a Netflix constrói no íntegro Ataque dos Cães um drama acrônico, atemporal.

Na história adaptada do clássico The Power of the Dog, escrito por Thomas Savage, dois irmãos administram juntos um negócio envolvendo o pastoreio de gado, até que o mais jovem conhece uma viúva e acaba trazendo ela e o filho para morarem todos debaixo do mesmo teto. Phil, personagem de Cumberbatch, é avesso à ideia da noiva recém-chegada na família e faz de tudo para que ela se sinta desconfortável.

Com essa sinopse, é esperado que o longa, uma das apostas da Netflix para a vindoura temporada de premiações, caia em um supérfluo jogo de gato e rato. Porém, Jane Campion escreve e dirige sem a pressa do imediatismo clichê, mas com a ideia de contar uma história rica em detalhes, nuances e significados. Comecemos então pelos de Phil. A carcaça de sujeira que lhe cobre cada fatia exposta de pele não foi apenas maquiagem, já que seu intérprete se rendeu ao mítico Método de Atuação para dar vida ao protagonista.

Além de não se banhar com frequência, Cumberbatch revelou que teve envenenamento por nicotina três vezes, que procurava se manter distante de Kirsten Dunst nas gravações, aprendeu a tocar banjo e que ficou “no personagem” por todo o período de filmagens. A rodagem na Nova Zelândia, terra natal da já Oscarizada Campion, recria com primazia as planícies desérticas e o tempero rochoso que a Montana estadunidense exalava nesse Velho Oeste.

Assim como o design de cenários, Phil vive no passado. Ele passa boa parte da história apenas rememorando acontecimentos e se fechando nessa jaula temporal que o mantém seguro. Bronco Henry vive em sua memória, o tempo é bom lá. Quando George (Jesse Plemons) conhece a futura esposa Rose (Dunst), Phil percebe que o irmão, enfim, escapou do ontem, tornando sua solitária estadia ali dentro cada vez mais insustentável.

A saída é a violência, verbal, física, emocional. A certeza de que, falando grosso, todos o obedecerão. O que Jane Campion não esconde, todavia, é o caráter comportamental de seu hábil protagonista. Metido entre os bois e vacas, assobiando, castrando animais e arrancando suas peles, Phil é, ele mesmo, uma cabeça de gado. Ele opera sistemática e mecanicamente, tem medo do desconhecido, segue regras criadas por si mesmo para que a segurança e a ordem sejam mantidas.

Quando filma o homem se afogando num mar de bovinos e de poeira, a direção de fotografia de Ari Wegner diz muito. Tudo muda quando, além da chegada de Rose, vem junto no pacote o tímido Peter (Kodi Smit-McPhee). Primeiro feito de trouxa por Phil, o jovem acaba despertando sentimentos conflitantes no caubói. A relação da dupla constitui o coração de Ataque dos Cães, mesmo que o filme demore um pouco para chegar nesse clímax. 

Dividido em atos “temáticos”, o foco, a princípio, é a tensão entre Rose e sua nova moradia. A morte de seu primeiro marido, que compartilha ecos da violência de Phil, guarda sequelas dormentes na existência da personagem de Kirsten Dunst, atriz que internaliza muitas de suas dores, dando veracidade e afeto ao estado de, sem mais nem mesmo, estar deprimida. Papel que cai como luva para a artista que deu vida ao suprassumo da tristeza em filmes como As Virgens Suicidas e Melancolia. 

Dessa vez, Dunst é peça coadjuvante de toda a ação, por mais que sua estadia no rancho e no cotidiano de Phil seja catalisadora para a relação nascente entre o cunhado e seu filho. Contracenando com seu companheiro na vida real, Jesse Plemons, Dunst assegura que Ataque dos Cães não concentre apenas machos famintos, adicionando uma densa abundância de emoção, dureza e, mais perto do fim, um alívio que vem de bom grado depois de uma jornada tão carregada.

Plemons parece estar na sua zona de conforto, em mais um papel do cara legal, silencioso e meio banana, mas seu personagem serve, como tudo de Ataque dos Cães, em favor do protagonista. As omissões e a submissão de George falam bastante sobre a criação dos irmãos e, ao passo que Phil abraçou a grandiloquência da má educação, o caçula busca sobreviver pelas beiradas. Por isso, cenas de troca entre os atores causam tamanho desconforto, ninguém deveria ter a liberdade de tratar o outro daquela maneira. Mas Phil tem.

Cão que ladra, não morde. Jane Campion fez seu nome imprimindo autenticidade em visões banais do mundo. Em O Piano, filme que lhe rendeu uma Palma de Ouro e um Oscar de Roteiro Original, o objeto de estudo é a Música e a libertação. Já em Em Carne Viva, ela coloca suas apuradas lentes sob uma mulher agoniada e um policial fanfarrão, desconstruindo o papel do romance na década de noventa. 

Ataque dos Cães marca seu retorno ao formato do qual esteve afastada desde 2009, quando realizou O Brilho de uma Paixão e rumou para a TV, criando a limitada Top of the Lake, um dos passos de Elisabeth Moss pós-Mad Men e pré-The Handmaid’s Tale. Não importa de que maneira Campion queira contar a história, é certo que a abordagem será diferenciada. Homenageada com um prêmio Tributo por seu trabalho como Diretora no Gotham Awards 2021, a neozelandesa enfatizou a singularidade do projeto atual.

Em The Power of the Dog, Jane Campion quer colocar caubói na linha, quer impor limites, quer ressignificar o que a masculinidade tóxica significa e como é representada. Ela vai além, servindo a Benedict Cumberbatch seu papel mais suculento, prestes a ser banqueteado, com camadas de emoções escondidas, palavras não ditas e uma relação entre mentor e aprendiz que enriquece o escopo do que significa um relacionamento amoroso.

À sua maneira de brincar com a tentação, o filme impossibilita que Phil e Peter se entreguem ao corpóreo, apenas petiscando interações mais próximas. Seja na maneira como o rancheiro finca uma vistosa viga de madeira no chão, ou ainda na tenacidade do toque ao trançar a pele de boi em um chicote, os símbolos fálicos rodeiam a percepção humana, acompanhada, primorosamente, pela trilha sonora estoica de Jonny Greenwood, em apenas um de sua trinca de trabalhos fílmicos em 2021. 

Por definição, o caubói é alguém que pastoreia, que cuida e supervisiona, intervém bruscamente quando há necessidade e tem um senso aguçado de proteção. Nos anos em que a relação dos vaqueiros com os indígenas perpassava conflitos, o cowboy Phil equilibra a violência e o trabalho de audição. Ele é gerente de um negócio povoado por medo, inquietação e preconceito. Quando recebe os pais, nas participações quase que relâmpago de Frances Conroy e Peter Carroll, ele não demonstra amor ou afeto.

A aversão a qualquer afago que não seja o de Bronco Henry o repele. Peter é a exceção, mas demoramos a enxergar essa brusca inversão de valores. O salto temporal entre os capítulos que dividem o escrutínio e a atenção não se encarrega de mastigar o que Phil pensa, como age ou porque o faz. Kodi Smit-McPhee pode passar despercebido por quem está em busca de uma interpretação barulhenta ou reativa. O mesmo vale para a Rose de Kirsten Dunst, papel que coloca a prova as capacidades de instinto protetivo da atriz.

Jane Campion mantém todos fora de suas respectivas zonas de conforto, repetindo o exercício que já é característico de sua relação com o público. Do lado de fora da Netflix, não sabemos se Phil é mocinho ou vilão, se merece nossa torcida ou nosso asco. Quando conversa com Peter sobre as montanhas que cercam sua vida, o personagem se assusta no momento em que o jovem enxerga, com clareza, a forma do cão nas construções rochosas. Mais cedo, um dos trabalhadores questiona Phil sobre a mesma porção de natureza (“Tem algo lá?”), ao que ele rapidamente responde: “Não, se você não consegue ver, não tem”. Ainda bem que Jane Campion consegue.

O post Ataque dos Cães adestra caubói na marra apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Ma Ferreira

“Um distintivo assusta mais que uma arma”. Na Chicago de 1968, conhecemos um futuro Messias que, se apoiando em ombros de gigantes, sabe bem qual seu real inimigo e como atingi-lo. Enquanto esse Messias organiza seu rebanho, ele cresce como alvo principal do FBI, que angaria um ladrão de carros para ser seu delator e algoz. Essa é a premissa de Judas e o Messias Negro, longa que expõe problemáticas raciais da sociedade norte-americana, e que é protagonizado por Daniel Kaluuya e Lakeith Stanfield com a direção de Shaka King.

O roteiro é baseado em uma história real de traição. William (Bill) O’Neal serviu como um agente infiltrado dentro dos Panteras Negras para delação dos passos de Fred Hampton, culminando no assassinato deste. O filme é uma excelente proposta de reflexão sobre a moral, preconceito racial e estruturas de poder, sendo tanto um verdadeiro guia de militância, quanto de análise das posturas, atitudes e investimentos realizados por Hampton. Não à toa, Judas e o Messias Negro já rendeu algumas indicações e prêmiosa Daniel Kaluuya como Melhor Ator Codjuvante (vencedor do Globo de Ouro e do Critics Choice Awards e indicado ao Oscar 2021).

A direção de Shaka King acerta ao mesclar imagens reais junto às dramatizadas, conseguindo que o espectador se envolva, entendendo o quão dolorosa é a luta e trajetória de Hampton. Os recortes das imagens da entrevista de Bill, as mudanças nas posturas de Fred que afetam as atuações do Panteras, e os momentos de conflitos internos dos protagonistas sempre são precedidos por um estridente som musical que os demarca, como se fossem capítulos na evolução da narrativa e se tornando mais fortes perto do desfecho da mesma. 

“Eu sou a revolução!”. Um dos presentes na vida de Hampton é a sua camarada Deborah Johnson, interpretada por Dominique Fishback (atriz de Project Power, da Netflix). É com a personagem que Hampton repensa seu discurso de mais radical para algo mais acolhedor. Deborah trás leveza, emoção, uma visão mais humana da narrativa. Sua gravidez também nos faz questionar o quanto os corpos são políticos, eles são armas, mas também são, em essência, pessoas. Ela carrega em si a esperança de outros dias de luta, não só por gestar o filho do Messias, mas por continuar engajada nos Panteras Negras mesmo depois do assassinato de seu companheiro.

Kaluuya cresce com este personagem. Ele é intenso, doloroso, revoltado, de fato um revolucionário, de fato uma ameaça ao FBI quando consegue unir gangues, até mesmo de extremistas brancos sulistas, contra as repressões policiais. O ator que se consagrou com Corra! e fez o mais recente soco no estômago Queen & Slim, tem o ápice de suas atuações neste papel, merecendo destaque suas cenas pós-prisão, onde a vontade de lutar, as características de pertencimento e de crença nas pessoas se fazem maiores do que qualquer medo de repressão/opressão policial e sistêmica. 

Lakeith Stanfield também brilha em seu papel, ele traz um alívio cômico às situações que se coloca, mas ao mesmo tempo é um personagem que se vê em constante conflito. Seu papel tinha tudo para transformar o filme em mais um longa de agente infiltrado envolto em questões raciais, como Infiltrado na Klan, mas foge disso ao ser questionador em suas conversas com o agente Roy Mitchell (Jesse Plemons) e sofrer com suas próprias atitudes. 

“Está virando um Pantera”. Bill, o selvagem, infelizmente é corrompido por um sistema e é usado apenas como mais um peão para aniquilar o Rei. A todo momento vemos o personagem de Lakeith, um dos principais atores da série de Atlanta, oscilar. O conflito vem da sensação de pertencimento que encontra nos Panteras e seus discursos e o seguimento dos planos do FBI. Destacam-se aqui as cenas de reconstituição da sede dos Panteras, o questionamento de Bill a Roy quanto a necessidade da morte de Hampton e a última bebida que Judas oferece ao Messias. 

Elas mostram de maneira sensível, crítica e fulminante os conflitos internos de um personagem extremamente intrigante no histórico interno dos Panteras Negras. As imagens inseridas no longa, de uma entrevista real com William O’Neal mostram o quanto a atuação de Lakeith é grandiosa por se aproximar das posturas de uma personalidade verdadeira. Judas and the Black Messiah também mostra como o ator é versátil ao ser muitas vezes lembrado por produções em que ataca o racismo de forma ácida, irônica e até debochada, mas que neste longa apresenta uma face, na maior parte das vezes, séria e dramática.

O filme com toda a certeza merece as nomeações e prêmios que vem recebendo, incluindo as do Oscar como Melhor Filme, Ator Coadjuvante (indicação dupla para Daniel Kaluuya e Lakeith Stanfield), Roteiro Original, dos irmãos Kenny Lucas e Keith Lucas junto a Shaka King e Will Berson, e a Fotografia, de Sean Bobbit, vencedor do Spirit Awards por seu trabalho em 12 Anos de Escravidão. 

É um dos concorrentes que já atende às propostas de acolhimento à diversidade nas produções para que estas possam concorrer à premiação. Sua produção é essencialmente composta de pessoas negras (Ryan Coogler, diretor de Pantera Negra, Charles D. King, de Sorry to Bother You e Shaka King) e o seu elenco é repleto de atores engajados em produções que mostram da melhor e mais pungente forma as opressões e os absurdos do racismo. 

Mesmo que ele não leve nenhuma estatueta, Judas e o Messias Negro já é uma ótima indicação de longa que retrata de forma densa e bem colocada as questões raciais e de direitos humanos, bem como expõe as atuais problemáticas do racismo no país. É de fato um filme sobre um agente infiltrado, que desenvolve em real complexidade os processos pelos quais Hampton e O’Neal passam para serem quem são e demonstra de maneira formidável o seu principal personagem e vilão, o racismo estrutural.

O post Judas e o Messias Negro mostra de maneira formidável quem é o seu ‘verdadeiro vilão’ apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.