Flávia Ferracini

Depois do sucesso estrondoso de Flowers, faixa central de Endless Summer Vacation (2023), Miley Cyrus entrega Something Beautiful, um de seus projetos mais introspectivos até aqui. Trata-se de uma tentativa consciente de se afastar de uma performance puramente pop e se aproximar de uma experiência mais pessoal e autoral. É um trabalho que nasce menos da necessidade de reafirmação comercial e mais do desejo de realização artística – algo que a própria Miley já afirmou ser um objetivo antigo em sua carreira.

O nono álbum de estúdio da ex-disney se insere numa tradição de discos pop que buscaram expandir os limites do gênero ao flertar com o conceito de arte total: como The Fame Monster (2009), de Lady Gaga, e Ray of Light (1998), de Madonna, projetos que reposicionaram suas artistas dentro da indústria ao unir som, imagem e intenção estética. Essa ambição dialoga diretamente com os critérios da Academia do Grammy, que indicou o trabalho da artista na categoria de Melhor Álbum Pop Vocal em sua 68º edição. É um reconhecimento não apenas da sua técnica e voz, mas também de sua intenção autoral.

Em entrevistas e conversas mais íntimas com fãs, Miley revelou que este é um disco construído a partir de experiências pessoais, boas e ruins, envoltas em uma estética glamourosa, brilhante e estilizada. O incêndio de sua casa em Malibu, seguido pelo divórcio, surge como um marco simbólico desse processo: acontecimentos que, segundo a própria cantora, precisaram ocorrer para que ela chegasse ao lugar de maturidade artística e reconhecimento que hoje ocupa. Há também um atravessamento importante de sua jornada de sobriedade, que influencia diretamente a forma como ela revisita o passado: com mais consciência e menos autopunição, transformando dor em matéria-prima criativa.

Miley, que durante anos afirmou não se importar com premiações, passou a olhar para o Grammy com outros olhos após o reconhecimento tardio que recebeu por Flowers. Ainda que Something Beautiful não tenha sido concebido para charts ou números, a artista reconhece o valor simbólico desse espaço institucional, que deveria a ter prestigiado muito antes. No disco, há uma tentativa de carregar consigo toda essa bagagem: a música, os visuais, a moda e um conceito glamouroso cuidadosamente construído. 

Essa ambição estética se estende para além do álbum: este também ganhou um filme que acompanha o projeto, funcionando como uma extensão simbólica de sua proposta conceitual. A obra busca ocupar o espaço do pop como arte total – som, imagem, estética e narrativa – mas acaba revelando os limites dessa ambição dentro da lógica da indústria contemporânea. Não se trata exatamente de um fracasso; ele dispõe de todos os recursos necessários. O que se percebe, porém, é uma falta de direção simbólica mais clara. O conceito existe mais no discurso e no visual do que no som, fazendo com que o visual frequentemente preceda a experiência sonora. 

O disco começa de forma especialmente forte, com Prelude e a faixa-título Something Beautiful. É nesse momento que a voz de Miley encontra um espaço verdadeiramente arriscado, afastando-se do pop convencional e se aproximando da experimentação sonora. Há a sugestão de um caminho ousado e emocionalmente denso, que revela o potencial de um álbum que poderia ter sido ainda mais coeso.

Entre os destaques, End of the World apresenta um pop elegante e melancólico, no qual o hedonismo surge como uma forma consciente de sobrevivência em meio ao esgotamento emocional. Já More to Lose é um dos momentos mais vulneráveis, apostando em uma interpretação contida e madura, em que a artista canta sobre amar sabendo que sempre haverá algo a perder. Em contraste, Give Me Love funciona como um ponto de intimidade quase confessional, reduzindo o disco ao essencial: voz, sentimento e desejo por conexão.

Walk of Fame, por sua vez, assume um papel simbólico central. A faixa ultrapassou os limites do álbum e ganhou vida própria nas redes sociais, especialmente em edits (vídeos curtos criados por fãs de celebridades ou personagens) que reforçam sua mensagem sobre memória, legado e permanência. Essa circulação cultural amplia o sentido da música, que soa quase como um comentário metalinguístico sobre carreira, fama e o desejo de deixar uma marca que sobreviva ao tempo.

Já Every Girl You’ve Ever Loved, com participação de Naomi Campbell, representa um dos momentos mais performáticos do disco. A presença da supermodelo reforça o diálogo entre música, moda e imagem que Miley tenta construir ao longo do projeto. A faixa flerta com a ideia de poder, desejo e projeção feminina, funcionando como um retrato da persona pública que a artista aprendeu a dominar, ainda que, em alguns momentos, essa construção pese mais no conceito do que na musicalidade.

Assim como a própria Walk of Fame simboliza a ideia de viver para sempre, Miley Cyrus já conquistou esse espaço no imaginário cultural. Ela é uma das vozes mais icônicas de sua geração, alguém que marcou infâncias com Hannah Montana (2006), atravessou fases distintas, escândalos e reinvenções, e construiu uma carreira que nunca teve medo de se arriscar. De Dead Petz (2015) à era Plastic Hearts (2020), que a reposicionou no rock e consolidou sua versatilidade, Miley permanece relevante justamente por não se fixar em uma única identidade.

Na disputa pelo Grammy de Melhor Álbum Vocal Pop, Miley enfrenta projetos fortes e coesos de outros grandes nomes do pop contemporâneo. Ainda assim, independentemente de levar ou não a estatueta, ela já saiu vencedora. Pela coragem de experimentar, pela entrega vocal consistente e por reafirmar sua relevância artística em uma indústria que raramente permite longevidade sem reinvenção. Something Beautiful pode não ser um álbum perfeito, mas ele é honesto, ambicioso e profundamente humano. Um verso da faixa-título ajuda a amarrar esse espírito, um pedido simples, que resume a busca não por respostas grandiosas, no entanto, por sentido, beleza e permanência em meio ao caos.

“Tell me something beautiful about this world” – “Me diga algo bonito sobre este mundo.”

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Arthur Caires

Em 2025, depois de um ano dominado por artistas femininas como Charli XCX, Sabrina Carpenter e Chappell Roan, o cenário pop abriu espaço para nomes masculinos como ROLE MODEL e Conan Gray se destacarem – e é aí que Sombr aparece. Com seu álbum de estreia I Barely Know Her, Shane Boose consegue ocupar um nicho que vinha faltando: aquele rock com flertes do indie de 2013, que lembra Arctic Monkeys e The Neighbourhood, mas sem perder a sensibilidade do bedroom pop que ele vem lapidando há anos. O disco chega com uma mistura deliciosa de término de relacionamento e descoberta artística.

Mas não se engane: Sombr não é o típico ‘padrão alternativo performático’ que você vê ostentando vinil, bebendo café superfaturado e lendo Sylvia Plath só para parecer cool. Pelo contrário, ele desconstrói esse clichê com charme e autoironia, provando que dá para ser introspectivo, poético e, ao mesmo tempo, divertido. O trabalho é mais do que um álbum de término – é um retrato de um artista se encontrando, testando limites e fazendo de tudo para agradar seus fãs. Em um post do Instagram recente ele declara: “Minha vida é dedicada a esta música e a servir vocês para sempre. Nada mais. Eu amo vocês de todo o coração. Isso é só o começo”.

Por trás do nome Sombr está Shane Michael Boose, ou SMB, que escolheu o pseudônimo em uma fase mais sombria da vida, combinando perfeitamente com o clima melancólico e introspectivo de suas músicas. Depois de abandonar o ensino médio e deixar os dias de skate e matando aula para trás, ele viralizou com caroline em 2022 e mergulhou de cabeça na carreira musical. Desde então, vem construindo uma persona única nas redes, especialmente no TikTok, misturando humor autodepreciativo com o charme a là Finn Wolfhard e Timothée Chalamet. Com I Barely Know Her, ele sai de seu quarto para o mainstream, entregando sua primeira grande declaração como artista com visão clara e identidade própria.

No quesito produção, o disco de estreia é quase um feito solo de Sombr: ele é o único compositor de todas as faixas e toca guitarra, teclados, baixo e bateria na maior parte das músicas, conferindo uma sensação intimista e totalmente autoral. Ao seu lado, Tony Berg atua como co-produtor, trazendo sua experiência de veterano – com trabalhos recentes de Phoebe Bridgers e Lizzy McAlpine – para expandir o som sem jamais apagar a personalidade única de Shane Boose. O resultado é uma mistura sofisticada de indie rock dos anos 2010 com um pop alternativo moderno, que soa tanto familiar quanto revigorante.

A faixa de abertura, crushing, já chega dando o tom do álbum: melodias envolventes e batidas marcantes que lembram os melhores momentos dos primeiros trabalhos do The 1975, misturando energia pop com aquela melancolia indie que gruda na cabeça. Em contraste, i wish i knew how to quit you mergulha na nostalgia dos anos 80 e transforma desejo em música pura, quase como se estivéssemos ouvindo a trilha sonora de um filme coming-of-age. Versos como “Você é o eco nas minhas veias” e “Vou escrever um livro com todos os motivos pelos quais poderia te chamar de lar”, mostram a capacidade de Sombr de traduzir sentimentos intensos em imagens poéticas.

Entre os destaques, undressed é a que melhor sintetiza a mistura do clima sombrio, composições confessionais e produção marcante. As letras de Sombr exploram lembranças e amores passados de forma íntima e intensa: “Não quero que os filhos de outro homem tenham os olhos da garota que não esquecerei”. Já back to friends funciona como o ponto de consolidação do disco: viral, cativante e direto, a faixa foi responsável por colocar Shane no radar da Billboard Hot 100.

Outras canções, como 12 to 12 e we never dated, acrescentam camadas interessantes à experiência. A primeira transforma obsessão em romantismo intenso, com uma vibe noturna que lembra uma caminhada por ruas iluminadas de Nova York, enquanto we never dated oferece uma reflexão melancólica e bem-humorada que condiz com o nome do disco, cantando sobre relacionamentos não concretizados: “Como é que nunca namoramos mas ainda me pego pensando em você diariamente?”.

Quanto ao futuro, Shane Boose tem um leque enorme de possibilidades à frente. Para quem acompanha o pop alternativo, o trabalho do cantor é uma experiência que merece ser ouvida, refletida e curtida – e pode ser apenas o início de uma carreira que promete ser memorável. No cenário de 2025, ainda em formação para muitos nomes em ascensão, Sombr já se destaca como um artista singular, e a corrida pelo Grammy de Best New Artist em 2026 parece cada vez mais plausível. Mesmo sendo um álbum de estreia, I Barely Know Her revela maturidade e visão artística consistentes, deixando claro que ele não chegou para brincar, mas para deixar sua marca.

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Marcela Jardim

Cinco anos atrás, em julho de 2020, Taylor Swift surpreendia o mundo ao lançar folklore, um disco inesperado em todos os sentidos. Lançado sem anúncio prévio, no auge do isolamento pandêmico, o álbum marcava uma guinada radical em sua estética musical e narrativa. Longe da grandiosidade colorida de Lover (2019) ou da pulsação icônica de Reputation (2017), folklore é cinza, úmido e contido. Um mergulho no íntimo. Em meio ao silêncio coletivo que marcava aquele momento da história, Swift parecia responder com um disco que não gritava, mas sussurrava. Que não seduzia com batidas, mas encantava com palavras, texturas e histórias fragmentadas. A obra é, antes de tudo, um disco de escuta – não para tocar no carro em movimento, e sim para ouvir como quem lê um diário escondido entre folhas velhas.

Ao lado de Aaron Dessner (The National) e Jack Antonoff, Swift trocou os refrões brilhantes por melodias etéreas e minimalistas. Os arranjos soam como se estivessem sendo tocados dentro de uma cabana de madeira, entre ecos e passos lentos. O piano é o protagonista discreto de muitas faixas, acompanhado por cordas delicadas e sintetizadores ambientes que criam um clima de suspensão. Em vez da intensidade emocional à flor da pele, folklore trabalha com a memória, com a ausência, com o que foi e não volta. A ausência de espetáculo visual e a estética cottagecore ajudaram a cimentar a imagem de um disco feito fora do tempo e das exigências da indústria. Entretanto, por trás dessa escolha está também um gesto artístico: Taylor Swift deixa de se colocar no centro e escolhe contar histórias – às vezes suas, às vezes de personagens imaginados, e muitas vezes uma mistura de ambos.

Esse impulso narrativo ganha forma exemplar no núcleo mais comentado do disco: o triângulo amoroso formado pelas faixas cardigan, august e betty. Nas três músicas, Swift constrói uma mesma história sob diferentes pontos de vista, como se pedisse ao ouvinte que montasse o quebra-cabeça com as peças que ela oferece. Em cardigan, temos a jovem Betty, traída e melancólica, lembrando como foi descartada e depois procurada de novo. A canção é um lamento doce, com um piano melódico que acompanha o ressentimento contido da personagem. 

Já em august, a narrativa muda: agora ouvimos a voz da garota com quem James – o elo do triângulo – viveu um caso de verão. Ela não é a vilã: é apenas alguém que acreditou em promessas não ditas, alguém que se entregou à ilusão com os pés descalços na areia. Por fim, betty apresenta o lado de James, em uma tentativa de desculpas juvenil, marcada por insegurança, culpa e nostalgia. É uma canção country-pop que parece resgatar a loirinha adolescente dos primeiros discos, mas com a maturidade narrativa de uma artista que agora compreende a complexidade emocional de todos os envolvidos.

Ao construir esse triângulo, Swift rompe com a lógica binária das relações afetivas – não há heróis ou vilões, apenas pessoas tentando lidar com as consequências de seus atos. Essa escolha revela um amadurecimento não apenas lírico, como também ético. A cantora, que antes narrava suas relações com clareza autobiográfica, agora opta por ficcionalizar, e, ao fazer isso, amplia o escopo de sua arte. Mais do que expor suas dores, ela oferece ao ouvinte a experiência de habitar outras subjetividades. É um gesto que exige escuta e empatia. folklore, portanto, não é apenas um disco sobre sentimentos, é sobre perspectivas, sobre a instabilidade das verdades afetivas e sobre a beleza de contar histórias que nunca podem ser totalmente lineares.

Da mesma forma, há duas faixas centrais de folklore que dialogam com as ideias de narrativa, ficcionalização e crítica social: mad woman e the last great american dynasty. Ambas revelam uma faceta sagaz de Taylor Swift: a da cronista que observa estruturas de poder, gênero e memória com ironia e precisão. Em mad woman, ela retoma um dos temas mais recorrentes de sua obra – a demonização da mulher raivosa –, porém aqui o faz com sutileza e veneno contido. A música é um sussurro ácido sobre a forma como a raiva feminina é sempre lida como loucura, enquanto a violência masculina é banalizada ou justificada. 

Já the last great american dynasty é, talvez, o experimento narrativo mais ousado do álbum. Inspirada na vida de Rebekah Harkness, antiga proprietária da mansão comprada por Swift em Rhode Island, a música transforma uma figura histórica marginalizada em personagem de uma pequena epopeia feminista. A canção narra os escândalos que marcaram a vida de Rebekah com um tom quase jornalístico até que, no fim, a intérprete vira a lente para si mesma e traça um paralelo entre elas. Ao se colocar como herdeira simbólica daquela mulher ‘difamada’, a compositora afirma a continuidade de um ciclo: mulheres que ousam viver fora das regras continuam sendo chamadas de ‘erradas’ e ‘problemáticas’. Essas duas canções, portanto, não apenas aprofundam o caráter literário de folklore, mas também o politizam.

Ainda assim, há espaço para autorreferência e introspecção, marcas que Taylor Swift nunca abandonou, mesmo em sua fase mais ficcional. Em mirrorball, ela se revela como uma artista frágil, refletindo as expectativas alheias como uma bola de espelhos que só existe enquanto gira. A metáfora é clara: Swift vive da performance constante, moldando-se ao olhar do público, ainda quando isso fere sua própria identidade. this is me trying amplia essa exposição emocional. Nela, a narradora – talvez um personagem, talvez ela mesma – confessa arrependimentos profundos, como quem carrega o peso de seu potencial desperdiçado. É uma canção sobre o esforço silencioso de continuar, na mesma forma quando tudo parece perdido, e sua atmosfera rarefeita transmite um cansaço emocional difícil de nomear.

Já my tears ricochet mergulha em um território ainda mais sombrio, frequentemente lido como um lamento direcionado à antiga gravadora da cantora, após a disputa pelos direitos de suas masters. Mas, Swift transforma esse conflito empresarial em um funeral simbólico, onde ressentimentos ganham forma poética. A música não trata apenas de rupturas profissionais, e sim de de traições profundas, da dor de ter sua história tomada e recontada por outros. Juntas, essas faixas formam um eixo mais íntimo dentro de folklore, um espaço onde a artista deixa que suas próprias falhas, mágoas e cicatrizes apareçam – mesmo que envoltas por sussurros e metáforas. São momentos em que a ficção recua, e a vulnerabilidade se impõe.

Entre as canções mais comoventes de folklore, epiphany se destaca por seu tom quase sacral e sua carga simbólica. A faixa é uma das mais atmosféricas e lentas do álbum, construída sobre camadas etéreas de sintetizadores e vocais distantes, como se estivesse sendo cantada de dentro de um sonho. Aqui, Taylor Swift costura duas narrativas: a do avô materno, Dean Swift, que lutou na Batalha de Guadalcanal na Segunda Guerra Mundial, e a dos profissionais de saúde que atuavam na linha de frente da pandemia de COVID-19. Segundo a própria artista, a canção foi escrita como uma homenagem àqueles que, em tempos de guerra ou de crise sanitária, encaram o sofrimento humano com coragem silenciosa, muitas vezes sem reconhecimento. 

Em versos como “Only twenty minutes to sleep / But you dream of some epiphany / Just one single glimpse of relief,” ela traduz o esgotamento físico e emocional de médicos e enfermeiros, capturando com delicadeza a solidão e a carga psíquica desses profissionais durante o colapso hospitalar de 2020. Ao fazer essa conexão entre gerações e formas de cuidado, Swift amplia o escopo temático do disco, mostrando que folklore também é uma crônica do tempo em que foi criado, e que mesmo nas canções mais etéreas, pulsa um comentário agudo sobre o mundo real.

Por outro lado, exile e illicit affairs, são dois dos momentos mais pungentes de folklore, explorando diferentes formas de distanciamento afetivo. Em exile, um dueto com Justin Vernon (Bon Iver), Swift constrói uma conversa entre dois ex-amantes que já não se entendem mais, como se falassem línguas diferentes. A troca de vozes, quase teatral, transforma a canção em um confronto resignado, em que mágoas antigas são ditas com frieza. Já illicit affairs é uma narrativa contida, delicada, sobre o desgaste de um romance clandestino, onde o amor dá lugar à vergonha e ao autoapagamento. A canção começa suave, quase cúmplice, entretanto culmina em um dos momentos mais intensos do álbum, quando Swift canta com amargura: “Don’t call me kid / Don’t call me baby.” Ambas as faixas falam de relações condenadas, cada uma à sua maneira – uma como fim inevitável, outra como ruína emocional.

Em novembro de 2020, Taylor Swift deu um passo além com a estreia de folklore: The Long Pond Studio Sessions no Disney+. Dirigido e produzido por ela, este documentário-concerto íntimo foi gravado no Long Pond Studio, no interior de Nova York. O projeto apresenta versões acústicas de todas as 17 faixas originais, intercaladas por conversas descontraídas entre Swift, Aaron Dessner e Jack Antonoff, seja à beira de lareira ou com whisky e vinho à mão, revelando detalhes inéditos do processo de composição e produção. Além disso, durante a gravação, a artista aproveitou o momento para escrever novas músicas fora das câmeras, que mais tarde seriam incluídas em evermore, seu álbum lançado logo em seguida.

Cinco anos depois, folklore segue como uma das obras mais reverberantes da discografia de Swift, não apenas pelo impacto imediato que teve, como o Grammy de Álbum do Ano, por exemplo, mas por sua permanência afetiva e estética. É um disco que envelhece como uma carta escrita à mão: quanto mais o tempo passa, mais ele parece dizer. Sua influência estética também foi profunda: abriu caminho para obras como evermore e inspirou outras artistas a adotarem uma postura mais narrativa, melancólica e silenciosa em meio ao ruído constante da era digital.

folklore é, enfim, um marco de reinvenção, não apenas como movimento estratégico de carreira. Ele representa uma inflexão emocional, uma pausa no ritmo, um retorno à escuta. Ao trocarem o palco iluminado por uma cabana de lembranças, Taylor Swift e seus personagens nos ensinaram que a ficção também pode ser uma forma de dizer a verdade. E que, muitas vezes, há mais honestidade em um sussurro bem contado do que em um grito confessional. É por isso que, meia década depois, ainda ouvimos o disco como quem entra devagar em uma casa antiga: sabendo que ali, no meio do silêncio e da madeira, há histórias que continuam pulsando.

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Talita Mutti

No dia 13 de Junho de 2019, uma jovem chamada Jaylah Ji’mya Hickmon publicou um vídeo em seu canal no YouTube questionando o porquê da transição para a vida adulta ser tão difícil. Como poder investir nos próprios sonhos, se ela precisava pagar contas e lidar com a vida real? “Eu só quero atingir meus objetivos, ser uma grande estrela, […] mas eu sinto que preciso fazer uma escolha”, diz. Arriscar continuar lutando pelos seus sonhos talvez tenha sido a melhor decisão da vida de Doechii, rapper que usou um trecho de seu desabafo em uma das faixas de sua mixtape Alligator Bites Never Heal, lançada em Agosto de 2024. Com o projeto, se tornou a terceira mulher a faturar o Grammy de Melhor Álbum de Rap na história da premiação, além de ter sido uma das nomeadas ao prêmio de Artista Revelação, junto de Sabrina Carpenter e a vencedora Chappell Roan.

Com uma lírica e narrativa complexas, Doechii lançou uma mixtape que reafirmou seu potencial como rapper na indústria musical. Alligator Bites Never Heal possui um nome e simbolismo que dão muito significado ao projeto – jacarés (tradução de alligator) são animais predominantes da Flórida, estado em que a compositora nasceu. Além disso, eles também são animais que conseguem se adaptar a diversos tipos de meio ambiente, fazendo com que sejam mais resistentes. Essa foi a comparação que a cantora fez consigo mesma ao mostrar que ela é do tipo de artista que se perpetua em diferentes momentos e ambientes da cena, sem deixar sua essência se corromper, desenvolvendo o conceito em toda a narrativa.

A compositora já havia lançado outros projetos que a colocaram nos holofotes. Seu EP de 2020, Oh The Places You’ll Go, carrega hits virais, como Yucky Blucky Fruitcake, que fizeram a cantora assinar com a Top Dawg Entertainment (TDE), mesma gravadora de Kendrick Lamar. Em 2022, Doechii lançou seu segundo EP, she / her / black bitch, pela TDE. Logo no ano seguinte, ela fez colaborações com grandes nomes na cena, como Kodak Black no single What It Is (Block Boy), que marcou sua entrada na Billboard Hot 100 e faturou a certificação de platina pela Recording Industry Association of America (RIAA). A ironia aqui é que muitos fãs que consomem hip-hop questionaram o tipo de artista que Doechii gostaria de estabelecer na cena. Uma rapper cantando pop? Para o fã que ainda tem dúvidas sobre isso, ela trouxe a resposta em Alligator Bites Never Heal.

Com referências profundas aos ícones do hip-hop e um flow que dita o ritmo do álbum, a rapper desenvolve uma sequência de faixas que se interligam entre si. Há uma construção inteligente da lírica em toda a mixtape; sem economizar nas rimas, ela mescla o significado dos versos ao pegar palavras com diferentes significados e com sons parecidos. Inicialmente, reconhecemos uma jovem adulta narrando seus pensamentos mais sinceros e externando-os em uma sequência de três faixas. Começamos com STANKA POOH, BULLFROG e BOILED PEANUTS, que possuem uma temática introspectiva, com medos universais e inseguranças da artista. “E se eu engasgar com este Slurpee? E se eu fizer sucesso?/E se meu carro explodir enquanto estou casualmente abastecendo e fumando um cigarro?“, pondera em STANKA POOH.

Entretanto, Doechii usa da sequência para externar os medos e enfrentá-los ao mesmo tempo. A rapper não dá espaço para a vulnerabilidade. Ela não pode se dar ao luxo de ser vista como fraca. “E se esses forem os únicos medos que levarei para o túmulo/Estou mijando em vocês, vadias, viva ou morta“, conclui. Em CATFISH, uma das faixas mais famosas da mixtape, ela traz à tona a falsidade, a mentira e o desgaste social. Doechii é agressiva e não aceita o fato de alguém estar à espreita, esperando uma brecha para atacar. Ela é impaciente com pessoas que falam, sondam e que, na verdade, não são ninguém.

A compositora parece se provar em cada verso. Ela é a “Madonna do hip-hop”. São barras e barras afirmando que ela é a maior e melhor, e a forma como ela externa isso realmente faz você não querer duvidar dela. Aqui é importante citar o flow impecável. A artista constrói sua lírica de maneira fluida, parecendo que as palavras seguidas uma das outras formam um corpo que tem um encaixe perfeito no projeto. Além de investir em rimas que agradam sonoramente, ela também usa e abusa de metáforas que, para entender, é necessário prestar atenção no que ela tem a dizer. Na faixa STANKA POOH, “Eu sujo os tênis e os coloco de volta na caixa/Como se fosse os Looney Tunes de volta em estoque”, a cantora se refere à uma coleção que a animação fez com a Nike e revela que é uma metáfora de como ela gosta propositalmente de destruir, desmontar e sujar coisas ‘brilhantes’. “Do jeito que eu venho […] exatamente como entrei na indústria, eu só gosto de sujar as coisas e depois colocá-las de volta na prateleira”, menciona a rapper em entrevista sobre o projeto.

Mesmo com uma sequência mais voltada para o hip-hop, a artista não deixa o pop de fora. No final do projeto, encontramos outra série de faixas interligadas entre si, mas dessa vez com uma temática e melodias diferentes. Em BLOOM, reconhecemos uma menina jovem com sonhos que, até então, eram impossíveis de serem alcançados. Surge o desespero em se tornar alguém na vida que ela se orgulhe, ao mesmo tempo, é necessário saber pôr os pés no chão e lidar com o mundo real, com as pessoas ao seu redor e consigo mesma. Na faixa, ela se conecta com aqueles que se veem em uma posição parecida e estão estagnados. Só que, logo depois, Doechii muda completamente de perspectiva e tranquiliza o ouvinte em WAIT, trazendo uma temática reconfortante que abraça e serve de apoio para aqueles que têm sonhos destruídos e estão insatisfeitos. Para ela, a vida “é como um acordo, esperando você sacar a dela”. Se entender como ela funciona, é possível alcançar os objetivos que deseja – e aqui ela tem lugar de fala, uma vez que foi nomeada em três categorias do Grammy 2025 ‘apenas’ acreditando em si mesma.

No projeto como um todo, é possível observar a sinceridade de cada faixa que Doechii compôs. BOOM BAP serve como resposta para aqueles que questionam a forma como ela mistura rap, pop e outros gêneros, característica que a destaca na cena. DENIAL IS A RIVER narra um acontecimento real da vida da artista, mas de uma forma dinâmica que traz o ouvinte a acompanhar uma sucessão de acontecimentos que facilmente seriam retratados em uma sitcom, como foi feito no próprio videoclipe.

Vale citar que o trabalho de Doechii nesse projeto não focou tanto na produção. O beat nas faixas em que o rap predomina é constante e monótono. Não é como se a música não tivesse altos e baixos, pelo contrário: ela só não precisou desse recurso, bastou o flow para ditar a crescente de cada faixa. Usando referências fortemente ligadas à essência do hip-hop, a compositora mostra que ela é o que o legado que o gênero forneceu. Em NISSAN ALTIMA, a artista usa uma referência do videoclipe de Alright, de Kendrick Lamar, ao compor uma cena cantando no carro com os membros da produtora, gesticulando enquanto canta, assim como o rapper. Em CATFISH, a cantora usa de referência Woo-Hah!! Got You All In Check, de Busta Rhymes, que também serve de inspiração para a música de Kendrick. Woo-Hah!!, por sua vez, cita o grupo de hip-hop The Sugarhill Gang – que, coincidentemente, utiliza o som ‘woo hah’ inspirado em DJ Hollywood, um dos progenitores do rap e do hip-hop.

Doechii, sem saber, trilhou o mesmo caminho que muitas figuras do hip-hop trilharam antes dela. Ela é o tipo de artista que respeita e aprende com aqueles que a antecederam. Em entrevista, ela menciona nomes que a inspiraram no processo de se tornar a artista que queria ser: Beyoncé como mulher negra e autêntica à frente da indústria musical; Kanye West como um produtor que veio do completo nada, mas que sabia do seu potencial e provou para o mundo, através de disciplina e insistência, quem ele é. Ela acrescenta, ainda, que a virada de chave em sua vida para juntar ambição e talento para viver da Música veio por meio do álbum The Miseducation of Lauryn Hill (1998). Diante disso, Doechii mostra que tem o repertório necessário para se tornar um dos grandes nomes da cena atual. Ela exala a cultura do rap, mesmo se arriscando no pop e R&B, conseguindo sustentar com maestria o que produz. Ela pode fazer tudo, ou melhor, ela é “tudo!”, como grita a rapper ao final de BOOM BAP.

Vencedora de um Grammy sem nem mesmo ter lançado seu álbum de estreia, Doechii fez um discurso sincero na cerimônia de premiação que emocionou e revelou o tipo de artista que ela é. Uma sonhadora que, mesmo enfrentando diversos desafios em sua trajetória, apostou em si mesma para crescer e se orgulhar do que se tornou. “Eu sei que tem uma garota preta, tem muitas mulheres negras me assistindo. Eu quero dizer para vocês: vocês conseguem! Tudo é possível. Se vocês quiserem, é possível. Não permitam que ninguém projete estereótipos sobre vocês. […] Vocês são exatamente quem deveriam ser“, afirmou em sua fala, com o gramofone em mãos. Hoje, ela serve de inspiração para outras jovens como ela, elevando a autoestima e confiança daquelas que são ou já foram rejeitadas pela sociedade. 

Alligator Bites Never Heal é um soco no estômago da cena do rap, que ainda se mantém majoritariamente masculina nos Estados Unidos. Trata-se de uma mixtape que transita entre diferentes gêneros ao longo das faixas, mas sem perder a essência do hip-hop, trazendo inovação e dinamismo ao estilo. Doechii desenvolveu o projeto a partir de experiências pessoais e vivências sensíveis, que moldaram tanto sua identidade como artista quanto como pessoa. O resultado é um trabalho sincero e transparente, que desperta a curiosidade do público sobre quem é essa jovem e qual seu potencial para o futuro na cena musical. Nesse caso, não será necessário esperar muito, já que ela anunciou seu álbum de estreia para 2025, em entrevista à revista Variety.

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Marcela Jardim

Blank Space, Shake It Off e Bad Blood são apenas alguns hits de uma das eras mais icônicas da ‘loirinha’. Os clipes, a estética e as músicas do 1989 marcaram a transição de Taylor Swift do country para o pop, que mergulhou de cabeça nesse novo gênero – o que deu muito certo. Red (2012), o antecessor do álbum, já havia mostrado sinais de uma mudança estilística, mas 1989 foi a confirmação dessa transformação, apresentando um som claramente mais synth-pop e inspirado pela década de 1980.

Lançado em 2014, o álbum foi um fenômeno cultural e comercial. Taylor Swift quebrou recordes, vendendo mais de um milhão de cópias na primeira semana nos EUA e ultrapassando dez milhões de exemplares mundialmente. Nove anos depois, a relevância de 1989 foi reafirmada com o lançamento de 1989 (Taylor’s Version), que também atingiu números impressionantes, retificando a artista como uma potência na indústria musical. Swift se tornou a primeira a ter seis álbuns estreando com mais de um milhão de cópias vendidas, um feito que reflete não só sua habilidade como compositora e performer, mas também sua conexão inabalável com os fãs.

O 1989 marcou a revolução do pop na década de 2010, ajudando a consolidá-lo como o gênero dominante da época, com influência de artistas como Madonna, Cyndi Lauper e outros ícones dos meados de 1980. A cidade, o verão, as gaivotas e o ar nostálgico representados na arte do álbum ajudaram a moldar a cultura pop da época. A narrativa de 1989, que o torna um disco autêntico e pessoal, ressoou na forma como os artistas passaram a posicionar seus trabalhos. A busca pelo storytelling que equilibra intimidade e universalidade se tornou uma estratégia comum no pop, exemplificada por álbuns como 25, de Adele, e Melodrama, de Lorde. Musicalmente, o uso de sintetizadores, batidas eletrônicas e uma produção minimalista não só inovaram, mas também influenciaram outros artistas, como Sabrina Carpenter e Olivia Rodrigo, e criaram tendências duradouras no gênero.

O disco é repleto de nostalgia e reflexões pessoais, com letras que lidam com amor, desamor, crescimento pessoal e a busca por identidade. Muitas das músicas do álbum são vistas como autobiográficas, com uma mistura de romance e introspecção. A crítica especializada foi bastante positiva, destacando a maturidade na escrita da artista, que passou a explorar questões de vulnerabilidade e empoderamento de maneira mais complexa. Assim, 1989 venceu em três categorias na edição de 2016 do Grammy Awards, incluindo Álbum do Ano, a principal da premiação.

O impacto de 1989 é visível no sucesso subsequente de Taylor Swift, ao passo que a evolução de sua carreira pode ser analisada à luz do que o disco representou para sua reinvenção artística. A recepção da era, em comparação com outras fases da carreira da ‘loirinha’, foi singular. Além do sucesso do álbum, durante o mesmo período ocorreu os conflitos entre Taylor Swift e Katy Perry, o que resultou na música Bad Blood, faixa em colaboração de Kendrick Lamar. O videoclipe contou com a participação de celebridades e amigas da cantora, como Selena Gomez, Gigi Hadid, Cara Delevingne, Zendaya e Hayley Williams.

O disco foi marcado por videoclipes singulares e hiper produzidos. A produção da faixa de Shake It Off mostra a ‘loirinha’ tentando se encaixar em diversos grupos sociais diferentes, como bailarinas, dançarinos de hip-hop e líderes de torcida. “Ao invés de escrever uma música que estivesse me vitimizando, eu quis escrever uma música alegre, que desse às pessoas uma maneira de aguentar qualquer quantidade de coisas ridículas que a vida está colocando no caminho deles. Mas que também os faça querer dançar”, declarou a artista em entrevista para iHeartRadio, explicando o significado da canção e sua representação visual, que conta com mais de 3.5 bilhões de visualizações no Youtube.

Em Blank Space, a cantora contracena com o modelo norte-americano Sean O’Pry, onde há uma sátira em que a namorada é possessiva, carente e dramática e, ao descobrir que está sendo traída, faz a vida do ex um inferno, afirmando que ele logo será substituído. Taylor Swift inspirou sua personagem a partir das críticas e suposições da mídia em relação a sua pessoa, como disse na entrevista para iHeartRadio. “Comecei a pensar em como este personagem é interessante, se ela fosse uma pessoa real com todas estas qualidades e atributos, qual música ela escreveria? E tenho quase certeza que seria assim”, conclui. Já o clipe de Wildest Dreams captura o tom emocional da música, unindo beleza visual e uma narrativa sobre a efemeridade do amor. Com uma estética deslumbrante e cinematográfica, ele evoca romantismo e saudade, apesar de enfrentar críticas por possíveis conotações colonialistas. Ainda assim, destaca-se como um marco visual na carreira de Swift.

Ao comparar as faixas You Are In Love e This Love, revela-se uma narrativa de amadurecimento e introspecção emocional, características do universo lírico de Taylor Swift. Em ambas as músicas, encontramos retratos poéticos do amor; a primeira destaca a serenidade e a cumplicidade de uma relação estável, enquanto a segunda aborda a ideia do amor que vai e volta, sendo moldado pelo tempo e pela aceitação de sua natureza cíclica. Esses temas se conectam à visão mais madura da artista sobre relacionamentos, presente no álbum 1989, onde ela reflete o impacto do tempo nas conexões emocionais. 

Porém, já em composições como How You Get the Girl e Wonderland, se oferece visões contrastantes sobre o amor e os desafios que o cercam, refletindo a habilidade de Taylor Swift em explorar nuances emocionais complexas. Em How You Get the Girl, ela adota um tom direto e quase didático, descrevendo como reconquistar um amor perdido, capturando a simplicidade e a vulnerabilidade dos relacionamentos juvenis. Wonderland utiliza a metáfora do clássico de Lewis Carroll, Alice no País das Maravilhas, para representar a sedução e o caos de um romance avassalador, onde a paixão desenfreada leva à perda de controle. Juntas, essas faixas mostram como Swift navega por diferentes dimensões do amor, equilibrando leveza e intensidade, e demonstram sua habilidade para transformar experiências pessoais em histórias que ressoam universalmente.

Abordando outro lado do amor, a música All You Had To Do Was Stay explora diferentes estágios de frustração e nostalgia que emergem em relacionamentos complicados, destacando a habilidade de Taylor Swift em capturar nuances emocionais universais. Há um lamento direto sobre a simplicidade de manter uma conexão que foi quebrada, expressando vulnerabilidade através de um refrão marcante inspirado por um sonho peculiar. Já Welcome To New York é uma das faixas que destacam temas de autodescoberta, liberdade e o impacto da mídia na vida pessoal, compondo uma narrativa coesa sobre como Taylor Swift lida com sua imagem pública e suas experiências pessoais. Há uma celebração da reinvenção, com a cidade simbolizando um espaço de liberdade e possibilidades, a música reflete otimismo e uma visão utópica, mas também pode ser vista como um comentário sobre a busca por autenticidade em meio à pressão da mídia.

Por fim, Clean, última faixa da primeira versão de 1989, foi escolhida pela artista para encerrar o álbum devido ao seu significado pessoal e emocional. Para ela, a canção representa a conclusão de um processo de superação que ela vivenciou nos últimos anos, especialmente em relação à exposição e críticas intensas sobre sua vida pessoal. Durante esse período, Swift sentiu que a atenção sobre sua vida fora da música havia ofuscado suas realizações artísticas, mesmo enquanto fazia shows lotados ao redor do mundo e conquistava sucesso com suas canções. No entanto, ao finalizar o disco, a compositora sentiu que havia recuperado o controle de sua narrativa, com a música novamente no centro das discussões. A música aborda a experiência de enfrentar a dor e, com o tempo, alcançar a superação, refletindo o momento em que Taylor se sentiu renovada e em paz com sua trajetória.

A The 1989 World Tour, que aconteceu em 2015 para promover o álbum, foi cuidadosamente elaborada para criar uma experiência imersiva. O palco principal possuía uma passarela extensa que aproximava a cantora do público, complementado por plataformas móveis, telões gigantes e um sistema de iluminação sincronizado com cada música. Os figurinos glamourosos e futuristas refletiam a estética arrojada e sofisticada do disco. Além das coreografias elaboradas e energizantes, um dos elementos mais inovadores foi a distribuição de pulseiras LED aos fãs, que piscavam em sincronia com a música, transformando a plateia em parte do espetáculo. 

A mensagem central da turnê foi o empoderamento feminino e a celebração da auto-descoberta. Em discursos entre as músicas, a cantora frequentemente compartilhava reflexões sobre sua jornada pessoal, destacando temas de força, superação e independência. Um dos aspectos mais comentados da turnê foi a presença de convidados especiais em quase todas as apresentações, como Mick Jagger, Justin Timberlake, Lorde e Serena Williams. Essas participações tornaram cada show único, adicionando um elemento de imprevisibilidade e encanto ao espetáculo. Considerada como a turnê mais lucrativa de 2015, a grandiosidade do espetáculo fez com que a The 1989 World Tour se tornasse um marco cultural e artístico, elevando os padrões para turnês pop.

Da mesma forma, o ato de 1989 na The Eras Tour é uma celebração vibrante e nostálgica de uma das eras mais transformadoras da carreira de Taylor Swift. Durante os shows, a cantora revive os hits como Blank Space, Shake It Off e Style, mas agora com uma energia renovada, que reflete não apenas seu crescimento como artista, mas também a ressignificação emocional dessas músicas uma década depois. Enquanto a era original de 1989 foi moldada pela estética clean e moderna, inspirada na década de 1980, com referências sutis à moda vintage e aos sintetizadores pulsantes que definiram o som do álbum, na The Eras Tour o ato se destaca por uma produção visual grandiosa. As roupas usadas por Taylor no palco são brilhantes e glamourosas, evocando um senso de espetáculo que ultrapassa a sofisticação discreta do passado. Os telões e cenografias utilizam tons vibrantes e luzes dinâmicas, complementando a energia contagiante das músicas e recriando o ambiente pop otimista que o disco trouxe ao cenário musical na época.

A regravação do álbum foi tão bem recebida pelos fãs da artista quanto a primeira versão. A produção do Taylor’s Version é fiel ao som cristalino e moderno da discografia original, com toques atualizados que refletem o amadurecimento vocal e técnico da cantora. Suas interpretações agora soam mais maduras, mas sem perder a energia e o frescor que tornaram 1989 tão impactante. As ‘faixas do cofre’, como Is It Over Now? e Now That We Don’t Talk complementam perfeitamente o restante do álbum, explorando temáticas de amor, saudade e superação com a profundidade lírica característica da compositora. Essas adições não apenas enriquecem a discografia, assim como também dão aos fãs novos vislumbres das histórias e emoções da era 1989. Assim como as regravações anteriores, 1989 (Taylor’s Version) reafirma a posição de Taylor como uma artista que luta pela autonomia e pelos direitos criativos, enquanto celebra sua própria evolução e relação com os fãs.

Uma década após seu lançamento, 1989 consolidou-se como um marco na história da música pop, redefinindo a trajetória de Taylor Swift e ampliando seu alcance artístico. O álbum apresenta letras que capturam com precisão as emoções e os dilemas de uma jovem adulta. Com hits atemporais, o disco não apenas dominou as paradas, mas também trouxe uma nova estética visual, minimalista e moderna, que influenciou profundamente a cultura popular. O sucesso de 1989 se refletiu em sua recepção crítica e comercial, incluindo múltiplos Grammys, além de recordes impressionantes de vendas e streaming. 1989 transcende o tempo e, mais do que apenas uma coletânea de músicas, o disco é um testemunho atemporal de reinvenção, relevância cultural e da capacidade da Arte em refletir e moldar uma geração.

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Arthur Caires

Existem momentos na história em que o mundo se une em torno de um único artista, celebrando seu pico de sucesso com admiração. São instantes marcantes, onde a Música transcende o mero entretenimento e se torna um fenômeno cultural que define gerações. A Beatlemania na década de 1960, o lançamento de Thriller por Michael Jackson em 1982 e a ascensão de Madonna como ‘Rainha do Pop’ na década de 1990 são apenas alguns exemplos dessa catarse coletiva. Em cada um desses casos, a obsessão pela estrela era palpável, dominando conversas, inspirando moda e comportamento, e consolidando seu lugar como ícone cultural inegável.

O mesmo aconteceu com Taylor Swift em 2023. Em Março daquele ano, a cantora iniciou uma das maiores turnês da história, a The Eras Tour. Celebrando todos os seus dez (agora, onze) álbuns, a sequência de shows já ultrapassou a marca de 1 bilhão de dólares de arrecadação, e está bem longe de acabar. Durante esse período, Swift ainda lançou duas regravações – Speak Now (Taylor’s Version) e 1989 (Taylor’s Version) –, quebrou recordes nos cinemas com o lançamento do registro ao vivo da turnê e foi nomeada como Pessoa do Ano pela revista Time. Já no começo de 2024, seguindo a onda de conquistas, a artista se tornou a primeira a ganhar quatro vezes o prêmio de Álbum do Ano no Grammy, sendo o último gramofone pertencente a Midnights.

É logo após esse turbilhão de acontecimentos que Taylor Swift lança seu 11º álbum de estúdio, THE TORTURED POETS DEPARTMENT. O disco vendeu mais de 2,5 milhões de cópias em sua primeira semana nos EUA e debutou com 313 milhões de reproduções no Spotify, sendo a maior estreia da carreira da cantora e da plataforma. Ao longo de suas 16 faixas – na versão standard –, a compositora fala sobre o término de seu relacionamento de seis anos com o ator britânico Joe Alwyn, a breve mas intensa reaproximação com o cantor Matty Healy, vocalista da banda The 1975, e a não muito bem-vinda opinião da mídia e de alguns fãs sobre sua vida pessoal.

A eficácia da caneta de Swift já não é assunto a ser discutido há um bom tempo, mas em THE TORTURED POETS DEPARTMENT, a artista consegue elevar sua escrita para um nível diferente. É possível observar uma extrema vulnerabilidade em forma de hipérboles e sentimentos fatalistas, porém, expressos nas mais rebuscadas palavras e analogias. “Eu mantenho esses anseios trancados/Em letras minúsculas dentro de um cofre” a intérprete canta em um dos destaques do disco, Guilty as Sin?. Ainda assim, apesar de possuir algumas letras mais simples e literais – e alguns deslizes envolvendo Charlie Puth –, a obra, como um todo, se caracteriza por uma complexidade que exige múltiplas audições para ser desvendada e plenamente digerida em suas diversas camadas.

Na sonoridade, há uma mescla balanceada entre os três gêneros predominantes da discografia de Taylor Swift: synthpop, country e folk. Mais uma vez, ela se junta a seus parceiros de longa data, Jack Antonoff e Aaron Dessner, para dar vida à sua visão musical. Nesse momento, a presença dos produtores foi crucial para a artista, especialmente ao explorar temas íntimos e confessionais, em que a confiança é um elemento essencial no processo criativo. No entanto, essa familiaridade também traz consigo um certo déjà vu. A produção apresenta diversas semelhanças com trabalhos anteriores da cantora, o que leva o ouvinte a desejar por algo novo e inovador. 

Fortnight, primeiro single do projeto e com participação de Post Malone, assume seu papel de introdução ao álbum de forma satisfatória, mas deixa a desejar em termos de energia. A letra, repleta de metáforas, resume os acontecimentos envolvendo ‘certos homens britânicos’ na vida da artista. A produção, no entanto, peca pela monotonia, não apresentando elementos que prendam a atenção do ouvinte e despertem a sensação de um grande sucesso, como Anti-Hero ou Blank Space. Mesmo assim, a melodia do refrão consegue grudar na cabeça depois de alguns replays.

Os easter eggs e a promoção midiática do ‘TTPD’ levaram o público a acreditar que esse seria um álbum dissecando o fim do relacionamento de seis anos da cantora com Joe Alwyn. Referências a canções passadas, teoria dos estágios do luto e um grupo de Whatsapp conhecido fizeram a cabeça de vários fãs. Porém tudo isso foi por água abaixo na morna faixa-título com a menção ao “golden retriever tatuado”. O cantor Matty Healy permeia a vida de Swift desde 2014, mas ganha destaque maior nesse disco após chamas terem sido reacendidas logo depois do término da artista.

Ainda assim, em So Long, London, quinta faixa do álbum – tradicionalmente, a mais pessoal e sentimental –, Taylor Swift oferece uma homenagem empática ao seu ex, Joe Alwyn. A canção revela o conflito central: o desejo da cantora de se casar, contrastando com a hesitação do parceiro. No segundo verso, a artista canta “Parei a RCP [ressuscitação cardiopulmonar], afinal não adianta”, uma referência à música You’re Losing Me de seu álbum anterior, Midnights (2022), onde ela afirma “Eu não consigo sentir uma pulsação/Meu coração não bate mais”. Através dessa metáfora, a intérprete demonstra a frustração de tentar salvar um relacionamento já condenado. Apesar de seus ressentimentos, a faixa termina em um tom de aceitação e uma mensagem esperançosa: “Você achará alguém“.

O álbum dos poetas torturados vai além da negação e da depressão, explorando também o segundo estágio do luto: a raiva. Em But Daddy I Love Him, Swift dirige um sermão de mãe aos fãs que se sentem no direito de controlar suas escolhas. No pós-refrão, a cantora explode: “Eu prefiro queimar toda a minha vida/Do que ouvir mais um segundo de toda essa baboseira e reclamação“. Esse sentimento tem como raiz a repercussão do relacionamento da artista com um certo cantor problemático, porém se estende a outros tópicos que envolvem sua fervorosa base de admiradores, os swifties.

Além de conversar com seus fãs, Taylor Swift também fala diretamente com a mídia – e com quem ‘não vai muito com a sua cara’. Desde o começo de sua carreira, a artista é colocada em uma caixa de compositora que só fala sobre ex-namorados e que não tem sua Arte levada a sério, ao mesmo tempo em que sua vida pessoal é analisada minuciosamente e cada um de seus passos é rastreado. Então, quando canta “Você não duraria uma hora no hospício onde me criaram” em Who’s Afraid of Little Old Me, é possível sentir a exasperação de alguém que não se importa mais com a opinião pública ou, pelo menos, não tanto quanto antes.

Independentemente, é necessário reconhecer que Swift se beneficia de diversos privilégios e não é isenta de críticas. A silenciosa forma como a cantora lidou com o caso de Ana Benevides, ao passar pelo Brasil com a The Eras Tour, é um exemplo de como ela escolhe lidar minimamente com certas pautas, enquanto, com outras, age de forma mais presente. Além disso, a constante capitalização de sua Arte se torna cada vez mais difícil de diferenciar o produto e a Música. Artigos em sua loja, versões exclusivas de seus álbuns, variações de vinis, entre outros, podem ser interessantes para os fãs, mas acabam se tornando uma quantidade sufocante de conteúdo. Por estar em, praticamente, todos os lugares, a saturação de sua imagem pode se tornar algo negativo.

Há muito tempo, os swifties tentam convencer todos ao seu redor do quanto Taylor Swift é talentosa, defendendo-a de qualquer opinião desfavorável. Na promoção do álbum, a repercussão às críticas negativas e a controversa republicação de matérias positivas pela artista em suas redes sociais fizeram com que uma parcela dos fãs sentisse a necessidade de refutar, cegamente, qualquer ponto de vista contrário. Porém, nada disso é necessário. Bem ou mal, é prazeroso falar sobre a vida e obra da cantora. Como John Green disse em publicação nas redes sociais: “Eu amo as músicas e letras de Taylor Swift. Você não precisa gostar. Mas eu posso”.

Clara Bow, a última faixa do disco, é uma síntese do que se passa na cabeça da cantora mais famosa do momento. O nome que dá título à canção se trata da estrela de Cinema que lutava com problemas de saúde mental devido ao estresse causado por sua fama, sendo considerada a primeira ‘it girl’. Ao longo da música, Swift também homenageia Stevie Nicks e reflete sobre como “é um inferno na terra ser celestial”, forçada a ser um modelo de perfeição para todos que a admiram. Por isso, é compreensível quando na divertida e depressiva I Can Do It With a Broken Heart a artista desafia a audiência: “Venha e tente fazer o meu trabalho”.

Não contente em lançar um álbum, Taylor Swift resolveu lançar outro, na mesma madrugada. THE TORTURED POETS DEPARTMENT: THE ANTHOLOGY foi lançado de surpresa duas horas após a versão inicial, contendo 15 faixas adicionais, totalizando 31 músicas – 13 ao contrário, porque nada é uma coincidência. Desde o anúncio do disco, feito no palco da 66ª edição do Grammy ao ganhar a categoria de Melhor Álbum Vocal de Pop com Midnights, a cantora vinha fazendo sinal de dois com as mãos e colocando easter eggs, remetendo ao gesto na promoção do registro. A teoria de um álbum duplo percorre as conversas da sua base de fãs há muito tempo, e finalmente aconteceu.

Sempre foi uma tradição de Swift lançar versões deluxe de seus álbuns. Mas, após o projeto das regravações com as faixas From The Vault, as músicas ‘descartadas’ começaram a ser disponibilizadas em tempo real. No seu trabalho anterior, Midnights, a intérprete de Anti-Hero já havia feito isso, lançando a 3am Edition com sete novas canções. Dessa vez, ela dobra ainda mais a aposta. Enquanto na primeira versão de ‘TTPD’, Taylor Swift foca em detalhar cada um dos últimos acontecimentos de sua vida, o outro lado do disco explora os pensamentos mais intrusivos da compositora, como espiar a janela dos outros. O protagonismo na produção dessa parte fica com Aaron Dessner, remetendo à atmosfera criada nos álbuns folklore (2020) e evermore (2020). 

The Black Dog, a primeira faixa do THE ANTHOLOGY, é o principal destaque, sendo a favorita na categoria ‘músicas que deveriam estar no álbum principal’. O jeito mesquinho que a cantora diz “E eu espero que esteja uma merda no The Black Dog”, convém uma emoção irracional que todos já sentimos, de desejar algo ruim para alguém que nos machucou. Por outro lado, em thanK you aIMee, Swift não perdoa nem esquece, mas agradece. Relembrando os tempos que dava pistas em letras maiúsculas em seus álbuns, a faixa é uma indireta direta à Kim Kardashian, que foi uma das principais responsáveis pelo intenso cancelamento que a artista sofreu em 2016. Na canção, deliciosamente carregada de influências country, a compositora ainda ressente tudo que aconteceu, no entanto reconhece que sem aquele momento, não estaria onde está hoje.

Descobrimos também que a garota de Love Story continua viva dentro de Taylor Swift com The Prophecy. O desejo de encontrar sua alma gêmea persiste, o que explica porque, em certas composições, os temas adolescentes ainda são explorados. Como a mesma disse em But Daddy I Love Him: “Crescer precocemente às vezes significa não crescer de forma alguma”. Essa jovialidade é recorrente em So High School, que junto de The Alchemy, da versão original, são as canções destinadas à Travis Kelce, o novo parceiro de Swift. Com várias referências ao início da década de 2000, a mais nova torcedora do Kansas City Chiefs e vencedora honorária da 53ª edição do Super Bowl declara sua paixão da mesma forma que uma jovem de dezesseis anos.

Qual o propósito de THE TORTURED POETS DEPARTMENT: THE ANTHOLOGY? Por um lado, 31 músicas é um grande presente para os fãs e mostra o quanto Swift está disposta a sempre recompensar seus maiores admiradores. Ao mesmo tempo, pode ser visto como uma forma de obsessão por números e de alimentar a roda da criação de conteúdo nos tempos do TikTok. Ambos são verdade. A artista já se mostrou, muitas vezes, se importar com charts, vendas e premiações. Os meios podem ser questionáveis, todavia os fins são claros. Vale de cada pessoa discordar e não consumir sua música ou concordar em não se importar e aproveitar o material. Esse não é só um argumento dos swifties, mas de quem entende o impacto da música da ‘loirinha’, como o ex-CEO da empresa norte-americana Ticketmaster, Nathan Hubbard, ao dizer no podcast Every Single Album que: “Este álbum é importante. Faz parte de sua narrativa. Mas não precisa ser o seu favorito ou de qualquer outra pessoa. Deixe-a criar exatamente de onde ela está.”

Para o futuro, quando se trata de Taylor Swift, muita coisa é esperada. No momento, a artista encaminha para a finalização da The Eras Tour na América do Norte, incluindo o novo ato do THE TORTURED POETS DEPARTMENT. Quanto às regravações, reputation (Taylor’s Version) já passou da hora de aparecer, junto do auto-intitulado debut. Ainda é muito cedo para se dizer qual será o caminho para o próximo disco de inéditas, entretanto seria interessante que a banda dos poetas torturados seja separada para que Swift explore uma nova sonoridade e inicie uma nova fase em sua carreira.

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Sinara Martins

Há 20 anos, Kanye West lançou seu primeiro álbum: The College Dropout. Visto, até então, apenas como um produtor, o cantor teve seu projeto negado por vários caça talentos, como foi mostrado em seu documentário Jeen-Yuhs (2022), até ser aprovado pela produtora Roc-A-Fella, em um ato de egoísmo de Damon Dash, para que o rapper não procurasse outras gravadoras.

Quando finalmente lançado, em 2004, o disco foi responsável por consolidar a carreira musical de Ye e debutou em segundo lugar nos charts da parada musical estadunidense Billboard Hot 200. Além disso, venceu as categorias de Melhor Álbum de Rap e Melhor Canção de Rap com Jesus Walks no Grammy do ano seguinte. Somado a suas vitórias, o álbum ainda coleciona outras dez indicações na premiação.

Em um ambiente impossível de separar o artista da obra, vale ressaltar: Kanye West é genial somente no âmbito musical. É inadmissível defender suas falas e atitudes completamente imorais, que ferem direitos humanos e praticam discursos de ódio com diversos grupos sociais, tornando necessário a conscientização de que suas ações individuais não devem ser defendidas e propagadas.

Focando apenas em West na cena da Música, uma coisa é inegável: ele contribuiu imensamente para a renovação do cenário. Suas composições do álbum mudaram os parâmetros da abordagem de temas nas faixas dos discos de hip-hop, uma vez que saiu do convencional da época e serviu de inspiração para diversos artistas, inclusive Travis Scott. Foi uma grande inovação.

Digno de prêmios, o disco contém 21 faixas, dentre elas All Falls Down, Spaceship, Jesus Walks, Two Words, Family Business, Through The Wire e Slow Jamz.  Produzido exclusivamente por Kanye West, há uma mistura bem executada de samples de outros gêneros musicais, como soul e gospel, que combinam com as suas colaborações musicais: de Jamie Foxx até Jay-Z e Ludacris.

A respeito do conceito da obra, o título fala por si só: retrata a saída de Kanye West da faculdade em uma tentativa de priorizar seus sonhos para se tornar músico, com sua intenção de promover uma mensagem sobre acreditar em si mesmo. Sob essa estética, na capa do álbum, West usa uma emblemática fantasia de urso, que remete à ideia dos mascotes de times escolares. 

Com produções em um estilo que faz alusão ao ambiente escolar e uma abordagem de assuntos que saíam completamente das concepções padrões do hip–hop, o músico incorporou uma perfeita combinação do tradicional rap que está presente nas ruas aos inovadores temas que o álbum também retrata. No conjunto da obra, o artista retrata a família moderna em Family Business, o consumismo e materialismo em All Falls Down, o falido sistema de educação norte-americano na canção School Spirit e critica o mundo profissional em Spaceship.

Ainda sobre as letras, ao escrever Jesus Walks, o artista desafia todo modelo padronizado do estilo musical que canta e mostra que é, sim, possível fazer um rap sobre Jesus, em uma atmosfera onde parecia proibido misturar hip–hop e religião. No ano seguinte, a canção de Ye é simultaneamente indicada ao Grammy, nas categorias Melhor Canção de Rap e Música do Ano, mostrando que veio para triunfar.

O ponto alto do álbum, marcado por Through The Wire, retrata a grande e devastadora reviravolta na vida do cantor: um acidente de carro quase fatal, responsável pela quebra de sua mandíbula. Ao gravar a faixa, ainda com sua mandíbula entre ferros, na cama do hospital, o músico aborda inúmeros temas; do amor até sua aspiração pelo sucesso, determinação e vontade de superar a dor.

Kanye West alcançou um marco na indústria musical e é isso que o torna tão distinto. Ao ser precursor da inovação da cena do hip-hop quebrando os padrões dos temas de composições da época, inspirou inúmeros artistas. De Travis Scott a Paul McCartney, passando por Kid Cudi, J. Cole e Childish Gambino, o músico recebe um enorme grau de admiração no mundo da Música e influência em álbuns de diversos artistas, como Utopia (2023), Be (2020), Views (2016), At.Long.Last.A$AP (2015), Get Lifted (2005).

Ao alcançar notoriedade com o lançamento de The College Dropout, West se tornou uma promessa musical. Depois do sucesso, a indústria nunca mais foi a mesma, uma vez que o disco mostrou a possibilidade da abordagem de outras temáticas nas canções de rap, outros artistas seguiram os passos dele e trouxeram mais pautas à cena, como é possível observar nos dias atuais. Mesmo após 20 anos, a influência de The College Dropout na cena da música é nítida, única e crucial para toda a nova geração de artistas do hip-hop.

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Fábio Gabriel Souza

A Arte precisa sempre ser inovadora? Essa pergunta guiou a discussão de muitos fãs, especialistas e entusiastas de cultura pop ao escutarem Something To Give Each Other. Troye Sivan, em seu terceiro álbum de estúdio lançado em Outubro de 2023, nos leva a uma viagem dançante, eletrizante e intimista, que celebra a liberdade de expressão queer. Longe de ser inovador e revolucionário, o álbum é o que se propõe a ser: pop. 

Em uma melancólica estreia de 2015, com Blue Neighbourhood, Sivan cantou sobre descobertas e emocionou milhares de ouvintes com uma profunda identificação da comunidade LGBTQIA+. Depois, em Bloom (2018), o australiano, já um pouco mais maduro, versou sobre a vida adulta e suas primeiras experiências amorosas sexuais. Enquanto, nesses álbuns, ele procura seu lugar no mundo com inúmeras descobertas e ‘primeiras vezes’, no atual projeto, o cantor desenvolve uma persona madura e vivida, cantando sobre a sua independência e liberdade, embalado por ritmos que remontam ao pop disco e à Música eletrônica da década de 1980.

“Este álbum é o meu presente para você – um beijo na pista de dança, um encontro que se transformou em um fim de semana, uma paixão, um inverno, um verão. Festa após festa, após festa, após festa. Desilusão, liberdade. Comunidade, irmandade, amizade. Tudo isso <3” 

– Troye Sivan via X

Em Rush, música escolhida como lead single, somos levados a uma noite de ‘curtição’. Com batidas eletrizantes e dançantes, a canção indicada ao Grammy de 2024 canta sobre a cultura LGBTQIA+. Partindo de um estilo sensual e homoerótico, vemos um artista seguro de si e da sua sexualidade, livre para, enfim, celebrar a sua liberdade. Tudo isso é notável em versos como “Tão bom quando desaceleramos a gravidade, tão bom/É tão bom, é tão bom/Respire uma, duas, três vezes, pegue tudo de mim, tão bom”, em que a sexualidade é celebrada. Com um ritmo enérgico, Troye Sivan ainda canta sobre a falta que sente de um amor que está distante e como ele próprio está se sentindo. Segundo o website Pitchfork, o músico trata as festas e o sexo como um ato quase religioso.

Começando tão agitado, o álbum logo entra em um segundo ato e sofre uma queda de ritmo. Ao diminuir o flow em One of Your Girls, Sivan conta um segredo com um vocal sussurrado; a música é sobre a atração do eu lírico por um homem hétero. A canção constrói uma atmosfera sexy em volta de uma narrativa do proibido ser mais gostoso. Sendo fiel aos seus vocais, a composição propõe leveza e sensualidade. Em um videoclipe ainda mais polêmico, o artista performa vestido de drag queen e denuncia a submissão imposta com grande frequência aos homens gays. Refletindo seus pensamentos e dando continuidade, ele traz um desabafo em um ritmo desacelerado, com uma batida expansiva e taciturna, que transforma em beat e poesia caótica os sentimentos de uma pessoa apaixonada e obcecada.

Ao compor sobre sentimentos, é impossível não tratar da saudade e Troye Sivan sabe disso. Em alguns momentos, o artista retrata momentos perdidos e a falta de um amor do passado que ele não pode voltar a ter com um lirismo triste e profundo. É nítida a dificuldade de seguir em frente, mas com uma certa maturidade, o eu lírico entende que é um processo necessário, porém, dolorido, como o amor pode ser. O final da faixa entrega batidas distorcidas que provocam confusão, como um curto-circuito de tanto pensar. Com a mesma calmaria, Can’t Go Back, Baby é embalada por uma sonoridade com batidas constantes, que não traz surpresas, característica que reflete monotonia. Com referências do pop alternativo, Sivan se força a seguir em frente mesmo sentido dor e tenta se convencer sobre como é impossível voltar atrás ao cantar “Eu queria, mas não posso voltar (não posso voltar no tempo, querido)/Para os dias em que eu achava que te conhecia”.

Retratando os altos e baixos da vida, o australiano traz um sopro de animação para o disco com músicas sensuais e envolventes, de sonoridade pulsante, cantadas de uma forma sexy. Got Me Started, por exemplo, é uma mistura de pop e R&B contemporâneo, tendo um sample de Shooting Star (2009) da dupla Bag Raiders. A faixa reflete uma intensa noite de paixão e culmina em uma catarse vibrante sobre honestidade sexual: um grito queer sobre amar e querer quem quiser. Essa narrativa é muito bem representada em um videoclipe que exalta diferentes corpos e sexualidades, enquanto as luzes da cidade de Bangkok, onde foi gravado, leva o artista em uma dança agitada e divertida  – bem diferente do cenário de Rush, que sofreu críticas pela falta de diversidade no elenco.

Em uma balada dançante, Silly retrata Troye Sivan perdido. O próprio ritmo da música demonstra a confusão na cabeça do eu lírico e a constante vontade de esquecer um amor do passado. Ao cantar que “Eu ainda te amo mais do que eu deveria dizer/Só estou tentando colocar toda essa porra de lado/Não preciso de ninguém aqui pra me consolar/Só estou tentando sair disso”, entendemos que a composição é sobre uma noite de festa para esquecer.

O albúm mostra que a Música é para além de letras e, muitas vezes, sobre o conjunto da obra, afinal, somos surpreendidos a todo momento por uma experiência sinestésica. Honey, por exemplo, é toda sobre excessos, muitos sons, instrumentos e toques distintos que provocam um jogo de emoções inexplicáveis. E a Música é isso, um êxtase provocado por um misto de desejos e sensações. A repetição de versos como “ao longo do tempo” e “em minha mente” demonstra a urgência sentida pelo artista que, em entrevista à revista Rolling Stone Austrália, revelou que a canção foi inspirada em um ‘caso de uma noite’ em West Hollywood e representa seu despertar emocional, que também culminou no desenvolvimento do disco.

A confusão se faz presente quando Sivan sente coisas lindas, mas vive um momento em que não sabe se existe possibilidade para dar continuidade. O saxofone, presente em vários minutos da canção final, por exemplo, adiciona uma melancolia na aura, que também está marcada em sua própria letra: “Querido, volte, me dê mais um beijo/Estou um pouco perdido sobre como ficar com você”. Além disso, a falta de intimidade que ele sente atualmente na relação também é motivo desse sentimento, como retratado em “Não tenho flores, mas o que vale é a intenção/Queria que você morasse um pouco mais perto”; retratando a desesperança no amor, diferentemente de outros trabalhos, como Angel Baby (2021), que retrata uma idealização amorosa.

Em resposta aos questionamentos que podem ser feitos quanto a qualidade artística do álbum, conclui-se que a Arte nem sempre precisa ser inovadora, mas sim, ser uma expressão do ‘ser’ e claro, deve ser boa, o que Troye Sivan entrega com maestria ao trazer uma sonoridade que se encaixa perfeitamente durante todo o disco – inclusive em momentos que o ritmo cai, mas não perde a identidade musical –, com letras envolventes e sinceras, que emanam emoções cruas, e visuais que representam, definitivamente, uma era. No auge da sua proposta artística, o australiano nos leva a um ‘rush’ no universo construído milimetricamente por ele, cheio de tesão, ternura, noites de boate e, até mesmo, glory holes.

Com uma nota sólida no contador de críticas Metacritic e ótimas avaliações da crítica especializada, Something To Give Each Other é sobre vivências queer, amores que deram certo e errado, e ser honesto consigo mesmo e com a confusão de se entender. Aos 28 anos (na época), Sivan finalmente canta sobre suas experiências LGBTQIA+’s abertamente, sem camuflá-las em metáforas. Claramente, é uma odisséia sobre os altos e baixos do coração, mas não só isso, é sobre vivê-los com intensidade. O álbum é uma jornada de autoconhecimento e uma ode a liberdade sexual, amorosa e queer, além de um lembrete de que nunca paramos de procurar algo para dar ao outro.

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Guilherme Barbosa

Billie Eilish entrou para a história em 2020, na 62ª edição do Grammy Awards, quando seu álbum de estreia aclamado, WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?, ganhou o prêmio de Álbum do Ano, o que a tornou a garota mais jovem a conquistar essa categoria. Ao longo das 14 faixas que compõem o disco, a artista navegou por diferentes sentimentos, desde os melancólicos até os mais obscuros.

O trabalho da cantora começou a gerar notoriedade em 2016, quando ela lançou a doce ocean eyes. Desde o início de sua carreira até seus trabalhos mais recentes, ela sempre abordou emoções profundas em suas músicas. Em idontwannabeyouanymore, a insegurança e autocrítica são exploradas por um viés de vulnerabilidade e honestidade. Já em seu álbum de estreia, ela se questionou para onde vai quando dorme e devaneia (ou será que não?) por pesadelos e sonhos.

O conjunto da obra, produzido juntamente de seu irmão, Finneas O’Connell, é uma jornada que se aprofunda pelo inconsciente do eu lírico. Utilizando elementos do pop, eletrônico e Música alternativa, os terrores noturnos surgem em faixas como a eletrizante bury a friend. Esse mergulho nas profundezas da psique humana é uma característica de seu trabalho, que entrega aos fãs uma narrativa emocionante e sonoridade única.

É perceptível que as composições de Eilish permitem inúmeras interpretações, afinal, o inconsciente muitas vezes é  subjetivo. A canção em destaque – no verso onde menciona o título do disco, “Quando todos dormimos, para onde vamos?” –, as reflexões podem ser acerca do desconhecido, a morte ou o subconsciente. Essa perspectiva mostra como suas letras trazem profundidade e complexidade em suas narrativas.

Grande fã do Terror, Eilish encontrou inspiração em um de seus filmes favoritos, O Babadook (2014), para criação de seu álbum, incluindo a arte da capa que, de forma emblemática, consegue retratar excelentemente todos os elementos trabalhados em WWAFA,WDWG?. Os adjetivos demoníaca e sombria talvez sejam os mais adequados para descrever o que é a belíssima Fotografia. Sob a direção de Kenneth Cappello, todos os desejos da cantora foram habilidosamente reunidos, produzindo o material impecável.

Não havia dúvidas de que uma obra tão bem produzida seria um sucesso estrondoso. Aos 18 anos, Billie Eilish lançou seu primeiro álbum em Março de 2019 e, imediatamente, mostrou o que viria a ser na indústria musical. Tornou-se a cantora mais jovem a ser indicada às principais categorias do Grammy, teve o álbum mais reproduzido no Spotify e também o mais vendido daquele ano. 

E quanto vale entrar para a história? Com seu sucessor, o melódico Happier Than Ever (2021), a artista tinha o desafio de atender a expectativas devido aos feitos do antecessor e inovar com seu novo álbum. O sucesso não foi diferente, e a obra estreou no topo da parada musical Billboard 200. Cinco anos depois, seu primogênito ainda é memorável e ficará marcado com seus feitos. A artista mostra para o que veio com sua criatividade e autenticidade, e se estabelece no cenário musical como um ícone global.

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Nathalia Tetzner

Quando Beyoncé idealiza um projeto, dá adeus aos limites e insiste até funcionar. Em sua nova empreitada, COWBOY CARTER, ela definitivamente não chega de ‘mansinho’ para cavalgar pelo country. Diante de um gênero musical financiado por uma indústria conservadora que já a alertou para ‘tirar o cavalinho da chuva’, a texana se aventura enquanto, pelo bem e mal, deixa a sua marca registrada em todas as 27 faixas. 

O oitavo disco da artista mais culturalmente relevante do século – segunda peça de uma trilogia idealizada durante a pandemia da covid-19 –, é um estudo sobre as raízes do country estadunidense que atravessa a história de um país fadado ao fracasso, mas que sempre soube se reerguer através de simbologias libertárias. Assim como na arte de capa do álbum, dessa vez, Beyoncé Giselle Knowles-Carter deseja subverter conceitos.

Com uma mão carregando a bandeira, ou melhor, o fardo de uma nação erguida a custas do sofrimento do povo negro, e com a outra conduzindo o cavalo, a artista mostra que o controle de sua trajetória sonora está em suas mãos. Para isso, nosso amigo prateado queer ‘Reny’ dá lugar a Chardonneigh; ao contrário do anterior, um pouco menos coeso nas passadas, porém, imponente e concebido ao mundo como clássico instantâneo. 

Além de marcar território a respeito da sonoridade, a posição grandiosa da ex-vocalista do Destiny’s Child denota uma nova era para a cultura como um todo: o cowboy core. Inspirada em filmes estilo faroeste que variam desde Cowboys do Espaço (2000) até Assassinos da Lua das Flores (2023), ela percorre uma atmosfera lendária através da perspectiva de uma mulher negra, desafiando o saudosismo e colocando o cavalo na chuva no maior estilo COWBOY CARTER.

Não será de se espantar que os cantores passem a rejeitar os instrumentos programados por softwares ou que a moda seja tomada por chapéus, fivelas e franjas – afinal, tudo que Beyoncé toca vira tendência, sendo praticamente o Midas do universo do entretenimento. Sem desistir das mudanças bruscas de sonoridade que questionam a ideia de gênero musical, a obra explora os versos tradicionais do country com aquele aspecto selvagem que só ela sabe acrescentar.

Transitando entre narrativas líricas que traduzem o cotidiano do perfil padrão dos homens brancos que passam tempo demais na estrada longe da família e a vida superficialmente luxuosa de uma diva pop, a ‘Queen B’ flerta com a estética sem soar tão irônica quanto Madonna em sua época de movimentar “no beat do tuts, tuts” com Music (2000). Ela também não se insere tão naturalmente quanto Bob Dylan, no entanto, oferece uma latência energeticamente perfeita para um rodeio.

Os dois primeiros singles retratam essa espécie de dicotomia existente em COWBOY CARTER. De um lado, produções complexas que valorizam os vocais e contam histórias, do outro, batidas dançantes trabalhadas com frases de afirmação à la Beyoncé. Se 16 CARRIAGES já é um destaque de sua discografia, TEXAS HOLD’EM reúne todos os clichês do country, o que funciona para virais nas redes sociais ao passo em que soa quase como uma paródia.

Entretanto, é inegável a presença de uma representatividade potente nas duas formas de cantar. Ambas as canções trazem instrumentistas negros que atuam no gênero, entre eles, Robert Randolph, guitarrista de pedal steel e Rhiannon Giddens, tocadora de banjo. Essa colaboração com artistas renomados em suas áreas, mas não tão conhecidos pelo mainstream, os concedeu a chance de aparecer nas paradas musicais da Billboard, catapultando por tabela os ouvintes nos streamings. 

Com um excesso questionável de “Yeehaw”, que permanece nas composições menos inspiradas do ACT II, a música antecipou a vontade da texana em retratar o country, porém, revelou uma certa imaturidade à época. Agora, experiente e disposta a fazer os haters morderem a língua, ela reformula a narrativa sobre comportamentos patriarcais com maestria em DAUGHTER, de longe, a melhor produção do disco que conta com a aria Caro Mio Ben.

“Diziam que eu era country demais/Então veio a rejeição, disseram que eu não era country o bastante/Disseram que eu não ia subir na sela, mas/Se isso não é country, me diga, o que é?” – AMERIICAN REQUIEM

Fazendo jus ao conceito de partição que diferencia as faixas do álbum, a cantora também se divide entre a fumaça das ruas e os corais da igreja, em um misto de religiosidade e ambições mundanas. Nas parcerias, essa transição fica nítida com as participações no mínimo inusitadas de Post Malone na sensual LEVIIS’S JEANS e Miley Cyrus – junto de sua voz ríspida que causa um conflito entre texturas vocais transcendentes –, na redenção de II MOST WANTED.

Nesse caldeirão de sonoridades, Dolly Parton enfrenta um perigo iminente: uma composição se tornar mais popular na voz de outra pessoa, novamente. Isso porque a interpretação de JOLENE ganha uma nova dimensão com a entonação dramática de Beyoncé, uma vez que a história sobre traição casa perfeitamente com os problemas familiares da família Carter, resultados da infidelidade do marido, o rapper Jay-Z.

Do mesmo modo que I Will Always Love You foi eternizada por Whitney Houston no longa O Guarda-Costas (1993), o aviso à mulher jovem de cabelo castanho-avermelhado que remonta a “Becky with the good hair” pode se sobressair em relação a gravação original de 1974, ao menos para a audiência não familiarizada com a lenda da Música country. Outro cover presente em COWBOY CARTER é BLACKBIIRD dos The Beatles que, ao contrário, não desperta tantas emoções.

Ao repetir a lista longa de colaboradores do antecessor, o primeiro ato Renaissance (2022), a intérprete de Crazy In Love parece entender que significa algo maior do que ela mesma. Ao longo de duas décadas de atividade, Beyoncé passou a simbolizar muitas comunidades, compreendendo a sua artisticidade como um grande trabalho em grupo; até porque esses dois últimos ensaios de expressões culturais tão distintas só poderiam ser feitas a muitas mãos.

Na produção do disco, D.A Got That Dope, Ryan Tedder e Pharrell Williams formam o trio principal que exemplifica os elementos do rap, pop e R&B, sempre interpolados na discografia da cantora. Entre os poucos momentos abaixo do esperado – como a cansativa SWEET ★ HONEY ★ BUCKIIN’ –, as interludes surpreendem: intituladas como SMOKE HOUR, elas trazem narrações dos ícones Willie Nelson e Linda Martell.

Durante o aprofundamento a respeito do gênero musical, até mesmo sample de funk brasileiro foi utilizado; logo após uma breve introdução de Martell, SPAGHETTII atinge o clímax através do ‘batidão’ de Aquecimento Das Danadas, autoria dos DJs Mandrake e Xaropinho. A faixa BODYGUARD também despertou a atenção do país para além da qualidade, sendo acusada de supostamente soar como plágio de um certo hit do ‘aplicativo de dancinhas’, o que não procede.

Por vezes, as guitarras animadas de COWBOY CARTER possuem mais afinidade musical com Born to Run (1975) de Bruce Springsteen do que qualquer outra obra atual. Justamente por referenciar tantos clássicos da Música, é difícil imaginar como o Grammy irá contornar as indicações de 2025 para premiar, pela quinta vez, alguém que não seja Beyoncé com o gramofone mais cobiçado da noite, o de Álbum do Ano.

“Com quinze anos, a inocência havia se perdido/Tive que sair de casa ainda muito jovem//Eu vi minha mãe orar, eu vi meu pai batalhar/Tive que deixar para trás todos os meus doces problemas.” – 16 CARRIAGES

Ainda sem visuais, nessa altura do campeonato, é de se acreditar que Beyoncé quer o foco inteiramente na Música e, seja essa técnica reproduzida ou não no ACT III, a expectativa está alta como nunca antes. Se superar Renaissance soava quase impossível, COWBOY CARTER não facilita para o terceiro ato. Fato é que, qualquer direção que a artista e seu cavalo tomem, certamente a indústria musical irá querer cavalgar junto.

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