Frederico Tapia

Nascida em 1985 na cidade de Riyadh, na Arábia Saudita, mas criada em Lahore, no atual Paquistão, e atualmente radicada em Nova York, nos Estados Unidos, Arooj Aftab começou a ser conhecida durante os anos 2000 com rendições de músicas de outros artistas, como por exemplo Hallelujah, de Leonard Cohen. Ela se formou no Berklee College of Music em Produção Musical, Engenharia de Som e Composição de Jazz após se mudar para os EUA em 2005. Em 2021, ela lançou seu terceiro álbum de estúdio, Vulture Prince, e conquistou duas indicações ao Grammy 2022, tornando-se a primeira mulher paquistanesa a ser indicada à premiação estadunidense. Uma das indicações é como Artista Revelação, uma das principais categorias do prêmio, e a outra como Melhor Performance de Música Global por Mohabbat.

Aftab dedicou o álbum a Maher, seu irmão mais novo que faleceu durante o processo criativo do disco. Inicialmente, ela estava buscando trabalhar com uma sonoridade mais ousada e alegre antes desta tragédia pessoal. Mas no processo de produção do novo álbum, ela agora estava lidando com a morte de seu irmão, e por isso, ela retornou à sonoridade de seu primeiro disco, Bird Under Water (2015). Ela foi em busca dos Ghazals (poemas islâmicos, muito comuns no subcontinente indiano) em Urdu e da Poesia Sufi para criar uma declaração sobre a sua jornada, da dor e do luto até a aceitação. Ela disse que o álbum é sobre revisitar lugares que um dia ela chamou de seus, “lugares que não necessariamente ainda existem”. É sobre pessoas, amizades, e alguns relacionamentos que acabaram de forma abrupta, e como lidar com eles.

Como dito na página do disco no bandcamp, os dois álbuns se comunicam como se fossem dois capítulos. Além dos dois nomes serem ligados a aves, também há o ritual Parse, chamado de Dakhma ou Torre do Silêncio, que acontece quando deixavam os entes queridos após morrer para serem consumidos por abutres, como gesto para retomar o ciclo da vida. Aftab disse que ficou pensando neste ritual, o quão belo e ao mesmo tempo sombrio é, além do papel que os abutres têm no ciclo da vida.

Em Vulture Prince, ela infunde os Ghazals, o Thumri (estilo de canto usual no norte da India) e o Qawwali (uma forma de canto devocional islâmico, mais comum no subcontinente indiano) com o minimalismo de Terry Riley (um dos pioneiros na escola do minimalismo musical). Ela abre mão de alguns instrumentos tradicionais, como o Sitar e o Bansuri. Além disso, das sete músicas do álbum, cinco não contam com qualquer tipo de percussão, com as exceções sendo Last Night e Mohabbat. Por isso, Aftab usa sua voz como um instrumento, sendo este provavelmente o mais proeminente ao longo dos 46 minutos que o disco percorre. 

A maior parte das canções são releituras. Por exemplo, Suroor, que ficou conhecida na voz do grande Nusrat Fateh Ali Khan, um dos maiores cantores de Qawwali e considerado por alguns como o maior cantor Sufi nas línguas Punjabi e Urdu, chamado muitas vezes como “Shahenshah-e-Qawwali” (“O rei dos reis do Qawwali”). Outro exemplo é Last Night, a única música cantada em inglês do disco. A canção se trata de um poema de Rumi, poeta persa do século XIII que, apesar de ser um dos mais vendidos no Ocidente, tem seu contexto religioso retirado de seu trabalho na maior parte das traduções.

O disco é iniciado com Baghon Main, uma regravação de um Ghazal que Arooj já havia interpretado em seu primeiro álbum, mas que aqui assume uma influência sonicamente minimalista. O álbum segue com Diya Hai, que foi a última música que ela cantou para seu irmão em vida, e que conta com a participação da brasileira Badi Assad. A canção é uma interpretação de um poema de Mirza Ghalib, no qual Aftab demonstra sua voz etérea junto ao virtuosismo de Assad no violão. Nos versos finais, ela canta sua sensação de estar sem palavras e isso diz muito sobre o próprio disco. Afinal, o álbum, de forma até proposital, talvez não diga tanto de forma sônica, e também talvez, nem precise dizer mais do que isso.

Seguindo, a próxima canção é Inayaat, um Ghazal de Sudarshan Fakir que pode ser traduzido como “Gentileza”, e a própria cantora traduziu a letra na página da música no site Genius. O único momento em que ela não canta em sua língua nativa é em Last Night, canção que evoca repetidamente a imagem da Lua, que na poesia Sufi, tende a vir de um lugar tanto de esclarecimento quanto de transcendência. Ao citar que seu amado é como a Lua, Aftab encontra uma forma para os seus sentimentos nesta situação específica. Aqui, assim como em outros momentos do disco, ela repete suas palavras várias vezes, e a cada vez que isso acontece, a artista encontra uma forma de fazer os versos chegarem até nós de uma forma diferente.

Mohabbat, um dos singles e que gerou uma de suas indicações ao Grammy, é um poema de Hafeez Hoshiarpuri escrito na década de 1920. Existem outras versões feitas por cantores paquistaneses, como Mehdi Hassan, mas Aftab toma outra direção em sua interpretação. Sem o uso do harmônio ou da tabla, ela alonga as palavras, evocando o sentimento de tristeza da separação. 

“A tristeza disso é igual a tristeza de todo o mundo”, ela canta, evocando algo que poderia ter vindo de Abida Parveen. Apesar de nunca chegar em um clímax propriamente dito, a canção cria camadas e camadas de sentimentos como algo que queima lentamente, e segundo as palavras da própria artista, ela quer que sua música traga sentimentos da poesia Sufi, como calma, paz, paciência, simplicidade, e depois anseio, tristeza, procura, unidade, e compreensão.

A penúltima canção, Saans Lo, é um poema composto por Annie Ali Khan, amiga da cantora que faleceu em 2018, no mesmo ano que o irmão de Aftab. Aqui, a canção nos aconselha a respirar e olhar pra frente antes de chegar ao encerramento do disco, que acontece com Suroor. A música nasce de outro clássico Qawwali, mas dessa vez, ela o leva para a direção do jazz e sintetiza a ideia de Vulture Prince:  mesmo retornando às suas origens, Arooj Aftab demonstra toda sua personalidade e sua identidade criativa, no fim das contas trazendo algo único.

Aftab disse que esse é um álbum sobre revisitar, reviver lugares e relacionamentos que não necessariamente existem. Indubitavelmente, é um álbum extremamente pessoal, mas ao mesmo tempo, ele ultrapassa barreiras, sendo elas tanto linguísticas quanto musicais, e consegue passar sua mensagem de forma brilhante. Desta forma, Vulture Prince traz um pouco de ar fresco ao Grammy, extremamente dominados pelos mesmos gêneros e sempre cantados em inglês.

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Frederico Tapia

Em 2011, Dan Barrett, membro da banda Have A Nice Life, lançou o primeiro e único LP sob o nome Giles Corey. A origem do nome adotado por Barrett é de um fazendeiro com o mesmo nome que viveu no século 17 e foi morto durante os julgamentos das bruxas de Salem. Ao longo dos 56 minutos que constituem o álbum, ele fala abertamente sobre suas lutas internas, principalmente contra a depressão e o suicídio. Ele mesmo afirma em seu perfil no Bandcamp: “Giles Corey são músicas acústicas sobre depressão, suicídio e fantasmas”.

O disco é acompanhado de um livreto de cerca de 150 páginas no qual o artista conta sobre e diz muito das ideias de Robert Voor, um personagem que aparece de forma recorrente na arte de Barrett e é possivelmente uma Tulpa (conceito do budismo tibetano que se trata de uma criatura imaginária que pode ser criada a partir de pura força de vontade, envolvendo uma meditação intensa; além disso, essa criatura seria um pensamento tão real que chegaria a assumir uma forma material, e, até certo ponto, autônoma). Todas as faixas possuem uma seção correspondente no livreto.

Giles Corey definitivamente não se trata de uma obra fácil de se consumir, muito pelo contrário. É um álbum extremamente triste e com uma atmosfera de total desolação, durante todas as canções. E não é à toa, afinal, musicalmente ele incorpora elementos de shoegaze, drone, noise, passando por field recordings e até gospel. O disco não é uma tentativa de achar consolo ou conforto, mas sim de achar respostas. No verão de 2009, Barrett viveu um episódio depressivo que durou meses, e ele fala sobre esse acontecimento que culminou na concepção do LP na introdução do livreto. A depressão de Barrett se manifestou com uma pergunta: “se eu não quero estar vivo, eu quero estar morto?”, e Giles Corey nada mais é do que uma tentativa de responder isso.

O disco abre com The Haunting Presence, quando Barrett já diz que está “enterrado acima do chão”, um jogo de palavras tanto pela forma como o fazendeiro Giles Corey morreu quanto metaforicamente, uma alma morta dentro de um corpo vivo. Na sequência, em Blackest Bile, Barrett traz a imagem de uma nuvem de desânimo que inicialmente só afeta ele próprio e que só ele consegue perceber, mas com o passar do tempo essa situação começa a afetar todos que estão ao seu redor.

Faixas como I’m Going To Do It e No One Is Ever Going To Want Me criam um sentimento de completo desespero, de uma vida que não vale a pena ser vivida. Não há nada além de desespero e atitudes autodestrutivas que, com o passar do tempo, só se intensificam. Saber que se sentir desta forma mesmo com tantas pessoas em situações piores só fazem você se sentir culpado, e essas sensações se agravam. Nada mais importa, sua família, seus amigos, todos eles te amam e se importam com você, mas isso não faz diferença.

É difícil dizer o que você quer, mas, no fundo, é bem claro o que você busca. Dar seu último adeus é difícil, muito difícil, mas esse não é nem o maior dos problemas. E no fim das contas? Nada importa, nem mesmo tudo o que vai deixar para trás quando consumar seu fim. Junto a isso, o sentimento de auto-ódio em I’m Going To Do It e dizendo como ele se tornou tudo aquilo que  odiava, e isso estava acabando com ele.

Existe uma outra nuance para I’m Going To Do It que vem do livreto lançado junto ao disco. Nele, Barrett fala sobre o conceito de Descontextualização de Robert Voor. De forma geral, é como manter um diário e após um tempo trocar tudo o que foi dito na primeira pessoa pela terceira. Assim, se cria um cenário da sua vida sem você/sua identidade nela. Essa faixa é também Barrett dizendo que ele vai matar sua persona, seu ego.

Enquanto isso, No One Is Ever Going To Want Me ainda recicla uma ideia do outro projeto de Barrett, a banda Have a Nice Life, na comparação de forma implícita entre ser crucificado e formas severas de depressão na música Who Would Leave Their Son out in the Sun. Neste caso, a comparação é mais clara e direta, dizendo que o narrador e quem está ouvindo está “andando sobre a ponte dos suspiros, teremos uma cruz como Cristo, crucificado” e isso é repetido durante a canção.

Outro tema recorrente no álbum é o sentimento de solidão, de não merecer ser amado, sensação comum para pessoas que apresentam quadros depressivos. Por exemplo, Spectral Bride (que soa como uma série de canções gospel retrabalhadas) trata do conflito entre ter o desejo de não estar mais na Terra e, ao mesmo tempo, não querer abandonar quem ele ama, nesse caso virando um fantasma para poder continuar ao lado de sua amada. Anteriormente, no refrão de Blackest Bile, o narrador diz ser um fantasma solitário, e que nasceu para ser sozinho, reforçando esta ideia.

No encerramento Buried Above Ground, apesar de sonoramente a faixa destoar das outras por soar muito mais esperançosa que tudo o que veio antes, Barrett reutiliza alguns elementos da música de abertura The Haunting Presence, a começar pelo próprio nome. Já na letra, é reutilizada a metáfora que inicia o disco dizendo que “tem um demônio no meu peito/nas minhas pernas/nas minhas costas/no meu pescoço”, que representa sua luta contra a depressão e como ela o faz sentir que está vivendo no Inferno. Isso é reforçado logo em seguida quando ele diz que está gritando com uma criança no fundo de um poço, e finaliza ao retomar que “está enterrado acima do chão”.

Uma obra difícil de ser ouvida, mas, sem dúvidas, um dos projetos mais únicos da última década. Não se trata de um álbum com o perfeccionismo geralmente esperado do slowcore, é algo muito mais focado no emocional. Giles Corey acabou ditando os últimos 10 anos do gênero que ficou muito mais despretensioso, principalmente se comparado com as duas décadas anteriores.

No Brasil, o Centro de Valorização da Vida (CVV) atua, gratuitamente e de forma sigilosa, para todas as pessoas que precisam e querem conversar. Tanto por telefone (discando 188), quanto por e-mail e chat, 24 horas por dia.

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Frederico Tapia e Gabriel Leite Ferreira

O século XX vai aos poucos se despedindo de nós. Depois da fundamental Beth Carvalho em abril, chegou a vez de João Gilberto deixar este mundo, no dia 6 de julho, aos 88 anos. João já não fazia shows desde 2008 e não gravava desde 2000. Seus últimos anos foram marcados por sua notória reclusão e pelas infinitas batalhas judiciais travadas entre seus herdeiros, que incluíram turnês canceladas e pedidos de interdição.

Felizmente a reputação do baiano João Gilberto como baluarte da música popular brasileira é intacta desde 1959, ano da estreia Chega de Saudade, disco que alavancou uma revolução sem precedentes no Brasil e no mundo. A mistura de samba e jazz no violão complexamente delicado, junto às interpretações igualmente delicadas, entortaram a cabeça de uma juventude que menos de uma década depois viraria a MPB do avesso com a tropicália. Sobre sua influência fora do país, vale ler este artigo da revista Época, que conta um pouco da bonita relação de João Gilberto com o Japão.

É nesse clima de tristeza e gratidão que se embala a curadoria de julho. Confiram!

Hot e Oreia – Rap de Massagem

rap

Rap de Massagem é uma das melhores estreias brasileiras dos últimos tempos. Hot e Oreia surgiram primeiro como integrantes do coletivo mineiro DV Tribo (completado por Djonga, FBC e Clara Lima), desde sempre chamando atenção por suas rimas descontraídas. No primeiro disco da dupla eles seguem por esse caminho, e tem consciência de estar em um nicho pouco habitado pelo rap nacional.

“Ei, seu rapper favorito me acha esquisito”, manda Hot na faixa “Rappers”. Considerando o visual e a postura sisudas da grande maioria dos expoentes do estilo, a dupla mineira é mesmo estranha. Os vocais estridentes e versos como “Com família não se mexe / Minha mexe tanto que fede” e “Se só pensa com o falo / é porque quer soltar o anel” destoam da agressividade do trap da Recayd Mob e do romantismo clichê de Baco Exu do Blues. “Depois de Black Alien e Speed, é só nós memo”, diz Oreia na grudenta “Estilo”, referindo-se a outra dupla de rappers que sacudiu os padrões do gênero no Brasil.

Se Hot e Oreia se consolidarão como revolucionários de uma estética única, só o tempo dirá. Por ora, é seguro dizer que Rap de Massagem é dos discos mais coesos do ano. Pra ouvir numa boa. Destaque para o clipe de “Eu Vou”, com participação de Djonga. (GF)

Lingua Ignota – Caligula

música industrial, música neoclássica

Lingua Ignota, nome artístico de Kristin Hayter, continua aprimorando em seu terceiro álbum o que já havia trazido em seus projetos anteriores. O álbum traz elementos de noise, metal extremo, darkwave e música clássica. Liricamente, ela se apropria de imagens e referências bíblicas para retratar abusos que sofreu, sua eterna dificuldade e consequências desse sofrimento. Utilizando-se de uma enorme versatilidade vocal, Hayter cria um cenário apocalíptico, e apesar de ainda ter algumas de suas influências muito visíveis, sendo Diamanda Galás a mais notável, sua escrita é extremamente comovente e as performances extremamente viscerais não deixam com que isso se torne um problema.

A sonoridade em Caligula é extremamente abrasiva, sendo por muitas vezes difícil de digerir. O álbum é denso (dura pouco mais de uma hora) e é uma experiência completamente devastadora e única. A forma com que Hayter conecta as músicas temática e liricamente, por vezes reutilizando algumas letras, reforça e induz repetidas audições para se compreender o panorama geral do álbum. No fim das contas, Caligula só fortalece a reputação de que Lingua Ignota se trata de um dos, se não o ato mais intrigante da música experimental atualmente. (FT)

Purple Mountains – Purple Mountains

indie rock, country

Onze anos separam o último trabalho do escritor e compositor David Berman e este. Conhecido como o fundador da banda Silver Jews, Berman, apesar de bem conceituado, fez poucos shows durante sua carreira, o que diminuiu suas chances de sentar ao lado do parceiro Stephen Malkmus (Pavement) no panteão dos grandes cantautores do indie rock. Agora, ele retorna em grande forma com o Purple Mountains.

Musicalmente falando, são poucas as diferenças entre Silver Jews e Purple Mountains: indie rock com nuances de country/folk rock. É nas letras que a estreia homônima guarda o seu grande trunfo. Berman acabou de terminar um casamento de 20 anos e, apesar de afirmar que ambos continuam amigos, a amargura da separação é palpável em cada faixa do disco. Some aí uma depressão crônica e um passado de abuso de substâncias, e você pode ter uma ideia da condição em que ele se encontra.

Então, o que separa Purple Mountains de outros discos de término de relacionamento como A Crow Looked at Me, de Mount Eerie, e Blood on the Tracks, de Bob Dylan? Os arranjos invariavelmente contradizem as letras, o que permite paradoxos como uma canção de nome “All My Happiness is Gone” ser um (indie) rock de arena de respeito; ou então a pungente “Darkness and Cold” ter um clipe extremamente engraçado.

A banda de apoio não reinventa roda alguma (a sensação de se estar ouvindo um álbum dos anos 70 é constante), mas diante de interpretações tão tocantes de Berman isso só aumenta o charme da obra. Afinal, é um disco sobre tempos que passaram e a paralisia diante dos tempos que vieram (vide as dolorosas “She’s Making Friends, I’m Turning Stranger” e o encerramento com “Maybe I’m The Only One For Me”). Recomendado para amantes da sofrência folk do século passado. (GF)

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 Frederico Tapia

Shabaka Hutchings vem se estabelecendo como um dos músicos mais intrigantes e criativos da cena de jazz britânica e seu novo álbum se consagra como mais um pedaço da construção dessa reputação. Cena esta que vive seu maior renascimento em termos de novas ideias desde as inovações nos anos 60, tempos de Joe Harriott e Evan Parker.

Saxofonista, clarinetista e líder de banda (mais notavelmente dos grupos Sons of Kemet, Shabaka and The Ancestors e The Comet Is Coming), nasceu em Londres, mas viveu em Barbados durante sua infância e parte de sua adolescência. Foi lá que teve suas primeiras experiências musicais com ritmos caribenhos como o Calypso e Soca, o que ajuda a entender de onde vem a intensidade trazida por Hutchings por onde vai.

Em 2014 tocou e trabalhou com a Sun Ra Arkestra. Ra, que durante sua vida sempre buscou o futurismo e o místico em sua música, ao mesmo tempo em que sempre manteve suas fundações na tradição do jazz.

Trust in the Lifeforce of the Deep Mystery carrega tudo o que Shabaka já havia trabalhado até este momento. Com Comet is Coming, a pegada afro-furutista, remetendo a música de Sun Ra e Alice Coltrane, e o electro-jazz de Flying Lotus marcam presença durante todo o álbum. Passando e chegando ao som extremamente energético do Afro-Jazz já apresentado no último LP de sua outra banda, Sons of Kemet, em músicas como Summon The Fire.

O projeto também evoca algumas passagens de jazz espiritual, desenvolvido principalmente por John Coltrane nos anos 60, nas músicas mais lentas, a partir da segunda metade do álbum. Terminando com um pé no Free Jazz em The Universe Wakes Up, a última faixa do álbum.

Hutchings nunca escondeu sua admiração pelo hip-hop, afirmando inclusive que pratica seu saxofone ouvindo músicas de Nas, E-40 (quem ele descreve como o Eric Dolphy do rap), Notorious B.I.G., entre outros. Além de já ter declarado que quando está tocando ou compondo muitas vezes tenta fazer o papel do MC, da perspectiva rítmica e da energia.

A única performance vocal do álbum vem em uma espécie de spoken word da rapper britânica Kate Tempest em Blood of The Past, com uma poderosa fala sobre a humanidade e como continuamos vivendo com os mesmos erros do passado. Tempest também versa sobre todas as atrocidades que foram e ainda são cometidas, todo o sangue que já foi derramado e ainda sobre a ausência de qualquer sentimento de culpa.

O trabalho tanto de Betamax (ou seu pseudônimo TCiC, Betamax Killer) na parte mais eletrônica do som e de Danalogue (ou Danalogue The Conqueror) na percussão é muito bem feito e providenciam o apoio necessário para Hutchings (ou King Shabaka) poder se sobressair.

O resultado final é a síntese do que Hutchings vinha procurando, trabalhando e experimentando desde o primeiro trabalho com Mulatu Astatkem (pai do Ethio-Jazz, que se trata de uma mistura de Jazz com ritmos e estilos musicais Etíopes principalmente), e possivelmente seu projeto mais coeso até o momento. Ao mesmo tempo que são visíveis suas influências, o álbum é repleto da personalidade, do sentimento e da originalidade do Britânico-Barbadense.

O álbum acaba por criar ainda mais expectativas para o saxofonista de 33 anos. Apesar de já ter sido indicado ao Mercury Prize (prêmio anual dado ao melhor álbum feito por artistas britânicos e irlandeses) por duas vezes. Uma com o próprio The Comet is Coming e o álbum Channel The Spirits em 2016, o primeiro da banda. A outra indicação vem de 2018 com Sons of Kemet e o álbum Your Queen is a Reptile, uma linda homenagem a figuras históricas femininas negras.

Destaques: Summon the Fire, Blood of the Past, Super Zodiac, The Universe Wakes Up

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