Laura Lopes

Rusty Sabich é um vice-promotor temido, reconhecido pelo seu talento em colocar criminosos de Chicago atrás das grades. Esse não é seu único atributo, porém. Na série Acima de Qualquer Suspeita (Presumed Innocent, no original), Sabich é vivido pelo ator norte-americano Jake Gyllenhaal (Donnie Darko; O Segredo de Brokeback Mountain) – ou seja, além de justiceiro, o protagonista é um galã com G maiúsculo, capaz de atrair qualquer mulher em um piscar de olhos – o que é um problema para ele.

A vida de Rusty, que, à primeira vista é digna dos comerciais de margarina mais cafonas, começa a degringolar quando sua companheira de trabalho e amante, Carolyn Polhemus (Renate Reinsve), é encontrada morta em seu próprio apartamento. A cena é chocante – Polhemus indubitavelmente não foi vítima de morte morrida, mas de morte matada, com requintes de crueldade. Não demora para que o romance, até então secreto entre Polhemus e Sabich, seja descoberto e ele se torne o principal suspeito.

O crime inunda a vida dos personagens centrais como uma avalanche. Sabich se vê pela primeira vez do outro lado do tribunal, no campo da defesa, e não mais na acusação. Raymond Horgan (Bill Camp), que, além de melhor amigo, é chefe de Rusty, vê suas chances de reeleição ao cargo de procurador geral devastadas com o assassinato. Barbara (Ruth Negga), esposa do vice-promotor, se encontra presa no dilema entre ficar ao lado de seu marido, que ela já não reconhece mais, e se proteger de um possível criminoso. Jaden (Chase Infiniti) e Kyle (Kingston Rumi Southwick), filhos de Sabich, sofrem com a possibilidade de perder o pai para a prisão durante o processo judicial.

As únicas pessoas felizes com o crime e acusação do já ex-vice-promotor são Nico Della Guardia (O. T. Fagbenle) e Tommy Molto (Peter Sarsgaard), que assumem os cargos de Horgan e Sabich, respectivamente, e se aproveitam da situação para alcançarem o poder que sempre desejaram. Destacam-se na série as cenas espetaculares contracenadas entre Jake Gyllenhaal e Peter Sarsgaard, que, mesmo sendo cunhados na vida real, deixam o parentesco de lado ao presentearem o público com uma rivalidade explosiva e sem escrúpulos. Molto é fissurado por Rusty e tenta deixá-lo atrás das grades a qualquer custo, não se sabe se por inveja da carreira e currículo quase impecáveis do galã, por ciúmes de Carolyn ou pelos dois.

Gyllenhaal, que teve sua estreia na TV com a produção, apresenta aos telespectadores um personagem diferente do que se viu com Louis Bloom de O Abutre e com o detetive Looki do thriller Os Suspeitos. Dessa vez, o ator seduz a audiência a seu favor, de modo a fazer com que torçamos pela absolvição de Rusty, mesmo em meio às inúmeras dúvidas que pairam no ar sobre ele . Gyllenhaal supera, inclusive, a interpretação de Harrison Ford ao trazer um protagonista muito mais complexo e multifacetado do que o vivido anteriormente pelo ídolo de Indiana Jones.

E quem assistiu ao filme de 1990 não está livre das surpresas, nem precisa se preocupar com spoilers: o desfecho chocante da obra de Kelley e Abrams não é o mesmo de 34 anos atrás. O sucesso foi tanto, que, após bater recordes de audiência na plataforma, a produção teve sua renovação garantida. Um novo caso, no entanto, deve ser desenvolvido na segunda temporada, que ainda não tem data de lançamento.

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Bruno Mael

Desde sua estreia como cineasta em 1995, o cineasta Michael Bay tem a ação junto a uma certa dose de niilismo como grandes marcas do seu trabalho. Premiado diretor de comerciais e videoclipes, Bay funde o apelo visual e a iconografia americana de seu predecessor Tony Scott, com o niilismo e antipatia de seu sucessor Zack Snyder, em filmes de ação saturados e apelativos que pouco se importam de fato com seus personagens. Talvez seja por isso que o americano se encontrou nos robôs da franquia Transformers, literais dispositivos de ação e frases de efeito, que a cada filme tinham mais tempo de tela e davam menos valor à vida humana.

Nessa perspectiva, Ambulância – Um Dia de Crime é quase uma antítese a essas características típicas do diretor, se opondo ao auge de sua antipatia em Sem Dor, Sem Ganho (2013), mesmo que também tenha a falência do sonho americano como tema. Na trama, o veterano Will Sharp (Yahya Abdul-Mateen II), fica desesperado para pagar as contas médicas de sua esposa e pede ajuda de seu irmão adotivo, o criminoso e carismático Danny (Jake Gyllenhaal), que propõe um grande assalto a banco. Porém, quando a fuga dos irmãos dá espetacularmente errado, Will e Danny sequestram uma ambulância com um policial ferido e a paramédica Cam Thompson (Eiza González) a bordo.

A partir dessa proposta, o filme segue a fuga interminável da ambulância pelas ruas de Los Angeles, repleto de cenas filmadas com drones como a grande novidade técnica. Se antes Bay não pedia para o público empatizar com mais de 2 ou 3 personagens, enquanto matava os outros ou os fazia de piada, agora o diretor tenta fazer o espectador tomar as dores de variadas pessoas envolvidas na perseguição do longa. Parte da responsabilidade nesse âmbito é do roteirista Chris Fedak, que tem em seu histórico produções simpáticas como as séries Chuck e Lendas do Amanhã.

No trio principal, Will tem o drama de sua esposa como força motriz e ponto de empatia com o público, enquanto Danny tem sua relação com o irmão e Cam tem dificuldade em se conectar — agindo quase como um metacomentário sobre os universos do diretor. Mesmo fora da Ambulância, os policiais e autoridades de Los Angeles, apesar de alvos de algumas piadas, também tem suas vidas pessoais expostas o suficiente para o público se importar minimamente. Em uma narrativa que se inicia tentando borrar a linha entre certo e errado, Bay nos convida a se importar e sentir junto a uma grande gama de personagens, desde os protagonistas, passando pelas autoridades e chegando até mesmo ao cartel que encomenda o roubo.

A tentativa, exposta no roteiro e na dramaticidade do diretor ao introduzir os personagens, se mostra necessária agora que o filme trata menos de ação, e mais de tensão. Em entrevistas, Bay destaca a troca do foco em ação e explosões, por uma tentativa de construir e manter a tensão dos assaltos e perseguições, o que também transparece nas referências feitas ao filme Heat: Fogo Contra Fogo. Apesar de igualmente acompanhar assaltantes de banco sob pressão em Los Angeles, Ambulance acaba sendo mais inchado e exagerado do que sua contraparte de 1995, ou do que a produção dinamarquesa homônima que inspirou o roteiro do longa.

Esse inchaço aparece com clareza no terço final do filme, onde o diretor parece se cansar do thriller que construiu até então. Bay troca o possível catarse do fim da perseguição, por paradas com setpieces de tiroteios e explosões. Ironicamente, visto que Will e Danny chegam a repetir a frase “Nós não paramos” como um mantra. Ainda assim, os montadores Doug Brandt, Pietro Scalia e Calvin Wimmer trabalham arduamente para tentar manter o estresse e a inquietação do longa, contribuindo muito para o thriller de perseguição proposto.

Nesses momentos, se torna claro como os atores contribuem muito para a imersão do longa. Yahya Abdul-Mateen II traz todo o drama e seriedade necessários para levar a sério a trama, enquanto Jake Gyllenhaal carrega carisma e exageros para seu personagem instável, que, a exemplo de atores como John Turturro e Nicholas Cage, brilha ao casar perfeitamente com o mundo saturado do diretor. Toda o estresse em que esses personagens são inseridos acaba servindo para revelar arquétipos em meio a crise, tanto na vilania do instável Danny, quanto no heroísmo de Will e especialmente de Cam, que Eiza González interpreta com uma dose necessária de estoicismo, enquanto Bay a trata com a reverência e exaltação que costuma dar aos “trabalhadores braçais”.

Apesar do peso negativo das paradas no ritmo, que devem cansar o espectador, os minutos finais encerram o longa-metragem de forma tensa, dramática e catártica. Mesmo que falho em parte de sua execução, Ambulância – Um Dia de Crime ainda é o melhor filme do diretor em alguns anos, surpreendentemente também é um de seus projetos menos caros, e uma boa opção de entretenimento. Resta agora saber se o futuro de Michael Bay continuará em projetos menores fora dos blockbusters, ou de volta aos projetos explosivos, custosos e saturados. 

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Thuani Barbosa

Dois jovens cowboys em um trabalho de verão nas montanhas, e nenhum dos dois poderia imaginar o quão alterado seriam seus destinos. O Segredo de Brokeback Mountain é o tipo de filme que surpreende o espectador a cada vez assistida, seja nas paisagens montanhosas que emanam a sensação de vastidão e plenitude, na singularidade de seus personagens, na interpretação impecável do elenco ou na explosão de emoções que chocam o peito de qualquer um. 

Jack Twist (Jake Gyllenhaal) é falante, expressivo e amoroso, um personagem carente, que leva consigo a frustração de não viver o amor e expressar sua sexualidade da maneira que deseja. Ennis Del Mar (Heath Ledger), quieto e sensível, se mostra o tipo de personagem acalentador, o qual se acostuma com a quietude e aprende a entender o sentimentalismo, como Chiron de Moonlight: Sob a Luz do Luar. A semelhança é presente em vários vieses, ambos homens homossexuais, que cresceram sem a presença significativa dos pais e se tornaram homens silenciosos mas cheios de sentimentos, que enfrentam as dificuldades da vida praticamente sozinhos.

Após serem contratados para passarem uma temporada cuidando de ovelhas no alto da montanha Brokeback, Jack e Ennis, até então desconhecidos um pelo outro, precisam vivenciar seus dias juntos na isolada colina, criando uma convivência bruscamente rasa devido ao silêncio do loiro. Com o passar do tempo, a chegada do inverno os abate fortemente, fazendo com que, em uma noite gélida, Jack convide o outro para dormir em sua barraca. E é neste breve momento de “guarda baixa” que ambos se rendem à tensão sexual do ambiente e passam por uma noite de grande desejo e paixão.

Com o fim do trabalho, os rapazes se separam, dedicados a viverem vidas distintas. Assim, diante da impossibilidade de ficarem juntos, ambos se casam. Jack com Lureen (Anne Hathaway), filha de um grande empresário agropecuário, e Ennis com Alma, uma jovem do interior (Michelle Williams). Um com um filho, em uma família abastada no Texas, e o outro lidando com dificuldades financeiras com três crianças, eles vivem totalmente diferentes, mas com uma coisa em comum: a infelicidade.

Uma das sensações constantemente presentes no desenrolar dos 134 minutos de duração é o medo, demonstrado em momentos como, por exemplo, nas conversas sobre morarem juntos em um rancho isolado e nos beijos desesperados às escondidas. O estado de alerta para qualquer vislumbre de olhares desconhecidos chega a ser palpável e remete fortemente à homofobia da época. O medo pesa sobre Ennis quando ele descobre a maneira que Jack foi morto, mesmo que ouvindo uma explicação racional, ele só consegue imaginar seu parceiro sendo espancado. Fato que também fala muito sobre a produção e a maneira que a trama é rodeada de subjetividade, não só sentimentalmente, mas também na indução de ideias.

Além das inúmeras indicações a grandes prêmios, como Critics Choice Awards, BAFTA, Globo de Ouro e outros, o filme foi ganhador de três Oscars: Melhor Roteiro Adaptado, Direção e Trilha Sonora Original; três Globos de Ouro: Melhor Diretor, Roteiro de Cinema e Melhor Canção Original. E, para a surpresa do público de 2006, os atores principais foram premiados como o Melhor Beijo no MTV Movie Awards. Mesmo com tanto reconhecimento, o maior troféu que a obra deixou foi a atuação divina de Heath Ledger, sendo uma das últimas produções do ator antes de sua morte prematura.

O longa é um roteiro adaptado do conto que leva o mesmo nome, escrito por Annie Proulx. Os contos da autora sempre se passam no Wyoming, estado em que ela vive e que a inspira com suas paisagens rochosas. Imerso na cultura de cowboys americana, a produção exibe com afinco os rodeios, ranchos e danças countrys. Tal foco se deve ao brilhante diretor Ang Lee, já conhecido pela versatilidade de suas obras, horas dando vida a aventuras em alto mar e ao desconhecido, outras abordando a sensibilidade de um amor improvável, como em Projeto Gemini, Razão e Sensibilidade e As Aventuras de Pi, filme que lhe rendeu outro Oscar de Melhor Direção.

Lançado em 2005, em um momento da história em que a comunidade queer já tinha certos tópicos sendo trabalhados e alguns espaços no audiovisual, como o talk show da comediante Ellen Degeneres, mas a homossexualidade ainda era vista como uma imoralidade e um grande tabu, ao qual não se falava sobre. Alguns dos atores já chegaram a comentar não ter imaginado que a produção se tornaria tão grandiosa. Mas, graças ao enredo tão cativante e bem desenvolvido, a trama ganhou grande reconhecimento, o que, de uma certa forma, veio a dar credibilidade para a comunidade LGBTQIA +. 

O Segredo de Brokeback Mountain, Ang Lee e seu elenco tiveram que caminhar para que filmes como Ataque dos Cães pudessem correr e atingir brilhantemente o público que alcançam hoje. O longa se tornou o tipo de referência que as pessoas usam para citar o primeiro filme em que se viram representados por amar uma pessoa do mesmo gênero. A única tristeza que o enredo nos deixa é o viver sôfrego dos protagonistas, o pensamento incessante de que eles poderiam ter vivido felizes e se sentindo inteiramente amados nunca vai abandonar o fãs, principalmente aqueles que se emocionam com a emblemática e maravilhosa cena em que Jack confessa para Ennis: “às vezes sinto tanto a sua falta que mal consigo suportar”.

Mesmo com um final solitário e triste, não há quem não ame Brokeback Mountain. Deixando sua marca nas mentes e nos corações, é o tipo de filme do qual se termina em lágrimas (junto com o personagem). O longa deixa um grande questionamento acerca da homofobia no antigo Estados Unidos, focalizando no estilo de vida country, e, mesmo com tantos conflitos, consegue passar exatamente a sensação de estar apaixonado e não poder viver aquele amor em toda a sua profundidade. 

O amor  fervoroso, cruel e desesperado que este drama retrata não é encontrado em clichês românticos, portanto o espectador pode chorar com orgulho ao fim dos momentos indescritíveis proporcionados por essa esplendorosa criação. Sofre-se quando eles sofrem e alegra-se quando eles se alegram. Tudo isso na montanha Brokeback.   

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Vitor Evangelista

O segundo capítulo da saga do Homem-Aranha veio cedo demais. Menos de três meses depois da avalanche Vingadores: Ultimato, a Marvel trazer de volta o Cabeça de Teia é uma jogada arriscada. Sim, podemos combinar que não dependia só deles, a parceria com a Sony exigia um filme do Teioso no catálogo neste verão americano. 

É amargo o gosto que fica na boca depois de assistir o épico contra Thanos e absorver suas consequências para a franquia, lembrando que logo menos Peter Parker e cia iam voltar a se balançar por teias na Europa. Com isso estabelecido, Longe de Casa aceita a posição de epílogo da Saga do Infinito e semeia pistas para as futuras estações da Marvel nos cinemas.

Assim como no quarto capítulo dos Vingadores, a trama de Longe de Casa é melhor aproveitada se mantida em segredo. Quaisquer pontos de viradas e aparições surpresas enchem os olhos e enriquecem ainda mais essa mitologia tão vasta e frutífera que a Marvel constrói desde seu Homem de Ferro, que completou onze anos de lançamento.

Peter Parker precisa lidar com a morte de Tony Stark e com a volta dos que morreram no estalo de Guerra Infinita ao mesmo tempo que a classe decide viajar à Europa para um projeto de ciências. Em meio a isso, Peter (Tom Holland, que ainda convence como um adolescente) maquina maneiras de declarar seu amor para sua paixonite, a misteriosa MJ (Zendaya, sem palavras, assistam Euphoria da HBO).

A dinâmica dos atores interpretando jovens de dezesseis anos se sustenta. Embalados pelo não-casal principal, a sagacidade de Ned (Jacob Batalon), mesmo que por vezes fora de tom, cria sorrisos no canto da bochecha de quem acompanha as mais de duas horas de filme. O motorista Happy (Jon Favreau) também atua como ponte de humor junto ao seu interesse na, agora empresária do sobrinho, Tia May (Marisa Tomei).

O personagem imprime diversas facetas. Originalmente um vilão dos quadrinhos, a nova encarnação de Quentin Beck é dúbia, charmosa e, o mais importante, incômoda. Não se assiste tranquilo longas sequências de interação entre Mystério e Aranha sem a pulga atrás da orelha começar a coçar. A inocência de Tom Holland ao interpretar Parker transporta o público para dentro da ação, ninguém quer ver o garoto quebrando a cara.

Uma figura como Mystério instiga aqueles já confortáveis com as previsíveis viradas em filmes de herói. Muito disso se deve ao brilhante trabalho de Gyllenhaal. O ator equaciona a megalomania necessária para viver um personagem que solta raios verdes e usa um aquário vazio como capacete. O visual de Beck ao lado de uma sequência de mirabolantes ilusões já fazem valer o filme.

A direção ainda é de Jon Watts, que conseguiu revitalizar uma franquia já explorada com o primeiro Homem-Aranha, De Volta ao Lar. O diretor ilumina muito bem suas locações europeias e viabiliza a criação de um espetáculo à parte. Adendo a fotografia, os efeitos espaciais para a criação dos vilões Elementais enchem a tela e os olhos e firmam Longe de Casa como um dos filmes mais vistosos (e bregas, no melhor sentido colagem de gibi) do Universo Cinematográfico da Marvel.

O roteiro de Chris McKenna e Erik Sommers ainda encontra espaço para discutir a modernidade, a pós-verdade dos jornais e o papel da opinião pública. Essa nova safra de longas do Aranha se mostra necessária num tempo em que filmes de herói não costumam debater tão diretamente temas humanos e inerentes a nós. Aqui, as metáforas intergalácticas e raças alienígenas descansam, para que as problemáticas do mundo na Terra sejam estudadas

Homem-Aranha: Longe de Casa pode ser visto como um reflexo de si mesmo. Assim como na trama de viagem de verão, o filme serve como uma ida as férias da Marvel. A leveza com que Parker enxerga o mundo propicia um refrescante estado de latência dos grandes vilões e sagas da Casa de Ideias. Por mais que grandes problemas baterão à porta logo logo, não tem nada de errado em se divertir após o fim desse grande ciclo. E suas duas cenas pós-créditos transmitem muito bem o baque do futuro.

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