Marcela Jardim

Lançado em 2005, Robôs completa 20 anos ainda como um marco na animação digital, embora nem sempre seja lembrado dessa forma. O filme, dirigido por Chris Wedge e produzido pela Blue Sky Studios, se destaca por sua estética vibrante e um mundo inteiramente mecanizado, explorando temas como inovação, meritocracia e desigualdade social. A trama acompanha Rodney Lataria (Ewan McGregor), um jovem robô inventor que sai de sua cidade natal em busca de oportunidades, a fim de dar um futuro melhor para sua mãe amorosa e o pai adoecido. Porém, ele encontra uma realidade dominada pelo lucro e pela obsolescência programada. A crítica ao capitalismo desenfreado e à exclusão dos menos favorecidos é evidente, mas a narrativa, voltada ao público infantil, simplifica questões complexas.

O humor cartunesco é marcante, embora, às vezes, ofusque a profundidade da mensagem. Entretanto, por ser uma animação direcionada ao público infantil, é normal tratar assuntos sérios de forma mais descontraída. Além disso, a dublagem conta com nomes famosos, como Robin Williams, cuja performance como Manivela adiciona energia ao filme. Apesar do impacto visual e dos ensinamentos relevantes, Robôs não atingiu a mesma aclamação de animações contemporâneas como Os Incríveis (2004) ou Procurando Nemo (2003).

Ao comandarem A Era do Gelo (2002), Chris Wedge e o brasileiro Carlos Saldanha precisaram conter os exageros visuais. Afinal, o Pleistoceno, período do Quaternário, não era exatamente conhecido por sua explosão de cores e formas, se é que dá para entender. Assim, para extravasar essa criatividade contida, o projeto seguinte, Robôs, foi ambientado em um futuro vibrante e repleto de detalhes. E acredite, a dupla preenche cada quadro com o máximo possível de elementos visuais, abusando das cores, dos formatos e das informações. O personagem dublado por Williams resume bem o longa: um robô periférico com um humor cativante, que vai tanto à luta por condições de vida melhores, quanto à icônica performance de …Baby One More Time, canção de Britney Spears, hit na década de 1990.

A impressionante estética do filme e a energia das cenas de ação compensam os clichês da trama. Rodney Lataria cresceu em uma pequena cidade, filho de um lavador de pratos e sempre teve que se contentar com peças usadas para suas “atualizações”. Seu maior sonho era viajar para Robópolis, a grande cidade onde seu ídolo, o inventor Grande Soldador (Mel Brooks), que inspirou gerações ao afirmar que “todo robô pode brilhar, independente do material de que é feito”.

Porém, ao chegar à metrópole, Rodney descobre que a realidade é bem diferente. Grande Soldador foi afastado e Dom Aço (Greg Kinnear) assumiu o comando da empresa, instaurando uma nova política: peças de reposição não serão mais produzidas, apenas modelos de alto padrão. Quando percebe que milhares de robôs, incluindo seu pai, correm o risco de serem descartados, Rodney decide enfrentar Dom Aço e lutar pelos ideais do antigo líder. Essa luta é um simbolismo claro e mastigado para o público infantil compreender a diferença entre as classes sociais, além de mostrar que, mesmo que não venha de uma família afortunada, é possível ascender socialmente e fazer a diferença.

O filme se constrói como uma crítica ao consumismo, ao mesmo tempo em que recicla a clássica narrativa do confronto entre o Bem e o Mal, do idealismo do interior contra a impiedade da metrópole e da maioria desfavorecida lutando contra uma elite corporativa. Sabendo que essa estrutura familiar ainda rende boas histórias, os roteiristas David Lindsay-Abaire, Lowell Ganz, Babaloo Mandel e Ron Mita não hesitam em recheá-la com arquétipos: o protagonista determinado e seu interesse romântico, o amigo desajeitado que serve como contraponto cômico e, claro, o ‘falastrão’ que garante o humor – cuja interpretação marcante de Robin Williams pode perder parte do brilho na dublagem brasileira.

O uso desse modelo acessível, de fácil assimilação, se justifica pelo fato de Robôs ser uma animação genuinamente voltada para crianças. Os pequenos espectadores são cativados pelo espetáculo visual acelerado e, de quebra, absorvem mensagens valiosas sobre solidariedade e resistência. Além disso, Madame Junta (com a excelente dublagem de Jim Broadbent), a temível mãe de Dom Aço, se consolidou como uma vilã memorável, no melhor estilo das bruxas malvadas dos contos infantis.

A obra aborda e critica, principalmente, a desigualdade social ao retratar um mundo onde o acesso a recursos básicos, como peças de reposição, define quem pode continuar existindo e quem será descartado. A cidade de Robópolis simboliza a disparidade entre classes, com os robôs mais ricos podendo se atualizar com modelos luxuosos, enquanto os menos favorecidos são forçados a sobreviver com peças antigas ou usadas. A política imposta por Dom Aço, que interrompe a fabricação de reposições para forçar a compra de novos produtos, reflete a lógica de um sistema capitalista excludente, onde o lucro se sobrepõe ao bem-estar da maioria. O protagonista, Rodney Lataria, representa a luta contra essa estrutura injusta, desafiando o monopólio corporativo para garantir que todos tenham o direito de se manter funcionando.

Mesmo após duas décadas, Robôs continua sendo lembrado com carinho pelo público. Seu humor inteligente, referências visuais inovadoras e uma trilha sonora marcante garantiram um lugar especial no coração dos fãs de animação. Além disso, a crítica social presente na história – sobre desigualdade, inovação e o impacto da tecnologia – se mantém atual, tornando o longa ainda mais relevante. Em tempos de avanços tecnológicos cada vez mais rápidos, a mensagem do longa permanece poderosa: a inovação deve estar a serviço de todos e nunca devemos desistir de nossos sonhos.  

https://www.youtube.com/watch?v=-mX7Fx5v2hA

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Vitor Evangelista

Com o buzz político das denúncias de abuso de Hollywood, passando pelas declarações polêmicas do presidente Donald Trump, a primeira parte da 4^a temporada de Unbreakable Kimmy Schmidt discute feminismo e atualidades com propriedade. Calcada num roteiro ácido e com timing cômico impecável, a série de Tina Fey mais uma vez diverte mas sem nunca fazer deixar de refletir.

Numa estratégia inédita, a Netflix lançou seis episódios do novo ano logo depois de anunciar o encerramento da série, juntamente com um filme para finalizar a história de Kimmy, Titus e cia. Com apenas metade da leva normal de capítulos, o novo ano trata das questões de gênero que incendiam os Estados Unidos desde que a atriz Aria Argentino foi a público e denunciou as monstruosidades que o produtor e magnata Harvey Weinstein cometia com uma série de atrizes e profissionais mulheres da terra dos famosos.

O grande diferencial de Unbreakable Kimmy Schmidt é a maneira como toca no delicado assunto de abuso e da superioridade masculina no meio. Enquanto Big Little Lies aborda o tema de forma seca e abrupta, e The Handmaid’s Tale externaliza o ódio, a comédia de Tina Fey subverte tudo que foi mostrado até então, ironizando os ocorridos.

Unbreakable Kimmy Schmidt narra as desventuras e os perrengues que a personagem-título, vivida magistralmente por Ellie Kemper, enfrenta após passar anos presa num bunker com um lunático religioso que pregava o fim dos tempos. Kimmy sai do abrigo subterrâneo e parte para Nova York, para tentar viver o tempo perdido nas mãos do Reverendo (Jon Hamm, sarcástico e fenomenal).

Na Grande Maçã, ela vai morar com o dançarino gay Titus Andromedon (Tituss Burgess, no melhor papel do seriado) que aspira estrelar um musical da Broadway. Kimmy também lida com uma inquilina amargurada pelas mortes de ex-maridos, Lilian Kaushtupper, e também uma socialite com um marido ausente, Jacqueline Vorhees.

Juntos ao longo de três temporadas, o quarteto é rodeado das situações mais constrangedoras e que sempre trazem uma reflexão para o cenário atual – tanto o norte-americano quando o mundial. O quarto ano se inicia com Kimmy trabalhando na gerência de uma companhia high-tech, Titus tentando superar o ex-namorado, Lilian lidando com o luto e Jacqueline querendo começar uma carreira de sucesso.

Piadas com Weinstein, Spacey e até Cosby já eram esperadas. E, quando entregues, não decepcionam e só adicionam qualidades e méritos ao roteiro um tanto sádico que o show apresenta a cada novo episódio.

Mais uma vez quem rouba a cena são os coadjuvantes do seriado. Titus (Tituss Burgess) continua sendo o personagem mais bem escrito e que figura as melhores situações. O falso seriado com o ator Greg Kinnear, a peça de teatro escolar, a apresentação na sala de roteiristas, todos plots fenomenais sempre melhorados pela acidez magnética do ator.

Jacqueline White (Jane Krakowski) também continua em sua jornada de redescobrimento e empoderamento. A loura descendente de nativos americanos protagoniza talvez o maior descaramento do seriado ao levar para Hollywood um homem branco, sem talento algum, para trabalhar e logo de cara ele já descola diversos jobs.

Porém, seu ponto alto desse quarto ano é a dinâmica com a ex-enteada Xan (Dylan Gelula), e o papel da mãe e da mulher no mundo de hoje. Lilian (Carol Kane), no início um tanto avulsa quanto a seu papel no novo ano, se mete em intrigas familiares e promete protagonizar momentos memoráveis ao lado dos filhos de seu falecido namorado.

Ellie Kemper continua adicionando camadas à sua Kimmy e, mesmo que num apanhado geral, ela seja a personagem menos interessante – a falta de malícia sendo a principal prerrogativa –, é ela quem dita o tom e o discurso que essa primeira parte enfatiza: as mulheres se impondo e não aceitando menos do que lhes diz direito. É preciso rasgar os rótulos: mulher, rica, negro, gay, velho. Kimmy Schmidt pinta figuras humanas, suscetíveis a falhas e, principalmente, dispostas a evoluir para um bem futuro.

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